История скульптуры читать ~33 мин.

Любой хронологический отчёт о происхождении и развитии трёхмерного искусства потребовал бы нескольких томов, если не целой библиотеки. Сжатие всей этой информации до одной страницы неизбежно означает, что значительная часть истории будет опущена. Тем не менее, это всё равно захватывающее повествование. От доисторической эпохи, классической античности, готического периода и Ренессанса до XXI века — история скульптуры наполнена именами выдающихся художников, многие из которых, к сожалению, остались безымянными. Их визуальная выразительность дошла до нас в виде прекрасных мраморных статуй, каменных рельефов и бессмертных бронзовых творений.

Даже сегодня, посетив любой собор или любую из великих площадей и зданий мира, вы обязательно увидите великолепные образцы трёхмерного искусства.

Характеристика скульптуры

Скульптура — одна из самых долговечных форм искусства, а также одна из самых влиятельных. Исторически сложилось так, что почти все короли, папы, диктаторы и тираны признавали пропагандистскую силу впечатляющей скульптуры. Римские императоры рассылали свои портретные бюсты во все уголки империи; католическая церковь украсила свои соборы, аббатства и церкви десятками тысяч статуй и рельефов, чтобы донести библейские сюжеты; фараоны, цари и императоры Древнего Египта, Персии, Греции и современного мира вкладывали целые состояния в монументальную скульптуру, чтобы увековечить свои военные успехи. Современные диктаторы, от Сталина до Саддама Хусейна, воздвигали статуи в качестве памятников своему «славному» правлению.

Конечно, мало что может сравниться с вдохновляющим посылом американской Статуи Свободы — вероятно, самого известного пропагандистского произведения скульптуры. Кроме огромного повествовательного потенциала, способного продвигать конкретные идеи, скульптура также является сложным ремеслом, создатели которого сильно зависят от инструментов и технологий.

Начиная с самых ранних культур эпохи палеолита, прогресс в скульптуре был отмечен открытием новых материалов и инструментов. Удивительно, но ко времени рождения Христа большинство традиционных методов и техник, включая литьё из бронзы и изысканное ювелирное дело кочевых племён, уже были известны. По всем этим причинам история скульптуры тесно связана с политикой, технологиями и финансовым благополучием общества. Но прежде всего, её история неразрывно переплетена с архитектурой, которую часто называют прародительницей искусств, ведь именно архитектурные сооружения служат домом для множества декоративных скульптурных произведений. Каждое крупное архитектурное движение порождало огромный спрос на скульптуру всех видов.

Хронология изобразительного искусства скульптуры

Доисторическая скульптура

История скульптуры начинается в каменном веке. Когда именно, мы не знаем. Самыми ранними известными образцами считаются два примитивных каменных объекта: «Венера из Берехат-Рама» и «Венера из Тан-Тана». «Венера из Берехат-Рама» (датируется примерно 230 000 годом до н.э. или ранее) — это базальтовая статуэтка ашельского периода, обнаруженная на Голанских высотах. «Венера из Тан-Тана» (200 000 год до н.э. или ранее) — кварцитовая статуэтка того же периода.

Если эти объекты являются формами протоскульптуры, то самая ранняя доисторическая скульптура в полном смысле этого слова появилась около 35 000 года до н.э. Это были резные фигурки животных, птиц и териантропов (полулюдей-полузверей), выполненные в ранний граветтский и ориньякский периоды и найденные в пещерах Фогельхерд, Холе-Фельс и Холенштайн-Штадель в Швабской Юре, Германия. Самая ранняя из известных фигуративных скульптур — это резьба по слоновой кости, известная как «Человеколев» из Холенштайн-Штаделя (около 38 000 года до н.э.).

Другим ранним типом скульптуры каменного века являются миниатюрные статуэтки тучных женщин, называемые «палеолитическими Венерами»: например, «Венера Виллендорфская», «Костёнковская», «Монпазье», «Дольни-Вестоницкая», «Мораванская», «Брассемпуйская» и «Гагаринская». Эти фигурки, сделанные из различных материалов — мамонтовой кости, керамической глины, костяной золы, а также различных видов камня, таких как стеатит, оолитовый известняк, серпентин и вулканическая порода, — были найдены по всей Европе, от России до Испании. Антропологи полагают, что они могли использоваться в ритуалах плодородия. Почему идеалом служили именно тучные женщины, остаётся предметом дискуссий, но одна из теорий связывает это с культом выживания и фертильности в условиях нехватки пищи.

Мезолитическая скульптура (ок. 10 000–4000 лет до н.э.)

Искусство мезолита представлено барельефами и отдельно стоящими скульптурами, такими как антропоморфные статуэтки, найденные в Невалы-Чори и Гёбекли-Тёпе близ города Урфа в восточной Турции, а также статуи из Лепенски-Вира (например, «Бог-Рыба») в Сербии. К этому историческому периоду также относится создание «Шигирского идола» (7500 год до н.э.) — древнейшей в мире сохранившейся деревянной скульптуры, найденной недалеко от Екатеринбурга в России. Возможно, величайшим произведением мезолитического искусства является терракотовая скульптура из Румынии, известная как «Мыслитель из Чернаводэ» — безошибочный образ когнитивной мысли.

Неолитическая скульптура (ок. 4000–2000 лет до н.э.)

Искусство неолита известно в первую очередь своей керамикой, но в этот период также создавались отдельно стоящие скульптуры и бронзовые статуэтки, в частности, в цивилизации долины Инда, на Северном Кавказе и в рамках доколумбова искусства в Америке. Наиболее впечатляющей формой неолитического искусства была архитектура египетских пирамид. Обустройство погребальных камер привело к росту спроса на различные виды рельефов, а также на переносные статуи и статуэтки. (См. статью о египетской скульптуре.) Наступление бронзового века (в Европе: 3000–1200 гг. до н.э.), появление городов и общественных зданий, а также разработка более совершенных инструментов привели к общему увеличению спроса на все виды искусства, включая скульптуру. См., например: месопотамская скульптура (3000–500 гг. до н.э.). Именно в эту эпоху искусство стало играть важную роль в отражении устремлений могущественных правителей и божеств, которым они поклонялись. Одним словом, процветающие и амбициозные сообщества были благодатной почвой для развития скульптуры.

Скульптура Восточного Средиземноморья (ок. 2000–1100 лет до н.э.)

Вслед за расцветом архитектуры и других искусств в Египте, в Леванте (страны восточного Средиземноморья) также произошёл подъём минойской культуры на острове Крит, которая славилась своей скульптурой и изделиями из металла. После неизвестной катастрофы (вероятно, землетрясения) около 1500 г. до н.э. минойская цивилизация пришла в упадок, и Крит был завоёван микенцами с материковой Греции. Позже, около 1100 г. до н.э., микенцы сами были побеждены, а их город Микены — разрушен.

Дальневосточная скульптура (ок. 1700 г. до н.э. – 1150 г. н.э.)

Китайское искусство во времена династии Шан (ок. 1600–1050 гг. до н.э.) развивалось совершенно иначе, чем западное. О лучшей бронзовой скульптуре, созданной в Китае в этот период, см. статью «Саньсиндуйские бронзы» (1200–1000 гг. до н.э.). Выдающимися примерами индийской и юго-восточной азиатской скульптуры являются необычные рельефы в индуистском храме Кандарья-Махадева XI века (1017–1029) в штате Мадхья-Прадеш, Индия, и в кхмерском храме Ангкор-Ват XII века (1115–1145) в Камбодже.

Скульптура античности (ок. 1100–100 гг. до н.э.)

Из-за культурного застоя греческих «тёмных веков» (1100–900 гг. до н.э.) и преобладания керамики в геометрический период (900–700 гг. до н.э.) греческая скульптура по-настоящему заявила о себе лишь в период дедалического стиля около 650 г. до н.э. После этого она развивалась в соответствии с традиционной хронологией греческого искусства классической античности: архаический период (ок. 650–500 гг. до н.э.), классический период (ок. 500–323 гг. до н.э.) и эллинистический период (ок. 323–100 гг. до н.э.). Для получения дополнительной информации см.: Греческая скульптура.

Архаическая греческая скульптура (ок. 600–500 гг. до н.э.)

Архаический период был временем медленных, но непрерывных экспериментов. Наиболее характерной формой архаической греческой скульптуры был курос (статуя обнажённого юноши в полный рост).

Классическая греческая скульптура (ок. 500–323 гг. до н.э.)

Этот отрезок времени, разделённый на ранний, высокий и поздний классические периоды, вошёл в историю как вершина греческого творчества. В изобразительном искусстве такие знаменитые скульпторы, как Поликлет (V век до н.э.), Мирон (активен в 480–444 гг. до н.э.) и Фидий (ок. 488–431 гг. до н.э.) (см. его работу в Парфеноне), достигли невероятного уровня реализма. Их мастерство в дальнейшем было развито такими художниками, как Каллимах (активен в 432–408 гг. до н.э.), Скопас (активен в 395–350 гг. до н.э.), Лисипп (ок. 395–305 гг. до н.э.), Пракситель (активен в 375–335 гг. до н.э.) и Леохар (активен в 340–320 гг. до н.э.). Мастера этого периода оставались непревзойдёнными вплоть до итальянского Возрождения.

Эллинистическая греческая скульптура (ок. 323–27 гг. до н.э.)

В этот период, характеризующийся распространением греческой культуры по всему цивилизованному миру, классический реализм сменился большим героизмом и экспрессией. См.: Пергамская школа эллинистической скульптуры (241–133 гг. до н.э.). Знаменитые произведения эллинистической греческой скульптуры: «Умирающий галл» Эпигона; «Ника Самофракийская»; «Лаокоон и его сыновья» Агесандра, Полидора и Афинодора (42–20 гг. до н.э.) и «Венера Милосская». О величайших эллинистических рельефах см. статью «Пергамский алтарь» (166–156 гг. до н.э.).

Несмотря на политический и военный упадок греческих городов-государств примерно с 200 г. до н.э. и последующее возвышение Рима, греческая скульптура сохранила свой статус непревзойдённой. Даже римляне не смогли преодолеть чувство неполноценности перед греческим мастерством, хотя и старательно копировали как можно больше греческих произведений. Именно благодаря этим копиям мы сегодня знаем так много об искусстве греческой скульптуры. Подлинное влияние эллинистических статуй и рельефов проявилось 1600–1700 лет спустя, когда их «заново открыли» художники раннего итальянского Ренессанса. После этого греческое искусство стало краеугольным камнем европейской культуры на следующие четыре столетия. Одним словом, вклад греков в развитие скульптуры трудно переоценить.

Кельтская металлическая скульптура (400–100 до н.э.)

Не будем забывать и о кельтах — группе кочевых племён, появившихся на Кавказе около 800 г. до н.э. и постепенно распространившихся на запад по всей Европе (600–100 гг. до н.э.), вплоть до Пиренейского полуострова, Британии и Ирландии. Несмотря на высокую мобильность и мастерство в кузнечном и ювелирном деле, они были слишком дезорганизованы, чтобы конкурировать с высокодисциплинированным и централизованным Римом. В конце концов, они были полностью романизированы, по крайней мере на континенте. Их кельтское искусство обработки металла породило некоторые из лучших образцов металлической скульптуры той эпохи (например, «Золотая ладья из Бройтера», датируемая примерно 100–50 гг. до н.э.). Кельты также были искусными торговцами, а их замысловатые изделия из металла экспортировались и имитировались по всему известному миру. О кельтской каменной скульптуре см.: Кельтская скульптура. О монументальной каменной скульптуре кельтов (Keltoi) см.: Камень Туро.

Величайшая глиняная скульптура в истории

Терракотовая армия (создана в 246–208 гг. до н.э.), огромная коллекция глиняных воинов и лошадей, была создана в провинции Шэньси, Китай, по приказу императора Цинь Шихуанди. Тысячи фигур до сих пор находятся на том же месте, где они были захоронены. Смотрите также китайская буддийская скульптура. Об искусстве в Индии, см.: Индийская скульптура (3300 до н.э. – 1850).

Римская скульптура (ок. 200 г. до н.э. – ок. 200 г. н.э.)

Примерно до 27 г. до н.э., несмотря на влияние более ранних этрусских скульпторов, известных своим жизнелюбием (фр. joie de vivre), римская скульптура была неидеализированной и реалистичной. Позже она стала более героической и зачастую формальной. Её главной целью стало выражение величия и мощи римского владычества. За исключением ряда великолепных исторических рельефов (например, спиральный барельеф колонны Траяна) и редких памятников (например, «Алтарь Мира» Августа), римские скульпторы были в основном заняты производством портретных бюстов императоров и других сановников.

Византийская скульптура (330–1450 гг. н.э.)

Вплоть до IV века раннехристианская скульптура была представлена почти исключительно рельефами на гробницах-саркофагах в Риме. Когда Римская империя разделилась на Восточную и Западную, столицей Восточной стал Константинополь. Искусство Восточной Римской империи, или Византии, было почти полностью религиозным. Однако, за исключением некоторых мелких рельефов из слоновой кости и ювелирных изделий, восточно-православная ветвь христианства не поощряла трёхмерные произведения, такие как статуи или горельефы.

Скульптура в Тёмные века (ок. 500–800 н.э.)

Как следует из названия, это было время затишья для европейских скульпторов. Церковь была слаба, варварские племена (не имевшие развитых традиций скульптуры) были сильны, а города бедны и некультурны. Некоторая деятельность наблюдалась в Константинополе и на окраинах Европы, например, в Ирландии, где (с 800 по 1100 гг.) монашеская церковь начала заказывать отдельно стоящие каменные кресты, известные как «высокие кресты». Их украшали сценами из Евангелия и кельтскими узорами. Однако на континенте в эту эпоху было создано мало произведений средневекового искусства.

Примечание о скульптуре и архитектуре

Прежде чем продолжить, стоит подчеркнуть ключевую связь между общественными архитектурными проектами и скульптурой. Проще говоря, общественные здания обычно нуждались в скульптурном оформлении как внутри, так и снаружи. Опорные колонны, фасады, дверные проёмы и различные внутренние перегородки часто украшались декоративными мотивами, статуями и рельефами. Таким образом, каждая новая крупная программа общественных работ, обычно связанная с новым архитектурным стилем, запускала параллельную масштабную программу по созданию скульптур. Другими словами, средневековые скульпторы были тесно связаны с архитекторами.

Ранняя романская скульптура (Каролингская, Оттоновская) (около 800–1050)

Возрождение средневековой скульптуры началось с Карла Великого, короля франков, который был коронован как император Священной Римской империи в 800 году. Империя Каролингов распалась довольно быстро, но покровительство Карла Великого искусству стало решающим первым шагом в возрождении европейской культуры, не в последнюю очередь потому, что многие романские и готические церкви строились на основе каролингской архитектуры. Архитектурные достижения Карла Великого были продолжены императорами Священной Римской империи Оттоном I, II и III в стиле, известном как оттоновский. Таким образом, искусство скульптуры вернулось, хотя и в скромных масштабах. Смотрите также: Средневековые художники.

Романская скульптура (около 1000–1200)

В XI веке более уверенная в себе христианская церковь начала вновь набирать силу. Эта религиозная экспансия привела к крестовым походам с целью освободить Святую Землю от владычества ислама. Успех крестоносцев и обретение ими святых реликвий спровоцировали строительство новых церквей и соборов по всей Европе в едином романском архитектурном стиле, известном в Британии и Ирландии как «нормандская архитектура». Это, в свою очередь, привело к огромной волне заказов на романскую скульптуру и витражи. Наконец, искусство скульптуры по-настоящему возродилось. С этим новым спросом на пластические искусства возникли новые мастерские по резьбе и лепке, системы ученичества и признание мастеров. К XII веку ведущие скульпторы стали очень востребованы аббатами, архиепископами и другими светскими покровителями за их уникальный вклад в визуальное воздействие строящихся религиозных зданий.

Знаменитые романские скульпторы:
Гислебертус (XII век)
Мастер из Кабестани (XII век)
Мастер Матео (XII век)
Бенедетто Антелами (активен в 1178–1196).

Готическая скульптура (ок. 1150–1300)

Церковная строительная программа стимулировала развитие новых архитектурных приёмов. В середине XII века эти методы объединились в стиле, который архитекторы Ренессанса позже назвали «готической архитектурой». Характерные черты романского стиля, такие как полукруглые арки, массивные толстые стены и маленькие окна, были заменены стрельчатыми арками, высокими сводами, тонкими стенами и огромными витражами. Это полностью преобразило интерьеры многих соборов, превратив их во вдохновляющие пространства, где христианское учение передавалось через различные формы библейского искусства, включая великолепные витражи и разнообразную скульптуру. Фасады и дверные проёмы соборов, как правило, были заполнены скульптурными рельефами со сценами из Библии, а также рядами статуй, изображающих пророков, апостолов, древних царей Иудеи и других евангельских персонажей. В интерьерах размещались колонны-статуи и другие рельефы, всё это было организовано по сложному плану евангельской иконографии, призванному обучать и вдохновлять неграмотных прихожан.

По сути, готический собор должен был представлять Вселенную в миниатюре — уникальное произведение христианского искусства, призванное передать ощущение мощи и славы Бога, а также рационально упорядоченную природу Его мирского замысла. Среди величайших образцов готической архитектурной скульптуры — французские соборы Нотр-Дам де Пари, Шартрский, Реймсский и Амьенский соборы; немецкие соборы в Кёльне, Страсбурге и Бамберге; а также английские Вестминстерское аббатство и Йоркский собор. Таким образом, готическая скульптура представляет собой вершину монументального религиозного искусства. Хотя Церковь продолжала вкладывать значительные средства в живопись и скульптуру для вдохновения масс (особенно в период барокко и Контрреформации), готическая эпоха была подлинным апогеем «идеалистического» религиозного творчества. С этого момента искусство скульптуры будет всё больше погружаться в светскую и папскую политику.

Знаменитые готические скульпторы:
Никола Пизано (ок. 1206–1278)
Джованни Пизано (ок. 1250–1314)
Арнольфо ди Камбио (ок. 1240–1310)
Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290–1339)
Андреа Пизано (1295–1348)
Филиппо Календарио (до 1315–1355)
Андре Боневе (ок. 1335–1400)
Клаус Слютер (ок. 1340–1406)

Смотрите также: Английская готическая скульптура и Немецкая готическая скульптура.

Итальянская скульптура эпохи Возрождения (1400–1600)

Итальянский Ренессанс был вдохновлён «повторным открытием» классического античного искусства и уважением к нему, особенно в области архитектуры и скульптуры. Искусство Ренессанса было также проникнуто глубокой верой в гуманизм и благородство человека. Возрождение началось во Флоренции, вдохновлённое такими деятелями, как архитектор Филиппо Брунеллески (1377–1446), скульптор Донателло (1386–1466), художник Томмазо Мазаччо и теоретик Леон Баттиста Альберти (1404–1472), а финансировалось семьёй Медичи. Затем оно распространилось в Рим, где получило поддержку благодаря амбициям Папы Сикста IV (1471–1484), Папы Юлия II (1503–1513), Папы Льва X (1513–1521) и Папы Павла III (1534–1545), а также в Венецию. Искусство в Северной Европе (особенно во Фландрии, Голландии, Германии и Англии) также пережило свой Ренессанс, особенно в масляной живописи, гравюре и, в меньшей степени, резьбе по дереву. Однако так называемый Северный Ренессанс развивался несколько независимо от итальянского, под влиянием Реформации (с 1520 года) и последующего снижения религиозного покровительства со стороны протестантской церкви, которая настороженно относилась к религиозной живописи и скульптуре.

Скульптура раннего Возрождения (1400–1490)

Учитывая почтение к итальянскому Ренессансу, легко забыть, что многие итальянские художники находились под сильным влиянием готических традиций. В частности, скульпторы эпохи Возрождения были многим обязаны своим готическим предшественникам. Достаточно взглянуть на рельефы на фасадах и порталах соборов XII века, чтобы увидеть необычайный трёхмерный реализм и эмоциональность, достигнутые за столетия до Ренессанса. Большая разница между готическими и ренессансными скульпторами заключается в том, что имена последних теперь известны всему миру, в то время как многие из первых остались анонимными.

Помня об этом, скульпторы раннего Возрождения стремились превзойти готические работы, черпая вдохновение в классической римской и греческой скульптуре. Они наделяли свои статуи разнообразными эмоциями и наполняли их новой энергией и мыслью. Тремя величайшими трёхмерными художниками раннего Возрождения были Лоренцо Гиберти (1378–1455), Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный как Донателло, и Андреа дель Верроккьо (1435–1488).

Лоренцо Гиберти

В 1401 году был проведён конкурс на создание бронзовых дверей для флорентийского баптистерия Святого Иоанна — одной из старейших церквей города. Лоренцо Гиберти выиграл этот заказ, на выполнение которого у него ушло 27 лет. Затем последовал второй аналогичный заказ, занявший у Гиберти ещё 25 лет. Его ворота стали осязаемым символом флорентийского искусства, а Микеланджело позже назвал их «Вратами Рая».

Донателло

Донателло, первый подлинный гений итальянской скульптуры эпохи Возрождения, произвёл революцию в скульптуре, подобно тому как Мазаччо, Пьеро делла Франческа и Мантенья изменили живопись. Способный наделять свои фигуры интенсивным реализмом и эмоциями, он создал свой шедевр — бронзовую скульптуру «Давид» (ок. 1435–1453), первую отдельно стоящую обнажённую статую в натуральную величину со времён античности. Она была создана для семьи Медичи и размещена в Палаццо Медичи во Флоренции. Стройная фигура библейского пастушка кажется едва ли способной одолеть Голиафа, но его задумчивая, почти женственная поза с классическим контрапостом (смещением бедра) оказывает гипнотическое воздействие на зрителя. Это, безусловно, одна из величайших статуй из когда-либо созданных. Подробнее см.: «Давид» Донателло.

Андреа дель Верроккьо

«Давид» (ок. 1475) Андреа дель Верроккьо более изящен, но менее напорист, чем статуя Донателло. В то же время его конная статуя кондотьера (предводителя наёмников) Бартоломео Коллеони (1480-е годы) менее героична, но передаёт большее чувство движения и дерзости, чем «Гаттамелата» Донателло (1444–1453) в Падуе.

Другие важные скульпторы раннего Ренессанса: Якопо делла Кверча (ок. 1374–1438); Нанни ди Банко (ок. 1386–1421); мастера терракотовой скульптуры Лука Делла Роббиа (1400–1482), его племянник Андреа Делла Роббиа (1435–1525), Никколо дель Арка (1435–1494) и Гвидо Маццони (1450–1518); Антонио Росселлино (1427–1479); Антонио Поллайоло (1432–1498).

Скульптура Высокого Возрождения (около 1490–1530)

Микеланджело (1475–1564), величайший скульптор итальянского Возрождения и, возможно, всех времён, затмил всех остальных скульпторов эпохи Возрождения. Историк искусства Энтони Блант говорил о таких работах Микеланджело, как «Пьета» (1497–1499, мрамор, собор Святого Петра, Рим), «Давид» (1501–1504, мрамор, Галерея Академии, Флоренция) и «Умирающий раб» (1513–1516, мрамор, Лувр, Париж), что они обладают “сверхчеловеческим качеством”, но также и “чувством задумчивости, мрачного беспокойства… они отражают трагедию человеческой судьбы”. Некоторые мраморные скульптуры Микеланджело имеют безупречную красоту и полировку, что свидетельствует о его абсолютном техническом мастерстве. В области героической мужской наготы он остаётся непревзойдённым мастером. Для получения дополнительной информации см.: «Давид» Микеланджело.

Другими важными скульпторами Высокого Возрождения являются художник и венецианский архитектор Якопо Сансовино (1486–1570) и Баччо Бандинелли (1493–1560).

Скульптура Северного Возрождения (ок. 1400–1530)

В Северной Европе лучшие образцы скульптуры были созданы двумя удивительными мастерами, которые подняли искусство резьбы по дереву на новую высоту: немецкий скульптор Тильман Рименшнайдер (1460–1531), известный своими рельефами и отдельно стоящей деревянной скульптурой, и резчик по дереву Фейт Штосс (ок. 1447–1533), прославившийся своими изысканными алтарными композициями.

Другие важные скульпторы к северу от Альп:
Ханс Мульчер (ок. 1400–1467);
Джорджо да Себенико (1410–1473);
Мишель Коломб (ок. 1430–1512); Грегор Эрхарт (ок. 1460–1540).

Скульптура маньеризма (1530–1600)

Если уверенность и порядок периода Высокого Возрождения отражались в его идеализированных формах фигуративной скульптуры, то скульптура маньеризма отражала хаос и неопределённость Европы, раздираемой религиозными распрями и потрясённой разграблением Рима. Скульпторы-маньеристы привнесли в свои работы новую экспрессию, примером чему служит мощное «Похищение сабинянок» Джамболоньи (1529–1608) и «Персей с головой Медузы» (1545–1554) Бенвенуто Челлини (1500–1571). Сравните их, однако, со знаменитой натуралистической лежащей мраморной статуей «Святая Цецилия» Стефано Мадерно (1576–1636). См. также: Хуан де Хуни (1507–1577), который распространил Ренессанс в Испании, Алонсо Берругете (ок. 1486–1561), который принёс маньеризм в Испанию, и Франческо Приматиччо (1504–1570), один из основоположников французского маньеризма. Главные скульпторы французского маньеризма: Жан Гужон (ок. 1510–1568), Жермен Пилон (1529–1590), Бартелеми Приёр (1536–1611) и Адриан де Врис (1560–1626).

Барочная скульптура (1600–1700)

В конце XVI века, в ответ на протестантскую Реформацию, Римско-католическая церковь начала свою собственную Контрреформацию. Эта пропагандистская кампания, призванная убедить верующих вернуться в «истинную» Церковь, использовала весь спектр визуальных искусств, включая архитектуру, скульптуру и живопись, и стала ассоциироваться с более грандиозным и драматичным стилем, известным как искусство барокко. Это повлекло за собой массовое покровительство художникам и скульпторам со стороны церкви.

Даже площадь Святого Петра в Риме была перестроена так, чтобы вызывать у посетителей трепет. Гениальный архитектор и скульптор Джованни Лоренцо Бернини (1598–1680) спроектировал серию колоннад, ведущих к собору, которые создавали у посетителей впечатление, будто их обнимают руки католической церкви.

Бернини был величайшим скульптором эпохи барокко. После работы на кардинала Сципиона Боргезе он стал ведущим скульптором папы Урбана VIII. Увлечённый драматическим натурализмом эллинистического стиля II – I веков до н.э. (например, см. такие работы, как «Галл, убивающий себя и свою жену»), Бернини внёс уникальный вклад, создавая сенсационные иллюзионистские шедевры, запечатлевшие, казалось, само мгновение, — приём, ранее доступный только живописцам. Он работал с твёрдыми материалами так, словно они были абсолютно пластичными. Его скульптурная техника и композиция были настолько ошеломляющими, что вызывали немалую критику со стороны завистников.

Его главным конкурентом был Алессандро Альгарди (1598–1654), любимый скульптор папы Иннокентия X. Если Бернини олицетворял греческий драматический натурализм, то стиль Альгарди был более сдержанным (некоторые критики называют его менее выразительным). Другим конкурентом был фламандский скульптор Франсуа Дюкенуа (1597–1643), чей стиль был полностью классическим. Дюкенуа работал в строгой, неэмоциональной манере, которая, тем не менее, высоко ценилась академическими критиками за совершенный синтез природы и античности. Его драпировки изящно струятся, следуя форме тела, а фигуры сбалансированы в совершенном покое — полная противоположность динамичному движению и напряжённым эмоциям Бернини.

Французская скульптура в стиле барокко была представлена Франсуа Жирардоном (1628–1715), своего рода французским Альгарди, и его соперником Антуаном Куазево (1640–1720), чей более свободный стиль был всё же относительно сдержанным по сравнению с Бернини. Также выделяется Пьер Пюже (1620–1694), который был одним из немногих, кто сумел передать непосредственность лучших работ Бернини.

Среди других скульпторов в стиле барокко: Хуан Мартинес Монтаньес (1568–1649), Алонсо Кано (Гранада, 1601–1667) и Андреас Шлютер (1664–1714), величайший скульптор барокко в Северной Германии. В Южной Германии одним из величайших мастеров был Йорг Цюрн (1583–1638), создавший потрясающий пятиуровневый главный алтарь Девы Марии (1613–1616) в церкви Святого Николая в Юберлингене.

Для получения дополнительной информации см.: Скульптура барокко.

Скульптура в стиле рококо (ок. 1700–1789)

Как французская реакция на серьёзность барокко, искусство рококо зародилось при французском дворе в Версальском дворце, а затем распространилось по всей Европе. Если скульптура барокко была драматичной и серьёзной, то рококо отличалось изяществом, лёгкостью и игривостью, хотя в действительности это была вариация стиля, заложенного Бернини и его современниками. Тем не менее, можно говорить о чертах рококо в скульптуре — это неформальность, весёлость, интерес к сердечным делам и сознательное избегание серьёзности.

Самым успешным скульптором первой половины XVIII века был Гийом Кусту (1677–1746), директор Французской академии с 1735 года, продолживший барочную тенденцию своего дяди Куазево. Его ученик, Эдме Бушардон (1698–1762), является более интересной фигурой, чьё чутьё к античности предвосхитило более позднюю тенденцию к неоклассицизму. Жан-Батист Пигаль (1714–1785), фаворит мадам де Помпадур, был ещё одним важным представителем стиля рококо, как и его главный соперник Этьен Морис Фальконе (1716–1791), специализировавшийся на эротических фигурах, которые имеют некоторое сходство с эллинистическими оригиналами. Однако его шедевром остаётся классический памятник Петру I «Медный всадник» в Санкт-Петербурге — см.: Русская скульптура».

В Англии ведущими скульпторами XVII – XVIII веков были классицист Майкл Рисбрак (1694–1770), более театральный Луи-Франсуа Рубийяк (1702–1762) и выдающийся резчик по дереву Гринлинг Гиббонс (1648–1721). Немецкая скульптура рококо проиллюстрирована в работах дрезденского скульптора Бальтазара Пермозера (1651–1732), а также в работах мастеров, работавших в церквях южной католической Германии, и Игнаца Гюнтера (1725–1775), чьи полихромные фигуративные скульптуры с твёрдой поверхностью напоминают средневековую немецкую резьбу по дереву.

Причудливый и декадентский стиль рококо был сметён Французской революцией, которая открыла дорогу новому, более строгому стилю — неоклассицизму.

Неоклассическая скульптура (расцвет в 1790–1830 гг.)

В неоклассическом искусстве — по сути, в греческом искусстве на современный лад — доминировала неоклассическая архитектура. К неоклассическим зданиям относятся Пантеон (Париж), Триумфальная арка (Париж), Бранденбургские ворота (Берлин) и Капитолий Соединённых Штатов. Неоклассическая скульптура подчёркивала достоинства героизма, долга и серьёзности. Среди ведущих неоклассических скульпторов были чрезвычайно строгий и героический Антонио Канова (1757–1822); мастер экспрессивного портретного бюста Франц Ксавер Мессершмидт (1736–1783); более натуралистичный Жан-Антуан Гудон (1741–1828); довольно лёгкий Клод Мишель, известный как Клодион (1738–1814); и английские скульпторы Джозеф Ноллекенс (1737–1823), Томас Бэнкс (1735–1805), Джон Флаксман (1755–1826) и сэр Ричард Уэстмакотт (1775–1856). Только позже, в лице датского скульптора Бертеля Торвальдсена (1770–1844), появился достойный преемник Кановы, который приблизился к античному величию, хотя и с меньшей оригинальностью.

Скульптура XIX века

Во многих отношениях XIX век стал для скульптуры эпохой кризиса. Архитектурное развитие в значительной степени исчерпало себя, религиозное покровительство сократилось после Французской революции, а общий «популистский» климат начал вызывать путаницу в умах заказчиков относительно того, что считать приемлемым для скульптурного изображения, какие сюжеты и стили допустимы. Скульпторы, чьё искусство требовало больших затрат, чем живопись, и зависело от дорогостоящих заказов, часто оказывались во власти общественного мнения в лице городских советов и комитетов. Кроме ряда грандиозных общественных памятников и обычных мемориальных статуй епископов и королей, выполненных в стерильном конформистском стиле, у скульпторов было мало возможностей проявить свою оригинальность. В то же время живопись переживала огромные и захватывающие изменения. Другими словами, это было не лучшее время для занятий трёхмерным искусством.

Среди скульпторов XIX века, о которых стоит упомянуть, — универсальный Джеймс Прадье (1790–1852), романтик Франсуа Рюд (1784–1855), Давид д’Анже (1788–1856), Антуан-Луи Бари (1796–1875), Огюст Прео (1809–1879) и флорентийская скульптор неоренессанса Феличия де Фово (1799–1886). Одним из самых талантливых был Жан-Батист Карпо (1827–1875), чья чувственность была адаптирована для декоративной скульптуры 1860-х годов Эрнестом Каррье-Беллёзом (1824–1887), который, впрочем, наиболее известен тем, что одним из его учеников был никому не известный тогда Огюст Роден. Жюль Далу (1838–1902) был более созерцательным и серьёзным последователем Карпо. Среди ведущих классицистов XIX века были Джон Гибсон (1790–1866), талантливый, но разочарованный Альфред Стивенс (1817–1875), универсал Джордж Фредерик Уоттс (1817–1904) и американец Хайрам Пауэрс (1805–1873).

Мы также не должны забывать о французском скульпторе Огюсте Бартольди (1834–1904), более известном как создатель всемирно известной Статуи Свободы в гавани Нью-Йорка, а также о великом американском скульпторе-монументалисте Дэниеле Честере Френче (1850–1931), известном своей сидящей фигурой Линкольна в Мемориале Линкольна в Вашингтоне.

Огюст Роден

Великим исключением был несравненный французский гений Огюст Роден (1840–1917). Один из немногих подлинных мастеров современной скульптуры, Роден считал себя преемником своего кумира, Микеланджело, хотя флорентиец был мастером резьбы по мрамору, а Роден предпочитал работать с бронзой. Кроме того, в то время как Микеланджело является примером благородных и вневременных форм классической античности, наиболее характерные работы Родена передают безошибочную современность и драматический натурализм. Возможно, истинными предшественниками Родена были готические скульпторы, поскольку он был страстным поклонником готических соборов Франции, из героических рельефов которых он черпал большую часть своего вдохновения. В любом случае, влияние Родена на искусство было сильнее, чем у любого скульптора со времён Ренессанса.

Скульптура XX века: пришествие модернизма

Поскольку скульптура была менее способна отражать новые тенденции современного искусства в XIX веке, скульпторы, такие как Огюст Роден (1840–1917), могли свободно придерживаться монументализма, основанного на идеологии Возрождения, в то время как другие прославляли викторианские ценности в форме патриотических и исторических фигур. Но когда на рубеже веков появились такие современные скульпторы XX века, как Константин Бранкузи (1876–1957), Умберто Боччони (1882–1916) и Наум Габо (Наум Нехемия Певзнер) (1890–1977), скульптура действительно начала меняться.

О влиянии племенных культур на развитие скульптуры XX века см. статью «Примитивизм и первобытное искусство». В связи с этим почитайте о работах Анри Годье-Бжески (1891–1915) и его наставника Джейкоба Эпштейна (1880–1959). В частности, следует отметить влияние африканской скульптуры на современных скульпторов Парижской школы.

В первые десятилетия XX века визуальное искусство находилось в состоянии брожения. Революционное движение кубизма, изобретённое Пабло Пикассо (1881–1973) и Жоржем Браком (1882–1963), разрушило многие священные каноны традиционного искусства и вызвало волну экспериментов в живописи и скульптуре. Скульптура была значительно переосмыслена такими художниками, как Марсель Дюшан (1887–1968) с его «реди-мейдами», Жак Липшиц (1891–1973) и Александр Архипенко (1887–1964), а также Бранкузи, Боччони и Габо. Репрезентативность была отвергнута в пользу новых абстрактных выражений пространства и движения, часто с использованием нетрадиционных материалов, никогда ранее не применявшихся в скульптуре.

После кубизма Первая мировая война (1914–1918) и большевистская революция 1917 года оказали сильное влияние на художников и скульпторов по всей Европе, о чём свидетельствуют влиятельные иконоборческие движения дадаизма и конструктивизма. Скульпторы, наряду с художниками, создавали произведения искусства, отражающие новые идеалы, такие как машины и механизмы, а также новые идеологии дизайна (например, теории школы Баухаус) и формы (например, невероятный «Мерцбау» Курта Швиттерса).

В 1920-х годах в Париже зародился сюрреализм — чрезвычайно влиятельное движение, стремившееся к новому «сверхреализму» в стиле, который включал как абстракцию, так и натурализм. Среди известных художников-сюрреалистов, работавших с объёмом, были Сальвадор Дали (1904–1989), создавший сюрреалистический «диван-губы Мэй Уэст» и «Телефон-омар»; Мерет Оппенгейм (1913–1985), автор знаменитого «Мехового чайного сервиза»; и Ф. Э. Мак-Уильям (1909–1992), автор работы «Глаз, нос и щека». Другие современные скульпторы, такие как Жан Арп (1886–1966), а также Генри Мур (1898–1986) и Барбара Хепуорт (1903–1975) — лидеры современной британской скульптуры — экспериментировали с новыми формами биоморфной и органической абстракции. В то же время американец Александр Колдер (1898–1976) был пионером в мобильной скульптуре и кинетическом искусстве, а Дэвид Смит (1906–1965) разрабатывал абстрактную металлическую скульптуру. Многие скульпторы развивали свой стиль в течение столетия: например, Альберто Джакометти (1901–1966) начал в сюрреалистической манере в 1920-х и 1930-х годах, прежде чем выработать свой уникальный стиль полуабстрактных фигуративных работ, а модернистский британо-американский художник Джейкоб Эпштейн (1880–1959) создавал смелые фигуративные работы, которые оказались весьма спорными.

Послевоенная скульптура (1945–1970)

Ни в Нью-Йорке, ни в Париже не появилось скульптурного течения, сопоставимого с доминирующим живописным стилем абстрактного экспрессионизма (1945–1962). Однако инновации, безусловно, были, главным образом в использовании новых материалов и растущем влиянии концептуализма — стиля, который фокусируется на идее, лежащей в основе объекта, а не на самом объекте. Также происходило размытие границ между живописью и скульптурой. Основные нововведения — в основном от американских скульпторов, но также, например, «Разрушенный город» (1953) русского скульптора Осипа Цадкина (1890–1967) — включали «скульптурные стены» Луизы Невельсон (1899–1988), ассамбляжи из найденных объектов (в основном дерева), окрашенных в белый, чёрный или золотой цвет и расположенных на стеллажах; войлочные скульптуры Роберта Морриса (р. 1931); неоновые и флуоресцентные произведения Брюса Наумана (р. 1941); работы Сезара (1921–1998), изготовленные из автомобильных деталей; скульптуры из хлама (например, кучи сломанных телефонов) Армана (Арман Пьер Фернандес) (1928–2005); кинетическое искусство Жана Тенгели (1925–1991) и абстрактная скульптура британского художника сэра Энтони Каро (1924–2013).

Скульптура в стиле поп-арт

Хронологически первым крупным послевоенным движением, в котором участвовали скульпторы, был поп-арт 1960-х годов, начавшийся с новаторских работ Роберта Раушенберга (1925–2008) и Джаспера Джонса (р. 1930) в 1950-х годах. Известные поп-скульптуры: «Японский бог войны» (1958) пионера Эдуардо Паолоцци (1924–2005), «Пивная банка» (1964) Джаспера Джонса, «Напольный бургер» (1962) и «Гигантские рожки́ с мороженым» (1967) Класа Олденбурга (р. 1929); остроумный диван «Джо» (1970) итальянцев Джонатана Де Паса (1932–1991), Донато Д’Урбино (р. 1935) и Паоло Ломацци (р. 1936). Все они несут в себе следы раннего сюрреалистического искусства. Поп-скульптура часто иронична, но всегда интересна.

Минималистская скульптура

В отличие от поп-арта, минимализм 1960-х годов исследовал чистоту упрощённых до предела форм. Среди известных скульпторов-минималистов — Сол Левитт (1928–2007), американский художник-концептуалист, известный своими скелетными геометрическими конструкциями; Дональд Джадд (1928–1994) с его бескомпромиссно упрощёнными формами; художник-экспериментатор Уолтер Де Мария (1935–2013) и родившийся в Массачусетсе Карл Андре (р. 1935). Минималистская скульптура, с её акцентом на чистой форме и промышленных материалах, требует от зрителя особого подхода к восприятию.

Ленд-арт: экологическая скульптура

1960-е годы также стали свидетелями появления совершенно нового типа скульптуры, известного как ленд-арт (земляное искусство, или экологическое искусство). Подобно детям, строящим песчаные замки на пляже, художники отправлялись в дикую природу, где рыли, копали и изменяли природный ландшафт, чтобы создать (как они надеялись) искусство. Пионером-экологом был Роберт Смитсон (1938–1973). В последнее время пара художников Кристо и Жанна-Клод прославились, оборачивая части окружающей среды цветной тканью, в то время как Энди Голдсуорти (р. 1956) специализируется на временных природных скульптурах (например, из снега), которые со временем разрушаются или исчезают.

Постмодернистская современная скульптура

К 1970 году всё большее количество произведений актуального искусства становилось чрезвычайно экспериментальным. С 1970-х годов эту тенденцию стали называть «постмодернистским искусством». Постмодернизм в искусстве бросает вызов традиционным определениям. Сложно дать ему единую характеристику, но в его основе лежит отказ от строгих рамок и смешение различных стилей и форм. Что касается постмодернистской скульптуры, то она доводит это искусство до предела трёхмерного выражения и часто пересекается с другими формами, такими как инсталляция, ассамбляж и даже театр. Один из самых известных скульпторов-постмодернистов — британский лауреат премии Тёрнера Аниш Капур (р. 1954).

Дэмиен Хёрст

Постмодернизм ярко иллюстрируется работами Дэмиена Хёрста (р. 1965), гениального маркетолога и лидера движения «Молодые британские художники» 1980-х годов. Он добился всемирной славы благодаря работе «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (1991) — мёртвой тигровой акуле, помещённой в резервуар с формальдегидом. Это скульптура или инсталляция? Чёткого ответа нет. Другие спорные работы Хёрста: «Девственная мать» (2005) — огромная работа, изображающая беременную женщину в разрезе, так что видны плод, мышечная ткань и череп; и его инкрустированный бриллиантами череп «За любовь Господа» (2007). Критики называют Хёрста скорее шоуменом, чем художником, однако коллекционеры и публика высоко ценят его работы. Лишь время покажет, какое место он займёт в истории искусства.

Не вся современная скульптура так противоречива, как мёртвая акула Хёрста. В конце XX века появился ряд исключительных скульпторов, работающих в более или менее традиционных стилях, хотя и с модернистским видением. Известные примеры современной скульптуры: масштабные металлические скульптуры Марка ди Суверо (р. 1933), монументальные общественные формы Ричарда Серры (р. 1939), гиперреалистичные фигуры Дуэйна Хансона (1925–1996) и Джона Де Андреа (р. 1941), природные сооружения Энтони Гормли (р. 1950), сказочно-реалистичные фигуры Роуэна Гиллеспи (р. 1953), новаторские произведения неопопа Джеффа Кунса (р. 1955) и сюрреалистические скульптуры-пауки «Маман» Луиз Буржуа (1911–2010).

Среди известных скульптур начала XXI века — работы Эдуардо Чильиды (1924–2002) (например, железный объект «Берлин», 2000, Ведомство федерального канцлера, Берлин-Тиргартен), а также работы Субодха Гупты (р. 1964) и Дамиана Ортеги (р. 1967), среди многих других.

Архитектурная скульптура

Хотя это выходит за рамки данной статьи, следует упомянуть великие знаковые произведения архитектурной скульптуры, в том числе: Колосс Родосский, Статуя Свободы, Эйфелева башня, Колонна Нельсона, «Чикагский Пикассо» и «Дублинская игла».