Живопись методом проб и ошибок читать ~13 мин.

Вместо буквального копирования и послушного подчинения своду широкоизвестных правил живописи внесите в свое творчество элемент случайности. Откажитесь от заранее установленных постулатов, сложившихся штампов и предоставьте себе полную свободу, используя бесконечные возможности акварельных красок.

Пэт Дьюз

Начиная работу над новой картиной, ясно предвижу ее развитие в нескольких направлениях и тщательно исследую каждый из них. Моя живопись - результат используемого мной метода проб и ошибок. Я не делаю эскизов. Отсутствие методики - основа безграничной свободы для художника. Отказавшись от строгого соблюдения нормативов и правил какой-либо техники, я могу принимать решения во время работы над картиной. Процесс живописи открывает передо мной бесчисленные возможности. Принимая «на вооружение» в качестве стиля живописи метод проб и ошибок, художник должен проявить огромное терпение. Живопись требует больше времени, чем процесс «вынашивания» замысла картины. Я постоянно переделываю композиционные части картины, с помощью кисти решая возникающие проблемы. Бывает очень непросто пройти путь от начала работы до того момента, когда я могла бы считать картину законченной, так как всегда пытаюсь найти способ в чем-то ее улучшить. Однако, на мой взгляд, преимуществ этого стиля живописи существенно больше, чем недостатков. На листе бумаги я способна физически проработать и решить все возникшие дилеммы живописи и создать позитивную, убедительную картину.

Абсолютное совершенство

Я стараюсь выработать взыскательное отношение к делу, основанное на постоянном самосовершенствовании, поэтому стремлюсь найти способы улучшения композиции. Некоторые мои вещи в процессе работы от момента начала живописи до ее фактического завершения меняются столь радикально, что превращаются в совершенно новые, неожиданные. Для меня в этом заключается истинная радость ремесла художника - тщательная проработка и корректировка цвета на бумаге. Несмотря на то что начало работы над картиной, как и ее завершение, приносят художнику массу восхитительных, неповторимых мгновений и глубоких переживаний, меня более всего интригует сам процесс живописи - увлекательное путешествие в неизвестность.

Как художник - абстракционист, я не занимаюсь буквальной передачей натуры. Большинство моих работ рождаются в воображении, которое постоянно нуждается в подпитке, развитии и стимуляции. В поисках вдохновения я посещаю музеи и художественные выставки, а также делаю сотни фотографий. Постоянно практикуясь, пишу натюрморты, работаю на пленэре и использую для занятий живописью любую предоставившуюся возможность. Обучаюсь на материале собственных работ, а также других художников. Решив, что именно я хочу рассказать в своей картине, стараюсь определить, какими средствами можно достичь этой цели.

Проблема баланса

Безусловно, я далеко не во всем полагаюсь исключительно на случай. Мне хорошо известны правила выбора цветового решения и построения композиции. Я постоянно читаю литературу по данной тематике, чтобы понимать, каким образом эти правила могут быть использованы в моей практике более эффективно и как заставить их работать в моих интересах. Занимаясь живописью в течение 30 лет, я нашла интуитивный стилистический подход, который позволяет исправлять композиционные промахи в процессе работы.

Несмотря на интригующий и вызывающе сложный характер работы в этой манере, это увлекательнейший и благодарный стиль живописи. Если вы решили адаптировать метод проб и ошибок, запаситесь бумагой. Независимо от степени вашей одаренности, природного таланта и других обстоятельств, шансы на то, что первая попытка будет удачной, скажу откровенно, невелики. Помните, что необходимые поправки можно вносить всегда, особенно если вы работаете акриловыми красками. Поверхность бумаги можно пройти грунтовкой gesso, создав тем самым новое покрытие, а неудавшиеся работы использовать в качестве элементов коллажа. Единственное, что вам придется побороть,это ощущение страха, нервозности и смущения.

Эволюция абстрактной формы

Недавно я закончила работу «Вспоминая Акадию» (68,6 x 68,6) абстрактную вещь, запечатлевшую суть и наиболее характерные природные качества моего любимого морского побережья в штате Мэн. Но именно процесс живописи послужил средством передачи сущности моего стиля. Работа была начата на основе 73,7 x 106,7, однако ее окончательный формат был уменьшен до 68,6 x 68,6. То, что оригинально задумывалось и начиналось как лирический пейзаж с березами на переднем плане, в результате превратилось в бурлящий морской мотив. Задуманные ранее массивы снега в березовой роще перевоплотились в неистовые брызги морских волн. Процесс внесения столь коренных пре образований помогает мне определить направление, в котором, по моему мнению, должна развиваться картина. Как правило, я бываю чрезвычайно довольна результатом.

Столкнувшись в работе с непреодолимыми трудностями, я вынуждена что - либо изменить в картине, и здесь для меня все средства хороши. Когда не устраивали оригинальные размеры основы, я использовала части паспарту в форме буквы «L» для поиска другого формата композиции. Я меняла соотношение размеров кусков паспарту в ожидании так хорошо знакомого «звоночка», свидетельствующего о том, что выбор верен. В результате картина, на мой взгляд, значительно выиграла в уменьшенном, квадратном формате. Сделала еще шаг в процессе внесения изменений: теперь переоценке подверглась и композиция картины. Мне показалось, что намеченная форма белого цвета может быть модифицирована в форму волны. Просматривая фотоснимки Акадии, поняла, что картина станет удачной и более убедительной, если будет переработана в морской пейзаж. К счастью, форма белого цвета уже была намечена там, где находилось основное светлое пятно гребня волны. Мне повезло.

Метод проб и ошибок интересен в первую очередь возможностью испытать радость неожиданных открытий. К дальнейшим поискам меня подталкивает надежда на то, что следующая картина станет лучшей. Следуйте за мной: я проведу вас по этапам работы над картиной «Вспоминая Акадию - 2» (73,7 x 101,6)второй из серии, посвященной пейзажам Акадии.

Шаг 1. Наполните картину светом

Использование высококачественной бумаги - крайне важный аспект живописи и условие достижения хорошего результата. Я выбрала бумагу для графических работ BFK Rives. Вам не придется усиленно выскабливать ее поверхность: содержание клейкого связующего состава в ее структуре уменьшено для создания правильного баланса между абсорбцией красителя и способностью бумаги удерживать его на поверхности. Этот тип бумаги характеризуется высокой степенью гладкости, что позволяет создавать великолепные фактурные эффекты.

Начала работу, как и большинство своих экспериментальных вещей, со случайного набрызга краски на поверхность бумаги и создания заливки золотистой охрой (тушь производства FW) приблизительно на одной трети площади листа. Заливка внесла теплоту и свет. Так я заложила основу света, исходящего изнутри картины. Первоначальные заливки наносила очень осторожно, стараясь сохранить неокрашенными некоторые участки бумаги, которые в дальнейшем образуют каскад наиболее светлых тонов. Эти участки использую для того, чтобы распределить внимание зрителя по всему пространству картины.

Персиково - розовые тона в верхнем правом углу написаны заливками ализарина малинового и неаполитанской желтой (производства компании Winsor & Newton). Затем на поверхности этой заливки я расположила куски рваной и скомканной восковой бумаги и дождалась полного высыхания краски. Я всегда предусмотрительно варьирую формы скомканных кусков бумаги и сохраняю «спокойные» участки картины, чтобы создать выразительные контрасты с пятнами замысловатых фактурных эффектов. Затем нанесла на бумагу замес ультрамарина синего, мадженты (жидкая акварель компании Winsor & Newton), краски цвета antelope (тушь производства FW), красновато - коричневой (Dr. P.Н. Martin) и бирюзовой (акрил производства FW). Стараясь создать привлекательные фактурные эффекты, некоторые участки посыпала солью и после высыхания краски слегка зачистила поверхность наждачной бумагой.

Дополнительные фактурные пятна были созданы при использовании распылителя - аэрозоли от освежителя рта, чтобы слегка приглушить красновато - коричневый тон. С помощью небольшого объема разбавленного отбеливателя едва намекнула на присутствие воды в верхней части крупной скалистой формы синего цвета (середина правой стороны картины).

Шаг 2. Создание темными тонами контраста и определенности

Для участков темных тонов взяла акриловые краски - кадмий красный темный, жженую сиену и ультрамарин синий,смешанные с грунтовкой gesso. Замес был нанесен довольно тонким слоем, но я прошлась по темным мазкам куском туалетной бумаги, чтобы слегка осветлить их. (Для этого лучше всего подходят бумажные полотенца марки Scott). Нанесла более густой вариант того же замеса красок в нижнем левом углу композиции, а затем прописала этим колером основные формы. Я предпочитаю «разбираться» с темными тонами на ранних стадиях работы, чтобы иметь возможность обоснованно судить о степени контрастности в моих картинах.

Шаг 3. Контроль над уязвимыми участками

Пришла к выводу, что появилась довольно острая необходимость каким-то образом укрепить основание в нижнем правом углу картины, т.е. прочно связать элементы в единый смысловой узел. На этот участок положила охру золотистую, смешанную с грунтовкой gesso, а по всему полю картины нанесла тончайшие мазки данной краски, в сущности, лишь слабые намеки на этот цвет. Затем, решив, что в левой нижней части картины собраны слишком темные и глухие тона, прописала это место замесом акриловых красок - зеленой Hooker, ализарина малинового и белой грунтовки gesso. Излишки краски удалила с помощью старой кредитной карты. Прописала этим колером некоторые фрагменты белого пространства, используя восковую бумагу и оберточный пластик для создания фактуры.

Шаг 4. Передача элементов активного движения

На поверхность бумаги выплеснула разбавленную грунтовку gesso; в процессе падения капель на основу добавляла «ручейки» водяных брызг, чтобы имитировать естественное течение воды. Кроме того, нанесла этот замес от напоминающего водный массив участка в центре справа до вершины скалистого образования синего цвета. Сохранившийся белый кусок на форме камня синего цвета в центре справа превратился в розовый.

Используя спирт и пустой флакон из-под распылителя - спрея Chloraseptic (превосходно зарекомендовал себя в работе), нанесла набрызгом напоминающие воздушные пузырьки элементы на массивы воды. Поскольку меня не вполне устраивал участок продолговатой формы желтого цвета в середине картины, замесом акриловых красок - церулеума синего и сиены жженой (компании Liquitex), смешанного с грунтовкой gesso, придала ему цветовое разнообразие. Поверх формы синего цвета прошла жидкой грунтовкой gesso, покрыв набрызгом поверхность бумаги спиртом - для создания форм в виде пузырьков воздуха.

Шаг 5. Заключительные мазки

Наконец добавила темные тона там, где картина нуждалась в их усилении. Изменила контур продолговатой формы в центральной части работы и зеркально нанесла форму камня непосредственно позади этой формы, чтобы еще глубже разорвать пространство.

Линейной кистью провела тонкие линии по всей поверхности картины, чтобы связать ее компоненты в единое целое и направить взгляд зрителя от одного композиционного узла к другому. Контур в левом верхнем углу оживляет этот совершенно белый участок вкраплением синего. Линии - великолепное средство для разрыва пространства; даже небольшая линия может оставить сильное впечатление и генерировать серьезный энергетический импульс. Тонкий контур синего цвета в правой нижней части картины каким-то необъяснимым образом поддерживает форму тяжелого камня. Тем не менее следует помнить, что этот элемент живописи - обычная линия - более эффективен, если применяется в меру.

Нанесла белое пятнышко в левой нижней части картины, используя белую грунтовку gesso: это позволит распределить внимание зрителя по всему пространству работы. Не будь этого акцента, картина потеряла бы верный баланс. Я обнаружила, что темная форма в левой нижней части композиции без этого необходимого дополнения кажется слишком крупной, скучной и безжизненной. Прописывая каждый отдельный элемент, художник словно собирает мозаику. Каждый новый объект должен быть органично связан с другими, встраиваться в общую картину так, чтобы все элементы заняли свое место, слившись в единое гармоничное целое. Работая над этой картиной поэтапно, я смогла определить наиболее удавшиеся куски. Кроме того, стали очевидными досадные погрешности и промахи: некоторые композиционные элементы оказались малоэффективными, а процесс живописи - более продолжительным, чем мог бы быть, если бы не приходилось постоянно переделывать некоторые фрагменты картины. Но мое терпение и упорный труд были полностью вознаграждены: я смогла создать картину, в которой все элементы взаимодействуют друг с другом, складываясь в законченное целое. Я также открыла для себя, что иногда трудно сформулировать, почему картина получилась; но вы уверены, что это именно так.

Неожиданная трансформация картины

В начале работы над картиной «Вспоминая Акадию» я не знала, что закончу ее как морской пейзаж. В этом заключается необыкновенная притягательность моего стиля: он дарит радость неожиданных открытий. Например, разбивающаяся о скалы бурная морская волна в верхнем правом углу первоначально задумывалась, как снежный массив в березовой роще. Мне нравится вырабатывать принципиальные решения непосредственно на листе бумаги.

Никогда не выбрасывайте «отходы»

Картина «Кромка воды и легкое влияние Брака» (74,9 x 106,7) в процессе создания подверглась многочисленным изменениям. Наиболее важное из них появилось в верхнем правом углу работы. Вначале здесь была реалистично выполненная волна. Однако мне показалось, что реалистический элемент создает контраст с основной - абстрактной - природой картины. Просматривая в поисках новых идей неиспользованные куски от других работ, я наткнулась на лист зеленого цвета, из которого в свое время была вырезана небольшая окружность. Это вдохновило меня на создание аналогичной формы в верхнем правом углу, что привнесло в работу дополнительную абстрактную окраску. Это кажущееся незначительным изменение помогло собрать все композиционные части картины в единое целое.

Сохраняя движение

Картина «Ниспадающие воды» (54,6 x 74,9) выполнена на основе крупной, значительно обрезанной композиции. Удерживая лист бумаги в вертикальном положении, я выплеснула на его поверхность синий колер. В момент падения капелек краски на основу добавляла воду набрызгом, чтобы создать впечатление бушующего водопада. Кроме того, для получения выразительной фактуры использовала соль. Эта картина написана с фотографий дома Фрэнка Ллойда Райта. Меня подкупили конструктивные угловые элементы, а также геометрия дома и потока воды, что отразилось на мощных угловатых формах. Конечный результат приоткрыл для меня несколько иной взгляд на натуру.

Укрепление центра зрительского внимания

Для меня очень важно, чтобы каждая новая картина отличалась от других. В композиции «Зимнее море» (55,9 х 76,2) я хотела показать крупные, спокойные участки с мощным композиционным центром - точкой сосредоточения внимания. Мне удалось передать тяжесть и монолитность скалистых образований в сюжете с помощью минимального моделирования. Обратите внимание на сильный контраст светлых и темных пятен в центре зрительского внимания. Несмотря на то, что использованы крупные, упрощенные формы, техника лессировки многочисленными слоями внесла в пределы каждой формы оживление и разнообразие. Центр зрительского внимания был дополнен элементами коллажа. Ранее я старалась смоделировать формы этого участка красками, но затем решила, что кусочки коллажа будут смотреться гораздо привлекательнее. Поэтому я приклеила элементы коллажа, и на этом работа над картиной была завершена.

О художнике

Пэт Дьюз входит в преподавательский состав гильдии искусств «Тhе Guild of Creative Art» города Шрусбери, штат Нью-Джерси. Она обладатель многочисленных наград, член двух творческих объединений - Американского и Национального акварельных обществ. В 1995 г. ей была вручена награда Американского акварельного общества - медаль «High Winds Medah. В живописи Пэт Дьюз пытается передать сущность природных явлений, камня и воды. Это постоянно повторяющиеся темы ее работ; они красной нитью проходят через ее творчество.