История скульптуры читать ~33 мин.

Любой хронологический отчёт о происхождении и развитии трёхмерного искусства должен занимать несколько томов, если не целую библиотеку книг. Сжатие в одну страницу означает, что большая часть истории неизбежно опущена. Тем не менее, это всё ещё отличная история! От доисторической эпохи, классической античности, готической эпохи, ренессанса и до 21-го века история скульптуры наполнена выдающимися художниками (что печально, многие из них анонимные) чья визуальная выразительность остаётся с нами в виде чудесных мраморных статуй, каменных рельефов и бессмертными творениями из бронзы.

Даже сегодня посетив любой собор или любой из великих городов, площадей или зданий мира, вы обязательно увидите прекрасные образцы трёхмерного искусства.

Характеристика скульптуры

Скульптура – это не только самая устойчивая форма искусства, но и самая влиятельная. Исторически сложилось так, что почти все короли, папы, диктаторы и тираны признавали пропагандистский эффект вдохновляющей скульптуры. Римские императоры разносили свои портретные бюсты во все уголки своей империи; Римская церковь украсила свои соборы, аббатства и церкви десятками тысяч статуй и рельефных скульптур, чтобы передать послание Библии; Фараоны, короли и императоры из Древнего Египта, Персии, Греции и современного мира вложили целые состояния в монументальную скульптуру, чтобы отметить успехи в битвах. Современные диктаторы, от Сталина до Саддама Хусейна, воздвигали статуи как памятники своему славному правлению.

Конечно, ничто не может сравниться с вдохновляющим посланием Статуи Свободы Америки, вероятно, пропагандистского скульптурного произведения №1. Кроме огромного повествовательного содержания, способного продвигать конкретное сообщение, скульптура также является трудным ремеслом, создатели которого сильно зависят от инструментов и технологий.

Начиная с самых ранних инструментальных культур эпохи палеолита, скульптурный прогресс отмечен открытием новых материалов и оборудования. Удивительно, но к рождению Христа большинство традиционных методов и техник скульптора были уже открыты, включая изготовление изделий из бронзы и изысканное ювелирное дело кочевых племён. В любом случае, по всем этим причинам история скульптуры тесно связана с политикой, технологиями и финансовым благополучием общества. Но прежде всего, её история неразрывно связана с архитектурой, родоначальником искусства, структуры которого образуют столь важный дом для декоративных скульптурных произведений. Каждое крупное архитектурное движение сопровождалось огромным спросом на скульптуры всех видов.

Хронология изобразительного искусства скульптуры

Доисторическая скульптура

История скульптуры начинается в каменном веке. Когда именно, мы не знаем. Самые ранние известные примеры – два примитивных каменных объекта, известных как Венера из Берехат-Рама и Венера из Тан-Тана. Венера из Берехат-Рама (датируется приблизительно 230 000 лет до н.э. или ранее) – это базальтовая статуэтка, сделанная во время ашельского периода, которая была обнаружена на Голанских высотах. Венера из Тан-Тана (200 000 лет до н.э. или ранее) – это кварцитовая статуэтка того же периода.

Если эти объекты являются до-скульптурными формами, то самая ранняя доисторическая скульптура появилась около 35 000 лет до н.э. в виде резных фигурок животных, птиц и териантропов, выполненных в Нижний перигордианский период и Ориньякский период и обнаруженные в пещерах Фогельгерда, в Холь Фельс и Холенштайн-Штадель, в Швабской Юре, Германия. Самая ранняя фигуративная скульптура – резьба из слоновой кости, известная как Человеколев из Холенштайн-Штадель (38 000 лет до н.э.).

Другим ранним типом скульптуры каменного века являются миниатюрные тучные статуэтки, называемые Венеры: такие как Венеры Виллендорф, Костеньки, Монпазье, Дольни-Вестонице, Мораваны, Брассемпуй и Гагарино. Эти фигурки Венеры, сделанные из различных материалов, таких как мамонтовая кость, керамическая глина и костный пепел, а также из различных видов камня, таких как стеатит, оолитовый известняк, серпантин и вулканическая порода, были найдены в разных частях Европы, от России до Испании. Антропологи считают, что они могли быть использованы в ритуалах фертильности, хотя почему толстые женщины должны быть такими культовыми, остаётся загадкой. (Недостаток еды?).

Мезолитическая скульптура (ок. 10 000-4000 лет до н.э.)

В мезолитическом искусстве было больше барельефов и отдельно стоящих скульптур, таких как антропоморфные статуэтки, найденные в Невали-Кори и Гобекли Тёпе возле Урфы в восточной Турции, статуи Лепенского Вира (например, Бога-Рыбы) в Сербии. Этот исторический период также стал свидетелем создания Шигирского идола (7500 лет до н.э.) – старейшей в мире сохранившейся резьбы по дереву – найденного недалеко от Екатеринбурга в России. Возможно, величайшим мезолитическим произведением искусства является терракотовая скульптура из Румынии, известная как Мыслитель Чернаводэ, безошибочный образ когнитивной мысли.

Неолитическая скульптура (ок. 4000-2000 лет до н.э.)

Неолитическое искусство отличается прежде всего своей керамикой, но оно также породило отдельно стоящие скульптуры и бронзовые статуэтки – в частности, из долины Инда, Северного Кавказа и относящиеся к доколумбовому искусству в Америке. Наиболее впечатляющей формой неолитического искусства была архитектура египетских пирамид, где погребальные камеры привели к увеличению спроса на различные типы рельефов, а также переносные статуи и статуэтки. (См. статью о Египетской скульптуре.) Наступление бронзового века (в Европе: 3000-1200 гг. до н.э.), а также появление городов и общественных зданий, а также разработка более совершенных инструментов привели к общему увеличению спроса на все виды искусства, в том числе скульптуру. См., например: месопотамская скульптура (3000-500 лет до н.э.). Именно в эту эпоху искусство стало играть важную роль в отражении чаяний могущественных правителей и божеств, которым они поклонялись. Короче говоря, процветающие и амбициозные сообщества были благоприятными для развития скульптуры.

Скульптура Восточного Средиземноморья (ок. 2000-1100 лет до н.э.)

После расцвета архитектуры и других искусств в Египте, Левант (страны восточного средиземноморья) также стал свидетелем подъёма минойской культуры на острове Крит, который был известен своей скульптурой и металлическими изделиями. После неизвестной катастрофы (вероятно, землетрясения) около 1500 г. до н.э., минойская цивилизация разрушилась и Крит был завоёван микенцами с материковой части Греции, которые позже сами были побеждены, а город Микены разрушен около 1100 г. до н.э.

Дальневосточная скульптура (ок. 1700 лет до н.э. – 1150 лет н.э.)

Китайское искусство во времена династии Шан (ок. 1600-1050 до н.э.) развивалось совершенно по-другому, чем западные. О самой лучшей бронзовой скульптуре, изготовленной в Китае в этот период, см.: Саньсиндуйские бронзы (1200-1000 до н.э.). Известные примеры индийской и юго-восточной азиатской скульптуры – необычные рельефы в индуистском храме Кандария Махадева 11-го века (1017-29) в Мадхья-Прадеше, Индия и кхмерский храм Ангкор-Ват 12-го века (1115-1145) в Камбодже.

Скульптура античности (ок. 1100-100 гг. до н.э.)

Из-за культурного застоя греческого «тёмного века» (1100 – 900 гг. до н.э.) и преобладания глиняной посуды в геометрический период (900 – 700 гг. до н.э.) греческие скульптуры на самом деле не появлялись до периода дедалического или восточного стиля около 650 г. до н.э. После этого скульптура развивалась в соответствии с традиционной хронологией греческого искусства во время классической античности, следующим образом: архаический период (ок. 650-500 до н.э.); Классический период (c.500-323 до н.э.); и Эллинистический период (c.323-100 до н.э.). Для получения дополнительной информации см.: Греческая Скульптура.

Архаическая греческая скульптура (ок. 600-500 гг. до н.э.)

Архаический период был временем медленных, но непрерывных экспериментов; наиболее ценной формой архаической греческой скульптуры был курос (стоящая мужская обнажённая фигура).

Классическая греческая скульптура (c.500-323 до н.э.)

Отрезок времени, разделённый на Ранний Классический Период, Высокий Классический Период и Поздний Классический Период, остался в истории как вершина греческого творчества. В изобразительном искусстве известные скульпторы, такие как Поликлет (5-й век до н.э.), Мирон (работавший в 480-444 г.г. до н.э.) и Фидий (около 488-431 до н.э.) (см. Его работу в Парфеноне) достигли уровня реализма. Их мастерство в дальнейшем было развито более поздними художниками, такими как Каллимах (работал в 432-408 г.г. до н.э.), Скопас (работал в 395-350 г.г. до н.э.), Лисипп (395-305 до н.э.), Пракситель (работал в 375-335 до н.э.) и Леохар (рабочий период: 340-320 до н.э.). Мастера этого периода оставались непревзойдёнными вплоть до итальянского Возрождения.

Эллинистическая греческая скульптура (c.323-27 до н.э.)

В этот период (характеризующийся распространением греческой культуры по всему цивилизованному миру), классический реализм был заменён большим героизмом и экспрессионизмом. См.: Пергамская школа эллинистической скульптуры (241-133 гг. до н.э.). Известные произведения эллинистической греческой скульптуры: «Умирающий галл Эпигона»; «Ника Самофракийская»; Лаокоон и его сыновья от Хагесандра, Полидора и Афинодора (42-20 гг. до н.э.) и Венера Милосская. О величайших эллинистических рельефах см.: Пергамский алтарь Зевса (166-56 до н.э.).

Несмотря на политическую и военную гибель греческих городов-государств примерно с 200 г. до н.э. и последующий подъем Рима, греческая скульптура сохранила свой статус самой лучшей из когда-либо созданных. Даже римлянам не удалось преодолеть чувство неполноценности перед лицом греческого мастерства, хотя они были достаточно милы, чтобы скопировать как можно больше греческих произведений и именно благодаря этим копиям нам известно искусство греческой скульптуры. Реальное влияние эллинистических статуй и рельефов фактически произошло 1600-1700 лет спустя, когда оно было «заново открыто» художниками раннего ренессанса в Италии, после чего стало краеугольным камнем европейского искусства на следующие четыре столетия. Одним словом, греки получают максимум очков.

Кельтская металлическая скульптура (400-100 до н.э.)

Давайте не будем забывать о кельтах – серии кочевых племён, появившихся на Кавказе около 800 г. до н.э. и постепенно распространившихся на запад по всей Европе (600-100 г. до н.э.) вплоть до Пиренейского полуострова, Великобритании и Ирландии. Несмотря на высокую мобильность и мастерство кузнечного и золотого дела, они были слишком дезорганизованы, чтобы конкурировать с высоко дисциплинированным и централизованным государством Рим. В конце концов, полностью романизированное, по крайней мере на Континенте, их кельтское искусство работы с металлом включало некоторые из лучших металлических скульптур эпохи (например, Золотая лодка из Бройтера, датируется прмерно 100-50 годами до н.э.). Они также были исключительными торговцами и их замысловатые конструкции из металла экспортировались и имитировались во всем известном мире. О каменной кладке кельтов, см.: Кельтская скульптура. О монументальной скульптуре из камня Келтой (Keltoi) см.: Камень Туро.

Величайшая глиняная скульптура в истории

Терракотовая армия (датируемая 246-208 гг. до н.э.), огромная коллекция глиняных воинов и лошадей, была вылеплена в провинции Шэньси, Китай, по приказу императора Цинь Ши Хуанди. Тысячи фигур остаются на том же месте, где они были захоронены. Смотрите также китайская буддийская скульптура. Об искусстве в Индии, см.: Индийская скульптура (3300 до н.э. – 1850).

Римская скульптура (c.200 г. до н.э. – c.200 г. н.э.)

Примерно до 27 г. до н.э., несмотря на влияние более ранних этрусских скульпторов, известных своим «joi de vivre» (радости жизни), римская скульптура была неидеализирована и реалистична; после этого она стала строго героической и довольно посредственной. Она изготавливалась теперь прежде всего для выражения величия и силы римского владычества, за исключением ряда великолепных исторических рельефов (например, спиральный барельеф колонны Траяна) и редких памятников (например, Ара Пацис Августа (Алтарь Августовского мира)), римские скульпторы были в основном заняты в производстве портретных бюстов императоров и других сановников.

Византийская скульптура (330-1450 гг. н.э.)

Вплоть до четвёртого века, раннехристианская скульптура была почти исключительно рельефными гробницами для саркофагов в Риме. Когда Римская империя разделилась на Восток и Запад, восточная столица находилась в Константинополе. Искусство Восточной Римской империи, базирующееся в Византии, было почти полностью религиозным, но, за исключением некоторых мелких рельефов из слоновой кости и ювелирного дела, восточно-православная марка христианства не допускала трёхмерных произведений искусства, таких как статуи или горельефы (объёмные скульптурные выступающие рельефы).

Скульптура в тёмные века (ок.500-800 н.э.)

Как следует из названия, это было тёмное и тихое время для европейских скульпторов. Церковь была слабой, варвары (которые не были большими специалистами в скульптуре) были сильны, а города были бедными и некультурными. Была некоторая деятельность в Константинополе и на окраинах Европы, например, в Ирландии, где (с 800-1100 гг.) Монашеская церковь начала вводить в эксплуатацию несколько отдельно стоящих каменных крестов, известных как кельтские скульптуры высокого креста, – украшенные сценами Евангелия и другими узорами в кельтском стиле – но на континенте в эту эпоху было создано мало средневекового искусства.

Примечание о скульптуре и архитектуре

Прежде чем продолжить, стоит подчеркнуть ключевую связь между общедоступной архитектурой или строительными проектами и скульптурой. Проще говоря, общественные здания обычно нуждались в скульптурном оформлении как внутри, так и снаружи. Поддерживающие колонны часто включали декоративные мотивы или статуи и рельефы, как и фасады, дверные проёмы и различные внутренние экраны. Таким образом, каждая новая важная программа общественных работ, обычно объявляемая новым стилем архитектуры, запускала огромную параллельную программу скульптуры. Другими словами, средневековые скульпторы очень любили архитекторов.

Ранняя романская скульптура (Каролингская, Оттоновская) (около 800-1050)

Возрождение средневековой скульптуры началось с Карла Великого, короля франков, который был коронован как император Священной Римской империи в 800 году. Империя Каролингов распалась довольно быстро, но покровительство Карла Великого в искусстве стало решающим первым шагом в возрождении европейской культуры, не в последнюю очередь потому что многие из романских и готических церквей были построены на основе каролингской архитектуры. Архитектурные достижения Карла Великого были продолжены императорами Священной Римской империи Отто I, II и III в стиле, известном как Оттоновский. Таким образом, искусство скульптуры вернулось, хотя и в скромных масштабах. Смотрите также: Средневековые художники.

Романская скульптура (около 1000-1200)

В 11 веке более уверенная христианская церковь начала восстанавливаться. Этот доктринальный экспансионизм привёл к крестовым походам, чтобы освободить Святую Землю от власти ислама. Успех крестоносцев и получение ими святых реликвий спровоцировали строительство новых церквей и соборов по всей Европе в полностью романском архитектурном стиле – стиле, известном в Великобритании и Ирландии как «нормандская» архитектура. Это в свою очередь привело к огромной волне заказов на романскую скульптуру и витражи. Таким образом, наконец, искусство скульптуры вернулось. И с этим новым спросом на пластическое искусство возникли новые мастерские по резьбе и лепке, ученичество и признание мастеров. Действительно, к 12 веку ведущие скульпторы стали очень востребованны аббатами, архиепископами и другими светскими покровителями за их уникальный вклад в визуальное воздействие строящихся религиозных зданий.

Знаменитые романские скульпторы:
Гислебертус (12 век)
Мастер Кабестани (12 век)
Мастер Матео (12 век)
Бенедетто Антелами (активный в 1178-1196).

Готическая скульптура (c.1150-1300)

Церковная строительная программа стимулировала развитие новых архитектурных приёмов. Эти методы объединились в середине 12-го века в стиле, который архитекторы эпохи Возрождения впоследствии назвали «готической архитектурой». Характерные черты в романском стиле, такие как округлые арки, массивные толстые стены и небольшие окна, были заменены остроконечными арками, высокими потолками, тонкими стенами и огромными витражами. Это полностью трансформировало интерьер многих соборов во вдохновляющие места, где христианское послание было передано в различных библейских искусствах, в том числе в прекрасных витражах и в разнообразных скульптурах. Фасады собора и дверные проёмы, как правило, были заполнены скульптурными рельефами, изображающими библейские сцены, а также рядами скульптур, изображающих Пророков, Апостолов, древних царей Иудеи и других фигур Евангелия. В интерьерах были колонные статуи и больше рельефов, причём все это выложено по замысловатому плану евангельской иконографии, предназначенному для обучения и вдохновления неграмотных верующих.

По сути, готический собор должен был представлять Вселенную в миниатюре – уникальное произведение христианского искусства, призванное передать ощущение силы и славы Бога и рационально упорядоченную природу его мирского замысла. Среди величайших домов готической архитектурной скульптуры – французские соборы Нотр-Дам де Пари, Шартр, Реймс и Амьен; немецкие соборы в Кёльне, Страсбурге и Бамберге, а также английские церкви Вестминстерского аббатства и Йоркский собор – среди многих других. Таким образом, готическая скульптура представляет собой вершину монументального религиозного искусства. Хотя Церковь продолжала вкладывать значительные средства в силу живописи и скульптуры, чтобы вдохновлять массы (особенно в период контрреформации барокко), готическая эра была действительно апогеем «идеалистического» религиозного мастерства. Отныне искусство скульптуры будет все больше и больше погружаться в светскую, а также в папскую политику.

Знаменитые готические скульпторы:
Никола Пизано (c.1206-1278)
Джованни Пизано (ок. 1250-1314)
Арнольфо ди Камбио (ок. 1240 – 1310)
Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290 – 1339)
Андреа Пизано (1295-1348)
Филиппо Календарио (до 1315-1355)
Андре Боневу (c.1335-1400)
Клаус Слютер (c.1340-1406)

Смотрите также: Английская готическая скульптура и Немецкая готическая скульптура.

Итальянская скульптура эпохи Возрождения (1400-1600)

Итальянский ренессанс был вдохновлён «повторным открытием» и уважением к искусству античной классики, особенно в области архитектуры и скульптуры. искусство Ренессанса было также окрашено сильной верой в гуманизм и благородство человека. Он начался во Флоренции, вдохновлённый такими людьми, как архитектор Филиппо Брунеллески (1377-1446), скульптор Донателло (1386-1466), художник Томмазо Мазаччо и теоретик Леон Баттиста Альберти (1404-1472) и финансировался Семьёй Медичи. Затем он распространился в Рим – где получил поддержку от папских амбиций папы Сикста IV (1471-1484), папы Юлия II (1503-1513), папы Льва X (1513-1521) и папы Павла III (1534-1545) – и в Венецию. Искусство в Северной Европе (особенно во Фландрии, Голландии, Германии и Англии) также претерпело ренессанс, особенно в масляной живописи, гравюре и, в меньшей степени, резьбе по дереву, хотя этот так называемый Северный ренессанс развивался несколько независимо от Реформации (1520) и последующее отсутствие религиозного покровительства со стороны протестантской церкви, которая смутно смотрела на религиозную живопись и скульптуру.

Скульптура раннего Возрождения (1400-1490)

Учитывая уважение к итальянскому ренессансу, легко забыть, что многие итальянские художники находились под сильным влиянием готических традиций и мастерства. Ренессансные скульпторы, в частности, были обязаны своим готическим предшественникам. Достаточно изучить рельефы на фасадах и дверных проёмах соборов 12-го века, чтобы увидеть необычайный трёхмерный реализм и эмоциональность, которые были достигнуты за столетия до Ренессанса. Большая разница между готическими и ренессансными скульпторами заключается в том, что имена последних теперь известны во всем мире, в то время как многие из первых неизвестны.

Имея это в виду, скульпторы раннего Возрождения стремились улучшить готические произведения, черпая вдохновение из классической римской и греческой скульптуры. При этом они наделяли свои статуи различными эмоциями и наполняли их новой энергией и мыслями. Тремя величайшими художниками трёхмерного раннего Возрождения были Лоренцо Гиберти (1378-1455), Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный как Донателло и Андреа дель Верроккьо (1435-1488).

Лоренцо Гиберти

В 1401 году был проведён конкурс на выполнение заказа по бронзовым дверям для Флорентийского баптистерия Святого Иоанна – одной из старейших сохранившихся церквей города. Лоренцо Гиберти должным образом выиграл этот заказ на двери, выполнение которого заняло у него 27 лет. Затем последовал второй аналогичный заказ, занявший Гиберти ещё на 25 лет. Его ворота стали осязаемым символом флорентийского искусства, в результате чего Микеланджело назвал их «Райскими вратами».

Донателло

Донателло, первый настоящий гений итальянской скульптуры эпохи Возрождения, заново изобрёл скульптуру во многом так же, как Мазаччо, Пьеро делла Франческа и Мантенья совершили революцию в искусстве живописи. Способный наделить свои фигуры интенсивным реализмом и эмоциями, его шедевром является его бронзовая скульптура Давида (ок. 1435-53), первая обнажённая скульптура в натуральную величину со времён античности, которая была создана для семьи Медичи и размещена в Палаццо Медичи во Флоренции. Стройная форма мальчика-библейского пастуха, кажется, вряд ли способна на умение, необходимое для убийства Голиафа, но обе его задумчивые женские позы с классическим контрапунктом (поворот бёдер) оказывают гипнотическое воздействие на зрителя. Это, безусловно, одна из величайших статуй из когда-либо созданных. Подробнее см.: Давид Донателло.

Андреа дель Верроккьо

Давид (c. 1475) Андреа дель Верроккьо более утончённый, но менее напористый, чем статуя Донателло, в то время как его конная статуя кондитера Бартоломео Коллеони (1480-е годы) менее героична, но передаёт большее чувство движения и развязности, чем Гаттамелата Донателло (1444-53) в Падуе.

Другие важные скульпторы раннего Ренессанса: Якопо делла Кверча (c.1374-1438); Нанни ди Банко (c.1386-1421); терракотовые скульпторы Лука Делла Роббиа (1400-1482), его племянник Андреа Делла Роббиа (1435-1525), Никколо Делл’Арка (1435-1494) и Гвидо Маццони (1450-1518); Антонио Росселлино (1427-1479); Антонио Поллайоло (1432-1498).

Скульптура Высокого Возрождения (около 1490-1530)

Микеланджело (1475-1564), величайший скульптор итальянского Возрождения, и, возможно, всех времён, затмил всех остальных скульпторов эпохи Возрождения. Историк искусства, Энтони Блант, говорил о таких работах Микеланджело, как Пьета (1497 – 99, мрамор, базилика Святого Петра, Рим), Давид (1501 – 04, мрамор, Галерея Академии, Флоренция) и «Умирающий раб» (1513 – 16, мрамор, Лувр, Париж), что они обладали «сверхчеловеческим качеством», но также «чувством задумчивости, мрачного беспокойства… они отражают трагедию человеческой судьбы». Некоторые из мраморных скульптур Микеланджело имеют безупречную красоту и полировку, что свидетельствует о его абсолютном техническом мастерстве. В области героического обнажённого мужчины он остаётся высшим мастером. Для получения дополнительной информации см.: Давид Микеланджело.

Другими важными скульпторами Высокого Возрождения являются художник и венецианский архитектор Якопо Сансовино (1486 – 1570) и Баччо Бандинелли (1493 – 1560).

Скульптура Северного Возрождения (ок. 1400-1530)

В Северной Европе лучшие скульптуры были продемонстрированы, в частности, двумя удивительными мастерами, которые подняли искусство скульптуры из дерева на новую высоту: немецкий скульптор, работавший с деревом лиственных пород Тилман Рименшнайдер (1460-1531), известный своими рельефами и отдельно стоящей деревянной скульптурой; и резчик по дереву Фейт Стосс (1450-1533), известный своими тонкими алтарными фигурами.

Другие важные скульпторы с севера Альп:
Ганс Мульчер (ок. 1400-1467); Джорджо да Себенико (1410-1473);
Мишель Коломб (ок. 1430-1512); Грегор Эрхарт (ок. 1460-1540).

Скульптура маньеристов (1530-1600)

Если доверие и порядок периода Высокого Возрождения отражались в его идеализированных формах фигуративной скульптуры, скульптура маньеризма отражала хаос и неопределённость Европы, разрушенной религиозным разделением и Рима, недавно разграбленного и оккупированного наёмными французскими солдатами. Скульпторы-маньеристы привнесли новую выразительность в свои работы, примером чему является мощное Похищение сабинянок Джамболоньи (1529-1608) и Персея (1545-54) Бенвенуто Челлини (1500-1571). Однако сравните знаменитую натуралистическую лежащую мраморную статую святой Сесилии Стефано Мадерно (1576-1636). См. также: Хуан де Жуни (1507-1577), который распространил Ренессанс в Испанию, Алонсо Берругете (c.1486-1561), который принёс маньеризм в Испанию и Франческо Приматиччо (1504-1570), родоначальник французского маньеризма. Главные скульпторы французского маньеризма: Жан Гужон (ок. 1510 – 1568), Жермен Пилон (1529 – 1590), Бартелеми Приер (1536 – 1611) и Адриан де Врис (1560 – 1626).

Барочная скульптура (1600-1700)

В течение более позднего 16-го века, в ответ на протестантскую Реформацию, Римско-католическая церковь начала свою собственную Контрреформацию. Эта пропагандистская кампания, призванная убедить верующих вернуться в «истинную» Церковь, использовала весь спектр визуальных искусств, включая архитектуру, скульптуру и живопись и стала ассоциироваться с более грандиозной, более драматической идиомой, известной как искусство барокко. Это повлекло за собой массовое покровительство художникам и скульпторам со стороны церкви.

Даже площадь Святого Петра в Риме была переоборудована для того, чтобы заставить посетителей трепетать. Гениальный архитектор и скульптор Бернини (1598-1680) разработал серию колоннад, ведущих к собору, что создало у посетителей впечатление, что герб католической церкви их обнимает.

Бернини был величайшим скульптором в стиле барокко. После работы на кардинала Сципиона Боргезе он стал ведущим скульптором для папы Урбана VIII. Привлечённый к драматическому натурализму того, что называют эллинистическим стилем барокко второго и первого веков до н.э. (например, см. Такие работы, как «Побеждённый гал убивает себя и свою жену»), уникальным вкладом Бернини было создание сенсационных иллюзионистских шедевров (например, изображение момента времени), способом, ранее доступным только художниками. Казалось, что он работал с относительно мягкими материалами, как если бы они были полностью пластичными. Его скульптурная техника и композиция были настолько ошеломляющими, что он вызвал немалую критику со стороны завистников.

Его главным конкурентом был Алессандро Альгарди (1598-1654), любимый скульптор папы Иннокентия X. Если Бернини олицетворял греческий драматический натурализм, стиль Альгарди был более сдержанным (некоторые критики называют его слабым). Другим конкурентом был фламандский скульптор Франсуа Дукесной (1594-1643), стиль которого был полностью классическим. Дукесной был довольно тёмной фигурой, он работал в суровом, неэмоциональном стиле, который, тем не менее, высоко ценился академическими критиками за совершенный синтез природы и антиквариата. Драпировки изящно текут, следуя форме тела, в то время как фигура сбалансирована в совершенном изяществе и покое – полная противоположность динамическому движению и интенсивным ощущениям Бернини.

Французская скульптура в стиле барокко была продемонстрирована Франсуа Жирардоном (1628-1715), своего рода французским Альгарди и его соперником Антуаном Койсевоксом (1640-1720), чей более свободный стиль был всё ещё относительно сдержанным по сравнению с Бернини, а также Пьером Пьюже (1620-1694), который был одним из немногих скульпторов, вернувших непосредственность лучших работ Бернини.

Среди других скульпторов в стиле барокко: Хуан Мартинес Монтанес (1568-1649), Алонзо Кано (Гранада, 1601-1667) и Андреас Шлютер (1664-1714), величайший скульптор в стиле барокко в Северной Германии. В Южной Германии одним из величайших мастеров был Йорг Цурн (1583-1638), который создал потрясающий пятиуровневый Высокий алтарь Девы Марии (1613-16) в церкви Святого Николаса в Уберлингене, на северном берегу Боденского озера (Бодензее).

Для получения дополнительной информации см.: Барочная скульптура.

Скульптура в стиле рококо (ок. 1700-1789)

Французская реакция на серьёзность барокко, искусство рококо сначала появилась при французском дворе Версальского дворца, а затем распространилась по всей Европе. Если скульптура в стиле барокко была драматичной и серьёзной, то рококо было просто излишеством и не имело никакого смысла, хотя в действительности это была вариация стиля, воплощённого в жизнь Бернини и его современниками. Тем не менее, можно говорить о качествах рококо в произведении скульптуры – неформальность, весёлость, забота о делах сердечных и всякое сознательное избегание серьёзности.

Самым успешным скульптором первой половины 18-го века был Гийом Кусту (1677-1746), директор Французской академии с 1707 года, продолживший барочную тенденцию своего дяди Койсевокса. Его ученик, Эдме Бушардон (1698-1762), является более интересной фигурой, чьё чувство к античности заставило его предвидеть более позднюю тенденцию к неоклассицизму. Жан-Батист Пигаль (1714 – 1885 гг.), фаворит мадам Помпадур, был ещё одним важным образцом стиля рококо, поскольку его главным соперником был Этьен-Морис Фальконе (1716 – 1991 гг.), специализировавшийся на эротических фигурах, которые имеют незначительное сходство с эллинистическими оригиналами. Однако его шедевром остаётся его классический памятник «Медный всадник» Петру Первому в Санкт-Петербурге – см.: Русская скульптура».

В Англии ведущими скульпторами 17-18 веков были классик Майкл Рисбрак (1694-1770), более театральный Луи Франсуа Рубилиак (1705-1762) и выдающийся резчик по дереву Гринлинг Гиббонс (1648-1721). Немецкая скульптура рококо была проиллюстрирована в работах дрезденского скульптора Бальтазара Пермозера (1651-1732), а также в работах небольших групп мастеров, работающих в церквях южной католической церкви и Игназа Гюнтера (1725-1775), чьи фигуративные скульптуры имеют твёрдую поверхность и полихромность, напоминая средневековую немецкую резьбу по дереву.

Причудливый декадент Рококо был сметён Французской революцией, которая открыла новый более строгий стиль – неоклассицизм.

Неоклассическая скульптура (расцвет в 1790-1830 г.г.)

В неоклассическом искусстве – в основном, в греческом искусстве с современным уклоном – доминировала неоклассическая архитектура. Неоклассические здания включают Пантеон (Париж), Триумфальную арку (Париж), Бранденбургские ворота (Берлин) и Капитолий Соединённых Штатов. Неоклассическая скульптура подчёркивает достоинства героизма, долга и серьёзности. Среди ведущих неоклассических скульпторов были чрезвычайно суровый и героический Антонио Канова (1757-1822), обеспокоенный мастер портретного бюста Франц Ксавер Мессершмидт (1736-1783), более натуралистичный и реалистический Жан-Антуан Гудон (1741-1828), довольно лёгкий Клод Мишель, известный как Клодион (1738-1814) и английские скульпторы Джозеф Ноллекенс (1737-1823), Томас Бэнкс (1735-1805), Джон Флэксман (1755-1826) и сэр Ричард Уэстмакотт (1775-1856). Только позже, в 18 веке, в лице датского скульптора Бертеля Торвальдсена (1770-1844) появился достойный преемник Кановы, который подошёл к сравнимому с античным высокомерию, хотя и с меньшей оригинальностью.

Скульптура XIX века

Во многих отношениях девятнадцатый век был эпохой кризиса для скульптуры. Проще говоря, архитектурное развитие в значительной степени исчерпало себя, религиозное покровительство уменьшилось в результате Французской революции и общий климат «популизма» начал вызывать путаницу в умах институциональных и частных покровителей относительно того, что считается приемлемым для скульптурного представления, какие предметы (и стили). Занимаясь более дорогим видом искусства, чем художники, и, таким образом, зависимые от дорогостоящих заказов, скульпторы часто оказывались во власти общественного мнения в форме городских советов и комитетов. Кроме ряда грандиозных общественных памятников и обычных памятных статуй епископов и королей – неизменно выполненных в стерильном конформистском стиле, требуемом властями (например, Мемориал Альберта) – скульпторы имели мало возможностей продемонстрировать свою оригинальность. С другой стороны, живопись претерпевала огромные и захватывающие изменения. Другими словами, это было не самое лучшее время заниматься 3D-артом.

Скульпторы девятнадцатого века, о которых стоит упомянуть, это: универсальный Джеймс Прадиер (1790-1852), романтик Франсуа Руд (1784-1855), Давид Анжер (1788-1856), Антуан-Луи Бари (1796-1875), Огюст Прео (1809-1879) и флорентийка, скульптур неоренессанса Фелиция де Сен-Фове (1799-1886). Одним из самых талантливых был беззаботный Жан-Батист Карпо (1827-1875), чья чувственность была адаптирована к требованиям декоративной скульпторы 1860-х годов Эрнестом Керри-Бельзом (1824-1887), в остальном наиболее известным тем, что одним из его учеников был неизвестный скульптор по имени Огюст Роден. Жюль Далу (1838-1902) был более созерцательным и серьёзным последователем Карпо. Среди ведущих классицистов 19-го века были Джон Гибсон (1791-1866), талантливый, но разочарованный Альфред Стивенс (1817-1875), универсал Джордж Фредерик Уоттс (1817-1904) и американец Хирам Пауэрс (1805-1873).

Мы также не должны забывать о французском скульпторе Огюсте Бартольди (1834-1904) – более известном как создатель всемирно известной скульптуры – Статуи Свободы – находящейся в гавани Нью-Йорка. Также великий монументальный американский скульптор Дэниел Честер Френч (1850-1931), известный своей сидящей фигурой Линкольна у Мемориала Линкольна в Вашингтоне.

Огюст Роден

Великим исключением был несравненный французский гений Огюст Роден (1840-1917). Один из немногих подлинных мастеров современной скульптуры, Роден считал себя преемником своего культового героя – Микеланджело, хотя флорентиец был резчиком по мрамору, а Роден в основном творил из бронзы. Кроме того, в то время как Микеланджело является примером благородных и вневременных форм классической античности, наиболее характерные работы Родена передают безошибочную современность и драматический натурализм. Возможно, истинными предшественниками Родена были готические скульпторы, поскольку он был страстным поклонником готических соборов Франции, из героических рельефов которых он черпал большую часть своего вдохновения. В любом случае, влияние Родена на искусство было больше, чем у любого скульптора времён эпохи Возрождения.

Скульптура XX века: пришествие модернизма

Благодаря тому, что скульптура менее способна отражать новые тенденции современного искусства в 19 веке, скульпторы, такие как Огюст Роден (1840-1917), могли свободно придерживаться монументализма, основанного на идеологии Возрождения, а другие – прославлять викторианские ценности в форме патриотических и исторических фигур, также выполненных в грандиозной манере прежних времён. Но когда появились современные скульпторы 20-го века, такие как Константин Бранкузи (1876-1957), Умберто Боччони (1882-1916) и Наум Габо (Наум Неемия Певснер) (1890-1977), на рубеже веков скульптура действительно начала меняться.

О влиянии племенных культур на развитие скульптуры 20-го века см.: Примитивизм и первобытное искусство. В связи с этим почитайте о работах Анри Гаудье-Бжески (1891 – 1915) и его наставника Якоба Эпштейна (1880 – 1959). В частности, отметим влияние африканской скульптуры на современных скульпторов Парижской школы.

Фактически, в первые десятилетия ХХ века визуальное искусство находилось в состоянии брожения. Революционное движение кубизма, изобретённое Пабло Пикассо (1881-1973) и Жоржем Браком (1882-1963), разбило многие священные каноны традиционного искусства и вызвало волну экспериментов в живописи и скульптуре. Скульптура была значительно переопределена рядом скульпторов, таких как Марсель Дюшан (1887-1968) – см. его «Readymades» – Жака Липшица (1891-1973) и Александра Архипенко (1887-1964), а также Бранкузи, Боччони и Габо. Репрезентационализм был отвергнут в пользу новых абстрактных выражений пространства и движения, часто с использованием нетрадиционных материалов, никогда ранее не использовавшихся в скульптуре.

После кубизма Первая мировая война (1914-18) и большевистская революция 1917 года оказали сильное влияние на художников и скульпторов по всей Европе, о чем свидетельствуют влиятельные иконоборческие движения дада и конструктивизм. Скульпторы вместе с художниками создавали произведения искусства, отражающие новые иконы, такие как машины и механизмы, а также новые идеологии дизайна (например, теории школы дизайна Баухаус) и формы (например, невероятный Мерцбау Курта Швиттерса).

В 1920-х годах в Париже зародился сюрреализм, чрезвычайно влиятельное движение, которое стремилось к новому «сверхреализму» в стиле, включающем как абстракцию, так и натурализм. Известные художники-сюрреалисты, работавщие с объёмом: Сальвадор Дали (1904-1989), который произвёл свой сюрреалистический диван «Mae West Lips Sofa» и Телефон-лобстер; Мерет Оппенгейм (1913-1985), который создал «Мохнатый завтрак» и Ф.Е. Маквильям (1909-1992), автор работы «Глаза, нос и щека». Другие современные скульпторы, такие как Жан Арп (1886-1966), а также Генри Мур (1898-1986) и Барбара Хепворт (1903-1975) – лидеры современной британской скульптуры – экспериментировали с новыми формами биоморфной и органической абстракции, в то время как американец Александр Колдер (1898-1976) был пионером в мобильной скульптуре и кинетическом искусстве, а Дэвид Смит (1906-1965) разрабатывал абстрактную металлическую скульптуру. Многие скульпторы развивали свой стиль в течение столетия: например, Альберто Джакометти (1901-1966) начал в сюрреалистическом стиле в 1920-х и 1930-х годах и долго совершенствовал свои уникальные полу-абстрактные фигуративные работы и модернистский британо-американский художник Джейкоб Эпштейн (1880 – 1959), чьи смелые фигуративные работы оказались весьма спорными.

Послевоенная скульптура (1945-70)

Ни одна скульптура не появилась ни в Нью-Йорке, ни в Париже, которую можно сравнить с преобладающим стилем живописи абстрактного экспрессионизма (1945-62), хотя инновации, безусловно, были, главным образом в использовании новых материалов и растущем настроении концептуализма – стиля, который фокусируется на на идее, лежащей в основе трёхмерного объекта, а не на самом объекте, а также на размытии между живописью и скульптурой. Основные нововведения – в основном от американских скульпторов, но, например, «Разрушенный город» (1953) русского скульптора Осипа Задкина (1890 – 1967) – включающий «скульптурные стены» Луизы Невельсон (1899 – 1988) – сборки, состоящие из найденных объектов в основном дерева, окрашенного белой, чёрной или золотой краской и расположенное на коробчатых полках, занимающих стену; войлочные скульптуры Роберта Морриса (род. 1931); неоновые и флуоресцентные произведения Брюса Наумана (род. 1941); произведения Цезаря (1921 – 1998 гг.), изготовленные из автомобильных деталей; скульптуры из барахла (например, кучи сломанных телефонов) Армана (Armand Fernandez) (род. 1928); кинетическое искусство Жана Тингели (1925-1991) и абстрактная скульптура британского художника сэра Энтони Каро (1924-2013).

Скульптура в стиле поп-арт

Хронологически, первым крупным послевоенным движением, в котором участвовали скульпторы, был Поп-арт 1960-х годов, который начался с новаторских работ Роберта Раушенберга (1925-2008) и Джаспера Джонса (род. 1930) в 1950-х годах. Известные поп-скульптуры: «Японский бог войны» (1958) пионера Эдуардо Паолоцци (род. 1924), «Эль Канс» (1964) Джаспера Джонса, полотно, поролон и картон – «Пол Бургер» (1962) и «Гигантские кончики» (1967) Класа Олденбурга (род. 1929); остроумный Софа Джо (1968) итальянцев Джонатана Де Паса (1932-1991), Донато Д’Урбино (род. 1935) и Паоло Ломацци (род. 1936) – все они показывают следы раннего сюрреалистического искусства. Поп-скульптура несерьёзна, но это весело.

Минималистская скульптура

В отличие от поп-арта, минимализм 1960-х годов исследовал чистоту упрощённых до абсурда форм. Среди известных скульпторов-минималистов – Сол Левитт (род. 1928) – американский художник-концептуалист, известный своими скелетными геометрическими коробчатыми конструкциями; Дональд Джадд (1928-1994) и его бескомпромиссные упрощённые формы; художник-экспериментатор Вальтер де Мария (род. 1935) и родившийся в Массачусетсе Карл Андре (род. 1935). Минималистская скульптура может быть по достоинству оценена любым человеком, имеющим степень доктора искусствоведения.

Лэнд-Арт: Экологическая скульптура

1960-е годы также стали свидетелями совершенно нового типа скульптуры, известной как Лэнд-арт (Земляные работы, или Экологическое искусство). Как дети, строящие песчаные замки на пляже, художники бросились в дебри и вырыли, раскопали и изменили природный ландшафт, чтобы создать (как они надеялись) искусство. Пионером-экологом был пессимист Роберт Смитсон (1938-1973). В последнее время пара художников Кристо и Жанна-Клод Джавачев достигли славы, обернув части окружающей среды цветной тканью, в то время как Энди Голдсворти (род. 1956) специализируется на временных скульптурах окружающей среды (например, сделанных из снега), которые разлагаются или исчезают.

Постмодернистская современная скульптура

К 1970 году все большее количество актуального искусства стало чрезвычайно экспериментальным – искусствоведы могли бы сказать, что это странно, непонятно и похоже на китч. С 1970-х годов эта тенденция получила название «Постмодернистское искусство». Никто на самом деле не знает, что означает это слово, а если узнает, то вряд ли сможет объяснить. Что касается постмодернистской скульптуры, лучшее, что можно сказать, это то, что она сводит скульптуру к пределу трёхмерного выражения и часто пересекается с другими формами искусства, такими как, инсталляция, искусство сборки и даже театр. Один из самых известных скульпторов постмодернизма – британский лауреат премии Тёрнера Аниш Капур (род. 1954).

Дэмиен Хёрст

Постмодернизм иллюстрируется работами Дэмиена Хёрста (род. 1965), гениального рыночного лидера движения молодых британских художников 1980-х годов, добившегося всемирной славы благодаря работе «Физическая невозможность смерти в сознании кого-то живущего» (1991), мёртвая тигровая акула, маринованная в резервуаре с формальдегидом – это скульптура или инсталляция? Никто на самом деле не знает. Другие спорные работы Хёрста: Девственная мать (Virgin Mother) (2005) – огромная работа, изображающая беременную женщину, вырезанную для отображения плода, мышечной ткани и черепа; и его инкрустированный бриллиантом череп «Ради любви к Богу» (2007). Критики утверждают, что Хёрст не более чем новаторский шоумен, но коллекционеры, как и публика, похоже, любят его. Пусть история скажет последнее слово об этом мультимиллионере.

Не вся современная скульптура противоречива, как мёртвая акула Хёрста. В конце 20-го века был замечен ряд исключительных скульпторов, работающих в более или менее традиционных стилях, хотя и с модернистской концепцией. Известные примеры современной скульптуры: масштабные металлические скульптуры Марка Ди Суверо (род. 1933), монументальные общественные формы Ричарда Серра (род. 1939), гиперреалистичные фигуры Дуэйна Хансона (1925-1996) и Джона Де Андреа (род. 1941), природные сооружения Энтони Гормли (род. 1950), сказочные реалистичные фигуры Роуэн Гиллеспи (род. 1953), новаторские произведения Нео-Попа Джеффа Кунса (род. 1955) и сюрреалистические скульптуры пауков Маман Луиз Буржуа (1911-2010).

Известные скульптуры начала 21-го века это, в частности, работы Эдуардо Чиллиды (1924-2002) (например, железный предмет Берлин, 2000, Бундесканцлерамт, Берлин-Тиргартен); а также работы Судобха Гупты (род. 1964) и Дамиана Ортеги (род. 1967), среди других, которых слишком много, чтобы упоминать всех.

Архитектурная скульптура

Хотя это выходит за рамки этой статьи, следует упомянуть о великих знаковых произведениях архитектурной скульптуры, в том числе: Колосс Родосский, Статуя Свободы, Эйфелева башня, Колонна Нельсона, Чикаго Пикассо и Дублинский шип.