Является ли фотография искусством? читать ~20 мин.

Является ли фотография формой объективного искусства?

В продолжающихся дебатах о том, следует ли рассматривать фотографию как вид изобразительного искусства некоторые критики считают, что фотография создается с помощью научной техники, а не по-настоящему творческой операторской работой. В конце концов, они утверждают, что очень неэстетичный фотограф-любитель, вооруженный хорошей камерой, способен создавать совершенно приемлемые изображения. Напротив, человеку, который не знал, как рисовать, лепить или вырезать, было бы гораздо труднее создать приемлемую картину или статую. Из-за этого они утверждают, что фотография не может сравниться с творческим качеством живописи или скульптуры.

Другие критики не согласны. Они говорят, что именно потому, что фотография настолько отличается от живописи и скульптуры – применяется разная эстетика. Кроме того, они бросают вызов любому художнику предложением нарисовать картину, которая столь же неотразима, как хорошо составленная фотография. Например, снимок короля Карла I, обращающегося к толпе с эшафота, оказал бы гораздо большее влияние, чем картина той же сцены. А поскольку камеры фиксируют реальность, воздействие является важным компонентом операторского искусства. Наконец, даже если неподготовленному оператору камеры удастся сделать приемлемый снимок, он вряд ли будет соответствовать творчеству снимка, сделанного профессиональным фотографом. В результате всего этого, говорят они, фотография может быть не только одним из новейших видов искусства, но и даже «формой» современного искусства – прямым отражением современной научной эпохи.

Эти проблемы поднимались и обсуждались художниками и искусствоведами на протяжении как 19-го и 20-го веков. Советуем найти книгу Темса и Хадсона «Фотография: вся история» (2012) – незаменимую для всех, кто интересуется искусством на основе линз, информация из которой использована в этой статье.

Знаменитые художественные фотографы

Дайан Арбус (1923-1971), Фотографии фриков.
Дэвид Бейли (р.1938), Портретные / модные фотографии.
Сесил Битон (1904-1980), Портреты.
Роберт Дуано (1912-1994), Французский уличный фотограф.
Уокер Эванс (1903 – 1975), Портреты эпохи депрессии.
Юсуф Карш (1908-2002), Формальный портретист.
Энни Лейбовиц (р.1949), Портреты знаменитостей.
Ласло Мохой-Надь (1895-1946), Знаменит фотограммами.
Норман Паркинсон (1913-1990), Знаменит своими уличными портретами.

Фотографические изображения: частично-реальное, частично-воображение

Почему фотографические изображения так неотразимы? Тот факт, что многие из нас сейчас снимают фотографии еженедельно, даже ежедневно, не уменьшил магию личных снимков или работ, которые можно найти в галерее, музее или книге. Фотографии, помещенные в альбом или размещенные в социальных сетях, могут заставить нас смеяться вслух. Когда мы сталкиваемся с потрясающими снимками из истории фотографии, такими как фотографии Антарктиды начала 20-го века Герберта Понтинга (1870-1935), мы пленены. Изображения Понтинга из Британской антарктической экспедиции 1910 – 1913 гг. делают далекое прошлое волнующим настоящим. Тем не менее, эти изображения не являются просто историческими документами: ясно, что даже в таких сложных условиях фотограф был полон решимости не жертвовать ничем ради эстетического эффекта. Фотография относится как к сферам реальности, так и к воображению: хотя иногда она отдает предпочтение чему-то одному, она никогда не отказывается от своего влияния.

Фотографические процессы: дагеротипия, фотогеничный рисунок

Когда в январе 1839 года миру было объявлено, что можно сделать снимок, видимый в камере-обскуре (вспомогательное средство для рисования, которое проецирует то, что художник увидел на поверхность, с которой он может скопировать сцену), казалось, что не было предела человеческой изобретательности. Дагеротипия – процесс, разработанный во Франции Луи-Жаком-Манде Дагером (1787-1851) – позволил получить очень детальное изображение на маленькой металлической пластине. За январским объявлением о дагерротипе сразу последовали новости о другом фотографическом процессе, разработанном в Англии Генри Фоксом Тэлботом (1800-1877). Процесс Тэлбота, который он назвал «фотогеничным рисунком», привел к негативному изображению на бумаге, в котором было тепло и шум графического искусства. В то время как дагерротип был конечным уникальным объектом (негатива не было), фотогеничный рисунок мог быть использован для создания нескольких отпечатков в позитиве. С тех пор, как начались эти события, фотография колебалась между уникальностью и множественностью. Сегодня уникальная или ограниченная серия фотографий знаменитого художника может быть продана более чем за миллион долларов, и в то же время цифровая фотография – с ее, казалось бы, бесконечным тиражированием – уже играет фундаментальную роль в глобальном общении.

Художественные фотографии

Есть много тысяч важных художественных фотографий в государственных и частных коллекциях по всему миру, но большинство из них не делались с учетом художественной составляющей. Некоторые были предназначены для демонстрации того, что может сделать новый носитель; другие начинали жизнь как документы, записи или иллюстрации; только позже они были отмечены как предметы искусства. Некоторые фотографии, такие как исследование парижан, просматривающих затмение, Юджином Атгетом (1852-1927), обнаруживают сюрреалистическое в реальности. Другие, в том числе Автопортрет в образе утопленника (1840) Ипполита Баярда (1807 – 1877), играют со способностью фотографии представлять художественную выдумку как факт. Поскольку большинство великих фотографических изображений были приняты в качестве предметов искусства ретроспективно, их история не может быть рассказана со ссылкой на движения, школы и кружки.

Начиная с изобретения фотографии в 1839 году, вопрос об идентичности и статусе этого медианосителя обсуждался не в связи с технологическим происхождением, а с его отношением к визуальному искусству. Мало кто отрицал, что фотография была гениальным изобретением современной эпохи, но многие видели в этом угрозу традиционным ценностям, связанным с искусством. В обществе, символически разделенном между «джентльменами» (теми, кто использовал свой интеллект и воображение) и «операторами» (работниками физического труда, которые занимались бездумной механической работой), машина, которая делала картины, была вызовом существующему общественному порядку.

Фотография на бумаге

В 1850-х годах дагеротипия и калотипия (название, которое Тэлбот дал своему процессу после важных усовершенствований в 1841 году) уступили место фотографии с мокрым коллодием, основанной на использовании стеклянных негативов для производства бумажных изображений. Полученные изображения, как правило, печатались на бумаге, покрытой белком (яичным) и отличались четкими деталями, шоколадно-коричневой тональностью и блестящей поверхностью. Практика фотографии, как любительской, так и коммерческой, испытала бум в середине 1850-х годов, чем фотографы 19-го века в полной мере воспользовались. Практика печати фотографий на бумаге была освобождена от лицензионных ограничений и два новых формата стали очень популярными. Стереография (два изображения одного и того же предмета, слегка раздвинутые и наклеенные рядом на карточке; сейчас этот термин используется для обозначения проекции объемных тел на плоскости), представляет трехмерное изображение при просмотре в окошке специального прибора; предметы были иногда образовательными, но часто предназначались просто для демонстрации визуального эффекта или даже титрования. Carte de Visite, также известный как портрет на карточке, представлял собой портрет в полный рост размером с визитную карточку и подчеркивал платье, а не черты сиделки.

Отношение к фотографии как искусству

Популяризация фотографии в середине 19-го века привела к изменению отношения к ней. Практика калотипии в 1840-х и 1850-х годах в Британии и Франции стала свидетелем чрезвычайно высокой степени технических и эстетических экспериментов и достижений. Перед лицом быстрой коммерциализации и популяризации фотографии в 1850-х и 1860-х годах идея о том, что фотография может быть искусством – и что фотографы (взятые из более низких социальных слоев) могут быть художниками – для некоторых показалась нелепой. В 1857 году искусствовед и историк Элизабет Истлэйк высказала мнение, что фотография должна цениться, но только в том случае, если она не проявляет претензий, помимо рассмотрения «фактов». Несколько лет спустя французский поэт и критик Шарль Бодлер осудил коммерческую фотографию как «самого смертельного врага» искусства. Влиятельный искусствовед Джон Раскин, который восхищался верностью дагерротипии при использовании ее в качестве визуального пособия в Венеции в середине 1840-х годов, позже сказал о фотографии, что она «не имеет ничего общего с искусством и никогда им не станет». (Примечание: фотография дала новый импульс пейзажной живописи и собиралась почти полностью заменить портретное искусство посредством создания личной портретной живописи, но еще не была принята в качестве самостоятельной формы выражения.)

В 1860-х годах большинство коммерческих фотографов рассматривали технические качества, такие как четкость визуальной информации и безупречное качество печати, как способ продемонстрировать превосходство своих фотографических изображений. Эта техническая концепция совершенства означала, что для будущего профессионального фотографа фотография была искусством настоящего. Несколько известных людей отвергли эту ортодоксальность и рассматривали фотографию как средство для создания сложных переплетений идеальности и реальности. Самой известной из этих любителей была женщина, Джулия Маргарет Кэмерон (1815-1879). Кэмерон занялась фотографией в сорок лет и в течение следующего десятилетия создала большую работу исключительно по эстетическим соображениям. Она использовала дифференциальную фокусировку, драпировку для коробок и случайные реквизиты для создания мягких, теплых тонов портретов и рисунков, которые вдохновлялись библейскими, литературными или аллегорическими сюжетами. Вера Кэмерон в то, что именно она создавала искусство фотографии, была настолько смелой, а ее уникальная практика – скромным устремленем, показанным на выставках фотографического общества, что фотографическое сообщество характеризовало ее как несчастной и эксцентричной, не умевшей использовать оборудование должным образом.

Пикториализм

Однако только в конце 19-го века субъективность в фотографии приобрела более широкую культурную легитимность. Центральное место в международном движении, известном как «пикториализм», представители которого продвигали фотографию в качестве выразительного средства массовой информации. Пикториальная фотография характеризуется приемами и эффектами, заимствованными из графики и живописи. Хотя изображение Пикториалиста обычно получалось из четко определенного негативного изображения, часто обширные манипуляции в темной комнате, связанные с преобразованием изображения из этой жесткой реальности, означали, что каждый отпечаток может быть объявлен уникальным. Получающиеся изображения, часто напечатанные в ярких оттенках и выглядящие мягкими, туманными и похожими на сны, должны были вызывать эстетические, а не буквальные реакции. Многие произведения пикториалистов ссылались на высокую художественную серьезность современного Символизма, как видно, например, на фотографии Анны Бригман (1869-1950) «Арфа ветра» (1969).

Прямая фотография

Фигура, наиболее тесно связанная с продвижением художественной фотографии в то время – Альфред Штиглиц (1864-1946), житель Нью-Йорка, имеющий тесные связи с Европой. (Примечание: жена Штиглица, Джорджия О’Киф (1887-1986) и его современник Эдвард Стейхен (1879-1973) также были активными поборниками изобразительного искусства на основе линз и помогли ввести этот носитель в музейные коллекции.) Вернувшись в «Camera Club» в Нью-Йорке и основав «Photo-Secession», Штиглиц продолжил работу над журналом «Camera Work», витриной для лучшего фотографического искусства, созданного в то время на международном уровне. Штиглиц и его операторская работа сыграли столь же важную роль в уходе от пикториализма, как и в его продвижении. Еще в 1904 году критик Садакичи Хартманн, пишущий для «Camera Work», использовал фразу «прямая фотография» для описания эстетики мягких краев пикториализма. Работу «The Steerage» (1907) Штиглица, появившуюся в «Camera Work» в 1911 году, часто называют первой современной фотографией. Однако только в 1917 году вышел последний выпуск журнала, в котором была полностью реализована прямая эстетика фотографии. Выпуск был посвящен работам Пола Стрэнда (1890 – 1976) и включал его теперь культовую Уолл-стрит (1915), которая объединила смелую живописную геометрию с предметом современной жизни.

Идея о том, что фотография может иметь собственную эстетику и основываться на качествах, характерных только для фото, была чрезвычайно убедительной для американских художественных фотографов, многие из которых отказались от пикториализма. Эдвард Уэстон (1886-1958) пришел к выводу о том, что творческая работа с фотографией должна проводиться не в темной комнате, а в «предварительной визуализации» фотографом объекта и его композиции перед тем, как показать негатив в камере. В 1932 году в Калифорнии была сформирована группа, занимающаяся продвижением прямой фотографии, известная как Группа f/64, в которую вошли Уэстон и Ансель Адамс (1902-1984). Уэстон с его почти абстрактными натюрмортами и обнаженными натурами и Адамс с его лирической пейзажной документальной фотографией продолжали доминировать в фотографическом искусстве в Соединенных Штатах на протяжении десятилетий.

Авангард

В Европе Первая мировая война оказала глубокое влияние на создание искусства. Рассерженные художники стремились разработать способы изобразительного выражения, которые могли бы передать кризис веры в традиционные ценности, который был вызван конфликтом. Первые нефигуративные фотографии, на которых запечатлены время, пространство и другие абстрактные концепции, были сделаны во время войны и этот дух радикальных инноваций послужил основой для создания авангардного искусства в 1920-х годах и в последующие годы. Как современная технология с демотическим подтекстом, фотография идеально подходит для того, чтобы занять центральное место на авангардной арт-сцене. Традиционная фотография, в настоящее время обычно принимающая форму отпечатков на серебряной основе с черно-белым изображением – использовалась Дада в Германии для работ социальной критики – см., например, фотомонтажи Дада Рауля Хаусмана (1886-1971), Ханны Хох (1889-1978) и Джона Хартфилда (Гельмут Херцфельд) (1891-1968) – а также конструктивизма в Советском Союзе, чтобы создать новые образные образы для нового общества; художниками-сюрреалистами, такими как Ман Рэй (1890-76) в Париже, в их визуальных шутках и исследованиях подсознания и на международном уровне модернистами, чтобы отпраздновать новые формы искусства и дизайна. Фотография подходила для этих самых разных эстетических задач, потому что она держалась за актуальность. Как современная технология, фотография прославляла современное и материальное. В качестве механистического записывающего устройства фотография придала творческий или иррациональный вес объективному факту. В таких идеологически противоположных странах, как Советская Россия и США, небольшое, но влиятельное число практиков-авангардистов стали рассматривать фотографию как идеальную визуальную среду для современной эпохи.

Подрывает ли коммерция искусство?

Возможно, фотография широко использовалась художниками-авангардистами, но это не значит, что они всегда признавали ее равенство с другими видами искусства. Частично из-за коммерциализации в форме портретов знаменитостей, рекламы и моды. Это беспокойство по поводу статуса фотографии разделяли биографы, искусствоведы и кураторы, которые скрывали коммерческие элементы карьеры фотографов, чтобы обеспечить себе признание в качестве художников. Сегодня общеизвестно, что основные фотографы парижского авангарда 1920-х годов – Ман Рэй, Андре Кертес (1894-1985) и Брассай (1899-1984) – все работали по заказу. Мэн Рэй, родившийся в Филадельфии как Эммануил Радницкий, переехал в Париж в 1921 году и зарекомендовал себя как иконоборческий новатор в живописи, скульптуре, кино и фотографии.

Эдвард Штайхен не был скомпрометирован в 1911 году своей знаменитой коллекцией фотографий модных платьев Поля Пуаре для журнала Art et Decoration. В настоящее время мы не считаем его творчество скомпрометированным его редакционными или модными съемками. Иногда, как в случае с его знаменитым изображением «Черное и белое», заказ стимулировал творчество. (См., В частности, фотографии Чарльза Шилера с автомобильного завода Форд Ривер Руж.) Даже некоторые военные фотографии таких операторов, как Роберт Капа (1913-1954), Ларри Берроуз (1926-1971), Дон МакКаллин (р.1935) и Стив МакКарри (род. 1950) обладают глубокими художественными качествами. Ведущие американские коммерческие фотографы моды 1950-х и 60-х годов, такие как Ирвинг Пенн (1917-2009) и Ричард Аведон (1923-2004), внесли огромный вклад в современное искусство, несмотря на коммерческий характер их модной фотографии и разработали несколько новых фотографических методов.

Гуманистическая фотография

Другим важным событием, укоренившимся во Франции в межвоенные годы, является гуманистическая фотография. Этот тип фотографии, тесно связанный с появлением популярных журналов, таких как журнал Life, показывал предметы, представляющие интерес для человека. Самыми известными фотографами, работающими в духе гуманизма, были художники Доротея Ланге (1895-1965) и Анри Картье-Брессон (1908-2004), чьи уличные фотографии и фоторепортажные изображения со всего мира были также опубликованы в серии влиятельных фотокниг. Произведения Картье-Брессона, выполненные в реалистической идиоме, обязаны в равной степени сюрреализму, как и прямой фотографии. См. Также невозмутимые фотографии в фотоальбоме «Бензиновые станции Twentysix» (1962) Эда Руша (р. 1937).

Принятие фотографии как формы искусства

Одна из лучших в мире галерей современного искусства, знаменитый нью-йоркский Музей современного искусства (MoMA) был идеологическим домом модернизма – доминирующей авангардной эстетики середины века, которая охватила искусство, дизайн и архитектуру. MoMA провела важный обзор фотографии в 1937 году и в конце концов открыла свой отдел фотографии в 1940-м, однако статус фотографии как формы искусства все еще не был защищен. Джон Шарковский (1925-2007), который стал куратором фотографий в МоМА в 1962 году, стал наиболее эффективным в ассимиляции фотографии с модернизмом. По словам Шарковского, легитимная фотография была «прямой», демократичной по своему предмету и имела сильный формальный компонент. Фотографии были не произведениями воображения, а фрагментами действительности, наглядно организованными, чтобы отразить сильное личное видение.

По словам ученого Дугласа Кримпа, несмотря на то, что фотография была изобретена в 1839 году, она полностью раскрылась только к 1960-м и 1970-м годам. Кримп и другие члены его окружения критиковали потерю понимания, вызванную переносом фотографий из ящиков архива на стены художественного музея. Неизбежно, что этот критический интерес к фотографии, наряду с такими книги, как «Un art moyen» Пьера Бурдье (1965), «На фотографии» Сьюзен Сонтаг (1977) и «Лусидой» Ролана Барта (1979), послужил дальнейшему подъему фотографии с точки зрения ее культурного статуса. Книга Барта – весьма острый рассказ о его поиске «истинного» образа своей матери – является, пожалуй, самым влиятельным примером попытки определить фотографию в эссенциалистских терминах. В своей книге Барт сформулировал идею «пунктума», детали фотографии, которая вызывает у зрителя ощущение раны. Как и в модернистских представлениях о фотографии, он предположил, что фотография обладает уникальной природой, которая отличает ее от всех других визуальных средств.

Ряд художественных движений 1960-х годов и новых форм искусства сделали фотографию неотъемлемым элементом их подхода. Движения включали Fluxus (1960-е годы) и Pop Art (c.1955-70), а также Arte Povera (c.1966-71), в то время как новые формы искусства с использованием фотографий включали в себя инсталляционное искусство и перформанс. Одним из наиболее важных современных художников, который полагался на фотографию при создании своих работ, был Энди Уорхол (1928-1987); посмотрите, например, его принты с фотографиями кинозвезд, таких как Элвис и Элизабет Тейлор. Многие современные художники, включая Гилберта и Джорджа (р.1943 и 1942), также сильно зависят от использования фотографии. Интересно, что собственный фотографический портрет Уорхола, снятый в 1987 году Робертом Мэпплторпом (1946-1989) и проданный с аукциона Christie’s в 2006 году за 643 200 долларов остается одной из самых дорогих фотографий того периода.

Постмодернистская фотография

Конкурирующая концептуализация фотографии утверждает, что у нее нет врожденных характеристик. Утверждается, что ее идентичность зависит от приписываемых ей ролей и приложений. Эта теория фотографии принадлежит современной критике модернизма, известной как постмодернизм. (Примечание: см. также: Искусство постмодернизма и художники постмодернизма.) Желание еще раз увидеть искусство социально и политически занятым, а не принадлежащим к сфере творческой чистоты, привело ученых к работам Уолтера Бенджамина, критика и философа, который был связан с Франкфуртской школой в 1930-х годах. Утверждая, что фотографическая копия уничтожила «ауру» оригинального произведения искусства и что массы могли наслаждаться искусством через этот симулякр, фотография символизировала для Бенджамина возможность лишения культурной и, в конечном итоге, политической власти от национал-социалистов. В 1980-х годах левые теоретики начали переосмысливать историю среды с точки зрения того, как фотография была вовлечена в осуществление власти. (Власть и нагота, см. работы Гельмута Ньютона (1920-2004); освещение гендерных вопросов, см. работы Нана Голдина (р. 1953).) Понятие фотографической объективности было подорвано работами этих ученых и интеллектуалов, а также Жаном Бодрийяром, который бросил вызов идее предсуществующей реальности, которая просто захватывается или отражается визуальными средствами. По словам Бодрийяра, образы – это реальность, благодаря которой мы познаем мир.

До 1970-х годов фотографическое искусство было отождествлено с культовыми изображениями 19-го и начала 20-го века. Сегодня это отождествляется с работами, сделанными за последние тридцать пять или около того лет. Мировой рекорд по фотографии, проданной на аукционе, составил 4,3 млн. долларов за «Рейн II» (1999) Андреаса Гурски (р. 1955). Когда мы только вступили в XXI век, мировой рекорд составлял 860 000 долларов – «Великая волна», сет Гюстава Ле Грея (1820 – 1884). Массовое увеличение фотографией часто приводят в качестве доказательства того, что фотография, наконец, была принята как искусство. (Примечание: см. Также «Самые дорогие картины: 20 лучших».) Однако это не первый случай, когда фотография была определена как вид искусства. Что отличает сегодняшний день от прошлого, так это то, что информация в какой бы то ни было форме теперь редко передается без неподвижных или движущихся изображений: фотография в цифровом виде является таким же современным чудом, как и дагерротип в 1839 году. (Примечание: см. также анимация и видеоарт.)

Вывод: фотография – это искусство

Рассматривая некоторые интеллектуальные доводы, нынешний консенсус, по-видимому, заключается в том, что фотографии запечатлевают надуманный или преднамеренный момент реальности, и именно эта преднамеренность содержит художественное ядро. [См., Например, «постановочные» фотографии Джеффа Уолла (р. 1946), манипулируемые пейзажи Андреаса Гурски (р. 1955) или сюрреалистические автопортреты Синди Шерман (р. 1954)). Иными словами, искусство фотографа – это его способность запечатлеть момент реальности и превратить его в видимый образ интереса или красоты. Несущественно, что фотография может быть воспроизведена тысячу раз, тем самым лишив «оригинала» своего уникального статуса. Достаточно того, чтобы никакие два фотографа не могли создать полностью идентичное изображение. Художественное качество «изобразительного» образа, который, так сказать, «создан» в темной комнате, еще более обеспечен. Процесс оценки того, является ли фотография искусством, напоминает нам о том, что ни живопись, ни скульптура не являются настолько чистой формой искусства, как это иногда предполагается. Бронзовую скульптуру можно отливать и переделывать в большом количестве копий; и наше знание греческой скульптуры исходит не из оригинальных греческих статуй, а из римских копий. Кроме того, было подсчитано, что как минимум 1 из 10 картин, которые висят в лучших художественных музеях, являются копиями, а не оригиналами. В конце концов, камера вместе с темной комнатой и ее химическими веществами не так сильно отличается от кистей и красок художника. Это остается не более чем набором инструментов, с помощью которых фотограф пытается создать изображение: изображение, которое волнует нашу душу, также как и картины маслом.

Сегодня лучшие образцы художественной фотографии можно увидеть во многих музеях по всему миру, включая Музей Метрополитен, Нью-Йорк, (коллекции Штиглица, Штайхена, Уокера Эванса и Ford Motor Company); Музей современного искусства (MOMA), Нью-Йорк (коллекции, собранные Эдвардом Стейхеном, Джоном Шарковским и Питером Галасси); Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке (коллекция Роберта Мэпплторпа); Чикагский художественный институт (коллекция Альфреда Штиглица); Детройтский институт искусств (Галерея Альберта / Пегги де Саль); Музей искусств округа Лос-Анджелес (Отдел фотографии Уоллиса Анненберга); Музей искусств Филадельфии (30 000 фотографий таких фотографов, как Альфред Штиглиц, Пол Стрэнд); и Музей Виктории и Альберта, Лондон (500 000 изображений с 1839 года по настоящее время).

Для объяснения самых популярных используемых терминов, смотрите: Художественная фотография, Глоссарий