Постмодернизм читать ~25 мин.

Термин «постмодернистское искусство» или «постмодернизм» относится к широкой категории актуального искусства, созданного примерно с 1970 года. Отличительной чертой «постмодернизма» является отказ от эстетики, на которой основывался его предшественник – «модернизм» (или «современное искуство» 1870-1970), в пользу плюрализма. Одной из таких отвергнутых ценностей является идея о том, что «искусство» – это нечто «особенное», которое должно быть “возвышено над” популярным вкусом.

Совпав с целым рядом новых технологических достижений, постмодернизм привёл к почти пяти десятилетиям художественных экспериментов с новыми медиа и новыми формами искусства, включая «Концептуальное искусство», различные виды «Перформанса» и «Инсталляции», а также такие компьютерные движения, как деконструктивизм и проекционное искусство. Используя эти новые формы, художники-постмодернисты расширили определение искусства до такой степени, что под него подходило «почти всё».

Терминология в этой части изучения искусства запутана и может сбить с толку. Существует много похожих понятий и терминов, которые сложно классифицировать, поэтому будет не лишним сразу уточнить:

• «Модернизм» или «Современное искуство» — период, включающий много различных стилей и течений, примерно 1870–1970 г.г.
• «Модерн» — один из стилей, появившихся в эпоху «Модернизма».
• «Постмодерн» — термин, изначально не относящийся к искусству, но теперь часто приравниваемый к термину «Постмодернизм» (хотя это и неправильно).
• «Постмодернизм» — период, следующий за «модернизмом» включающий много различных стилей и течений, примерно 1970–2020 г.г.
• «Актуальное искусство» — текущий период эволюции искусства, со всеми своими стилями и течениями.

К сожалению, большинство статей о постмодернизме полны таких сложных слов, как «современность» (не то же самое, что модернизм), «пост-современность» (отличается от постмодернизма), «мета-модернизм» (близко к постмодернизму, но не является его частью) и «пост-постмодернизм» (дайте мне передохну́ть). Поэтому вместо использования жаргона позвольте привести простой пример, который поможет вам понять «постмодернистское искусство» и то, чем оно отличается от «современного искусства» и его ещё более раннего предшественника «академического искусства».

Первым крупным стилем искусства после эпохи Возрождения было классическое академическое искусство, классика, которую преподавали профессора в академиях. Академическое искусство – это художественный эквивалент традиционного «костюма и галстука». Затем, примерно в 1870 году, появился «модернизм». Это художественный эквивалент «рубашки и брюк» или «пиджака и брюк». Далее, примерно в 1970 году, появляется «постмодернизм», который является художественным эквивалентом «джинсов и футболки». Точно так же, как дресс-коды стали менее формальными и более «казуальными» и «на все случаи жизни», так и современные художники менее впечатлены старыми представлениями о том, каким должно быть искусство, и больше сосредоточены на создании чего-то (чего угодно), что привлекает внимание.

Но неформальная одежда, такая как джинсы и футболки, стала популярной только потому, что само общество стало менее формальным. Точно так же, как мы увидим, «постмодернистское искусство» является частью более широкого потока технологических, политических и социальных изменений на Западе, который привнёс много новых взглядов и новых типов поведения. Полное влияние интернета, например, на поиск и распространение художественных образов, а также на создание прикладного искусства и дизайна, ещё предстоит ощутить. Но поскольку он уже произвёл революцию в музыкальной индустрии, его влияние на мир искусства, скорее всего, не заставит себя долго ждать.

Определение постмодернистского искусства

Если вам действительно нужно определение постмодернистского искусства в одном предложении, то вот оно:

Стиль искусства после 1960-х годов, который отверг традиционные ценности и политически консервативные предположения своих предшественников в пользу более широкой, более развлекательной концепции искусства, используя новые художественные формы, обогащённые видео- и компьютерными технологиями.

Чем оно отличается от актуального искусства

В чём разница между постмодернистским и актуальным искусством? На практике эти два термина более или менее взаимозаменяемы. Однако, говоря техническим языком, «пост-модерн» означает «после современного» и относится к определённому периоду (скажем, длиной в 50 лет), начиная примерно с 1970 года, в то время как «актуальное искусство» относится к динамичному 50-летнему периоду непосредственно перед настоящим. В настоящее время эти два периода совпадают. Но, например, в 2050 году «постмодернистское искусство» (1970-2020) будет вытеснено другой эпохой, а «актуальное искусство» будет охватывать период 2000-2050. Таким образом, эти два понятия разойдутся.

Чем он отличается от позднего модернизма

В изобразительном искусстве термин «поздний модернизм» относится к движениям или направлениям, которые отвергают некоторые аспекты «современного искусства», но в остальном философия остаётся в рамках модернистской традиции. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм (1948-65), практиковались рядом радикальных современных художников, в том числе Джексоном Поллоком, изобретателем живописи действия, и Виллемом де Кунингом, которые отвергали многие формальные условности масляной живописи. И всё же ни Поллок, ни де Кунинг не создали бы нечто подобное «Стёртому рисунку де Кунинга» Раушенберга (1953, Музей современного искусства Сан-Франциско), поскольку оба они оставались твёрдыми приверженцами модернистских концепций подлинности и значения.

Аналогичным образом, среди последователей постмодернистских движений, таких как современный реализм (с 1970-х годов по настоящее время) и неоэкспрессионизм (с 1980-х годов по настоящее время), также было много художников, работавших скорее в модернистской, чем в постмодернистской манере. С точки зрения дресс-кода, поздний модернизм – это художественный эквивалент «рубашки и брюк», но ярко-жёлтого цвета.

Фон

«Современное искусство» обычно ассоциируется с веком 1870-1970 – примерно от импрессионизма до поп-арта. Несмотря на несколько глобальных катастроф – Первую мировую войну (1914-18), пандемию гриппа (1918-19), крах на Уолл-стрит и Великую депрессию (конец 1920-х, 1930-е), – которые подорвали многие моральные устои эпохи, современные художники в целом сохранили веру в фундаментальные научные законы разума и рационального мышления. В целом, как и большинство западных людей того периода, они верили, что жизнь имеет смысл; что научный прогресс автоматически является благом; что христианский Запад превосходит весь остальной мир и что мужчины выше женщин.

Модернисты также верили в значение, актуальность и прогресс искусства, особенно изобразительного искусства, и архитектуры. Следуя по стопам Леонардо и Микеланджело, они верили в «высокое искусство» – искусство, которое возвышает и вдохновляет культурного зрителя, а не в «низкое», которое просто забавляет или развлекает массы, не имея философского смысла. Они придерживались перспективного подхода, рассматривая искусство как нечто, что должно постоянно прогрессировать под руководством ведущей группы художников-авангардистов.

Вторая мировая война и Холокост перевернули всё с ног на голову. Париж резко сменился Нью-Йорком в качестве столицы мирового искусства. После Освенцима всё изобразительное искусство – за исключением искусства Холокоста – вдруг стало неактуальным, поэтому современные художники обратились к абстракции (пусть и наполненному эмоциями, символизмом или анимацией), чтобы выразить себя. Удивительно, но в 1950-х годах Нью-Йоркская школа, в которой были представлены картины Джексона Поллока, а также более спокойная живопись Марка Ротко в цветовом поле, положила начало временному восстановлению искусства по обе стороны Атлантики. Эти художники-авангардисты преуспели в переопределении границ абстрактной живописи, но они оставались в рамках модернизма. Они верили в создание подлинных, законченных произведений искусства с важным содержанием.

Но эпоха «модернизма» неумолимо приближалась к концу. Растущие разоблачения Катастрофы, испытания атомных бомб, Кубинский ракетный кризис (1962) и война во Вьетнаме (с 1964) вызывали у людей всё большее разочарование в жизни (и искусстве). Уже в середине 50-х годов Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг создали первые постмодернистские работы в стиле нео-дада и поп-арт. Вскоре мейнстрим поп-арта стал началом собственно постмодернизма, когда американские телеканалы сосредоточились на наступлении Тет в 1968 году и хаотичной Демократической конвенции в Чикаго.

В архитектуре 20-го века ситуация была несколько иной. На проектирование современных зданий повлияло желание создать совершенно новый стиль для «современного человека». Архитекторы-модернисты хотели устранить все исторические ссылки и создать нечто совершенно свежее. (Поэтому никаких греческих колонн, арок в готическом стиле или любых других напоминаний о «прошлых» стилях). Это привело к появлению Интернационального стиля архитектуры (1920-1970), минималистской идиомы скучной регулярности, сдобренной ужасным брутализмом (бетонные многоквартирные дома с крошечными окнами). К счастью, примерно с 1970 года архитекторы-постмодернисты начали заново очеловечивать архитектуру 20 века, проектируя сооружения с интересными чертами, взятыми из популярной культуры и более традиционных стилей.

Характеристики постмодернизма

«Постмодернизм» – это не движение, это общее отношение. Поэтому не существует согласованного списка характеристик, определяющих «постмодернистское искусство». Но мы должны с чего-то начать, поэтому вот несколько избранных ориентиров.

Общая идеология

Постмодернизм отражает широко распространённое разочарование в жизни, а также в силе существующих систем ценностей и/или технологий для осуществления полезных изменений. В результате авторитет, опыт, знания и выдающиеся достижения были дискредитированы. Художники теперь гораздо более настороженно относятся к «большим идеям» (например, все «достижения» хороши). Самое главное, «модернистское искусство» стало восприниматься не только как элитарное, но и как белое, с преобладанием мужчин и без интереса к меньшинствам. Именно поэтому постмодернизм поддерживает искусство художников из стран третьего мира, феминисток и меньшинств.

Однако критики говорят, что, несмотря на предполагаемый «отказ» от больших идей, у постмодернистского движения, похоже, есть много собственных больших идей. Примеры включают: “все виды искусства равноценны”; “искусство может быть создано из чего угодно”; “демократизация искусства – это хорошо” (а как насчёт демократизации хирургии мозга?).

Перефразируя Энди Уорхола, “каждый может стать знаменитым на 15 минут”. Эта идея, как никакая другая, подводит итог эпохе постмодернизма. Столкнувшись с новым бессмысленным миром, постмодернисты ответили так:

“Хорошо, давайте поиграем с этой бессмыслицей. Мы признаём, что жизнь и искусство больше не имеют никакого очевидного внутреннего смысла, но что с того? Давайте поэкспериментируем, сделаем искусство более интересным и посмотрим, к чему это приведёт. Кто знает, может быть, мы сможем прославиться на 15 минут!”

Художественное образование

Постмодернизм изменил образовательные приоритеты в многочисленных художественных колледжах. В 1970-е годы искусство живописи (и в меньшей степени скульптуры) было признано устаревшим. Кроме того, идея работать в течение четырёх лет, чтобы овладеть необходимыми навыками этих традиционных изобразительных искусств, считалась регрессивной.

Считалось, что искусство должно быть освобождено от элиты и открыто для публики, поэтому художественные школы стали выпускать выпускников нового типа – тех, кто знаком с сиюминутными формами постмодернистского стиля, а также с основными производственными техниками. Одним словом, индивидуальное «творчество» считалось более важным, чем накопление навыков ремесленника.

Использование технологий

Эпоха «постмодернистского искусства» совпала с появлением нескольких новых технологий, основанных на изображении (например, телевидение, видео, трафаретная печать, компьютеры, интернет), и получила от них огромную пользу. Новый спектр видео- и фотоизображений снизил важность навыков рисования, и, манипулируя новыми технологиями, художники (особенно те, кто занимается новыми медиа, такими как инсталляция, видео и искусство на основе линз) смогли сократить традиционные процессы, связанные с «созданием искусства», но при этом создать что-то новое. Это иллюстрируют документальная фотография Дайаны Арбус, которая фокусируется на представителях меньшинств в Нью-Йорке, и видеоарт американца корейского происхождения Нам Джун Пайка (1932-2006).

Постмодернистский фокус на популярной или «низкой» культуре

Термин «высокая культура» часто используется художественными критиками, когда они пытаются отличить «высокую культуру» живописи и скульптуры (и других изящных искусств) от «низкой» популярной культуры журналов, телевидения, художественной литературы и других массовых товаров. Модернисты, а также их влиятельные сторонники, такие как Клемент Гринберг (1909-1994), считали, что низкая культура уступает высокой. В отличие от них, постмодернисты – сторонники более «демократичной» идеи искусства – считают «высокую культуру» более элитарной.

Так, поп-арт – первое постмодернистское движение – создавал искусство из обычных предметов потребления (гамбургеры, банки с супом, упаковки мыльного порошка, комиксы), которые стали мгновенно узнаваемы. Поп-артисты и другие пошли ещё дальше в своих попытках демократизировать искусство, печатая своё «искусство» на кружках, бумажных пакетах и футболках: метод, который, кстати, является примером постмодернистского желания подорвать оригинальность и подлинность искусства.

Смешение жанров и стилей

Со времён Нео-Дада постмодернисты любят смешивать вещи – или вводить новые элементы в традиционные формы – для создания новых комбинаций и пастишей. Фернандо Ботеро создаёт картины в примитивном стиле с изображением тучных фигур; Георг Базелиц рисует перевёрнутые фигуры. Герхард Рихтер объединил фотоискусство и живопись в своих «фотокартинах» 1970-х годов, а Джефф Кунс объединил потребительские образы (формы воздушных шаров) с высоко законченной скульптурной техникой для создания своих поп-скульптур «Воздушная собака» (1994-2000). Тем временем Андреас Гурски сочетает фотографию с компьютерными изображениями для создания таких работ, как Рейн II (1999, МоМА, Нью-Йорк), а Джефф Уолл использует фотомонтаж с цифровой обработкой в своих постмодернистских пикториалистических творениях.

Постмодернистская многозначность

Художники-постмодернисты отказались от идеи, что произведение искусства имеет только один присущий ему смысл. Вместо этого они считают, что зритель является не менее важным судьёй смысла. Сюрреалистическая фотография Синди Шерман, например, подчёркивает идею о том, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному. Действительно, некоторые художники – например, перформансистка Марина Абра́мович (р. 1946) – даже позволяют зрителям участвовать в своих «произведениях искусства» или даже требуют вмешательства зрителей для завершения работы.

Удовлетворение потребностей потребителей

Рост потребительства и мгновенного удовлетворения потребностей в последние несколько десятилетий 20 века оказал огромное влияние и на изобразительное искусство. Потребители теперь хотят новизны. Они также хотят развлечений и зрелищ. В ответ на это многие художники-постмодернисты, кураторы и другие профессионалы воспользовались возможностью превратить искусство в «развлекательный продукт».

Введение новых видов искусства, например, таких как перформанс, хэппенинги и инсталляции, наряду с новыми предметами – такими как мёртвые акулы, умирающие мухи, огромные ледяные скульптуры, толпы обнажённых тел, здания, которые кажутся движущимися, коллекция из 35 000 терракотовых фигур, острова, обёрнутые розовой полипропиленовой тканью, раскрашенные тела, жуткие проецируемые изображения на общественных зданиях и так далее – предоставили зрителям целый ряд новых (иногда шокирующих) впечатлений. Вопрос о том, являются ли эти новые так называемые формы искусства на самом деле «искусством», остаётся предметом жарких споров. Постмодернисты-концептуалисты говорят «да», традиционщики – «нет».

Фокус на зрелище

В отсутствие какого-либо реального смысла жизни – особенно когда нас день и ночь бомбардируют радио- и телерекламой и в то же время заставляют слушать политиков, объясняющих, что два плюс два равно трём – постмодернисты предпочли сосредоточиться на стиле и зрелище, часто используя рекламные материалы и техники для достижения максимального эффекта. Примером такого подхода являются методы коммерческой печати, изображения в стиле рекламных щитов и основные цвета таких поп-артистов, как Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист.

Этот фокус на поверхности является повторяющейся чертой в истории постмодернистского искусства и иногда переходит в мелодраматические, ослепительные, даже шокирующие образы. Например, модная фотография Ника Найта и Дэвида ЛаШапеля. С 1980 года использование компьютерных и других технологий произвело революцию в мультимедийном искусстве (например, анимации) и создало особые возможности в таких областях, как архитектура и проекционный мэппинг.

Важность, которую постмодернизм придаёт привлечению внимания аудитории, прекрасно иллюстрируется шок-тактикой группы студентов колледжа Голдсмитс, известных как Молодые британские художники, в Лондоне в конце 1980-х и 1990-х годов. Известность им принесли три выставки – «Заморозка» (1988) и «Современная медицина» (1990), курируемые неизвестным студентом Дэмиеном Хёрстом (р. 1965), и «Современная медицина» (1990) и Сенсация (1997) – YBA были осуждены за их шокирующий дурной вкус, но некоторые из них (Рейчел Уайтред, Дэмиен Хёрст, Дуглас Гордон, Джиллиан Уиринг, Крис Офили, Стив Маккуин, Марк Уоллингер) стали лауреатами премии Тёрнера, другие (Джейк и Динос Чепмен, Трейси Эмин, Марк Куинн и Дженни Сэвилл) также добились значительной славы и состояния.

Три принципа «постмодернизма»

❶ Мгновенное значение

Больше нет блёклых картин маслом, изображающих неясные события из греческой мифологии, вызывающих понимающую улыбку у культурных зрителей. Постмодернистская живопись и скульптура, берущая своё начало в движении поп-арта, была смелой, яркой и мгновенно узнаваемой. Темы и образы были заимствованы в основном из товаров широкого потребления, журналов, рекламной графики, телевидения, кино, мультфильмов и комиксов. Впервые все понимали искусство, представленное на выставке. Хотя постмодернизм эволюционировал по сравнению с поп-артом, ключевой целью остаётся мгновенная узнаваемость.

Однако некоторые произведения «постмодернистского искусства» более «мгновенно понятны», чем другие. Возьмём, например, Эквивалент 1 (1966, Кунстмузеум, Базель) Карла Андре (р. 1935). Это одно из тех произведений искусства, которые должны быть объяснены экспертом, прежде чем их можно будет понять. Это постмодернистская минималистская скульптура, состоящая из 120 обычных строительных кирпичей. Кирпичи уложены друг на друга на полу в два слоя по 60 кирпичей, расположенных в точной прямоугольной конфигурации три на двадцать.

На первый взгляд, этот шедевр современного искусства выглядит как нечто, что можно увидеть на супер-аккуратной строительной площадке. К счастью, каталог вашей картинной галереи расскажет вам, что Андре принял своё радикальное решение создавать произведения искусства прямо на полу в 1965 году, катаясь на каноэ по озеру в Нью-Гэмпшире, и что эта величественная груда кирпичей служит примером его художественного кредо: «Форма = структура = место». Так получилось, что оригинал Эквивалента 1 был «разрушен» в 1966 году и «переделан» в 1969 году. (Возможно, кирпичи для чего-то понадобились).

❷ Искусство может быть сделано из чего угодно

Продолжая традиции Марселя Дюшана – чей писсуар под названием «Фонтан» (1917) стал первым известным примером превращения обычного предмета в произведение искусства – постмодернисты взяли за правило создавать искусство из самых маловероятных материалов и мусора. См: Мусорное искусство.

Скульпторы, инсталляционисты и ассамбляжисты создавали произведения искусства из промышленного лома, противогазов, войлока, человеческих черепов, человеческой крови, мёртвых мух, неоновой подсветки, поролона, банок из-под супа, бетона, резины, старой одежды, слоновьего навоза и многого другого. Идея заключается в том, чтобы демократизировать искусство и сделать его более доступным.

❸ Идея важнее самого произведения искусства

В целом, до 1960-х годов художники (включая Пикассо, Поллока и Лихтенштейна) считали, что без готового продукта нет ничего. Поэтому огромное внимание уделялось качеству готового произведения искусства и мастерству, необходимому для его создания. Сегодня всё по-другому. Постмодернисты, как правило, больше верят в концепцию, лежащую в основе готового продукта, чем в сам продукт. Именно поэтому многие виды «постмодернистского искусства» известны как «концептуальное искусство» или «концептуализм».

Примером этого нового принципа является концептуальное произведение искусства (список инструкций) Мартина Крида под названием «227: The Lights Going On and Off» («Огни включаются и выключаются» 2001), которое получило премию Тёрнера в 2001 году. Другие формы беспродуктового концептуализма включают инсталляции (которые, в конце концов, являются чисто временными), перформансы, хэппенинги, проекционное искусство и так далее.

Возможно, самым ярким примером концептуального искусства стала выставка, прошедшая в марте 2009 года во Французском национальном музее современного искусства в Центре Помпиду в Париже. Названная «Специализация чувствительности в состоянии сырого материала в стабилизированную живописную чувствительность», она состояла из девяти абсолютно пустых комнат, и больше ничего.

Коллекции постмодернистского искусства
Две отличные экспозиции постмодернистского искусства можно увидеть в галерее Саатчи, в Лондоне, или в Гуггенхайме, Нью-Йорк.

Постмодернистские художественные движения

До сих пор в период постмодернизма не было больших международных художественных движений. Вместо этого эпоха стала свидетелем появления ряда узких, локализованных движений, а также нескольких совершенно новых видов искусства, таких как видео и словесная живопись. Кроме того, появились десятки художественных отколовшихся групп, а также одна или две антипостмодернистские школы, члены которых стремились создавать искусство, которым гордились бы Микеланджело или Пикассо.

Вот краткий список основных постмодернистских движений и стилей, включая большинство новых форм искусства.

Поп-арт (с 1960-х гг. и далее)
Поборником поп-арта был Энди Уорхол (1928-1987), который сделал из банальных, массовых изображений изобразительное искусство. Подробнее см. Поп-арт Энди Уорхола 60-х и 70-х годов, а также скульптуры Клаеса Ольденбурга (р. 1929).

Word Art (Живопись на основе текста) (с 1960-х годов)
Форма концептуалистской живописи или скульптуры, в которой используются словесные или текстовые образы. Хороший пример постмодернистского приёма введения новых элементов в старые медиа. Ассоциируется с поп-артистами Робертом Индианой (р. 1928) и Джаспером Джонсом (р. 1930), японским художником Он Кавара (1932-2014), автором «картин свиданий», Барбарой Крюгер (р. 1945), знаменитой своим «Я покупаю, поэтому я есть», и Кристофером Вулом (р. 1955), чья словесная картина под названием «Апокалипсис сегодня» (1988) была продана в 2013 году за 26,4 миллиона долларов.

Концептуальное искусство (с 1960-х годов и далее)
Окончательная идиома постмодернизма. Не важен готовый продукт, важна идея, лежащая в основе. Первым и (возможно) величайшим художником-концептуалистом был Ив Кляйн (1928-1962), основатель Нуво Реализма. Подробнее см: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956-62).

Перформансы и Хеппенинги (Начало 1960-х гг. и далее)
Этот жанр, основанный такими художниками, как Джон Кейдж (1912-1992) и Аллан Капроу (1927-2006), стал новым способом представления искусства массам. См. также «живые скульптуры» Гилберта и Джорджа (р. 1943, 1942).

Искусство инсталляции (начиная с 1960-х годов)
Новый способ вовлечения зрителей в художественное произведение или ассамбляж. Ведущим представителем инсталляционного искусства является немецкий художник Йозеф Бойс (1921-1986). См. также необычные художественные проекты инсталляционного типа («интервенции»), созданные Кристо и Жанной-Клод (Christo Javacheff и Jeanne-Claude Denat).

Флюксус (1960-е годы)
Антихудожественное движение в стиле дада, начатое Джорджем Мачюнасом (1931-1978). Возникло сначала в Германии, а затем распространилось в Нью-Йорке. В значительной степени связано с хэппенингами и другими уличными «мероприятиями».

Видеоарт (начиная с 1960-х годов). См. также: Анимационное искусство.
Видео – один из самых универсальных доступных носителей информации. Кусок видеофильма может быть
❶ самим произведением искусства; и/или
❷ записью того, как произведение искусства было сделано; и/или
❸ одним из элементов инсталляции; и/или
❹ частью множественной видеокомпозиции. Какова бы ни была его точная роль, видео делает искусство более динамичным, более увлекательным, более захватывающим. С конца 1980-х годов и видео, и анимация стали зависеть от использования компьютерного программного обеспечения для манипулирования и управления изображениями.

Минимализм (начиная с 1960-х годов)
Прибежище интеллектуальных художников и скульпторов, озабоченных «чистотой» в искусстве. Минималисты пытались создать искусство, лишённое всех внешних ориентиров, оставляя только форму. Возможно, умно, но совершенно скучно. К художникам-минималистам относятся Агнес Мартин (р. 1912), Эд Рейнхардт (1913-1967), Эллсворт Келли (р. 1923), Кеннет Ноланд (р. 1924), Роберт Райман (р. 1930), Роберт Моррис (р. 1931), Роберт Мангольд (р. 1937), Фрэнк Стелла (р. 1936) и Брис Марден (р. 1938). О скульпторах-минималистах см. ниже.

Фотореализм (1960-е, 1970-е)
Гиперреалистическая форма живописи, обычно основанная на фотографиях. К первым ведущим фотореалистам относятся Чак Клоуз (р. 1940) и Ричард Эстес (р. 1936). Скульпторы-фотореалисты включают Джона Де Андреа (р.1941), Дуэйна Хэнсона (1925-1996) и Кэрол Фойерман (р.1945).

Лэнд-арт (середина 1960-х)
Никаких жадных коммерческих галерей (якобы). Поборник этого направления – художник-экспериментатор Роберт Смитсон (1938-1973). См. также «обёрточные» вмешательства в природу Кристо и Жанны-Клод (оба 1935 г.р.) и экологические работы Энди Голдсуорти.

Фотография (1960-е гг. и далее)
YBA были лишь одной из нескольких постмодернистских групп, выступавших за использование искусства камеры. На самом деле, работы величайших фотографов вскоре преодолели отметку в 1 миллион долларов на аукционах. Лучшее в постмодернистской фотографии можно увидеть в работах Хельмута Ньютона (1920-2004), Роберта Мэпплторпа (1946-1989), Синди Шерман (р. 1954) и Нэн Голдин (р. 1953).

Арте Повера (1966-71)
Самоназванное «бедное искусство», созданное антикоммерческой авангардной художественной группой в Италии, состоявшей из Пьеро Мандзони, Микеланджело Пистолетто, Джузеппе Пеноне и других. Большое внимание уделялось физическим качествам используемых материалов.

Постминимализм (1970-е годы)
В постминималистском искусстве – термин, впервые введённый художественным критиком Робертом Пинкус-Виттеном (р. 1935) – акцент смещается с чистоты идеи на то, как она передаётся. См. работы немецко-американской Евы Гессе (1936-1970).

Феминистское искусство (1970-е годы)
Художественное движение, которое занималось конкретными женскими проблемами, такими как рождение ребёнка, насилие над женщинами, условия занятости для женщин и т.д. Известные художницы, участвовавшие в этом движении, включают Луизу Буржуа (1911-2010) и перформансистку японского происхождения Йоко Оно (р. 1933). Среди других активистов – Мириам Шапиро (1923-2015), Нэнси Сперо (1926-2009), Элеонора Энтин (р.1935), Джоан Джонас (р.1936), Джуди Чикаго (р.1939), Мэри Келли (р.1941), Барбара Крюгер (р.1945) и английская художница Маргарет Харрисон (р.1940).

Граффити (начиная с 1970-х годов)
Окончательное постмодернистское движение: мгновенная живопись, мгновенная слава. См. биографию «граффити-террориста» и уличного художника Бэнкси (р. 1973-4). О двух наиболее успешных уличных художниках, ставших мейнстримом, см: Жан-Мишель Баския (1960-88), Кит Харинг (1958-1990) – создатель фрески «Crack is Wack» в Гарлеме – и Дэвид Войнарович (1954-1992), активист борьбы со СПИДом и очень талантливый уличный художник и коллажист.

Постмодернистская скульптура (1970-е гг. и далее)
Важные участники постмодернистского пластического искусства – это например сюрреалист Сальвадор Дали (1904-1989), известный своим «Фургоном с растаявшим мороженым» (1970, частная коллекция); французский скульптор Сезар (1921-1998), наиболее известный своими «сжатиями»; швейцарский кинетический художник Жан Тингели (1925-1991); нувориш Арман (1928-2005), известный своими «накоплениями»; минималисты Дональд Джадд (1928-1994), Сол ЛеВитт (1928-2007) и Ричард Серра (род. 1939); монументалисты Аниш Капур (р.1954) и Энтони Гормли (р.1950); американец Брюс Науманн (р.1941), наиболее известный своими неоновыми скульптурами. Двумя новыми видами скульптуры, появившимися в 1980-х годах, были ледяная скульптура – чемпионат мира по ледяному искусству проводится ежегодно в Фэрбенксе, Аляска, с 1989 года – и песчаное искусство – чемпионат мира по песчаной скульптуре проводился в горячих источниках Харрисона в Харрисоне, Британская Колумбия, Канада, с 1989 по 2009 год.

Неоэкспрессионизм (1980-е гг. и далее)
Характеризуется обычно крупноформатными картинами с интенсивными, часто жестокими сюжетами, написанными на скорости. Материалы иногда впечатывались в поверхность картины. К ведущим неоэкспрессионистам относятся Георг Базелиц (р. 1938), Герхард Рихтер (р. 1932), Йорг Иммендорф (р. 1945), Ансельм Кифер (р. 1945), Райнер Феттинг (р. 1949) и А.Р. Пенк (Ральф Винклер, р. 1939), Юлиан Шнабель (р. 1951) и Давид Салле (р. 1952).

Деконструктивизм (1980-е-2000-е)
Постмодернистский стиль архитектуры, примером которого являются работы лос-анджелесского архитектора Фрэнка О. Гери (р.1929), а также Даниэля Либескинда, Питера Айзенмана, Рема Колхаса, Захи Хадид, Бернарда Цхуми и группы Co-op Himmelblau. Гравитационная деконструктивистская архитектура часто включает в себя компьютерное проектирование с использованием высокотехнологичного программного обеспечения, а также ресурсы передовых архитектурных фирм, таких как Skidmore Owings and Merrill.

Молодые британские художники (Britart) (1985-1999)
Сочетание захватывающего дух делового оппортунизма и шокирующих идей. Взрыв крайнего дурного вкуса, выдаваемого за искусство. Публике это нравилось. Самым известным YBA является Дэмиен Хёрст (р.1965), а главным спонсором группы был коллекционер искусства Чарльз Саатчи (р.1943).

Нео-поп-арт (конец 1980-х и далее)
Огромные пластиковые скульптуры из детских игрушек и многое другое в том же духе, примером чего являются работы Джеффа Кунса (р. 1955).

Боди-арт (1990-е)
Стиль искусства, использующий тело в качестве «холста». Наиболее популярной формой являются татуировки, за которыми следуют роспись лица различных видов. Ногтевой арт – ещё один новичок. Постмодернистский Боди-арт иллюстрируется иллюзионистским рисунком новозеландки Джоанн Гейр на Деми Мур – сфотографированной Энни Лейбовиц – который появился на обложке Vanity Fair в августе 1992 года. Самые экстремальные формы боди-арта практикуют такие художники, как Марина Абрамович (р. 1946) и Франк Уве Лайзипен (он же Улай) (р. 1943).

Постмодернистская живопись
Важными участниками постмодернистских стилей живописи, не перечисленных выше, являются: неподражаемый Фрэнсис Бэкон (1909-1992); современный реалист Люциан Фрейд (1922-2011), предметный художник Джек Веттриано (р.1951), и художник (фигурная живопись) (р.1951), и художник (фигурная живопись) Дженни Савиль (р.1970).

Циничный реализм (1990-е годы)
Движение китайского современного искусства, возникшее после разгона демонстрации на площади Тяньаньмэнь (1989). Циничные реалисты использовали стиль фигуративной живописи с насмешливым (иногда самонасмешливым) повествованием. В качестве повторяющихся мотивов использовались фигуры, похожие на клоунов, лысые мужчины и портреты в фотографическом стиле. Стиль сатирически изображал политическое и социальное положение Китая и, поскольку это был новый подход для китайских художников, был хорошо принят западными коллекционерами. К художникам, связанным с этим движением, относятся Юэ Минцзюнь (р. 1962), Фан Лицзюнь (р. 1963) и Чжан Сяоган (р. 1958), все из которых добились многомиллионных продаж.

Проекционный мэппинг (проекционное искусство) (21 век)
Одна из последних форм постмодернизма, проекционное искусство включает компьютерное отображение видеоизображений на здания или другие большие поверхности.

Компьютерное искусство (21 век)
Также называемое цифровым или интернет-искусством, это общая категория, которая охватывает разнообразные формы искусства, связанные с компьютерами. Причислять ли результаты работы нейронных сетей к искусству – общество пока не определилось.