Уильям Хогарт:
Английский жанровый художник читать ~19 мин.

Чтобы оценить значение великого английского гравёра и художника Уильяма Хогарта, необходимо кратко охарактеризовать состояние английского искусства в начале XVIII века.

Английское искусство: Начало XVIII века

Смерть сэра Годфри Кнеллера в 1723 году положила конец долгому господству иностранных художников в английской живописи, длившемуся два столетия. Однако признаков того возрождения, которое сделало XVIII век славной главой в истории английского искусства, всё ещё не было видно.

Ученики и последователи Кнеллера были обычными ремесленниками-портретистами, чьи работы были лишены и живости, и очарования. На посту сержанта-живописца короля его сменил Чарльз Джервас (1675–1739) — типичный представитель своей школы. Сегодня его помнят больше благодаря его самомнению и дружбе с поэтом Александером Поупом, чьи льстивые стихи в адрес Джерваса больше говорят о дружеском расположении, чем о критической проницательности. Впрочем, Джервас не был лучшим из живописцев школы Кнеллера. Майкл Даль (1656–1743) и Джонатан Ричардсон (1665–1745), будучи не более чем подражателями, всё же являлись художниками несколько более высокого ранга. А сэр Джеймс Торнхилл (1676–1734) предпринял смелую, хотя и не слишком удачную, попытку вывести английскую фигурную живопись из того упадка, в котором она оказалась.

Но восстановить достоинство и честь английской изобразительной живописи суждено было его ученику и зятю — Уильяму Хогарту. Бесполезно пытаться объяснить внезапное появление гения в определённое время и в определённом месте. То, что Хогарт, Рейнольдс, Гейнсборо, Уилсон, Тёрнер, Констебл и десятки других великих художников появились в Англии в течение ста лет, можно лишь принять как данность. Однако условия менялись, и обстоятельства XVIII века были гораздо благоприятнее для развития национальной школы, чем в XVI и XVII веках.

Картины Уильяма Хогарта

Расширение культурной базы в Англии

Религиозные и политические распри, последовавшие за разрывом со средневековыми традициями, а также недальновидное правление Стюартов и сравнительная бедность страны мешали широкому распространению культуры в Англии XVII века. Но с наступлением XVIII столетия пришли внутренний мир, стабильное правительство и постоянный рост национального богатства, а вместе с ними — и новые возможности для культурного развития.

Меценатство, ранее ограниченное двором и аристократией, распространилось на состоятельные слои высшего и среднего класса, чей вкус обогащался благодаря путешествиям. «Гранд-тур» — образовательная поездка по Франции, Италии и Германии — стал неотъемлемой частью воспитания молодого человека из обеспеченной семьи, а знакомство с работами старых мастеров стало доступно гораздо более широким слоям английского общества.

Долгие годы правления Уолпола были периодом затишья и восстановления, в течение которого английский народ обрёл стойкость и растущее чувство единства и патриотизма, ещё не переродившееся в крайнюю самоизоляцию более поздних времён. Национальная гордость разгоралась под влиянием художественной славы других стран, и это пробудило желание создать собственную национальную школу. Произведения Клода Лоррена, Пуссена и голландских мастеров-реалистов пробудили вкус к пейзажу, что открыло дорогу английским пейзажистам, чьё творчество в начале XIX века преобразило облик европейского искусства.

В XVIII веке также появились художественные школы, образовались общества художников, впервые были проведены публичные выставки их работ, и, наконец, в 1768 году под патронажем короля Георга III была основана Королевская академия художеств в Лондоне.

Все эти факторы в совокупности способствовали повышению общего уровня искусства, хотя некоторые из них в конечном итоге имели как положительные, так и отрицательные последствия.

С момента основания Королевской академии судьба английского искусства была тесно с ней связана, а её школы, несмотря на всю критику их методов обучения, стали главной «кузницей» художников в Англии. Но в начале века единственными школами были студии портретистов, которые, хотя и давали, вероятно, хорошую техническую подготовку, передавали ученикам лишь выхолощенные традиции.

Именно в одной из таких студий, у Томаса Хаймора, обучался сэр Джеймс Торнхилл. Он уже успел завоевать определённую репутацию как портретист, когда путешествие по Франции, Фландрии и Голландии обратило его внимание на декоративную живопись. По возвращении он посвятил себя этой отрасли искусства и попыткам поднять уровень живописи в Англии. Кроме реализации крупных декоративных проектов, самые значимые из которых — собор Святого Павла, Гринвичский госпиталь и Хэмптон-корт, — он основал Академию искусств в Ковент-Гардене.

О том, что Торнхилл обладал незаурядным дарованием, свидетельствует эскиз декора «Чудо святого Франциска» в Национальной галерее, в котором мерцающие плоскости рисунка напоминают об искусстве Тинторетто. Но прежде чем английская живопись смогла начать с чистого листа, необходимо было вернуться к чему-то более простому и искреннему.

Работы Рубенса и поздних итальянских живописцев были конечным результатом долгого процесса, в ходе которого их сложное и утончённое искусство медленно развивалось из более простых форм, основанных на искреннем изучении природы. Имитировать их результаты без прочной основы означало лишь создавать искусственные цветы, лишённые и жизни, и семян. Именно потому, что искусство Хогарта глубоко уходило корнями в жизнь его времени и его народа, он смог вдохнуть здоровье и силу в увядающую английскую живопись.

Уильям Хогарт: Ранние годы и творческий подход

Уильям Хогарт родился в 1697 году в Лондоне. Его отец, школьный учитель и мелкий литератор, часто терпел неудачи в своих начинаниях, из-за чего семья оказалась в долговой яме, а сам он провёл несколько лет в долговой тюрьме Флит. Эти события глубоко повлияли на мировоззрение будущего художника. Около 1712 года отец отдал его в ученики к Эллису Гэмблу, серебряных дел мастеру, у которого он освоил ремесло гравёра. Там он обрёл твёрдость руки и дизайнерские навыки, оказавшиеся для него куда более ценными, чем студийные приёмы, которые он мог бы перенять у модных портретистов. Говорят, что он занялся рисованием, желая запечатлеть юмор лондонской жизни. Он даже разработал собственную систему рисования по памяти, которая позволяла ему вечером воспроизводить сцены, впечатлившие и позабавившие его днём.

Это, несомненно, был верный путь. Его художественный язык рождался из его мыслей. Он рисовал потому, что ему было что сказать, а не для того, чтобы освоить сложный и искусственный стиль, не имевший связи с его собственным мироощущением. Только так и может рождаться живое искусство: как в речи слова должны точно соответствовать мысли, так и в живописи форма должна быть достойным облачением для образа в сознании художника.

В этом и кроется сложность обучения в иностранных школах. Стиль выразителен и полон жизни лишь тогда, когда он в точности соответствует духу своего создателя. Художественный язык, сложившийся на основе обычаев, традиций и образа мыслей одного народа, не может быть механически перенесён на почву другой культуры. Во времена Хогарта, несмотря на развитость английского языка, в живописи не существовало готовой системы символов, поэтому ему пришлось создавать её самому.

Человек с менее упорным, боевым и самоуверенным нравом, чем у Хогарта, потерпел бы неудачу. Но он обладал именно теми качествами, которые позволили ему противостоять модной поверхностности того времени и быть решительно и дерзко самим собой. С его портретов на нас смотрит мужчина с крепким черепом, проницательным взглядом, задиристым носом и решительно сжатым ртом. В его облике есть что-то от лондонского простолюдина-забияки, который не даст себя в обиду. Конечно, его натура была гораздо сложнее: за всей его сатирой, дерзостью и юмором скрывались подлинно английские поэтичность, чувствительность и любовь к изящной красоте. Но именно эти жёсткие качества позволили ему совершить то, что он совершил для английской живописи.

Ранние работы

В 1718 году, по окончании ученичества у Эллиса Гэмбла, он зарабатывал на жизнь гравировкой гербов и торговых счетов. Самой ранней из известных его работ считается его собственная визитная карточка с гравировкой «У. Хогарт, гравёр, 23 апреля 1720 года». От этой работы он перешёл к книжной иллюстрации, а в 1724 году опубликовал сатиру «Ворота Берлингтона».

В том же году сэр Джеймс Торнхилл открыл свою академию в Ковент-Гардене, и Хогарт стал посещать её, чтобы овладеть ремеслом масляной живописи. В течение нескольких лет он начал утверждаться как художник. Его иллюстрации к поэме «Гудибрас» Сэмюэла Батлера, выполненные в 1726 году, уже принесли ему определённую репутацию в качестве гравёра. Самыми первыми его картинами были небольшие групповые портреты, или так называемые «беседы». От них он перешёл к сериям сатирических морализаторских картин, с которыми в основном и связано его имя. Первая из них, «Карьера проститутки», была написана в 1731 году.

Тем временем происходили перемены и в его личной жизни. В 1729 году он тайно женился на дочери сэра Джеймса Торнхилла, а в 1733 году поселился на Лестер-Филдс, где и прожил до конца своих дней. С этого времени его жизнь — это в основном хроника его творчества. В 1748 году, в один из редких мирных периодов, он совершил памятное путешествие во Францию, плодом которого стала картина «Ворота Кале», хранящаяся сейчас в Национальной галерее. Когда Хогарт делал набросок старых ворот, его арестовали по подозрению в шпионаже. Хотя его и освободили, этот инцидент лишь укрепил его неприязнь к чужеземцам, которая нашла яркое воплощение в этой картине.

До конца жизни Хогарт создавал сатирические гравюры и картины, а также написал довольно много портретов и несколько работ в «большом историческом стиле», которые, однако, уступают другим его произведениям. В конце жизни он опубликовал свой трактат «Анализ красоты» (1753), в котором изложил собственные эстетические идеалы и попытался установить определённый канон вкуса. В 1757 году он получил официальное признание — должность сержанта-живописца короля. Хогарт умер 26 октября 1764 года, так и не став одним из членов-основателей Королевской академии, которая была учреждена четыре года спустя, в 1768 году.

Творчество Хогарта: Общая характеристика

Если не учитывать разницу между масляной живописью и гравюрой, творчество Хогарта можно разделить на четыре категории: «беседы», сатирические «моралите», портреты и исторические картины. Во всех этих работах, за исключением последней, для которой у него не было ни природных дарований, ни подготовки, он проявлял энергию, оригинальность и изобретательность, которые почти ничем не были обязаны чужому влиянию.

Если и можно найти какие-то аналогии, то скорее с отдельными аспектами искусства Венеции и Фландрии, чем с его современниками и предшественниками в Англии. Но с самого начала и до конца своей карьеры он оставался самим собой, и сходство с работами Питера Брейгеля, Каналетто и Пьетро Лонги, скорее всего, случайно. Если он и заимствовал что-либо, то лишь то, что точно соответствовало потребностям его самовыражения, и это становилось неотъемлемой частью его собственного стиля.

Технически его живопись следовала традиции Кнеллера, и это была добротная манера письма быстрыми, прямыми мазками. Однако некоторые почти каллиграфические пассажи, написанные очень жидкими красками, наводят на мысль, что в чисто техническом плане он мог быть чем-то обязан Каналетто, приехавшему в Англию в 1745 году. Работы Каналетто были известны в Англии и до этого, и вполне возможно, что Хогарт их изучал. Крайне маловероятно, что Хогарт знал работы «старого» Брейгеля, но между ними существует явное духовное родство.

Связующее звено, несомненно, следует искать в голландских и фламандских художниках XVII века, с чьими работами Хогарт мог быть знаком. Это пример живой традиции, которая, зародившись у Брейгеля, получила новое блестящее развитие в руках другого великого мастера.

Конечно, диапазон Хогарта был гораздо более ограниченным, чем у Брейгеля. В его творчестве нет ничего, что можно было бы сравнить с великими пейзажами позднего Брейгеля. Но как сатирик Хогарт обладал более тонким и проницательным остроумием, а его работы проникнуты моральным пафосом, которого не было в грубоватом юморе крестьянских сцен Брейгеля. Их объединяет непосредственная реакция сильного и остроумного духа на уродства и гротеск жизни, какой они её видели, и способность придать своим комментариям формальную завершённость, которая не даёт им превратиться в простые рисованные анекдоты.

Сатирические произведения

Хогарт никогда не был карикатуристом и никогда не впадал в ошибку, превращая персонажей своей сатиры в простое олицетворение какого-либо порока или добродетели. При всём богатстве своих гротескных находок он никогда не теряет чувства реальности. Как бы его герои ни были подвержены скупости, пьянству или обжорству, они остаются людьми с множеством других качеств, как порочных, так и добродетельных. Они задуманы как объёмные, многогранные личности, а не как плоские, неизменные картонные фигурки.

В отличие от многих английских художников, Хогарт обладал неистощимой изобретательностью, причём не только в создании гротескных типажей и ситуаций. Они действительно богаты и разнообразны, как сама жизнь, но он не менее изобретателен и в формальной организации своих картин.

«Беседы»

Эти качества лучше всего видны в его сатирических картинах, гравюрах и офортах, но их можно обнаружить даже в небольших «беседах», с которых он начал свою карьеру живописца. Моду на эти камерные семейные групповые портреты задали голландские мастера, чьи картины были хорошо известны в Англии. В некотором смысле Хогарт был прекрасно подготовлен для такой работы. Его чувство характера, острая наблюдательность и дар драматической компоновки были здесь как нельзя кстати. Однако его чувство юмора, которое в этом жанре можно было проявлять лишь украдкой, должно быть, несколько сковывало его.

В этих картинах его чувство характера и юмора довольно сдержанны, а остроумие притуплено. Они привлекают внимание не столько элементом подспудной иронии, сколько идеальным исполнением условий этого сложного жанра. Однако даже в них Хогарт демонстрирует явное превосходство над работами современных ему художников, таких как Джозеф Хаймор.

Сатирические нравоучительные картины

Хогарт, должно быть, и сам чувствовал тесноту этого жанра, поскольку вскоре от «бесед» он перешёл к сериям нравоучительных картин, таким как «Карьера проститутки», «Похождения повесы» и «Модный брак» (Национальная галерея, Лондон). В них его индивидуальные способности получили гораздо больший простор, хотя чисто сюжетный элемент порой несколько заслоняет его дарования как рисовальщика, колориста и композитора.

Между «беседами» и сатирическими сериями находятся его театральные сцены, например, интерьер театра во время представления «Оперы нищих» (Галерея Тейт). Эти картины дают представление о некоторых качествах его творчества, которое в хорошем смысле слова весьма театрально. Действительно, театр повлиял на него гораздо сильнее, чем на творчество любого другого художника, жившего до или в его время.

Его картины задуманы как сценические мизансцены или «живые картины», разворачивающиеся на фоне более или менее условного задника, без каких-либо попыток точного реализма в передаче освещения или атмосферы. Его цели были сугубо драматическими, и сцена давала ему набор условностей, которые позволяли придавать концентрированную силу его зарисовкам характеров и действий.

Стиль и композиция

Он был не реалистом, а творцом. Жизнь на его картинах не представлена в сыром, необработанном виде. Сырой материал его искусства — жизнь его времени, — пройдя через призму его сознания, обретал форму, стиль и превращался в чистое золото искусства. Если бы он довольствовался реализмом, он вложил бы в свои работы гораздо меньше смысла. И, несмотря на современные представления, мы должны признать, что непосредственной целью Хогарта в этих картинах было нравоучение, рассказ истории с моралью. Эстетические качества были подчинены этой главной задаче и вырастали из неё.

Чтобы заставить своих персонажей рассказывать историю как можно более чётко и выразительно, он использует позы, жесты и группировки, которые более чем просто естественны. Он выработал для своих картин форму, близкую к балету, где действие стилизовано для достижения максимальной выразительности в рамках доступных средств.

То, как Хогарт справляется с этими ограничениями и превращает их в достоинства, придаёт этим «литературным» картинам эстетическую значимость. Преодолевая рамки, которые неподвижность и отсутствие речи накладывают на его фигуры как на актёров, он был вынужден изобретать остроумные жесты и позы, которые в жизни показались бы утрированными, но которые в вымышленном мире его картин совершенно естественны и уместны.

Как на сцене чистый реализм выглядит плоским и невыразительным и требуются условности, чтобы передать иллюзию реальности, так и Хогарт создаёт свою иллюзию, постоянно нарушая каноны строгого реализма. Рассматривая его картины дюйм за дюймом, мы обнаруживаем, что они полны подсказок к сюжету и что их можно не только «читать», но и просто созерцать.

Если бы ему удалось передать свой смысл только таким образом, его картины можно было бы с полным правом отнести к чисто литературному искусству. Но, к счастью, сами формы и цвета пронизаны остроумием и сатирой, которые придают им изящество формальной арабески.

Портреты

За всей этой творческой изобретательностью скрывается очень простая и мужественная мораль, которая служит её основой. В век распущенности, стяжательства и коррупции Хогарт отстаивает простые добродетели: честность, трезвость и порядочную любовь. Именно эта простота чувств принесла его картинам широкую популярность, подобно старомодной мелодраме, произведениям Диккенса или Шекспира.

Порок и добродетель в его картинах чётко разграничены, и он с тем же удовольствием и жадностью относится к хорошему злодею, что и великие популярные художники всех времён. Он смакует своих злодеев, как Шекспир — Яго, а средневековые художники — своих дьяволов.

В его портретах эти черты, как правило, проявляются меньше, но в одном из них, «Саймон Фразёр, лорд Ловат», Хогарт создал самого колоритного негодяя во всей своей галерее мерзавцев. Эта работа стоит между его «моралите» и остальными портретами и является одним из его шедевров. Лорд Ловат был приговорён к смерти, когда Хогарт писал его портрет, и можно предположить, что художник не чувствовал себя скованным ограничениями, которые обычно сдерживают портретиста. В результате картина сочетает в себе достоинства и портретов, и «моралите». Не будучи перегруженной литературными деталями, она содержит столько же язвительности и сатиры, сколько и «Модный брак», и является таким же проницательным исследованием характера, как и портреты его собственных слуг.

Безусловно, это была тема, способная вдохновить художника с даром Хогарта. Огромное, как у доктора Джонсона, тело Ловата венчает голова, являющаяся воплощением гениального злодейства. Ни тени раскаяния или сожаления не видно в глазах хитрого старого лиса, который встречает смерть, стойко неся бремя своих злодеяний и до последнего бравируя ими.

Хогарт нечасто находил подобные сюжеты, но все его портреты, даже самые официальные и формальные, отличаются острым чувством характера. Это прямые и мужественные изображения, лишённые жеманства или притворства. Наибольшую симпатию вызывает группа портретов его собственных слуг. Как и в случае с портретом Саймона Фразёра, Хогарт, очевидно, чувствовал себя совершенно свободным, рисуя их. В них есть интимность и нежность, довольно редкие в его творчестве, но иногда проглядывающие даже в сатирах. Здесь характеры очень тонко разграничены, и по картине можно чётко прочитать об отношениях между Хогартом и его слугами. Более человечной и показательной картины не существует.

Другие портреты Хогарта не всегда достигают столь высокого уровня, но эти два задали стандарт, постоянно соответствовать которому не может ни один портретист. Портрет его сестры (Национальная галерея) с его прекрасным колоритом, резкой характеристикой и живостью выражения, возможно, стоит рядом с ними, но в целом его уровень был неизменно высок.

«Девушка с креветками» (Национальная галерея) вряд ли можно назвать портретом в строгом смысле слова. Этот блестящий набросок стоит совершенно особняком в творчестве Хогарта, как по настроению, так и по технике. Он совершенно лишён сатиры, его даже нельзя назвать исследованием характера. Это просто лучезарное выражение искренней радости жизни — радости, которая наполняет каждый стремительный и грациозный мазок кисти и запечатлевает мимолётную красоту на лету.

Искусство Хогарта никогда не достигало более высокой точки, чем в этой картине. Технически она совершенно не похожа на другие его работы: мазок так же лёгок, а краска так же прозрачна и текуча, как у Гейнсборо, — своего рода импрессионизм, продиктованный самой темой. Это ещё одно доказательство чистого артистизма Хогарта, у которого техника кажется неотделимой от вдохновляющего её предмета.

У Хогарта не было прямых последователей, и хотя его непосредственное влияние на английское искусство было незначительным, косвенное было огромным.

Влияние Хогарта на английскую живопись

Непосредственно ему обязаны такие карикатуристы, как Роуландсон, Гиллрей и Крукшанк. Дидактическую тенденцию многих последующих английских картин также можно проследить и в его влиянии. Но его реальное значение заключалось в том, что он вернул английскую живопись к жизни и освободил её от изживших себя условностей.

Знатоки того времени, и в их числе Рейнольдс, считали его художником довольно вульгарным, но никто не мог отрицать жизненную силу его работ. Он, словно сильный ветер, смёл застоявшуюся атмосферу упадка и оставил после себя свежий воздух, в котором смогло вырасти новое искусство. Он сделал искусство популярным, рассказывая о жизни, которую люди знали, в духе, который они могли понять. С помощью своих гравюр он донёс своё искусство до тех, кто мало что знал о живописи. Поэтому, хотя последующее развитие живописи в XVIII веке не вытекает напрямую из творчества Хогарта, именно он сделал это развитие возможным, и его по праву считают основателем современной английской школы живописи.

Из ближайших современников Хогарта никто не демонстрирует сравнимой с ним жизненной силы. В лучшем случае им можно приписать неплохую техническую грамотность и порой — некоторое очарование колорита. Характерны в этом отношении Джозеф Хаймор (1692–1780) и Томас Хадсон (1701–1779), учитель Рейнольдса. Оба умели очень хорошо обращаться с кистью и красками, но в их работах было мало жизни. Хаймор, безусловно, обладал некоторым обаянием и умеренным чувством характера, что хорошо иллюстрирует его портрет «Джентльмен в серо-коричневом бархате» (Национальная галерея). Но сравнение его иллюстраций к «Памеле» с работами Хогарта, которые висят рядом в той же галерее, показывает, насколько бледным и скудным было его вдохновение, несмотря на определённую грациозность. Аллан Рэмзи (1713–1784), шотландский художник-портретист, может быть поставлен в один ряд с Хаймором, с чьими работами его портреты имеют некоторое сходство.

Молодое поколение английских художников, таких как Рейнольдс и Гейнсборо, должно было подхватить факел, который зажёг Хогарт.

Работы Хогарта можно увидеть в лучших художественных музеях Великобритании.