Суми-э:
история японской монохромной живописи читать ~21 мин.

Суми-э (墨絵) представляет собой особый вид монохромной живописи тушью, занимающий почётное место в японском искусстве. Название происходит от соединения двух японских слов: «суми» (墨), означающего «тушь», и «э» (絵), переводимого как «живопись» или «картина». Эта художественная техника характеризуется использованием чёрной туши с разнообразными оттенками серого, получаемыми при смешивании туши с водой.

Картины суми-э создаются на особой рисовой бумаге или шёлке, что придаёт им характерную текстуру и глубину. В классическом суми-э используется исключительно чёрная тушь, однако со временем японские мастера начали добавлять и цветные минеральные краски для создания акцентов. Мастерство суми-э требует особой концентрации и многолетней практики – художник работает быстро, без эскизов, нанося мазки на бумагу одним порывом, поскольку исправления в этой технике невозможны.

Китайские корни искусства суми-э

Техника монохромной живописи тушью зародилась в Китае в период правления династии Тан (618-907 гг.). Наибольшего расцвета она достигла во время династий Сун (960-1271 гг.) и Юань (1271-1368 гг.). В Китае эта техника получила название «гохуа» и развивалась как альтернатива официальным дворцовым стилям живописи.

Китайская монохромная живопись возникла как способ самовыражения образованных людей – интеллектуалов, монахов и чиновников, которые рисовали преимущественно «для себя». Их называли «бундзин», и они ценили экспромт, вдохновение и сиюминутное настроение. Этот стиль тесно связан с каллиграфией, что определило многие его особенности, включая выразительность линий и мазков.

В китайской традиции монохромная живопись считалась высшим проявлением художественного мастерства. Мастер должен был передать суть предмета минимальными средствами – только чёрной тушью и несколькими мазками кисти. Такой подход требовал глубокого понимания природы изображаемого объекта и многолетней практики.

Изначально основными сюжетами были пейзажи, изображения бамбука, орхидей, хризантем, сливы – так называемые «четыре благородных растения». Каждый из этих элементов имел глубокое символическое значение в китайской культуре. Позднее тематика расширилась, включив людей, животных и бытовые сцены.

Проникновение суми-э в Японию

Техника монохромной живописи тушью была завезена в Японию приблизительно в VII веке японскими монахами, изучавшими китайскую культуру. Однако широкое распространение суми-э получила гораздо позже – к концу периода Камакура (1185-1333 гг.).

Важную роль в распространении суми-э сыграли странствующие буддийские монахи школы дзен (по-китайски – чань), которые способствовали проникновению в Японию многих элементов китайской культуры, включая живописные стили, возникшие в периоды Сун и Юань. Японские монахи считали, что черно-белое изображение приучает к дисциплине и способствует развитию концентрации.

Во второй половине XV века монах японского храма Сёкокудзи Тоё Сэссю совершил путешествие по Китаю. Посещая буддийские монастыри, он изучал местные техники живописи, а по возвращении в Японию он привёз технику рисунка монохромной тушью в её наиболее зрелой форме. Сэссю путешествовал по всей Японии, делая зарисовки местных пейзажей и совершенствуя своё мастерство. Благодаря его усилиям искусство суми-э стало доступным и почитаемым среди японцев.

Термин «суми-э» претерпел изменения в своём значении. Первоначально, в литературных памятниках периода Хэйан, таких как «Дневник Мурасаки Сикибу» или «Повесть о славе», он использовался для обозначения стиля хакубё, в котором с помощью туши рисовались только контуры изображения. В период Муромати этот термин стал обозначать стиль суйбокуга («картина водой и тушью»), и старое значение было практически забыто. В наше время термины «суми-э» и «суйбокуга» являются синонимами.

Расцвет суми-э в период Муромати

Период Муромати (1338-1573 гг.) считается временем расцвета японской живописи тушью. В этот период произошло возобновление официальных отношений с Китаем, что сопровождалось новыми культурными заимствованиями, включая дзен-буддизм, культ чая и, конечно же, живопись тушью.

Сёгунский дом Асикага активно поддерживал учение Дзэн, что способствовало развитию монашеских художественных практик. В этот период достигла расцвета «литература пяти монастырей», и из монастыря Сёкокудзи в Киото, принадлежавшего дому Асикага, вышло множество монахов-художников.

В XIV-XV веках преобладающим направлением живописи стал монохромный пейзаж в стиле сансуй («горы-вода»), произведениями которого украшали дворцы аристократов и военной элиты. Представителями этого стиля были высокообразованные художники, такие как Китидзан Минтё (1352-1430), Дзёсэцу (1405-1423) и Сэйссю Тоё (1420-1506), обучавшиеся в Китае.

Восьмой сёгун Асикага Ёсимаса не интересовался политикой, но вложил много сил в развитие культуры, коллекционировал и оценивал привезённые из Китая картины и посуду для чайной церемонии. В этот период в Японии больше всего ценились картины художников династии Южная Сун, таких как Ся Гуй, Ма Юань, Му Ци и Лян Кай. Они ценились в Японии даже больше, чем в самом Китае.

Самый ранний из дошедших до нас японских пейзажей сансуй – это «Гуси, летящие над пустынной равниной», подписанный именем «Сикан». На этой картине также стоит подпись монаха Иссана Итинэна родом из Китая, поэтому картина была создана не позже 1317 года – года его смерти. В этой работе ещё заметны некоторые недостатки – приёмы живописи тушью не полностью освоены, отсутствует чёткое чувство перспективы.

Мастера суми-э и их творчество

Дзен-монах Дзёсэцу (1394-1428), согласно преданию, стал основателем стиля суми-э в пейзажном жанре в Японии. Его картина «Ловля рыбы при помощи тыквы», выполненная по личному заказу военного правителя Японии, уже достаточно самостоятельна и несёт лишь следы китайского влияния. Эта работа отражает уникальный японский подход к монохромной живописи.

Сэйссю Тоё (1420-1506) считается одним из величайших мастеров суми-э. Он активно путешествовал по Китаю, изучая местные техники живописи, а затем адаптировал их под японское восприятие. По возвращении в Японию Сэссю создал свободную манеру рисования «разлетающейся кистью», которая оказала значительное влияние на позднюю японскую живопись. Он путешествовал по всей Японии, делая зарисовки местных пейзажей и постоянно совершенствуя своё мастерство.

В эпоху Муромати много художников появилось и в провинциях, большинство из них было самурайского происхождения. Наиболее известный из них – Сэссон Сюкэй (1504-1589). Он ушёл в монахи и продолжал работать до 80 лет в районе Канто и Айдзу. На многих его произведениях присутствует отпечаток самурайского воспитания.

Хосэгава Тохаку (1539-1610) был выдающимся художником своего времени. Его легендарное произведение «Сосновый лес» в формате двух 6-панельных ширм в настоящее время хранится в токийском Национальном музее и включено в список национальных сокровищ Японии. Каждая ширма величиной 1,5 м на 3,5 м, а сосны на ней изображены штрихами туши в различных оттенках серого. Помимо монохромных работ, Тохаку также выполнял монументальные работы красками по золоту, демонстрируя разнообразие своего таланта.

В переходный период от эпохи Адзути-Момояма к эпохе Эдо работал художник Товарая Сотацу, творчество которого знаменовало появление исключительно японского стиля суми-э. Ему также приписывают основание декоративной школы японской живописи Римпа. Вместе с художником Хонами Коэцу они создавали поразительные по живописности произведения.

Маруяма Окё (1733-1795) был мастером, делавшим зарисовки с натуры. Он декорировал движущиеся куклы и создавал полотна в стиле укиё-э. Маруяма умел виртуозно использовать пустое пространство листа в своих композициях, что является одной из важнейших художественных задач суми-э.

Философия суми-э и связь с дзен-буддизмом

Суми-э неразрывно связано с философией дзен-буддизма. Японские монахи использовали суми-э как форму медитативной практики, считая, что черно-белое изображение способствует развитию концентрации и дисциплины.

В суми-э, как и в дзен, отбрасывается все лишнее. Мастер стремится передать суть предмета, а не его внешние детали. Простые чёрные линии, нанесённые на белую бумагу, могут представлять собой сложную модель, подобно тому, как в дзен несколько слов могут быть результатом долгих часов медитации.

Эстетическое понятие «каруми» (лёгкость), сформулированное поэтом Басё, играет важную роль в суми-э. Согласно этой концепции, творческий акт должен совершаться мгновенно, на одном дыхании. В суми-э существует только «сейчас», и нанесённый мазок невозможно исправить – есть только одна попытка. Дзенский художник Хакуин на вопрос о том, как долго он рисовал портрет Бодхидхармы (Дарумы), ответил: «Десять минут и восемьдесят лет».

Живопись суми-э воплощает такие эстетические категории, как ваби (тонкий вкус) и саби (изысканная простота). В отличие от классической западной живописи, которая стремится к реалистичному изображению предмета с детальной проработкой объёма и перспективы, суми-э направлено на передачу сути изображаемого объекта и настроения художника.

Буддизм направляет художников усмирить желание полностью отразить материальный мир в своих работах. Вместо этого они должны стремиться к передаче внутренней сущности объекта, его духа. Для достижения этой цели мастер суми-э должен долго изучать предмет, медитировать над ним, чтобы потом одним движением кисти передать его суть.

Техника и особенности суми-э

Одной из главных особенностей суми-э является монохромность. Тушь «суми» чёрного цвета при смешивании с водой даёт богатую гамму оттенков от глубокого чёрного до светло-серого. Этот минимализм в цветовой палитре требует от художника особого мастерства в передаче объёма, текстуры и эмоционального наполнения картины.

Важную роль в суми-э играет понятие «ёхаку» – эффект пустого белого пространства на плоскости картины. Ёхаку придаёт живописи глубину и значимость, будит в зрителе чувство неисчерпаемости источника космической жизни. Подобные принципы фигурировали в искусстве театра Но – умение вызвать интерес при отсутствии видимого действия. В искусстве чайной церемонии таким принципом выступает «такэкурами» (таинственность, неявленность). Ёхаку – это основа осмысления религиозного опыта в искусстве, вершиной которого является категория «югэн».

Другой важной техникой является «тарасикоми» – стекание капель туши. В западном стиле рисования тушь, расплывшаяся от воды, считается ошибкой художника, но в японской живописи в этом видят особую красоту. Тарасикоми позволяет передавать туманную атмосферу, влажный климат, создавать размытые очертания и неясные пейзажи. При этой технике на непросохший слой туши накладывается ещё один, благодаря чему видна переливчатость туши, её текучесть и многослойность.

В суми-э каждое движение мастера имеет смысл. Точки и пятнышки – важный элемент в рисовании картин тушью. Кисть, вобравшая воду, может создать эффект мха, покрывающего деревья или камни. Точки, расставленные далеко друг от друга, передают грубую поверхность, а капельки добавляют ритм и акцент на важные детали.

В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности – он отбрасывает все, что не считает существенным. Художник изображает природу такой, какой она рисуется в его воображении, воплощая её суть. Любые образы мастер сначала долго изучает и хранит в памяти такими, какими он их увидел и прочувствовал.

Материалы и инструменты

Основу инструментария художника суми-э составляют так называемые «четыре драгоценности рабочего кабинета» (по-японски «бунбо-сихо») – кисть, бумага, тушь и тушечница. Однако для полноценной работы требуется ещё ряд дополнительных материалов и инструментов.

Кисти (фудэ) для суми-э – это традиционные восточные кисти японского или китайского производства. Они имеют особое строение, благодаря которому хорошо удерживают влагу и предоставляют широкие возможности художественной выразительности. Кисти изготавливают из меха различных животных: козы, ласки, барсука, енотовидной собаки, лошади, оленя. Существуют три основных типа кистей: мягкие, жёсткие и смешанные. Каждый тип предназначен для определённых художественных задач.

Тушь (суми) – ключевой материал в суми-э. Искусное владение оттенками туши делает картину «живой». Традиционно используется китайская сухая тушь – сажа с клеем в виде палочек или плиток. Для работы палочку туши растирают с водой на тушечнице. Хорошей считается сухая тушь, которая даёт тёплый чёрный тон с металлическим оттенком, в изломе однородна и не смывается после высыхания.

Бумага (ками) для суми-э обычно изготавливается из риса. По-японски она называется «гасэнси». Существует много разновидностей бумаги, у каждой из которых имеются свои отличительные особенности. Выбор бумаги зависит от того, какие техники мазка будут использоваться при рисовании. Бумага для суми-э очень тонкая, штрихи кистью быстро расплываются, что создаёт одновременно и сложность, и особую выразительность этой техники.

Тушечница (судзури) – ёмкость для растирания туши с водой. Традиционно изготавливается из камня, имеет углубление для воды и плоскую часть для растирания туши. Качество тушечницы также влияет на результат работы.

Дополнительные инструменты включают: подкладка под бумагу (ситадзики) – ткань, которую кладут под бумагу во время рисования; пресс-папье (бунтин) – для фиксации листа; палитра (эдзара) – для смешивания оттенков туши; ёмкость для промывания кисти (хиссэн); пипетка (суйтэки) – для добавления воды; тряпочка для протирания кисти (фукин).

Стили и школы суми-э

На протяжении веков в Японии сформировались различные школы и направления суми-э, каждая со своими особенностями и художественными приёмами. В отличие от Китая, где живопись тушью развивалась в едином русле общих традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ, что значительно расширило диапазон выразительных средств этого искусства.

В XVIII веке в моду вошёл китайский стиль бундзинга («живопись художников-интеллектуалов»), получивший в Японии название нанга. Художники этого направления, вдохновлённые китайской культурой, особо ценили живопись эпох династий Юань, Мин и Цинь. Выдающимися мастерами нанга были Икэ-но Тайга (1723-1776), Ёса Бусон (1716-1784), Урагами Гёкудо (1745-1820), Таномура Тикудэн (1777-1835). Они творчески переосмысливали традиции японской и китайской живописи, придавая своим картинам настроение глубокой лиричности и неповторимой индивидуальности.

Представители исконной японской живописи Ямато-э ввели в суми-э пластичные элементы, используя декоративные возможности пятна туши и линий. Так возник стиль, который не повторял классические сюжеты, а изображал их в совершенно новой декоративной манере. Этот подход существенно обогатил художественный язык суми-э.

Школа Кано, основанная в XV веке, соединила китайскую технику живописи тушью с колористическими традициями японской живописи Ямато-э. Художники этой школы создавали как монохромные произведения, так и яркие полихромные работы на золотом фоне, демонстрируя универсальность приёмов суми-э.

Школа Римпа, основанная в начале XVII века, отличалась декоративностью и использованием ярких цветов в сочетании с техникой тарасикоми. Художники Римпа часто использовали золотые и серебряные краски, создавая роскошные, праздничные произведения.

Ориентир на китайские образцы всегда был свойственен японской монохромной живописи. Однако удивительная способность японцев к виртуозной интерпретации заимствований приводила к тому, что образцы, приходившие с материка, постепенно преобразовывались в духе отечественных художественных тенденций, приобретая неповторимые японские черты.

Сюжеты и тематика суми-э

Тематика суми-э прошла значительную эволюцию с течением времени. Если до XIV века главными темами живописи были портреты тиндзо (портреты патриархов) и изображения цветов и птиц, то с XV века в Японии начали рисовать классические китайские пейзажи сансуй («горы-вода») в полном смысле этого слова.

Пейзажи занимают особое место в живописи суми-э. Художники стремились передать не просто внешний вид природы, а её внутреннюю суть, настроение, атмосферу. Горы, реки, туман, деревья – все эти элементы становились выразителями философских идей о взаимосвязи человека и природы, о вечном круговороте вещей.

Важное место в тематике суми-э занимают изображения растений и животных. Особенно популярными были «четыре благородных растения»: бамбук, орхидея, хризантема и цветущая слива. Каждое из этих растений имело символическое значение: бамбук олицетворял стойкость и гибкость характера, орхидея – утончённость и чистоту помыслов, хризантема – стойкость перед лицом невзгод, а цветущая слива – красоту и стойкость в неблагоприятных условиях.

Изображения животных, особенно птиц и рыб, также были популярны среди мастеров суми-э. Они символизировали различные качества и добродетели, а также времена года и природные явления. Например, журавль считался символом долголетия, карп – силы и упорства, а сосна – долговечности и стойкости.

С течением времени тематика суми-э расширилась, включив в себя бытовые сцены, исторические события и даже юмористические зарисовки. Художники стали более свободно интерпретировать традиционные сюжеты, привнося в них своё видение и индивидуальный стиль.

Важным аспектом суми-э было создание работ на вертикальных свитках – сигадзику. Это формат, в нижней части которого изображался пейзаж сансуй, а в пустой верхней части писались китайские стихи, связанные с живописной темой свитка. Такое сочетание поэзии и живописи создавало целостное художественное произведение, воздействующее одновременно на разные органы чувств.

Суми-э в современном мире

Искусство суми-э продолжает существовать и развиваться в современной Японии и за её пределами. Сегодня существуют различные школы и ассоциации, которые обучают этому древнему искусству и способствуют его сохранению и популяризации.

В Японии искусство суми-э поддерживается как часть традиционного культурного наследия. Существуют специализированные школы, где обучают технике суми-э, проводятся выставки и конкурсы. Одним из значимых объединений является Международная ассоциация художников каллиграфии и живописи суми-э, базирующаяся в Токио.

Современные японские мастера суми-э стремятся сохранить традиционные техники, одновременно внося новые элементы, соответствующие современному восприятию. Они экспериментируют с материалами, форматами, сочетанием традиционных приёмов с новыми художественными средствами, что позволяет искусству суми-э оставаться живым и актуальным.

Искусство суми-э получило распространение во многих странах мира, включая Россию, где существуют школы и клубы, обучающие этой технике. Проводятся мастер-классы, выставки и лекции, посвящённые японской монохромной живописи. Интерес к суми-э связан не только с эстетической привлекательностью этого искусства, но и с его философской глубиной, медитативным характером процесса создания картин.

Многие современные художники, не являющиеся японцами по происхождению, обращаются к суми-э как к источнику вдохновения и новых художественных возможностей. Они сочетают традиционные техники с современными материалами и подходами, создавая произведения, которые сохраняют дух традиционного искусства, но отвечают современным эстетическим запросам.

В современном мире искусство суми-э представляет собой не только художественную технику, но и способ духовного самосовершенствования, медитации и поиска гармонии с природой. Оно привлекает людей своей философией минимализма, эстетикой недосказанности и глубоким символизмом, предлагая альтернативу ускоряющемуся ритму современной жизни.

Практика суми-э как путь самопознания

На протяжении веков практика суми-э существовала преимущественно в монастырях. Дзенские монахи использовали рисование тушью как форму медитации, способ достижения просветления через художественное творчество. Эта традиция сохраняется и сегодня, когда многие обращаются к суми-э не столько ради создания произведений искусства, сколько как к пути самопознания и духовного роста.

Процесс создания картины в технике суми-э требует особого состояния сознания – художник должен быть полностью сосредоточен, находиться в гармонии с собой и окружающим миром. Перед тем как приступить к рисованию, мастер часто медитирует, настраиваясь на предмет изображения, стремясь постичь его сущность. Только после этого он берет кисть и одним движением наносит мазок на бумагу.

Дзенский художник Хакуин говорил, что на создание картины требуется «десять минут и восемьдесят лет» – десять минут непосредственной работы кистью и восемьдесят лет предшествующей практики и духовного роста. Это выражение подчёркивает, что суми-э – это не просто техника рисования, а образ жизни, путь духовного развития.

Практика суми-э учит принятию несовершенства и непостоянства – ключевых понятий дзен-буддизма. Художник не может исправить нанесённый мазок, он должен принять его таким, какой он есть, и продолжить работу, учитывая уже сделанное. Эта особенность суми-э делает его мощным инструментом для развития принятия, гибкости мышления, способности жить в настоящем моменте.

Для начинающих художников суми-э предлагает уникальный опыт освобождения от перфекционизма и страха ошибок. В процессе обучения мастера часто советуют ученикам не стремиться к созданию «идеальных» картин, а наслаждаться самим процессом рисования, наблюдая за движением кисти и потоком туши на бумаге. Такой подход помогает развить спонтанность, интуицию и творческую свободу.

Художественное наследие суми-э

Художественное наследие суми-э включает в себя тысячи произведений, созданных на протяжении веков. Многие из них хранятся в музеях Японии и других стран мира, некоторые включены в список национальных сокровищ Японии.

Одним из наиболее известных произведений суми-э является «Сосновый лес» Хосэгавы Тохаку – пара шестистворчатых ширм из Токийского национального музея. Эта работа демонстрирует виртуозное владение техникой суми-э – сосны изображены лишь несколькими мазками туши на фоне пустого пространства, но создают впечатление туманного леса, наполненного воздухом и светом.

Другое знаменитое произведение – «Бодхидхарма» Хакуина Экаку, изображающее основателя дзен-буддизма. Эта работа отличается экспрессивной манерой исполнения, передающей духовную силу и решимость Бодхидхармы. Несколькими мазками кисти художник сумел передать не только внешний облик, но и внутреннюю сущность изображаемого персонажа.

Картина «Ловля рыбы при помощи тыквы» Дзёсэцу – ещё один важный памятник японской монохромной живописи. Эта работа, выполненная по заказу военного правителя Японии, демонстрирует самобытный японский подход к технике суми-э, отличный от китайских образцов.

Шедевры суми-э не ограничиваются работами прошлого. Современные мастера создают произведения, которые продолжают и развивают традиции этого искусства. Они экспериментируют с форматами, материалами, сочетают традиционные техники с новыми художественными средствами, что позволяет искусству суми-э оставаться живым и актуальным.

Влияние суми-э распространилось далеко за пределы Японии. Многие западные художники XX века, такие как Марк Тоби и Франц Клайн, испытали влияние восточной каллиграфии и монохромной живописи. Минимализм, спонтанность, внимание к пустому пространству – все эти черты суми-э нашли отражение в модернистском искусстве Запада.

Суми-э и другие виды японского искусства

Суми-э тесно связано с другими видами традиционного японского искусства, такими как каллиграфия, чайная церемония, поэзия хайку, аранжировка цветов икебана. Все эти искусства объединяет стремление к простоте, внимание к деталям, почитание природы и минималистическая эстетика.

Особенно тесно суми-э связано с каллиграфией. Обе эти формы искусства используют одни и те же инструменты – кисть, тушь и бумагу, и требуют схожих технических навыков. Многие мастера суми-э были также искусными каллиграфами, и часто их картины сопровождались каллиграфическими надписями – стихами или философскими изречениями, дополняющими визуальный образ.

Суми-э также имеет много общего с поэзией хайку. Оба искусства стремятся передать суть явления минимальными средствами, создать образ, который вызывает у зрителя или читателя цепь ассоциаций, простирающихся далеко за пределы того, что непосредственно изображено или сказано. И суми-э, и хайку часто обращаются к природе, временам года, мимолётным состояниям мира.

Чайная церемония, которая развивалась параллельно с суми-э, также разделяет многие его эстетические принципы – простоту, естественность, внимание к деталям, почитание несовершенства. Картины суми-э часто украшали токонома – нишу в чайном домике, где выставлялись произведения искусства, создавая атмосферу для проведения церемонии.

Влияние суми-э можно заметить и в японских садах, особенно в так называемых «сухих садах» карэсансуй. Эти сады, состоящие из камней и песка, можно рассматривать как трёхмерные воплощения пейзажей суми-э – те же горы и вода, переданные минимальными средствами, то же использование пустого пространства как активного элемента композиции.

Эстетика суми-э оказала влияние на многие аспекты японской культуры, от архитектуры до дизайна предметов быта. Черно-белая гамма, асимметрия, использование пустого пространства, внимание к текстуре и линии – все эти черты, характерные для суми-э, можно обнаружить в различных проявлениях японского искусства и дизайна.

Мировое признание суми-э

С открытием Японии для западного мира во второй половине XIX века искусство суми-э, как и другие аспекты японской культуры, стало известно в Европе и Америке. Японские гравюры укиё-э оказали значительное влияние на импрессионистов и постимпрессионистов, а монохромная живопись суми-э привлекла внимание художников, искавших новые пути выражения.

В XX веке многие западные художники, такие как Марк Тоби, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, испытали влияние восточной каллиграфии и живописи тушью. Экспрессивность, спонтанность, внимание к жесту и движению кисти – эти черты суми-э нашли отражение в абстрактном экспрессионизме и других модернистских течениях.

Во второй половине XX века интерес к суми-э за пределами Японии продолжал расти. Появились школы и мастера, обучающие этой технике в различных странах мира. Книги и статьи о суми-э стали доступны на многих языках, что способствовало популяризации этого искусства.

Сегодня суми-э признано во всем мире как уникальная форма искусства, сочетающая техническое мастерство с глубокой философией. Выставки японской монохромной живописи проводятся в крупнейших музеях мира, привлекая внимание ценителей искусства.

Растущий интерес к практикам осознанности и медитации также способствует популярности суми-э. Многие люди обращаются к этому искусству не только ради эстетического удовольствия, но и как к способу достижения внутренней гармонии, развития концентрации и творческого самовыражения.

Современные технологии открывают новые возможности для изучения и практики суми-э. Онлайн-курсы, видеоуроки, виртуальные выставки делают это искусство доступным для людей во всем мире. При этом сохраняется уважение к традиционным техникам и философским основам суми-э, что позволяет сохранить его аутентичность.

Pародившись в Китае и пройдя многовековой путь развития в Японии, суми-э стало частью мирового культурного наследия, продолжая вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру своей простотой, глубиной и красотой.