Роберт Раушенберг:
поп-арт и неодада читать ~7 мин.

На протяжении своей долгой карьеры американский художник, скульптор, гравёр и дизайнер Роберт Раушенберг (Robert Rauschenberg) черпал вдохновение в ранних формах искусства XX века. Он использовал «найденные» объекты (objets trouvés), коллаж и ассамбляж, впервые применённые Пикассо, Жоржем Браком и Куртом Швиттерсом. Также он опирался на концептуальные техники Марселя Дюшана и дадаизма для создания своего уникального мультимедийного стиля.

Вместе со своим другом Джаспером Джонсом Раушенберг считается одной из ключевых фигур неодадаизма. Это движение ознаменовало разрыв с абстрактным экспрессионизмом, доминировавшим в искусстве США в 1940-х и 1950-х годах. Раушенберг стал связующим звеном между живописью действия Джексона Поллока и новыми течениями 1960-х годов, такими как поп-арт и концептуализм, в которых он принимал активное участие. Его беспокойное творчество и склонность к экспериментам придают его искусству уникальную широту видения. Для знакомства с другими художниками, работающими в смешанных техниках, смотрите: Ведущие современные художники.

Ранние годы

Милтон Эрнст Раушенберг родился в Порт-Артуре, штат Техас, в семье немецкого происхождения. Позже он сменил имя на Роберт, считая его более подходящим для художника. В юности он не имел контактов с искусством. Во время Второй мировой войны, работая санитаром в военно-морских госпиталях Калифорнии, он случайно посетил художественную галерею и был глубоко впечатлён увиденным. После войны он поступил в Художественный институт Канзас-Сити.

Затем он недолго учился в престижной Академии Жюлиана в Париже, которая его разочаровала. Там он познакомился с американской художницей Сьюзен Вейл, вместе с которой продолжил обучение в знаменитом Колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине под руководством мастера Баухауса Йозефа Альберса. В 1950 году Раушенберг и Вейл поженились, в 1951 году у них родился сын Кристофер, а в 1953 году они развелись. В этот период у Раушенберга также были близкие отношения с художником Саем Твомбли и представителем поп-арта Джаспером Джонсом.

Первая персональная выставка

В 1951 году Раушенберг переехал в Нью-Йорк, где состоялась его первая персональная выставка в галерее Бетти Парсонс, известной своей поддержкой современного искусства. Выставка не получила положительных отзывов и не принесла продаж. Газета The New York Times описала его работы как «стильные каракули».

Монохромные картины

В 1951 году Раушенберг создал свои «Белые картины». Некоторые арт-критики называли их сверхчувствительными экранами, фиксирующими малейшие изменения света и атмосферы. Скептики же видели в них лишь чистые холсты. За этой серией последовали «Чёрные картины» — ещё один цикл работ в одном цвете, но на этот раз с добавлением фрагментов газет. В 1954 году художник представил третью серию — «Красные картины».

В «Красных картинах» он использовал гвозди, дерево, газетные вырезки и другой мусор для изменения поверхности полотна. Эту технику он развил во время поездки по Европе и Северной Африке в 1952 году с Саем Твомбли. В путешествии он начал собирать обрывки верёвок, камни и палки, которые выставил в Риме и Флоренции под названием «scatole contemplative» («коробки для созерцания»). Эти коллажные работы и ранние ассамбляжи стали предшественниками знаменитой серии «Комбайны».

Художественная философия

К середине 1950-х, несмотря на отсутствие коммерческого успеха, Раушенберг начал формировать свою эстетику. Она основывалась на трёх принципах, которые позже с энтузиазмом подхватило следующее поколение художников поп-арта. (Для сравнения см.: Поп-арт Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых годов.)

Во-первых, он стремился создавать искусство с мгновенным значением, понятное обычному зрителю. Эта цель была противоположна интеллектуализму абстрактного экспрессионизма. Для этого он использовал образы из повседневной жизни и легко узнаваемые объекты, что нашло отражение в его коллажах и ассамбляжах.

Во-вторых, в духе дадаизма он считал, что искусство можно создавать из чего угодно, даже из самых обыденных материалов. Этот подход ставил под сомнение границу между искусством и повседневностью, вопрос, впервые поднятый Марселем Дюшаном. Ярким примером стала работа «Кровать» (1955), где художник расписал собственное одеяло, добавив зубную пасту и лак для ногтей.

В-третьих, подобно дадаистам, он верил, что идея произведения важнее самого объекта. Это убеждение он разделял с развивающимся концептуальным искусством. Его работа «Стёртый рисунок де Кунинга» (1953) состояла в том, что он стёр рисунок абстрактного экспрессиониста Виллема де Кунинга, оставив лишь слабые следы от карандаша на бумаге.

Ещё один пример концептуализма Раушенберга произошёл в 1961 году. Получив приглашение на выставку, где участники должны были представить портрет владелицы галереи Ирис Клер, он отправил телеграмму со словами: “Это портрет Ирис Клер, если я так говорю”. В этом прослеживается влияние авангардного композитора Джона Кейджа, известного своим произведением «4′33″», состоящим из полной тишины.

Комбайны

Центральное место в творчестве Раушенберга занимает его знаменитая декларация о желании работать «в разрыве между искусством и жизнью». Эта идея легла в основу его «Комбайнов» (1954–1964) — гибридных произведений, объединяющих живопись и скульптуру. Они расширили границы коллажа и использования найденных объектов, продолжая традиции «реди-мейдов» Марселя Дюшана.

Студия художника напоминала склад городских артефактов: бутылок из-под кока-колы, газет, радиоприёмников, чучел животных и фрагментов одежды. Большинство этих предметов он интегрировал в свои работы. Одно из самых известных произведений, «Монограмма» (1955–1959), включало чучело ангорского козла с автомобильной шиной. Благодаря усилиям арт-дилеров, таких как Лео Кастелли, критики начали признавать Раушенберга одним из ведущих деятелей современного искусства Нью-Йорка.

Перформансы и коллаборации

Середина 1950-х была для Раушенберга насыщенным временем. Он не только создавал «Комбайны», но и активно работал в сфере перформанса. Художник создавал декорации и костюмы для танцевальной труппы своего друга, хореографа Мерса Каннингема. Эти коллаборации, часто с участием композитора Джона Кейджа, стирали границы между живописью, танцем и музыкой, предвосхищая междисциплинарные практики современного искусства. Также в это время он вместе с Джаспером Джонсом оформлял витрины для магазинов Bonwit Teller и Tiffany.

Поп-арт и печатные техники

К началу 1960-х Раушенберг и Джонс оказались в центре яркого и динамичного движения поп-арт, наряду с такими художниками, как Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол. Раушенберг стал одним из новаторов шелкографии, используя коммерческие печатные процессы для переноса фотографий на холст. Его работа в этой области совпадает по времени с экспериментами Уорхола, и обоих художников часто называют важными предшественниками американского поп-арта.

Раушенберг одним из первых применил технику переноса изображений с помощью растворителя. Он пропитывал вырезки из газет и журналов химическим веществом, а затем перетирал изображение на бумагу или холст. Этот метод позволил ему создавать сложные многослойные композиции. На основе этой техники он создал серию из 34 иллюстраций к «Аду» Данте, представив современную интерпретацию путешествия Данте и Вергилия, где в роли персонажей выступали современные герои.

Международное признание

В 1964 году Раушенберг стал первым американским художником, получившим Гран-при на Венецианской биеннале, что ватиканская газета «L’Osservatore Romano» назвала «полным и общим поражением культуры». После этого он получил широкую институциональную поддержку. В 1970 году он стал соучредителем организации «Change», предоставлявшей экстренную финансовую помощь художникам.

Интересуясь соединением искусства и технологий, в 1966 году он вместе с инженером Билли Клювером основал некоммерческую организацию «Эксперименты в искусстве и технологии» (E.A.T.) для содействия сотрудничеству между художниками и инженерами. В 1985 году он запустил проект «Международный культурный обмен Раушенберга» (ROCI) — передвижную выставку, для которой создавал работы, посвящённые каждой из посещённых стран.

Поздние годы и наследие

В 1990-е годы художник начал новую серию крупномасштабных коллажных работ под названием «Анаграммы». В них повторялись в различных комбинациях изображения зданий, скульптур, пляжных сцен и плакатов со всего мира. Раушенберг был рисковым художником до конца жизни. В 74 года он заявил: “Ошибаться — это добродетель… Уверенность в своей правоте может остановить развитие очень интересной идеи”.

Роберт Раушенберг умер 12 мая 2008 года от сердечной недостаточности на острове Каптива во Флориде. Сегодня он считается одним из самых новаторских художников XX века. Его произведения хранятся в ведущих художественных музеях мира. (См.: Американское искусство: 1750 — настоящее время).