Луиза Невельсон:
американская скульптор, мастер ассамбляжа читать ~6 мин.

Американский скульптор русского происхождения Луиза Невельсон (урождённая Лия Исааковна Берлявская), эмигрировавшая в США в 1905 году, всерьёз обратилась к искусству лишь в тридцатилетнем возрасте. Испытав влияние кубизма и африканской пластики, она экспериментировала с живописью и монументальной росписью, прежде чем окончательно выбрала скульптуру. В 1950–1960-х годах Невельсон получила признание благодаря уникальному стилю деревянных рельефных ассамбляжей. Эти масштабные конструкции, часто занимающие целую стену, состоят из множества ячеек, заполненных композициями из «найденных» предметов: фрагментов мебели, обломков древесины и архитектурных деталей. Художница окрашивала их в однородные матовые цвета — чёрный, золотой или белый, создавая эффект монолитности. Будучи одной из самых новаторских американских скульпторов, Невельсон также оставила след в графике. Среди её знаковых работ — Свадебная часовня Зари II (Dawn’s Wedding Chapel II, 1959, Музей Уитни, Нью-Йорк) и Площадь Луизы Невельсон (Louise Nevelson Plaza, 1979, Финансовый квартал Нью-Йорка). Она создавала и камерные произведения из алюминия и люцита, такие как Прозрачная скульптура VI (1967–1968). Работы Невельсон входят в собрания многих лучших художественных музеев Америки и мира.

Биография и становление

Подобно модернисту Александру Архипенко (1887–1964), родившемуся десятилетием ранее, Луиза Берлявская появилась на свет в Переяславе (Полтавская губерния, ныне Украина) в период активного формирования русской скульптуры. В 1905 году семья эмигрировала в Америку и обосновалась в Рокленде, штат Мэн. В 21 год Лия вышла замуж за Чарльза Невельсона и переехала в Нью-Йорк. Как и многие авторы того времени, включая Александра Калдера (1898–1976), Невельсон посещала Лигу студентов-художников (Art Students League) в Нью-Йорке (1929–1930). Там она изучала рисунок и живопись у Георга Гросса (1893–1959) — немецкого экспрессиониста, прославившегося острой сатирой на берлинский быт 1920-х, а также у абстракционистки баронессы Хиллы фон Ребай (1890–1967).

В этот период Невельсон глубоко погрузилась в изучение кубизма, коллажа и дадаизма, исследовала творчество Пабло Пикассо, Хуана Гриса и Марселя Дюшана. В 1930 году она отправилась в Мюнхен для обучения у Ханса Хофмана (1880–1966) — влиятельного абстрактного экспрессиониста, чья теория «push-pull» (взаимодействие форм и пространства) оказала воздействие на художников по всему миру. Вернувшись в Америку в 1932 году, Невельсон ассистировала Диего Ривере в работе над его нью-йоркскими фресками (в команде с Беном Шаном) и преподавала в школе Educational Alliance на Манхэттене.

Ассамбляжи и философия материала

Между 1932 и 1944 годами Невельсон начала активные поиски в пластическом искусстве, сосредоточившись на абстрактных деревянных ассамбляжах, хотя пробовала силы и в работе с металлами и люцитом. На её визуальный язык повлияли сюрреализм и доколумбовое искусство. Для Невельсон выбор дерева не был случайным: она собирала выброшенные ящики, ножки стульев и обломки мебели на улицах Нью-Йорка. В её понимании эти предметы хранили память прежних владельцев, и, включая их в свои работы, она давала им новую сакральную жизнь, превращая мусор в монументальные алтари.

Широкая известность пришла к ней не сразу. Переломным моментом стала первая персональная выставка в галерее Нирендорфа (Nierendorf Gallery) в 1941 году. Невельсон трансформировала выставочное пространство в среду, напоминающую одновременно доисторическую пещеру, египетскую гробницу и витрину антикварной лавки. В 1943 году она запустила серию «Фермерских ассамбляжей» (Farm assemblages), объединившую дерево и найденные объекты. Яркими примерами служат Цирк, Зверинец и Древний город (все — 1945, Художественный музей Бирмингема). Параллельно она создавала терракоту, например, Движущиеся-статичные-движущиеся фигуры (ок. 1947, Музей Уитни).

Эволюция стиля: «Скульптурные стены»

В 1947 году Невельсон начала работать в знаменитой гравёрной мастерской Atelier 17 Стэнли Уильяма Хейтера. Здесь она освоила технику офорта и акватинты (например, Королева цветов, 1953). Её творчество часто связывают с ранним феминистским искусством, предвосхитившим движение 1970-х. Настоящий прорыв случился в 1958 году на выставке в галерее Grand Central Moderns. Инсталляции Лунный сад плюс один (Moon Garden Plus One) и Небесный собор (Sky Cathedral) представляли собой стены из нагромождённых ящиков, заполненных резными фрагментами, балясинами и обломками декора.

Особое значение в этих работах имел цвет. Невельсон покрывала конструкции матовой чёрной краской не ради мрачности, а для достижения гармонии. Чёрный цвет, по её мнению, символизировал «тотальное принятие» и содержал в себе все цвета сразу; он уничтожал разрозненность деталей, объединяя их в единый силуэт, где главную роль играла игра тени. Позже последовали полностью белые ассамбляжи, такие как Свадебная часовня Зари (1959), символизирующие начало и пробуждение, и золотые работы (Королевские приливы), отсылающие к барочной роскоши и солярным символам. Пример золотого периода — Американская дань британскому народу (1960–1965, галерея Тейт).

Эти «скульптурные стены» (например, Зеркальная тень I, 1969, Музей изящных искусств, Хьюстон) сочетали элементы экшн-пейнтинга и архитектурной строгости. (В этом контексте уместно вспомнить ассамбляжи французского художника Армана, работавшего с аккумуляцией предметов в 1960-х). К концу десятилетия Невельсон утвердилась в статусе одного из самых влиятельных скульпторов XX века.

О восприятии пластики
Подробнее о критериях оценки работ авторов уровня Луизы Невельсон читайте в статье: Как воспринимать современную скульптуру. Для классических произведений см.: Как понимать скульптуру.

Награды и общественная деятельность

Признание заслуг Невельсон выразилось в многочисленных наградах. В 1962 году она представляла США на Венецианской биеннале и возглавила Национальную ассоциацию художников (National Artist’s Equity). В 1963 году она стала первой женщиной-президентом этой организации. Занимая пост в Национальном совете по искусству и правительству, она активно продвигала интересы абстрактных скульпторов. Список её регалий включает Золотую медаль Американской академии искусств и литературы (1983) и Национальную медаль искусств (1985).

Стоит отметить и яркий личный образ Невельсон, ставший частью её художественного мифа. Она культивировала имидж «Императрицы искусства», появляясь на публике в сложных многослойных нарядах, с накладными ресницами и в головных уборах, напоминающих тюрбаны. Эта театральность была не просто эпатажем, а продолжением её метода: она конструировала себя так же тщательно, как и свои скульптуры, стирая границу между автором и произведением.

Поздний период и монументальные проекты

В 1960-х годах Невельсон расширила арсенал материалов, обратившись к плексигласу (Прозрачная скульптура II, 1967) и кортеновской стали. Сталь позволила ей выйти за пределы интерьеров и создавать уличные монументы, устойчивые к атмосферным воздействиям. Её формы стали строже и геометричнее. В 1969 году Принстонский университет заказал ей первую масштабную уличную скульптуру. Вскоре появились Прозрачный горизонт (1971) для MIT и ботанические стальные структуры, такие как Сад седьмого десятилетия.

Вершиной её монументальных проектов стала Площадь Луизы Невельсон в Нью-Йорке (1979) — уникальный случай, когда городское пространство было не только украшено работами художника, но и названо в его честь. Она также реализовала ряд проектов в жанре инсталляции в Чикаго и Филадельфии.

Луиза Невельсон ушла из жизни в Нью-Йорке в 1988 году, оставив наследие, соединившее кубизм, сюрреализм и минимализм.

Наиболее полное собрание американского искусства Невельсон хранится в Музее современного искусства (MoMA) и Музее американского искусства Уитни.