Постмодернизм читать ~24 мин.

Термин «постмодернистское искусство» или «постмодернизм» относится к широкой категории современного искусства, созданного примерно с 1970 года. Отличительной чертой постмодернизма является отказ от эстетики, на которой основывался его предшественник — модернизм (1870–1970), в пользу плюрализма. Одна из таких отвергнутых ценностей — идея о том, что искусство есть нечто «особенное», что должно стоять над популярным вкусом.

Совпав с целым рядом новых технологических достижений, постмодернизм привёл почти к пяти десятилетиям художественных экспериментов с новыми медиа и формами искусства, включая «Концептуальное искусство», различные виды «Перформанса» и «Инсталляции», а также такие направления, использующие компьютерные технологии, как деконструктивизм и проекционное искусство. С помощью этих новых форм художники-постмодернисты расширили определение искусства до такой степени, что под него стало подпадать «почти всё что угодно».

Терминология в этой области искусствознания запутана и может сбить с толку. Существует много похожих понятий и терминов, которые сложно классифицировать, поэтому не будет лишним сразу уточнить:

• «Модернизм» — период, включающий много различных стилей и течений, примерно 1870–1970 гг.
• «Модерн» — один из стилей, появившихся в эпоху модернизма.
• «Постмодерн» — термин, изначально не относящийся к искусству, но теперь часто приравниваемый к термину «постмодернизм» (хотя это и неверно).
• «Постмодернизм» или «Современное искусство» — период, следующий за модернизмом, включающий много различных стилей и течений, примерно 1970–2020 гг.
• «Актуальное искусство» — текущий период эволюции искусства со всеми своими стилями и течениями, в основе которых лежит субъективный взгляд на искусство.

К сожалению, большинство статей о постмодернизме полны таких сложных слов, как «современность» (не то же самое, что модернизм), «постсовременность» (отличается от постмодернизма), «метамодернизм» (близко к постмодернизму, но не является его частью) и «постпостмодернизм» (дайте передохну́ть). Поэтому вместо использования жаргона позвольте привести простой пример, который поможет вам понять «постмодернистское искусство» и то, чем оно отличается от «модернизма» и его ещё более раннего предшественника — «академического искусства».

Первым крупным стилем искусства после эпохи Возрождения было классическое академическое искусство, которое преподавали в академиях. Академическое искусство — это художественный эквивалент традиционного «костюма и галстука». Затем, примерно в 1870 году, появился модернизм. Это художественный эквивалент «рубашки и брюк» или «пиджака и брюк». Далее, примерно в 1970 году, появляется постмодернизм, который является художественным эквивалентом «джинсов и футболки». Точно так же, как дресс-коды стали менее формальными, более «кэжуальными» и универсальными, так и художники-постмодернисты в меньшей степени ориентируются на старые представления о том, каким должно быть искусство, и больше сосредоточены на создании чего-то (чего угодно), что привлекает внимание.

Но неформальная одежда, такая как джинсы и футболки, стала популярной только потому, что само общество стало менее формальным. Подобно этому, «постмодернистское искусство» является частью более широкого потока технологических, политических и социальных изменений на Западе, который привнёс много новых взглядов и моделей поведения. Полное влияние интернета, например, на поиск и распространение художественных образов, а также на создание прикладного искусства и дизайна, ещё предстоит ощутить. Но поскольку он уже произвёл революцию в музыкальной индустрии, его влияние на мир искусства, вероятно, будет не менее значительным.

Определение постмодернистского искусства

Если вам действительно нужно определение постмодернистского искусства в одном предложении, то вот оно:

Стиль искусства после 1960-х годов, который отверг традиционные ценности и консервативные установки своих предшественников в пользу более широкой, развлекательной концепции искусства, использующей новые художественные формы, дополненные видео- и компьютерными технологиями.

Чем оно отличается от актуального искусства

В чём разница между постмодернистским и актуальным искусством? На практике эти два термина более или менее взаимозаменяемы. Однако, говоря технически, «постмодерн» означает «после модернизма» и относится к определённому периоду (скажем, длиной в 50 лет), начиная примерно с 1970 года, в то время как «актуальное искусство» относится к динамичному 50-летнему периоду непосредственно перед настоящим временем. Сейчас эти два периода совпадают. Но, например, в 2050 году «постмодернистское искусство» (1970–2020) сменится другой эпохой, а «актуальное искусство» будет охватывать период 2000–2050 годов. Таким образом, эти два понятия разойдутся.

Чем он отличается от позднего модернизма

В изобразительном искусстве термин «поздний модернизм» относится к движениям или направлениям, которые отвергают некоторые аспекты модернизма, но в остальном их философия остаётся в рамках модернистской традиции. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм (1948–1965), практиковали ряд радикальных современных художников, в том числе Джексон Поллок, изобретатель живописи действия, и Виллем де Кунинг, которые отвергали многие формальные условности масляной живописи. И всё же ни Поллок, ни де Кунинг не создали бы нечто подобное «Стёртому рисунку де Кунинга» Раушенберга (1953, Музей современного искусства Сан-Франциско), поскольку оба они оставались твёрдыми приверженцами модернистских концепций подлинности и значения.

Аналогичным образом, среди последователей постмодернистских движений, таких как современный реализм (с 1970-х годов по настоящее время) и неоэкспрессионизм (с 1980-х годов по настоящее время), также было много художников, работавших скорее в модернистской, чем в постмодернистской манере. С точки зрения дресс-кода, поздний модернизм — это художественный эквивалент «рубашки и брюк», но ярко-жёлтого цвета.

Фон

«Модернизм» обычно ассоциируется с периодом 1870–1970 годов — примерно от импрессионизма до поп-арта. Несмотря на несколько глобальных катастроф — Первую мировую войну (1914–1918), пандемию гриппа (1918–1919), крах на Уолл-стрит и Великую депрессию (конец 1920-х, 1930-е), — которые подорвали многие моральные устои эпохи, художники-модернисты в целом сохраняли веру в фундаментальные законы разума и рационального мышления. В целом, как и большинство западных людей того периода, они верили, что жизнь имеет смысл; что научный прогресс автоматически является благом; что христианский Запад превосходит остальной мир и что мужчины выше женщин.

Модернисты также верили в значимость, актуальность и прогресс искусства, особенно изобразительного искусства и архитектуры. Следуя по стопам Леонардо и Микеланджело, они верили в «высокое искусство» — то, что возвышает и вдохновляет культурного зрителя, — а не в «низкое», которое просто забавляет или развлекает массы, не имея философского смысла. Они придерживались устремлённого в будущее подхода, рассматривая искусство как нечто, что должно постоянно прогрессировать под руководством ведущей группы художников-авангардистов.

Вторая мировая война и Холокост перевернули всё с ног на голову. Париж уступил место Нью-Йорку в качестве столицы мирового искусства. После Освенцима всё изобразительное искусство — за исключением искусства Холокоста — вдруг показалось неактуальным, поэтому художники-модернисты обратились к абстракции (пусть и наполненной эмоциями, символизмом или динамикой), чтобы выразить себя. Удивительно, но в 1950-х годах Нью-Йоркская школа, представленная картинами Джексона Поллока, а также более спокойной живописью цветового поля Марка Ротко, положила начало временному возрождению искусства по обе стороны Атлантики. Эти художники-авангардисты преуспели в переопределении границ абстрактной живописи, но они оставались в рамках модернизма. Они верили в создание подлинных, законченных произведений искусства с важным содержанием.

Но эпоха модернизма неумолимо приближалась к концу. Все новые откровения о Холокосте, испытания атомных бомб, Карибский кризис (1962) и война во Вьетнаме (с 1964) вызывали у людей всё большее разочарование в жизни (и искусстве). Уже в середине 50-х годов Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг создали первые постмодернистские работы в стиле неодадаизма и поп-арта. Вскоре мейнстримный поп-арт ознаменовал начало собственно постмодернизма, когда американские телеканалы сосредоточились на наступлении Тет в 1968 году и хаотичном съезде Демократической партии в Чикаго.

В архитектуре XX века ситуация была несколько иной. На проектирование современных зданий повлияло желание создать совершенно новый стиль для «современного человека». Архитекторы-модернисты хотели устранить все исторические отсылки и создать нечто абсолютно новое. (Поэтому никаких греческих колонн, готических арок или любых других напоминаний о «прошлых» стилях). Это привело к появлению Интернационального стиля в архитектуре (1920–1970), минималистской идиомы скучной регулярности, дополненной ужасным брутализмом (бетонные многоквартирные дома с крошечными окнами). К счастью, примерно с 1970 года архитекторы-постмодернисты начали заново очеловечивать архитектуру, проектируя сооружения с интересными чертами, заимствованными из популярной культуры и более традиционных стилей.

Характеристики постмодернизма

Постмодернизм — это не движение, а общеемонастроение. Поэтому не существует согласованного списка характеристик, определяющих «постмодернистское искусство». Но мы должны с чего-то начать, поэтому вот несколько избранных ориентиров.

Общая идеология

Постмодернизм отражает широко распространённое разочарование в жизни, а также в способности существующих систем ценностей и технологий приводить к полезным изменениям. В результате авторитет, опыт, знания и выдающиеся достижения были дискредитированы. Художники теперь гораздо более настороженно относятся к «большим идеям» (например, что «прогресс — это всегда хорошо»). Самое главное, модернистское искусство стало восприниматься не только как элитарное, но и как искусство белых мужчин, не интересующихся проблемами меньшинств. Именно поэтому постмодернизм поддерживает искусство художников из стран третьего мира, феминисток и представителей меньшинств.

Однако критики говорят, что, несмотря на предполагаемый «отказ» от больших идей, у постмодернистского движения, похоже, есть много собственных больших идей. Например: «все виды искусства равноценны»; «искусство может быть создано из чего угодно»; «демократизация искусства — это хорошо» (а как насчёт демократизации хирургии мозга?).

Перефразируя Энди Уорхола, «каждый может стать знаменитым на 15 минут». Эта идея, как никакая другая, подводит итог эпохе постмодернизма. Столкнувшись с новым, лишённым смысла миром, постмодернисты ответили так:

«Хорошо, давайте поиграем с этой бессмыслицей. Мы признаём, что жизнь и искусство больше не имеют никакого очевидного внутреннего смысла, но что с того? Давайте экспериментировать, сделаем искусство более интересным и посмотрим, к чему это приведёт. Кто знает, может быть, мы сможем прославиться на 15 минут!»

Художественное образование

Постмодернизм изменил образовательные приоритеты в многочисленных художественных колледжах. В 1970-е годы живопись (и в меньшей степени скульптура) стала считаться устаревшей. Кроме того, идея работать в течение четырёх лет, чтобы овладеть необходимыми навыками этих традиционных изобразительных искусств, считалась регрессивной.

Считалось, что искусство должно быть освобождено от элиты и открыто для публики, поэтому художественные школы стали выпускать новый тип выпускников — тех, кто знаком с быстро меняющимися формами постмодернистского стиля, а также с основными техниками производства. Одним словом, индивидуальное «творчество» считалось более важным, чем ремесленные навыки.

Использование технологий

Эпоха постмодернистского искусства совпала с появлением нескольких новых технологий, основанных на изображении (например, телевидение, видео, трафаретная печать, компьютеры, интернет), и получила от них огромную пользу. Новый спектр видео- и фотоизображений снизил важность навыков рисования, и, манипулируя новыми технологиями, художники (особенно те, кто занимается новыми медиа, такими как инсталляция, фото- и видеоискусство) смогли сократить традиционные процессы, связанные с «созданием искусства», но при этом создать что-то новое. Это иллюстрируют документальная фотография Дианы Арбус, которая фокусируется на представителях меньшинств в Нью-Йорке, и видеоарт американца корейского происхождения Нам Джун Пайка (1932–2006).

Постмодернистский фокус на популярной или «низкой» культуре

Термин «высокая культура» часто используется художественными критиками, когда они пытаются отличить «высокую культуру» живописи и скульптуры (и других изящных искусств) от «низкой» популярной культуры журналов, телевидения, художественной литературы и других товаров массового потребления. Модернисты, а также их влиятельные сторонники, такие как Клемент Гринберг (1909–1994), считали «низкую культуру» вторичной по отношению к «высокой». В отличие от них, постмодернисты — сторонники более «демократичной» идеи искусства — считают «высокую культуру» элитарной.

Так, поп-арт — первое постмодернистское движение — создавал искусство из обычных предметов потребления (гамбургеры, банки с супом, упаковки мыльного порошка, комиксы), которые стали мгновенно узнаваемы. Поп-артисты и другие пошли ещё дальше в своих попытках демократизировать искусство, печатая своё «искусство» на кружках, бумажных пакетах и футболках: метод, который, кстати, является примером постмодернистского желания подорвать оригинальность и подлинность искусства.

Смешение жанров и стилей

Со времён неодадаизма постмодернисты любят смешивать вещи — или вводить новые элементы в традиционные формы — для создания новых комбинаций и пастишей. Фернандо Ботеро создаёт картины в примитивном стиле с изображением тучных фигур; Георг Базелиц рисует перевёрнутые фигуры. Герхард Рихтер объединил фотоискусство и живопись в своих «фотокартинах» 1970-х годов, а Джефф Кунс объединил потребительские образы (формы воздушных шаров) с высокоточной скульптурной техникой для создания своих поп-скульптур «Собака из воздушных шаров» (1994–2000). Тем временем Андреас Гурски сочетает фотографию с цифровой обработкой для создания таких работ, как «Рейн II» (1999, МоМА, Нью-Йорк), а Джефф Уолл использует фотомонтаж с цифровой обработкой в своих постмодернистских пикториалистических творениях.

Постмодернистская многозначность

Художники-постмодернисты отказались от идеи, что произведение искусства имеет только один присущий ему смысл. Вместо этого они считают, что интерпретация зрителя не менее важна. Сюрреалистическая фотография Синди Шерман, например, подчёркивает идею о том, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному. Действительно, некоторые художники — например, перформансистка Марина Абра́мович (р. 1946) — даже позволяют зрителям участвовать в своих «произведениях искусства» или даже требуют вмешательства зрителей для завершения работы.

Удовлетворение потребностей потребителей

Рост потребительства и стремления к мгновенному удовлетворению желаний в последние десятилетия XX века оказал огромное влияние и на изобразительное искусство. Потребители теперь хотят новизны. Они также хотят развлечений и зрелищ. В ответ на это многие художники-постмодернисты, кураторы и другие профессионалы воспользовались возможностью превратить искусство в «развлекательный продукт».

Введение новых видов искусства, таких как перформанс, хэппенинги и инсталляции, наряду с новыми предметами — такими как мёртвые акулы, умирающие мухи, огромные ледяные скульптуры, толпы обнажённых тел, здания, которые кажутся движущимися, острова, обёрнутые розовой полипропиленовой тканью, раскрашенные тела, жуткие проецируемые изображения на общественных зданиях и так далее — предоставило зрителям целый ряд новых (иногда шокирующих) впечатлений. Вопрос о том, являются ли эти новые так называемые формы искусства на самом деле «искусством», остаётся предметом жарких споров. Постмодернисты-концептуалисты говорят «да», традиционалисты — «нет».

Фокус на зрелище

В отсутствие какого-либо реального смысла жизни — особенно когда нас день и ночь бомбардируют радио- и телерекламой и в то же время заставляют слушать политиков, объясняющих, что два плюс два равно трём — постмодернисты предпочли сосредоточиться на стиле и зрелище, часто используя рекламные материалы и техники для достижения максимального эффекта. Примером такого подхода являются методы коммерческой печати, изображения в стиле рекламных щитов и основные цвета таких поп-артистов, как Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист.

Этот фокус на поверхности является повторяющейся чертой в истории постмодернистского искусства и иногда переходит в мелодраматические, ослепительные, даже шокирующие образы. Например, модная фотография Ника Найта и Дэвида ЛаШапеля. С 1980 года использование компьютерных и других технологий произвело революцию в мультимедийном искусстве (например, анимации) и создало особые возможности в таких областях, как архитектура и проекционный мэппинг.

Важность, которую постмодернизм придаёт привлечению внимания аудитории, прекрасно иллюстрируется шок-тактикой группы студентов колледжа Голдсмитс, известных как «Молодые британские художники» (YBA), в Лондоне в конце 1980-х и 1990-х годах. Известность им принесли выставки «Freeze» (1988) и «Modern Medicine» (1990), курируемые тогда ещё неизвестным студентом Дэмиеном Хёрстом (р. 1965), а также «Sensation» (1997). YBA были осуждены за их шокирующий дурной вкус, но некоторые из них (Рейчел Уайтред, Дэмиен Хёрст, Дуглас Гордон, Джиллиан Уиринг, Крис Офили, Стив Маккуин, Марк Уоллингер) стали лауреатами премии Тёрнера, а другие (Джейк и Динос Чепмены, Трейси Эмин, Марк Куинн и Дженни Сэвилл) также добились значительной славы и состояния.

Три принципа постмодернизма

Мгновенное значение

Больше никаких тусклых картин маслом, изображающих неясные события из греческой мифологии, понятные лишь узкому кругу культурных зрителей. Постмодернистская живопись и скульптура, берущая своё начало в поп-арте, была смелой, яркой и мгновенно узнаваемой. Темы и образы были заимствованы в основном из товаров широкого потребления, журналов, рекламной графики, телевидения, кино, мультфильмов и комиксов. Впервые все понимали искусство, представленное на выставке. Хотя постмодернизм эволюционировал по сравнению с поп-артом, ключевой целью остаётся мгновенная узнаваемость.

Однако некоторые произведения постмодернистского искусства более «мгновенно понятны», чем другие. Возьмём, например, «Эквивалент VIII» (1966, галерея Тейт) Карла Андре (р. 1935). Это одно из тех произведений, которые требуют объяснения эксперта, прежде чем их можно будет понять. Это постмодернистская минималистская скульптура, состоящая из 120 обычных огнеупорных кирпичей. Кирпичи уложены на полу в два слоя в виде прямоугольника.

На первый взгляд, этот шедевр современного искусства выглядит как нечто, что можно увидеть на очень аккуратной строительной площадке. К счастью, каталог вашей картинной галереи расскажет вам, что Андре принял радикальное решение создавать скульптуры прямо на полу в 1965 году, катаясь на каноэ по озеру в Нью-Гэмпшире, и что эта величественная груда кирпичей служит примером его художественного кредо: «Форма = структура = место». Так получилось, что оригинал скульптуры был «разобран», а затем «воссоздан» несколько раз. (Возможно, кирпичи для чего-то понадобились).

Искусство может быть сделано из чего угодно

Продолжая традиции Марселя Дюшана, чей писсуар под названием «Фонтан» (1917) стал первым известным примером превращения обычного предмета в произведение искусства, постмодернисты сделали правилом создание искусства из самых неожиданных материалов и мусора. См.: Джанк-арт.

Скульпторы, инсталляционисты и ассамбляжисты создавали произведения из промышленного лома, противогазов, войлока, человеческих черепов, крови, мёртвых мух, неоновых трубок, поролона, суповых банок, бетона, резины, старой одежды, слоновьего навоза и многого другого. Идея заключается в том, чтобы демократизировать искусство и сделать его более доступным.

Идея важнее самого произведения искусства

В целом, до 1960-х годов художники (включая Пикассо, Поллока и Лихтенштейна) считали, что важен только готовый продукт. Поэтому огромное внимание уделялось качеству готового произведения и мастерству, необходимому для его создания. Сегодня всё по-другому. Постмодернисты, как правило, больше ценят концепцию, лежащую в основе произведения, чем само произведение. Именно поэтому многие виды постмодернистского искусства известны как «концептуальное искусство» или «концептуализм».

Примером этого нового принципа является концептуальное произведение (в виде списка инструкций) Мартина Крида под названием «Работа № 227: Свет то включается, то выключается» (2000), которое получило премию Тёрнера в 2001 году. Другие формы «беспредметного» концептуализма включают инсталляции (которые, в конце концов, являются временными), перформансы, хэппенинги, проекционное искусство и так далее.

Возможно, самым ярким примером концептуального искусства стала работа Ива Кляйна, представленная на выставке в Париже в 1958 году. Под названием «Специализация чувствительности в состоянии сырого материала в стабилизированную живописную чувствительность» (также известной как «Пустота») художник представил публике совершенно пустую комнату.

Коллекции постмодернистского искусства
Две отличные экспозиции постмодернистского искусства можно увидеть в галерее Саатчи в Лондоне или в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Постмодернистские художественные движения

До сих пор в период постмодернизма не было крупных международных художественных движений. Вместо этого эпоха стала свидетелем появления ряда узких, локализованных движений, а также нескольких совершенно новых видов искусства, таких как видеоарт и текстовая живопись. Кроме того, появились десятки отколовшихся художественных групп, а также одна или две антипостмодернистские школы, члены которых стремились создавать искусство, которым гордились бы Микеланджело или Пикассо.

Вот краткий список основных постмодернистских движений и стилей, включая большинство новых форм искусства.

Поп-арт (с 1960-х гг.)
Чемпионом поп-арта был Энди Уорхол (1928–1987), который превратил банальные, массовые изображения в высокое искусство. Подробнее см. Поп-арт Энди Уорхола 60-х и 70-х годов, а также скульптуры Класа Ольденбурга (р. 1929).

Word Art (Живопись на основе текста) (с 1960-х годов)
Форма концептуальной живописи или скульптуры, в которой используются словесные или текстовые образы. Хороший пример постмодернистского приёма введения новых элементов в традиционные медиа. Ассоциируется с поп-артистами Робертом Индианой (р. 1928) и Джаспером Джонсом (р. 1930), японским художником Оном Каварой (1932–2014), автором «картин-дат», Барбарой Крюгер (р. 1945), знаменитой своим «Я покупаю, следовательно, я существую», и Кристофером Вулом (р. 1955), чья текстовая картина под названием «Апокалипсис сегодня» (1988) была продана в 2013 году за 26,4 миллиона долларов.

Концептуальное искусство (с 1960-х гг.)
Главная идиома постмодернизма. Важен не готовый продукт, а идея, лежащая в его основе. Первым и (возможно) величайшим художником-концептуалистом был Ив Кляйн (1928–1962), основатель нового реализма. Подробнее см.: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956–1962).

Перформанс и Хэппенинг (с начала 1960-х гг.)
Этот жанр, основанный такими художниками, как Джон Кейдж (1912–1992) и Аллан Капроу (1927–2006), стал новым способом представления искусства массам. См. также «живые скульптуры» Гилберта и Джорджа (р. 1943, 1942).

Искусство инсталляции (с 1960-х годов)
Новый способ вовлечения зрителей в художественное произведение или ассамбляж. Ведущим представителем инсталляционного искусства является немецкий художник Йозеф Бойс (1921–1986). См. также необычные художественные проекты инсталляционного типа («интервенции»), созданные Кристо и Жанной-Клод (Christo Javacheff и Jeanne-Claude Denat).

Флюксус (1960-е годы)
Антихудожественное движение в духе дадаизма, начатое Джорджем Мачюнасом (1931–1978). Возникло сначала в Германии, а затем распространилось в Нью-Йорке. В значительной степени связано с хэппенингами и другими уличными «событиями».

Видеоарт (с 1960-х годов). См. также: Анимационное искусство.
Видео — один из самых универсальных доступных носителей. Видеофрагмент может быть: 1) самим произведением искусства; 2) записью того, как произведение было создано; 3) одним из элементов инсталляции; 4) частью множественной видеокомпозиции. Какова бы ни была его точная роль, видео делает искусство более динамичным, увлекательным и захватывающим. С конца 1980-х годов и видео, и анимация стали зависеть от использования компьютерного программного обеспечения для манипулирования и управления изображениями.

Минимализм (с 1960-х годов)
Прибежище интеллектуальных художников и скульпторов, озабоченных «чистотой» в искусстве. Минималисты пытались создать искусство, лишённое всех внешних ориентиров, оставляя только форму. Возможно, умно, но довольно скучно. К художникам-минималистам относятся Агнес Мартин (1912–2004), Эд Рейнхардт (1913–1967), Эллсворт Келли (1923–2015), Кеннет Ноланд (1924–2010), Роберт Райман (р. 1930), Роберт Моррис (р. 1931), Роберт Мангольд (р. 1937), Фрэнк Стелла (р. 1936) и Брайс Марден (р. 1938). О скульпторах-минималистах см. ниже.

Фотореализм (1960-е, 1970-е)
Гиперреалистичная форма живописи, обычно основанная на фотографиях. К первым ведущим фотореалистам относятся Чак Клоуз (р. 1940) и Ричард Эстес (р. 1932). Скульпторы-фотореалисты включают Джона Де Андреа (р. 1941), Дуэйна Хэнсона (1925–1996) и Кэрол Фейерман (р. 1945).

Ленд-арт (середина 1960-х)
Никаких жадных коммерческих галерей (якобы). Идеологом этого направления был художник-экспериментатор Роберт Смитсон (1938–1973). См. также «обёртывающие» вмешательства в природу Кристо и Жанны-Клод (оба р. 1935) и экологические работы Энди Голдсуорти.

Фотография (с 1960-х гг.)
YBA были лишь одной из нескольких постмодернистских групп, выступавших за использование фотоискусства. Вскоре работы величайших фотографов преодолели отметку в 1 миллион долларов на аукционах. Лучшее в постмодернистской фотографии можно увидеть в работах Хельмута Ньютона (1920–2004), Роберта Мэпплторпа (1946–1989), Синди Шерман (р. 1954) и Нэн Голдин (р. 1953).

Арте повера (1966–1971)
Самоназванное «бедное искусство», созданное антикоммерческой авангардной группой в Италии, в которую входили Пьеро Мандзони, Микеланджело Пистолетто, Джузеппе Пеноне и другие. Большое внимание уделялось физическим качествам используемых материалов.

Постминимализм (1970-е годы)
В постминималистском искусстве — термин, впервые введённый художественным критиком Робертом Пинкус-Виттеном (р. 1935) — акцент смещается с чистоты идеи на то, как она передаётся. См. работы немецко-американской художницы Евы Гессе (1936–1970).

Феминистское искусство (1970-е годы)
Художественное движение, которое занималось специфически женскими проблемами, такими как рождение ребёнка, насилие над женщинами, условия труда для женщин и т.д. Известные художницы, участвовавшие в этом движении, включают Луизу Буржуа (1911–2010) и перформансистку японского происхождения Йоко Оно (р. 1933). Среди других активисток — Мириам Шапиро (1923–2015), Нэнси Сперо (1926–2009), Элеонора Энтин (р. 1935), Джоан Джонас (р. 1936), Джуди Чикаго (р. 1939), Мэри Келли (р. 1941), Барбара Крюгер (р. 1945) и английская художница Маргарет Харрисон (р. 1940).

Граффити (с 1970-х годов)
Идеальное постмодернистское движение: мгновенная живопись, мгновенная слава. См. биографию «граффити-террориста» и уличного художника Бэнкси (р. 1973/74). О двух наиболее успешных уличных художниках, ставших частью мейнстрима, см.: Жан-Мишель Баския (1960–1988), Кит Харинг (1958–1990) — создатель фрески «Crack is Wack» в Гарлеме — и Дэвид Войнарович (1954–1992), активист борьбы со СПИДом и очень талантливый уличный художник и коллажист.

Постмодернистская скульптура (с 1970-х гг.)
Важные участники постмодернистского пластического искусства — это, например, французский скульптор Сезар (1921–1998), наиболее известный своими «сжатиями»; швейцарский кинетический художник Жан Тэнгли (1925–1991); новый реалист Арман (1928–2005), известный своими «накоплениями»; минималисты Дональд Джадд (1928–1994), Сол Левитт (1928–2007) и Ричард Серра (р. 1939); монументалисты Аниш Капур (р. 1954) и Энтони Гормли (р. 1950); американец Брюс Науман (р. 1941), наиболее известный своими неоновыми скульптурами. Двумя новыми видами скульптуры, появившимися в 1980-х годах, были ледяная скульптура — чемпионат мира по ледяному искусству проводится ежегодно в Фэрбанксе, Аляска, с 1989 года — и песчаное искусство — чемпионат мира по песчаной скульптуре проводился в Харрисон-Хот-Спрингс, Британская Колумбия, Канада, с 1989 по 2009 год.

Неоэкспрессионизм (с 1980-х гг.)
Характеризуется обычно крупноформатными картинами с интенсивными, часто жестокими сюжетами, написанными в быстрой манере. Материалы иногда впечатывались в поверхность картины. К ведущим неоэкспрессионистам относятся Георг Базелиц (р. 1938), Герхард Рихтер (р. 1932), Йорг Иммендорф (1945-2007), Ансельм Кифер (р. 1945), Райнер Феттинг (р. 1949), А. Р. Пенк (Ральф Винклер, р. 1939), Джулиан Шнабель (р. 1951) и Дэвид Салле (р. 1952).

Деконструктивизм (1980-е – 2000-е)
Постмодернистский стиль архитектуры, примером которого являются работы лос-анджелесского архитектора Фрэнка О. Гери (р. 1929), а также Даниэля Либескинда, Питера Айзенмана, Рема Колхаса, Захи Хадид, Бернара Чуми и группы Coop Himmelb(l)au. Деконструктивистская архитектура, бросающая вызов гравитации, часто создаётся с помощью компьютерного проектирования с использованием высокотехнологичного программного обеспечения, а также ресурсов передовых архитектурных фирм, таких как Skidmore, Owings & Merrill.

Молодые британские художники (Britart) (1988–1999)
Сочетание захватывающего дух делового оппортунизма и шокирующих идей. Взрыв крайнего дурного вкуса, выдаваемого за искусство. Публике это нравилось. Самым известным YBA является Дэмиен Хёрст (р. 1965), а главным спонсором группы был коллекционер Чарльз Саатчи (р. 1943).

Нео-поп-арт (с конца 1980-х)
Огромные пластиковые скульптуры из детских игрушек и многое другое в том же духе, примером чего являются работы Джеффа Кунса (р. 1955).

Боди-арт (1990-е)
Стиль искусства, использующий тело в качестве «холста». Наиболее популярной формой являются татуировки, за которыми следуют различные виды росписи лица. Нейл-арт — ещё один новичок. Постмодернистский боди-арт иллюстрируется иллюзионистским рисунком новозеландки Джоанн Гэйр на теле Деми Мур — сфотографированной Энни Лейбовиц, — который появился на обложке Vanity Fair в августе 1992 года. Самые экстремальные формы боди-арта практикуют такие художники, как Марина Абрамович (р. 1946) и Франк Уве Лайзипен (он же Улай) (1943–2020).

Постмодернистская живопись
Важными участниками постмодернистских стилей живописи, не перечисленных выше, являются: неподражаемый Фрэнсис Бэкон (1909–1992); современный реалист Люсьен Фрейд (1922–2011); художник-фигуративист Джек Веттриано (р. 1951) и Дженни Савиль (р. 1970), также работающая в жанре фигуративной живописи.

Циничный реализм (1990-е годы)
Движение китайского современного искусства, возникшее после разгона демонстрации на площади Тяньаньмэнь (1989). Циничные реалисты использовали стиль фигуративной живописи с насмешливым (иногда самоироничным) повествованием. В качестве повторяющихся мотивов использовались фигуры, похожие на клоунов, лысые мужчины и портреты в фотографическом стиле. Стиль сатирически изображал политическое и социальное положение Китая и, поскольку это был новый подход для китайских художников, был хорошо принят западными коллекционерами. К художникам, связанным с этим движением, относятся Юэ Миньцзюнь (р. 1962), Фан Лицзюнь (р. 1963) и Чжан Сяоган (р. 1958), все из которых добились многомиллионных продаж.

Проекционный мэппинг (проекционное искусство) (XXI век)
Одна из последних форм постмодернизма, проекционное искусство включает компьютерное наложение видеоизображений на здания или другие крупные поверхности.

Компьютерное искусство (XXI век)
Также называемое цифровым или интернет-искусством, это общая категория, которая охватывает разнообразные формы искусства, связанные с компьютерами. Причислять ли результаты работы нейронных сетей к искусству — общество пока не определилось.