Анри Руссо (1844-1910)

Как и многие гении, опередившие свою эпоху, Анри Руссо не познал при жизни, ни славы, ни богатства. Талантливый художник, проработавший до 41 года обычным клерком в таможенном департаменте Парижа, нашёл в себе силу воли бросить привычный уклад жизни и полностью посвятить себя живописи. Единственное, что поддерживало Руссо в его увлечении - непоколебимая вера в собственный талант, которая позволила ему стать одним из величайших мастеров своей эпохи. Удивительно, но стремление подражать технике прошлого перенесло художника прямо в будущее - его творческая манера станет очень характерной для многих мастеров XX столетия. «Наивное» искусство Руссо, шагая в ногу с импрессионизмом, в скором времени отделилось в совершенно другую школу. Оригинальный стиль живописца, изобилующий элементами фантасмагории, вызывал восхищение у Пабло Пикассо и Робера Делоне, давая самому Руссо при жизни лишь минимальные средства к существованию.

Бурная юность

Начав свою карьеру художника в возрасте сорока одного года, Анри Руссо был самоучкой. Приехав из провинции в Париж и устроившись мелким чиновником, Руссо рисовал везде: во время дежурств на работе, пользуясь благосклонностью начальства, и ночами дома. Бедный, но терпеливый, скромный, но уверенный в своей гениальности, он стал одним из ведущих и самых признанных мастеров художественного авангарда, которым восхищались и прогрессивные современники и поколения потомков.

Когда-то Руссо сам написал автобиографическую справку для книги «Портреты следующего столетия» - «Рожденный в Лавале в 1844 году в семье с отчаянно скромными доходами, он вынужден был изначально посвятить себя не тому ремеслу, к которому влекла его любовь к искусству». Правда, книга так и не вышла в свет.

Отцом художника-самоучки был Жюльен Руссо - потомственный жестянщик из городка на западе Франции – Лаваля. А матерью - дочь офицера Великой армии Наполеона. Отец Анри отчаянно мечтал разбогатеть, поэтому, купив дом на окраине города, он оставляет своё ремесло жестянщика и пытается наладить дело по перепродаже различных товаров. Но, увы, его дело прогорает, и с тех пор безысходная бедность поселяется в доме Руссо.

К счастью, несмотря на крайнюю нужду, семья будущего художника смогла отправить своего единственного сына учиться сначала в школу, а затем и в лицей. Учеником Анри был средним, хотя и сумел получить ряд школьных наград, отличившись на пении и арифметике. Эти, казалось бы, незначительные достижения повсеместно отмечаются в его биографии не потому, что Руссо стал всемирно известным художникам, а из-за того, что он ещё написал удивительный вальс, названный по имени первой жены - «Клеманс».

После обучения, Анри устраивается на службу в адвокатское бюро, где совершает большую ошибку. В девятнадцать лет, подстрекаемый приятелями, Руссо крадет из бухгалтерии бюро совершенно мизерную сумму денег, но этого оказывается достаточно, чтобы поставить крест на его адвокатской карьере и попасть под следствие. В суде, Анри приходится согласиться на сделку - целых семь лет службы в армии, за то, чтобы отсидеть в тюрьме только один год.

Полк Руссо, дислоцировавшийся во Франции, никогда не будет принимать участия в военных действиях за границей. Даже когда Наполеон III высылает в Мексику французский военный корпус, для того чтобы поддержать в борьбе за императорский трон своего ставленника Максимилиана, будущий авангардист не принимает участия в экспедиции. Хотя, когда много позже, поэт Гийом Аполлинер (1880 - 1918) пишет поэму о пребывании Руссо в красочной Стране ацтеков, художник ни разу не пытается её опровергнуть, как и ряд других мифов о своей жизни.

В 1868 году умирает отец Руссо, и Анри, как единственный кормилец семьи, получает увольнение из армии. Покинув свой, располагавшийся тогда в Париже полк, он с головой окунается в насыщенную жизнь большого города. Первым делом, молодой человек находит работу и снимает житье, располагавшееся недалеко от Ле Бон Марше - первого в столице Франции многоэтажного торгового центра.

Юноша сразу же влюбляется в дочь хозяйки дома, госпожи Буатар. В 1869 году он берет Клеманс Буатар в жены. Несмотря на постоянную слабость (Клеманс болела туберкулезом), супруга помогает Анри зарабатывать деньги на жизнь, без устали занимаясь шитьем на заказ. По выходным влюбленные супруги часто гуляют в прекрасных парижских парках. Правда, счастье Анри и Клеманс омрачено тем, что их дети умирают один за другим прямо в младенчестве.

Из семерых детей любящих супругов выживают лишь двое – дочь Жюли-Клеманс и сын Анри-Анатоль. Сама жена Руссо, постоянно мучимая туберкулезом, была слишком слаба, чтобы самой заниматься детьми, поэтому с самого рождения они воспитывались у няни, жившей в парижском предместье. В 1888 году Клеманс умирает. Анри Руссо никогда не забудет свою обожаемую супругу. Ещё при её жизни он посвятит ей вальс собственного сочинения, а после её смерти снова и снова будет создавать её портреты.

Мелкий чиновник, живущий искусством

Ещё в 1871 году молодой Руссо устраивается на постоянную работу в таможню Акцизного департамента, занимавшегося в XIX веке сбором налогов с ввозимых в Париж товаров. Инспекция товаров у городских ворот - скучное и однообразнее занятие, однако оно никак не ограничивает внутреннюю свободу человека, её исполняющего.

Во время одного из очередных дежурств, мелкий клерк устанавливает мольберт прямо во дворе здания департамента, и начинает рисовать. К большому сожалению, картины, написанные Руссо до 1877 года, не сохранились. Исключение составляет только одна, изображающая батальную сцену на фоне местного пейзажа.

Вскоре, известный в то время художник Феликс Клеман (1826 - 1888), который помогал молодому Руссо советами, знакомит начинающего живописца с одним из представителей официального французского искусства той эпохи бароном Леоном Жеромом. После этого, Руссо арендует свою первую мастерскую и в 1885 году, поддерживаемый бароном, впервые выставляет в Салоне Отверженных две свои работы.

Год спустя, в 1886, художник Поль Синьяк (1863 - 1935), заинтересовавшись работами Анри Руссо, приглашает его участвовать в новой выставке. Синьяк посчитал, что лучшее место для работ такого оригинального живописца – в Салоне Независимых Художников, созданном представителями художественного авангарда. Дело в том, что все ранние попытки создать независимые салоны заканчивались неудачей – они как по волшебству, начинали напоминать официальный Салон, не устраивающий прогрессивных живописцев, ощущавших все большую потребность экспонироваться отдельно.

Для Руссо было очевидно, что официальные художественные круги в лице Салона, с его старой академической традицией навсегда отвергли бы самоучку, хотя бы из принципа. Поэтому, с того времени и до самого конца, Анри Руссо будет оставаться верен новому «салону без жюри».

Уже в 1886 году, выставив в независимом салоне четыре свои работы, начинающий художник получит высокую оценку от таких известных живописцев, как Поль Гоген (1848 - 1903) и Пюви де Шаванном (1824 - 1898), которых восхитила способность Руссо передавать драматические моменты с помощью множества оттенков черного цвета. Но, в целом, его произведения остаются не понятыми публикой, даже более того - подвергаются осмеянию – академисты утверждали, что даже ребёнок способен так рисовать.

К счастью, Руссо оказался очень стойким к сарказму и критике публики. Он даже заключает договор с фирмой «Аргус», согласно которому, ему присылались все журнальные статьи и газетные вырезки, в которых содержались рецензии и отклики о его творчестве. В ожидании всеобщего признания своего бесспорного таланта, художник педантично вклеивал их в тетрадь, которая со временем становилась толще. Именно из газет Руссо однажды узнает, что мэрия Парижа присудила ему медаль. Счастливый, он сразу же приказывает упомянуть награду на своей визитной карточке, но позже оказывается, что он поторопился: речь шла о другом художнике с таким же именем.

Озабоченный после смерти супруги поиском средств для нормального содержания детей и покупки красок, Руссо, в надежде подзаработать и будучи под впечатлением от Всемирной выставки в Париже в 1889 году, на которой Франция представила свою знаменитую Эйфелеву башню, художник вновь обращается к музыке, и пишет либретто для водевиля. К сожалению, оно не принесло Анри ни гроша.

Уволившись со службы в 1893 году, по выслуге лет, Руссо получает мизерную пенсию и может лишь мечтать о том времени, когда любимое занятие – живопись, наконец, начнёт приносить достойный доход. Пока же, Руссо вынужден давать уроки игры на скрипке и рисовать картины на заказ, продавая их по смешным ценам. Хотя, всего через год, его произведение «Война», выставленная на Салоне Независимых, получает широкий резонанс, в частности, ею восхищается писатель Альфред Жари (1873 – 1907), с легкой руки которого, художник Анри Руссо получает прозвище «Таможенник» (Le Douanier), закрепившееся за ним на всю жизнь.

Вскоре все семейство Руссо переезжает, кто куда. В 1895 году дочь художника уезжает с мужем в Анжер, расположенный на западе Франции, а живописец переезжает вместе с сыном Анри-Анатолем жить на Монпарнас - знаменитый район на левом берегу Сены, ставший чуть позже излюбленным местом встреч художественного и интеллектуального авангарда. Там, на Монпарнасе Руссо встречает Жозефину Ле Тенсорер – жившую по соседству женщину, покорившую сердце художника. Долгое время Жозефина пренебрегала любовными признаниями живописца и согласилась стать его женой лишь после преждевременной кончины Анри-Анатоля.

Будучи свободолюбивым масоном, Анри Руссо все же венчается в церкви со своей новой любовью в 1898 году. Материальное положение семьи было довольно плачевное, поэтому Жозефина, чтобы помочь супругу, пыталась продавать его работы в своем канцелярском магазине, а художник, в свою очередь, продолжал давать платные уроки. Тем не менее, по воскресеньям, Руссо, несмотря на свою нужду, в рамках деятельности Филотехнического общества, главной целью которого было просвещение народных масс, совершенно бесплатно обучал всех желающих писать акварелью, пастелью, а также, с гордостью и удовольствием делился опытом росписи фарфора и керамики.

Нищий гений

Всего пять лет спустя, в 1903 году, живописец становится вдовцом во второй раз, и, пытаясь справиться с горем, полностью отдает себя работе. Надо сказать, его карьера художника, наконец-то начала стремительно набирать обороты. В 1903 году он вновь участвует в двух художественных салонах – Независимых художников (в марте) и в первом Осеннем Салоне, открывшемся в октябре. Но живописец по-прежнему крайне нуждается. К счастью, скромное, но великодушное семейство Папуэн, жившее по соседству, частенько приглашают его к себе на ужин, а приятельница Мари Биш, занимающаяся мелкой торговлей, не раз выручает Руссо в критических финансовых ситуациях.

Перелом наступает лишь в 1906 году, когда художник знакомится с Робером Делоне (1885 - 1941) и поэтом Гийомом Аполлинером. Новые друзья открыто восхищаются талантом живописца, а Пабло Пикассо (1881- 1973), случайно приобретя в 1908 году «Портрет женщины» кисти Анри Руссо, организовывает великолепный банкет в честь автора.

Одна из приятельниц Пикассо - Фернанда Оливье, так описывает Руссо: «Этот почтенный, немного сгорбленный человек, который скорее бегает трусцой, чем ходит, волосы у него седые, но густые, несмотря на возраст, обладает повадками мелкого рантье, а лицо у него слегка испуганное, но доброе. Он легко краснел, когда ему было неловко или когда кто-то ему возражал. Он поддакивал всему, что ему говорили, но чувствовалось, что он держится отстраненно и просто не решается высказать свои мысли».

Среди приятелей Руссо был и Альфред Жари (1873 - 1907), художник познакомился с ним в то время, когда произведение последнего – «Король Убу»(1896 год), сделавшее его знаменитым основоположником театра абсурда, ещё не было написано. Возможно, именно страсть к эпатажу и провокациям сближает Руссо и Жари. По мнению молодого писателя, наивное искусство Таможенника, откровенное и бескомпромиссное, шокирует обывателя. Однажды Жари заказал живописцу свой портрет. Картина, к сожалению, до наших дней не дошла, но известно, что Руссо изобразил своего приятеля с хамелеоном и совой. Жари был в восторге! Он расплачивается с Руссо деньгами из родительского наследства и везде расхваливает его талант. Художник очень дорожил этой дружбой. Именно он протянул руку помощи и приютил молодого эксцентрика, когда ему в 1897 году изменила удача, и Жари, без гроша в кармане, оказался на улице.

Анри Руссо обладал чистым детским голосом, все считали его наивным и простым, но так ли это было на самом деле? Непоколебимая уверенность в собственной гениальности позволила живописцу стать целеустремленной личностью, обладающей необычайной стойкостью, а почти детская наивность – очень самобытным художником.

В декабре 1907 года, Руссо из-за своей беспечности и легковерности, вновь попадает в тюрьму за мошенничество, хотя, по сути, жертвой его был он сам. Чтобы получить свободу хотя бы для того, чтобы давать благотворительные уроки по воскресеньям, художник пишет к Суду прошение: «Обращаясь к Вашей доброте, я прошу хотя бы об условном освобождении, чтобы иметь возможность продолжить работу. Я очень прошу Вас не уничтожать мою карьеру, для которой я так много работал». К счастью, просьба Руссо была удовлетворена после рождественских праздников.

Дружеские приемы

По свидетельствам современников, работал Руссо обычно в простой полотняной белой рубашке, но всегда надевает костюм, когда организовывал в своей мастерской приемы. Немецкий коллекционер Вильгельм Угдэ, первый посвятивший художнику целую книгу в 1911 году, был одним из завсегдатаев вечеринок у Таможенника. Вот как он описывал улочку, где был расположен дом Руссо: «Она длиной всего в несколько шагов, и затем упирается в каменную стену. Создается впечатление, что мы где-то в провинции а не в Париже. В комнатах на первом этаже проживает хозяин со своей семьей, а выше находятся квартиры постояльцев. На одной из дверей табличка — «Уроки риторики, музыки, рисования, сольфеджио». Звоним и входим: нас встречает Руссо».

Почти каждый субботний вечер, среди своих картин и друзей, Таможенник играет на скрипке для художников, коллекционеров и просто любителей искусства. Он снова влюблен, но Леония, вдова 59 лет, отказывается стать его женой. На этих вечерах часто можно было встретить хозяина дома, где жил Руссо - господина Кеваля, тихого почтенного мужчину, бывшего коллегой Руссо по работе в таможенном департаменте Парижа. Среди гостей часто можно было увидеть Амбруаза Воллара, покупавшего картины художника и не раз приглашавшего его с собой, на артистические вечеринки. Анри Руссо находился на эмоциональном подъеме: наконец пришло время вкусить плоды многолетнего упорного труда - стабильное финансовое положение, всеобщее признание. Вот только здоровье… Живописца давно беспокоили незаживающие раны на ногах, вызвавшие, в конце концов, гангрену.

Гениальный художник, Анри Руссо умер 2 сентября 1910 года в муниципальной парижской больнице Неккер. Его похоронили в общей могиле. Проводить художника в последний путь пришли Робер Делоне, Амбруаз Воллар и Поль Синьяк.

Делоне годом позже организует за свой счет перезахоронение останков художника. А Гийом Аполлинер напишет на его надгробии сочиненную им эпитафию: «Прощаемся с тобою, наш добрый друг Руссо! Услышь нас — Делоне с женой, Кеваля и меня. Мы принести тебе в подарок кисти, краски, холст, чтоб на святом досуге ты писал портреты звезд».

Ранние работы

Всматриваясь в первые картины Анри Руссо, один из критиков воскликнет: «Он искренен и наивен, чем-то напоминает примитивистов». Второй критик соглашается: «Эта живопись достаточно сухая и жесткая, но очень интересная, поскольку своей наивностью наводит на мысль об итальянских примитивистах». Даже насмешники и ярые противники самобытного творчества Руссо признавали мастера выдающимся примитивистом.

Хотя, полотна «Прогулка по лесу» и «Встреча в лесу», живописец пока ещё более близок к национальной живописи эпохи Рококо XVIII века, нежели к итальянским примитивистам. Это во многом обусловлено явно просматривающимся традиционным мотивом галантных сцен (fetes galantes), очень характерным для творчества французского художника Антуана Ватто (1684 - 1721), картины которого были выставлены в Лувре. Кстати, именно их репродукции украшали стены мастерской Руссо.

Работы раннего периода у Руссо очень сильно отличали его от современников - импрессионистов. Это прекрасно видно по утонченному цветовому решению полотен «Встреча в лесу» и «Прогулка по лесу», на которых живописец изображает реальные и воображаемые деревья при помощи большого числа разнообразных оттенков коричневого и зеленого.

На первой картине лес густой и непроходимый, на второй - светлый и прозрачный. Все дальние планы выполнены расплывчатыми, мелкими мазками, что облегчает зрительное восприятие, нейтрализуя слишком насыщенный темный лес. Занимающее треть картины небо, нарочито уменьшенные деревья вдали - все это говорит о попытке художника - самоучки каким-то образом определить границы пространства, придать ему глубину, то есть - показать перспективу, что для Руссо, лишенного академических знаний и навыков, было настоящим камнем преткновения. Возможно поэтому, позже он нарочно отказался от всякой перспективы в своих полотнах.

На картине «Встреча в лесу» изображены влюбленные, едущие верхом и смотрящие друг на друга. Они одеты в типичные костюмы XVIII века. Длинные волосы женщины свободно распущены по её плечам - мотив, который присутствует во многих женских образах кисти Руссо. Сила чувств, взаимные объятия, нежность во взгляде мужчины создают явственный эффект присутствия на полотне этой пары, несмотря на то, что их тела практически не видны за буйной растительностью. Живущие только в своем собственном мире влюбленные, лишь на короткое время показались из-за леса, и, кажется, вот-вот снова навсегда скроются из виду.

На полотне «Прогулка по лесу» мы видим женщину, очень сильно напоминающую Клеманс, она как будто замерла - возможно, испугалась доносящимися отзвуками кавалькады, тревожного шелеста листвы или внезапным хрустом ветки.

Женские образы

Женские образы, также как и образы животных, занимали в творчестве художника огромное место. Два больших женских портрета, написанные Руссо с небольшим промежутком, представляют собой очень схожие композиции. На обеих изображены женщины в черном, стоящие в полный рост. Формат произведений и позы персонажей позволяют отнести картины к жанру парадных портретов. Возможно, обе они были сделаны на заказ, хотя личности моделей так и остались не известны.

Первое полотно - «Портрет женщины» (альтернативное название «Портрет госпожи М.») было создано около 1895 года. Именно эту картину приобрёл по очень скромной цене в 1908 году другой гениальный художник - Пабло Пикассо (1881- 1973), который ею очень восторгался. Эта работа также известна под названием «Ядвига», хотя никаких подтверждений соответствия имени модели нет.

Существует легенда, по которой, девушка на полотне была прекрасной полькой, очаровавшей живописца. И хотя эта версия не имеет подтверждений, факт остается фактом: Руссо нравилось это имя. Он сам назвал им главную героиню пьесы собственного сочинения - «Месть русской сироты». Быть может, именно оно воплощало для художника некий образ идеальной женщины. Этим же именем, мастер назовет и героиню другого своего полотна - «Сон» (1910 год).

Композиция первого портрета напоминает постановочную фотографию из фотоателье того времени. Женская фигура стоит на заставленном цветочными вазами балконе на фоне массивной гардины, её окружает фантастический пейзаж. В руках у Ядвиги – ветвь дерева. Эта деталь вызывает особый интерес тем, что является традиционным символом смерти. Это можно объяснить, если верить сторонникам теории о реальном существовании этой женщины, утверждающим, что на момент написания полотна Ядвига уже была мертва. Это предположение косвенно подтверждается и тем, что для платья женщины художник выбрал именно чёрный цвет, которым всегда подчеркивал особый драматический характер изображаемой сцены.

Женщина на втором портрете изображена среди волнующей воображение разнообразной зелени. Ее рука упирается в бедро, а выглядывающие из-под платья ноги, почти не касаются земли, что создает иллюзию движения. Внизу полотна мы видим забавляющегося с клубком ниток котенка, привносящего живость и непосредственность в официальный тон портрета.

Свое знаменитое произведение «Спящая цыганка», также посвященное женскому образу, Руссо заканчивает всего через месяц после смерти своего единственного сына Анри-Анатоля.

В 1897 году он выставляет работу на Салоне Независимых, сопроводив её легендой, написанной на рамке: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, застывает на месте, не решаясь наброситься на крепко спящую обессилевшую жертву». Фигура цыганки с её платком и пестрой одеждой, резко контрастирующей с темным цветом её лица, немного напоминает восточных женщин с картин академических художников. Именно эту работу Руссо активно предлагал приобрести мери своего родного города Лаваля, в память о себе.

Художник даже сам написал мэру города: «Здесь все купается в лунном свете». Конечно, мэрия отклонила его предложение. Произведение исчезает и вновь обнаруживается только в 1923 году и, так как не все картины Руссо были широко известны, вызывает множество споров и кривотолков. Довольно многие считают её подделкой, шуткой, которая приписывалась другому художнику - Дерену. Те же, кто не усомнился в подлинном авторстве картины, рассматривали её в качестве весьма решительного шага живописца от реализма к сюрреализму.

Вскоре, Руссо отходит от импрессионистов, хотя по-прежнему разделяет их неприязнь к традиционным канонам изобразительного искусства. Импрессионизм предполагал творческую свободу, которая была так необходима Руссо. Его искусство, опирающееся на совершенно плоскую трактовку всех форм, не только не учитывает стандартные, принятые ещё в эпоху Возрождения правила изображения перспективы, но и осознанно пренебрегает ими. Художник упрощает формы, создавая свою неповторимую манеру живописи. Реальные пропорции здесь искажены, цветовая проработка объема отсутствует, а тени не существует вообще. Руссо не хотел изображать скучную и обыденную действительность, пропуская через своё богатое воображение все образы и формы.

Искусство художника сильно напоминает декоративные расписные картинки с разноцветными фигурками гладкой фактуры и незатейливой формы. Его картина «Ребенок с марионеткой», производит какое-то странное впечатление, заставляющее содрогнуться. Мастер сначала обозначает контуры фигуры ребёнка, напоминающего фарфоровую куклу, оставляя саму её непрописанной, затем работает над фоном картины и вновь возвращается к фигуре. Руссо, подобно Эмилю Бернару (1868 - 1941) и Полю Гогену, полностью игнорирует принципы классической перспективы. Помимо этого, живописец отдает явное предпочтение содержательной условности, а не скучной конкретике.

Детские портреты

Кисти Руссо принадлежат многие детские портреты. Неизвестно почему тема детей была так важна для художника, толи это были работы на заказ, толи так художник переживал потерю собственных шестерых детей. Точный ответ на этот вопрос неизвестен, мы можем лишь предполагать, что, изображая детей, живописец пытался при помощи красок, кисти и воображения вернуть к жизни образы своих близких. Многие детские портреты у Руссо выполнены в большом формате.

Например, ребёнок в красном платьице выглядит таким крупным, что появляется ощущение, словно его фигура с трудом умещается на площади холста. Видимо, ребёнок сидит: об этом говорят согнутые в коленях и почти скрытые в траве ноги. Сама фигура будто зависла между небом и землей, что незаметно сглаживает ощущение излишней массивности. Как и «Ребенок с марионеткой», малыш на этой картине тоже держит в руке странную куклу, напоминающую взрослого человека чертами лица.

На другой картине этого же периода - «Крестьянская свадьба», мы видим невесту, которая смотрит на нас со смиренным почтением. Фигуры людей, окружающих её настолько плоские, что кажутся, будто они отдельно вырезаны из цветной бумаги и приклеены к пейзажу фона. Даже не смотря на тщательно выстроенные буквой «V» деревья и какого-то несуразного пса, расположившегося на переднем плане, которые теоретически должны были композиционно обозначить перспективу, впечатление коллажности, производимое этой картиной им стереть не удалось.

Фигура невесты является бесспорной доминантой картины, именно она своим белоснежным поясом будто связывает остальных персонажей в единую группу. На полотне художник символически обозначил преемственность поколений, с помощью длинной фаты невесты, слегка прикрывающей сидящую рядом пожилую женщину, являющуюся, очевидно, бабушку невесты или жениха. Фигура сидящего отдельно от группы основных героев старика, ноги которого спрятаны в траве, навевает мысли о связи между современностью и вечностью, жизнью и смертью, землей и небом. Торжественность, с которой вся группа расположилась под деревьями, снова напоминает о фотоателье XIX века. Именно в таких статичных позах застывали люди перед фотообъективом на фоне нарисованных плоских декораций: «Не двигаемся! Не дышим!». Возможно, что, работая над «Свадьбой», живописец черпал вдохновение в какой-нибудь фотографии, но о причинах его обращения к данной теме, также как и о личностях прототипов персонажей, ничего не известно. Хотя мужчина, стоящий справа от невесты, чем-то отдаленно напоминает самого художника.

Символические произведения

В 1906 году Анри Руссо представляет публике свою новую работу - «Свобода, призывающая живописцев к участию в 22-й выставке Независимых Художников», которая, даже будучи в экспозиции Салона Независимых, вызывает у посетителей только приступы смеха. Лишь близкий круг друзей восхищается новым произведением художника, остальные же не могут понять ни самого замысла, ни способов его воплощения.

Друг живописца – Роббер Делоне воскликнет: «В другую эпоху он расписывал бы стены дворцов по заказу меценатов. В нашу же вынужден быть шутом для обывателей, он - такой серьёзный, такой спокойный. Что за бессмысленная ирония судьбы!». Своей новой работой Руссо чествует Салон, сделавший из него полноценного художника, во всех смыслах этого слова. Композиционный центр работы - аллегорическая фигура Свободы, изображенная в манере, напоминающей академическую. Она играет на трубе, традиционно являющейся символом прославления.

Спустя год, Руссо вновь потешает зрителей в Салоне Независимых своим произведением «Зарубежные представители прибыли под знаменем мира отдать честь Республике». На полотне мы узнаем стоящих на трибуне шестерых президентов Французской Республики (одетых в черное), Российского императора (в желто - голубом мундире), короля Англии (с левой стороны), а также справа: Франца Иосифа из Австрии, Петра I из Сербии, Вильгельма II из Германии, Леопольда II из Бельгии, Георгия I из Греции, персидского шаха и царя Эфиопии. Республика, в красных одеждах и фригийской шапке (головной убор эпохи Французской революции 1789 года) торжественно возвышается над всеми, держа в вытянутой руке оливковую ветвь. Эта многоцветная феерия, расцвеченная иностранными флагами, проходит под лозунгом, написанном на трех чёрных тумбах, стоящих на переднем плане полотна: «Работа, свобода, равенство». А на заднем плане мы видим людей, собирающихся в круг, чтобы начать свой праздничный танец.

Художник очень любил аллегории, так популярные среди представителей политических кругов. Неоднократно Руссо принимал участие в различных конкурсах, которые время от времени устраивают парижские власти с целью оформления помещений различных департаментов. Живописцу всегда хотелось получить официальный заказ, хорошо оплачиваемый и престижный, поскольку, во-первых, он постоянно испытывал нужду в деньгах, а, во-вторых, по-прежнему мечтал о всеобщем признании.

Однако Таможеннику так и не удается завоевать ни того, ни другого. Кроме того, все время находились люди, которые использовали эту слабость художника и присущую ему наивность, чтобы неоднократно разыгрывать бедного Руссо. Дело доходило даже до того, что живописец чуть не поехал в Елисейский дворец, чтобы лично выразить благодарность президенту Французской республики за награждение его главной государственной наградой – Орденом Почетного легиона, о присуждении которого сообщили художнику злые шутники.

Экзотика Индии

Однажды, мать художника Робера Делоне, поддавшись на уговоры своего сына, решилась заказать Руссо картину. Ее рассказы об экзотической поездке в Индию вдохновили Таможенника на создание полотна, выдержанного в сочных зеленых тонах, характерных для тропических джунглей. В центре картины мы видим фигуру черноволосой женщины - заклинательницы змей, которая очень напоминает древнее мистическое божество. Черные змеи, будто завороженные волшебными звуками её дудочки, неспешно выползают отовсюду, причем если на первый взгляд они едва различимы, то, когда взгляд привыкает к пестрому разнообразию и начинает различать детали, их видишь все больше и больше. Поразительно, но их движение на полотне ощущается почти физически. Мистический оттенок полотну добавляют глаза женской фигуры, являющиеся единственным светлым пятном на картине, их огромная притягательная сила поражает.

Освещенная полной луной река, густая и таинственная завеса из растений, переливающихся всеми оттенками зеленого, экзотическая розовая птица, ярко сияющие желтые цветы - вся сцена излучает невероятный райский покой и умиротворение. Вертикальные линии фигуры и окружающих её растений смягчены горизонтальными лучами света, идущего от месяца. Это принципиально отличает композицию «Заклинательницы» Руссо от его «Войны», где горизонтальное построение всего полотна создает эффект распада и символизирует разрушение и уничтожение.

Произведение «Неприятный сюрприз» чем-то близко к «Заклинательнице змей». На этой картине мы видим женщину, напуганную медведем. Фигура женщины снова напоминает мифическую богиню, или ветхозаветную Еву, потерявшуюся в райском саду. Ее круглые бедра чуть прикрыты ниспадающими до колен волосами. Как и в «Заклинательнице», женщина окружена теми же причудливыми деревьями с яркой листвой, а на заднем плане – на берегу волшебного озера, изображены густые леса из причудливых деревьев. А в глубине едва заметна фигура притаившегося охотника. Когда видишь её, на душе становится спокойно – он обязательно выстрелит и спасет женщину от хищника.

Современники запишут высказывание одного итальянского критика, посвященное Руссо: «Он живет в странном мире, фантастическом и реальном одновременно, близком и далеком, иногда забавном, иногда трагическом. Он любит буйство красок, фрукты и цветы, диких зверей и сказочных птиц. Он живет, работая до беспамятства, сосредоточенный и терпеливый, встречаемый насмешками и неприветливыми окриками каждый раз, когда решается нарушить своё одиночество, чтобы представить миру своё творение».

Портрет приятеля

Герой картины «Бричка отца Жюньета» (1908 год) – реальный персонаж – продавец овощей, бывший приятелем Руссо (правда, его настоящее имя было Клод Жюньер). Его магазин на Монпарнасе располагался всего в нескольких метрах от мастерской живописца. Жуньер всегда помогал художнику, которому часто не хватает на продукты денег. Иногда Жуньер вместе со своими приятелями забирал Руссо покататься на своей бричке, служившей ему для перевозки товаров. Тянула бричку питомица Жуньера - кобыла Роза. Продавец овощей имел большую слабость к лошадям и собакам, одна из которых изображена на картине рядом с бричкой.

При создании полотна, художник использовал фотографию, сделанную в в Кламаре в 1908 году. Руссо перенес на холст композицию фотографии, добавив к ней собаку на дороге и несколько фигур. Во время работы живописца над картиной, его мастерскую посетил американский художник Макс Вебер (1881- 1961). Рассматривает работу, Вебер обратил внимание автора на диспропорцию размеров между собаками и остальными предметами и персонажами. Руссо ответил: «Все должно оставаться так, как есть».

Быть может, художник и прав, полагаясь только на собственное видение, потому что, когда долго смотришь на эту работу, начинает казаться, что именно эта, абсолютно непропорциональная, и оттого какая-то загадочная собака и придает картине оттенок сказочности. Именно измененные пропорции и нарушенная перспектива, обильно дополненные элементами фантасмагории, придают бытовым сценам Руссо этот элемент притягательности и таинственности.

В бричке сидят пятеро людей и пес. Все они изображены лицом к зрителю, словно выстроенные в шеренгу, подобно группе с полотна «Крестьянская свадьба», но под четким углом по отношению к сиденьям брички и направлению дороги. Полотно имеет внушительный размер, очень характерный для произведений декоративного искусства, и это, по мнению критиков, делает его схожим с «гобеленами тысячи цветов» - бывшими популярными в XV веке великолепными коврами, на которых были вытканы красочные орнаменты из причудливых растений.

В картине художник впервые использует абсолютно гладкий холст, благодаря которому мазки получаются практически невидимыми. Весь колорит картины четко разделен на две гаммы: чёрный, белый и красный на переднем плане, и охра, зеленый и голубой – на «заднике».

Городские пейзажи

Менее известную, но не менее значимую часть творческого наследия Руссо составляют городские пейзажи. Многочисленные виды Парижа и его предместий пользовались повышенным коммерческим спросом, поэтому, художнику, постоянно стесненному в средствах, приходилось писать их без устали. В те далекие времена окраины Парижа были пока ещё мало застроены и буквально утопали в первозданной зелени лесов. Художник делал этюды для будущих картин сразу масляными красками, не используя гуашь или уголь. Он уверенно пишет с натуры, непосредственно на холсте, лишь время от времени делая наброски.

Прописывая на пленэре отдельные фрагменты размашистыми резкими движениями кисти, Руссо завершает картину уже в мастерской, тщательно дорабатывая детали каждого компонента. Двумя наиболее известными примерами городского пейзажа в творчестве Руссо являются полотна «Мебельная фабрика в Альфортвиле» и «Вид с моста Севри». На них живописец изобразил вольную трактовку фабрики по производству кресел и стульев в Альфортвиле и один из районов Севри на юго-западных окраинах французской столицы.

«Мебельная фабрика в Альфортвигле» была написана на десять лет раньше, чем «Вид с моста Севри». При взгляде на картину, сразу бросается в глаза небо, с причудливыми облаками на нем. Слева видна река, а на заднем плане изображен мост. Но оба элемента имеют, скорее, второстепенное значение. Все композиционное построение картины идет от волнистого тротуара, неожиданно создающего редкое для картин Руссо впечатление правильной перспективы. Само здание фабрики сильно напоминает картонный домик из театральных декораций, также неестественно выглядят фигурки людей вокруг. Все это делает сцену очень условной, почти сюрреалистической.

Ярким элементом картины является фигура рыбака на переднем плане. Изначально его изображение было лишь композиционной необходимостью. Однако после того, как персонаж был закончен, художник обнаружил, что этот рыбак, ожидающий клева символизирует некое существование вне времени и пространства, воплощая, таким образом, на картине вечность. Именно этот самобытный подход к изображению времени резко отличает Руссо от импрессионистов, которым было свойственно любование отдельно выхваченным из жизни моментом.

Композиционным центром второй картины является мост над Сеной, который соединяет её лесистые берега. Черно-белый кораблик, расположенный на переднем плане, очень выразителен, его корпус странным образом похож на лицо человека. Маленькие фигурки пешеходов сливаются с домами, оттеняемыми рыжей листвой. Красные и серо-зеленые крыши прекрасно соответствуют гамме осеннего пейзажа. Воздушный шар, дельтаплан и самолет символизируют три эпохи покорения неба, о которых часто упоминалось в прессе того времени, и которыми восхищался сам Руссо.

Сновидения

В 1910 году Анри Руссо создает свой величайший шедевр – полотно «Сон», выставленное им в том же году на 26-м Салоне Независимых. Все его друзья и коллеги единогласно утверждают, что произведение достойно самых наилучших отзывов. Поэт Гийом Аполлинер пишет о ней в одной из своих статей: «Я думаю, что в этом году никто не осмелится смеяться. Вы можете спросить у художников - все единогласны, все их восхищает, даже эта софа в стиле Людовика - Филиппа, затерянная в девственном лесу. И они правы».

Руссо снабжает работу следующими комментариями: «Ядвиге снится волшебный сон. Она спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц отбрасывает свет на цветы и зеленые деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки». Андре Бретон (1896 – 1966) заметит, несколько лет спустя: «Я близок к тому, чтобы утверждать: это великое полотно впитало в себя всю поэзию и все тайны нашего времени. Для него характерна неисчерпаемая свежесть открытий…»

Картина «Сон», ставшая одной из последних произведений Руссо, считается завещанием художника. Переплетаясь, растения создают на холсте иллюзию пространства, чему вторит и все цветовое решение картины. Ощущение глубины подчеркнуто переливающимися оттенками зелени. Мартышки резвятся в ветвях причудливой формы, где повсюду виднеются яркие экзотические птицы, а внизу, под ними, в траве рыщут хищники. Лишь чернокожий музыкант стоит в густой траве и играет на своей флейте, будто не замечая ничего вокруг. И персонажи, и растения вырваны из реального пространства, характерной формы и своего подлинного состояния, однако все они выписаны настолько тщательно, что выглядят невероятно правдоподобными. Словно предчувствуя свою кончину, Анри Руссо оставляет нам в наследство изображение подлинного рая. Своим «Сном» художник осветил грядущему поколению дорогу в сюрреалистическое искусство, опередив своё время.

В том же 1910 Руссо пишет ещё одну картину - «Нападение ягуара на лошадь», купленную впоследствии меценатом Амбруазом Волларом. Сам художник гордился работой. «Двадцать два зеленых оттенка!» — гордо сообщил живописец известному итальянскому критику Арджендо Соффиччи, пришедшему к нему посмотреть на новую работу. Соффиччи был потрясен живописной манерой Руссо. После прорисовки карандашом всех контуров экзотических растений, художник наносил различные оттенки зеленого цвета отдельными мазками, по нескольку раз прописывая каждый фрагмент, и тщательно очищал палитру при каждой смене цвета.

Свой среди чужих

Не смотря на то, что личные симпатии Руссо всегда были на стороне академической живописи, он получил признание лишь среди самых прогрессивных современников – авангардисты были его лучшими друзьями всю жизнь. Творческая манера самого художника отнесена к примитивизму, благодаря его самобытному стилю и из-за его любви к итальянским художникам – примитивистам, таким как Фра Анджелико (ок.1400 - 1455) и Джотто (1267 – 1337), творившим в XIV и XV веках, когда ещё не были открыты законы классической перспективы, именно отсутствие которой и станет настоящей визитной карточкой всего творчества Руссо. «Только с 1885 года, после многочисленных разочарований, я смог посвятить себя искусству, учился сам, познавал природу и пользовался советами Жерома и Клемана», - так говорит о себе Анри Руссо.

В поисках собственного стиля, Руссо много работал в Лувре, создавая копии шедевров великих мастеров прошлого. Разрешение на работу в знаменитом музее живописец получил благодаря своему другу - Феликсу Клеману (1826 - 1888), бывшему, как и сам Руссо, художником-самоучкой. Но, в отличие от Таможенника, Клеман был признан и обласкан властями. Ему, счастливому обладателю Римского Гран-при Французской республики, было оплачено проживание и обучение в Италии. Интеллигентный Клеман, преданный друг и деликатный советчик, никогда не позволял себе насмешек или глумления над Руссо и его картинами. Наоборот, он всегда настаивал, чтобы художник оставался верен своему стилю и не сворачивал с избранной дороги. Клеман знакомит Таможенника с Леоном Жеромом (1824 – 1904), работавшим в то время над художественным воплощением возвышенных сцен античной мифологии и древневосточных сюжетов. Жером - звезда официального искусства - принадлежал к группе художников - помпьеров, названных так за присущую их полотнам помпезную роскошь и вычурную пышность, и за характерные головные уборы их античных героев, напоминающие каски пожарников (pompiers).

За редким исключением, вроде Клемана и Жерома, друзья Руссо принадлежали в основном к кругу Независимых Художников. Именно представители неоимпрессионизма, в частности Жорж Сера (1859 – 1891) и Поль Синьяк (1863 – 1935), были первыми, кто уже в 1886 году признал в Руссо гениального и самобытного мастера. Синьяк очень высоко ценил его талант колориста, а Камиль Писсарро (1831- 1903) громко восторгался работами художника, признавая, что в них именно «чувства на первом месте». Выражали своё восхищение художнику и Робер Делоне, бывший, вместе со своей женой Соней (1885 – 1979), одним из основоположников абстракционизма.

Делоне и Руссо становятся друзьями, несмотря на то, что Таможенник не всегда проникает в суть творческих изысканий своего приятеля. «Почему Робер сломал Эйфелеву башню?» - этот искренний вопрос Руссо, касающийся картины Делоне, стал поводом для появления легенды о Таможеннике как о наивном гении, который на самом деле никогда не понимал образных приемов авангардного искусства.

Автором этой, как и многих других легенд о жизни художника был поэт - модернист Гийом Аполлинер. Он творил мифы о Руссо, пропуская через своё поэтическое воображение историю его жизни, а художник, в свою очередь, увековечил на холсте его образ. Аполлинер так рассказал о процессе написания собственного портрета: «Прежде всего, он измерил мой нос, рот, мои уши, мой лоб, мои руки, все мое тело и очень точно перенес все эти измерения на своё полотно, уменьшая его в соответствии с размером рамы. (…) Я не двигался, с восхищением наблюдая, как трепетно он относился к работе своего воображения, ничему и никому не позволяя вмешиваться в процесс творчества, чтобы не нарушить гармонию рисунка. А как математически точно он изображал фигуру человека! Если бы мой портрет не имел с моей внешностью ничего общего, это случилось бы не по вине Руссо, а из-за какой-нибудь досадной ошибки в расчетах. Однако меня на картине узнали даже те, кто со мной не знаком». В роли музы поэта на полотне изображена художница и близкая подруга Аполлинера - Мари Лоренсен (1883 – 1956).

Вечер, вошедший в историю искусства

Вот пример одной из историй, связанных с жизнью Руссо и его друзьями. Однажды январским вечером 1908 года Руссо и Аполлинер появляются в Баго-Лавуар, где в небольшом деревянном домике устроил свою мастерскую художник из Каталонии Пабло Пикассо (1881 – 1973). Таможенник, в шляпе из мягкого фетра, занимает почетное место за столом, оставив верхнюю одежду и трость у двери. На стене висит произведение художника-самоучки «Портрет госпожи М.» (та самая таинственная «Ядвига»). Сама стена украшена флажками, фонариками и большим плакатом с надписью «В честь Руссо». Присутствующие гости все в приподнятом настроении, некоторые уже побывали в близлежащем трактире.

Аполлинер торжественно декламирует оду, написанную им для этого вечера: «Мы собрались, чтобы тебя почтить вином, что наливает Пикассо. Есть повод выпить, и мы будем пить и ликовать: «Да здравствует Руссо!» Вокруг стола собрались: художники Жорж Брак (1882 – 1963), Мари Лоренсен и Андре Дерен (1880 – 1954), писатель Андре Саломон, поэт Макс Якоб (1876 - 1944) и две американки – известный литератор Гертруда Стайн (1874 - 1946) и Алисия Токлас. Вино льется рекой, Руссо берет скрипку и играет когда-то написанный им для Клеманс вальс. Потом подходит к Пикассо и тихо говорит ему на ухо: «Мы — два самых великих художника эпохи». Затем вновь встает Аполлинер и читает поэму, рассказывающую о придуманной им поездке Руссо в Мексику: «Ты помнишь, Руссо, ацтекский пейзаж? Леса, где росли ананасы и манго, Веселых мартышек, арбузную мякоть, Расе грел императора Максимилиана? Картины твои — из Мексики родом, Где жгучее солнце и буйство природы». Художник, который никогда не бывал в этой стране, даже не пытается возражать, ведь сегодня долгожданный день его триумфа.

Позже, приятельница Пикассо, Фернанда Оливье будет утверждать, что праздничный прием в Бато-Лавуар был шуткой, мистификацией. Однако Андре Саломон пишет в своих мемуарах: «В Бато - Лавуар перед нами стояла только одна задача — мы хотели подарить Руссо праздник, которого он был достоин». Этот прием в Бато - Лавуар стал одним из ключевых моментов в истории развития современной живописи: именно там встретились два поколения художников, благодаря которым зародилось новое искусство.