Эллинистическое римское искусство читать ~13 мин.

После эпохи собственно эллинистического искусства (323-27 гг. до н.э.) в Риме открылся новый этап эллинизма, ставший вскоре самым живым и оригинальным течением того времени. Описание «римского искусства» в наше время применяется к тому, что на самом деле было сплавом этрусских, италийских и, прежде всего, эллинистических элементов, которые поглощались и перерабатывались по мере того, как римская культура приспосабливала их к своим национальным потребностям. Но, пожалуй, ближе к истине было бы назвать античное искусство этого периода, по крайней мере до Поздней империи, термином «эллинистическо-римское искусство».

Алтарь мира, Ara Pacis

Эллинистические черты глубоко укоренились в самом значительном памятнике эпохи Августа, более других олицетворявшем её идеалы: Ara Pacis (Алтарь мира), освящённом в Кампус Мартиус 30 января 9 г. до н.э. Фигурное убранство алтаря почти полностью утрачено, сохранилось лишь несколько фрагментов фриза, окружавшего алтарный стол и изображавшего ежегодное жертвоприношение суоветаурилия. (Оно совершалось перед алтарём и представляло собой очистительную жертву, состоявшую из свиньи, овцы и быка).

Алтарь окружён настенной ширмой с богатым декором. На внутренних стенах – большой фриз с гирляндами и черепами быков, напоминающий о ритуальных жертвоприношениях. Снаружи изображена торжественная процессия, посвящённая дню освящения алтаря 4 июля 13 г. до н.э.

Эта работа напоминает Панафинейский фриз Парфенона, но здесь участники шествия разработаны с гораздо большим реализмом. Один из них представляет собой типичное изображение Афин времён Перикла, другой стремится точно определить императорскую семью, а также магистратов, сенаторов и других должностных лиц Рима. Но в конечном счёте оба они выражают одну и ту же веру в победоносное и удачливое человечество, одну и ту же иллюзию непрерывного движения к вечности.

С другой стороны, нет ничего более великолепного в эллинистическом стиле, чем акантовые спирали, покрывающие нижнюю половину священной стены и обвивающие все четыре наружные стены; это был очень декоративный дизайн, которому в Средние века стали подражать. И даже парфеноноподобная торжественность панно, на котором Эней приносит жертву Пенатам, расположенного на правой стороне переднего фасада, словно растворяется в буколической, возможно, почти александрийской сцене. Более того, ничто не является более александрийским, чем самый известный из рельефов алтаря (самый известный в силу своего академического колорита, но не самый красивый), который установлен на задней стене ширм и таким образом соотносится с рельефом Энея.

Здесь изображена земля, умиротворённая и ставшая процветающей и счастливой благодаря Pax Augusta. Животные, растительность, море, мягкое оперение лебедя, красивая женская фигура – все это часть эллинистического репертуара, даже если мягкая александрийская лепка местами интерпретируется с некоторой фригидностью. На коротких восточной и западной наружных стенах находятся четыре рельефа, и все они символичны – в отличие от «исторического» репортажа, развёрнутого на других, более длинных стенах.

Вокруг алтаря находятся работы, осуществлённые Августом и его министрами Меценатом и Агриппой, которые придали Риму новый монументальный облик. “Restitutor aedium sacrarum et operum publicorum, Август действительно мог гордиться тем, что превратил Рим из терракоты и кирпича в Рим из мрамора” (Бекатти).

Основными эпизодами строительной программы Принципата стали завершение Форума Цезаря, строительство Форума Августа и возведение Пантеона. Последний был разрушен пожаром и восстановлен при Адриане. Под огромным куполом этого храма, посвящённого семи планетарным богам, возникло новое, всеобъемлющее представление о космическом единстве: действительно, мы ещё очень далеки от «человеческого масштаба» архитектуры и скульптуры Парфенона. (Об архитектурных стилях и дизайне Древней Греции и Древнего Рима см: Римская архитектура)

Августовская римская скульптура

Классицизм, господствовавший в официальной скульптуре Августа, а также отчётливо проявившийся в идеализированной юности многочисленных портретов императора, наложил отпечаток на последующие периоды. Реалистическая тенденция, проявившаяся сначала при Клавдии, а затем при Нероне, вновь набрала силу, но теперь уже в менее официальной сфере, в более частном и популярном искусстве.

Так, рядом со знаменитым портретом Норбана Сорекса или портретом помпейских мужа и жены, который, кажется, почти предвосхищает портреты фаюмских мумий, можно найти целый ряд «мелких» скульптур, посвящённых аспектам повседневной жизни и занятиям купцов и лавочников, изображённых на их различных вывесках.

Реалистическое течение проникло и в императорское искусство в период правления Флавиев (Веспасиана, Тита и Домициана) 69-96 гг. н.э. Портретист теперь не торопился вырезать морщины на худом лице Веспасиана или завуалировать лёгкой тенью мясистое лицо какой-нибудь матроны из знатного рода.

Изображения на триумфальной арке, воздвигнутой сенатом в честь Тита, завоевателя Иудеи (70 г. н.э.), демонстрируют стиль, полный движения и повествовательных идей, иногда драматичный и, конечно, очень далёкий от классического спокойствия августовских рельефов. Теперь, когда нейтральный фон был упразднён, художники стремились создать иллюзию свободного пространства, в котором могло бы происходить действие. Фон как бы раскрывался и принимал движущихся людей. Действие, о котором повествуется, становилось более правдивым и реальным в обстановке, использующей идею глубины.

Флавианский амфитеатр, Колизей

В области архитектуры во второй половине I в. до н.э. возникли два грандиозных памятника: огромный Золотой дом, построенный Нероном, возможно, в подражание вкусам великих восточных князей, и Флавианский амфитеатр или Колизей.

Амфитеатр – это римское изобретение, полученное путём удвоения размеров греческого театра. С помощью этого огромного сооружения Нерон решил проблему представления цирковых зрелищ, которые задумывались как развлечение для широких масс.

Сильное извержение Везувия в 79 г. н.э. похоронило Помпеи, Геркуланум и Стабии. Извержение не только сохранило прекрасные образцы римской градостроительной и бытовой архитектуры, но и позволило проследить полную эволюцию живописи (даже если она была более провинциальной по стилю, чем искусство, которое должно было процветать в столице) в I веке до н.э. и I веке н.э. – вплоть до того момента, когда лава вулкана навсегда положила конец жизни трёх городов.

Декоративная настенная живопись

Живопись, украшавшая римские дома, была декоративной. Она выполняла ту же декоративную функцию, что и греческие статуи, которые были столь востребованы в то время – как в виде копий, так и оригиналов. Декоративный стиль в Помпеях развивался более или менее самостоятельно, и сейчас принято выделять четыре основных стиля помпейской живописи.

Самый древний, датируемый II в. до н.э., – это так называемый стиль инкрустации, состоящий из простых панельных росписей из цветной лепнины или фресок. Второй стиль (архитектурная перспектива) датируется началом I в. до н.э. и явно имеет эллинистическое происхождение, как и большинство римской живописи.

Подход к настенной живописи с её имитацией архитектурных особенностей усложнился. Замысел состоял в том, чтобы иллюзорно расширить реальное пространство стены, подобно тому, как это делается в театральных декорациях. Третий стиль совпал с окончанием второго. Он был более трезвым и тяготел к декоративности, лишённой глубины. Картины, почти как миниатюры, выделялись на едином фоне тёмного цвета: “как правило, тёплых тонов – красного, жёлтого, блестящего чёрного, а также мягких – зеленовато-голубых”. И “несколько лёгких мазков кисти… крошечные восхитительные линейные или цветочные украшения… композиции из фигур, пейзажей или даже настоящих картин” (Бьянки Бандинелли).

Из Второго стиля развилась буйная фантазия и декоративное богатство Четвёртого стиля; здесь архитектурные мотивы, присутствовавшие в более раннем стиле, стали более акцентированными. Эллинистическое происхождение всех этих декоративных стилей достаточно очевидно, но не все они имели одинаковый успех. Если признать большую последовательность третьего стиля, то неудивительно, что его элементы доминируют в декоративных формах второго века нашей эры, после того как фантасмагория стен четвёртого стиля была исчерпана к концу предыдущего столетия.

“В эпоху Адриана эти формы стали более сдержанными и линейными, им грозила опасность стать совсем застывшими и статичными. Затем, в эпоху Антонинов, они стали более тёплыми, произошло некоторое обновление элементов перспективы…., пока появление стройных архитектурных форм, из которых после 180 г. н.э. исчезли все следы иллюзионизма, и все стало абсолютно схематичным, не породило линейный стиль в красных и зелёных тонах на белом фоне. С тех пор этот стиль с удивительным единообразием покрывал стены и своды домов и погребальных камер, в том числе и в христианских катакомбах” (Бьянки Бандинелли).

Сюжеты иллюстраций, как правило, заимствовались из греческих мифов или из современной эпохи, другие – из мира религии (как, например, знаменитый цикл на вилле Мистерий). Живопись в народном стиле (вывески магазинов, изображения игр и праздников) представляет собой самостоятельное исследование, но и здесь связь с эллинистическим миром прослеживается в использовании техники «обобщения».

Вкус к «суммарной» живописи характеризуется использованием крупных импрессионистических пятен цвета, что, а также энергичное взаимодействие света и тени, является характерной чертой многочисленных натюрмортов и пейзажей (последняя тема была излюбленной в римской живописи). Пейзажи, воображаемые, идиллические или реальные, стремятся представить, скажем, сад, разрушая замкнутое пространство комнаты и внедряя в сознание наблюдателя представление о том, что он находится на открытом воздухе.

Колонна Траяна

Эпоха Траяна (98-117 гг. н.э.) сыграла очень важную роль в развитии римского искусства. На новом Форуме, построенном императором (по проекту Аполлодора Дамасского), стояла колонна, воздвигнутая в честь дакийских походов (101-2 и 105-6 гг. н.э.). Это был новый, оригинальный тип памятника, наследник памятных колонн, воздвигнутых на Форуме в честь важных персон, а также исторических и триумфальных картин.

Барельефный фриз на колонне Траяна разворачивается, как спиральный пергаментный рулон, вокруг вала на протяжении примерно шестисот пятнадцати футов. Повествование развивается непрерывно, без перерывов, и имеет быстрый, убедительный ритм. Это уже не простая хроника, а большая и волнующая эпическая поэма. В изображении битв, изнурительных маршей, бродов через реки, штурмов городов, лесов, равнин, укреплений и лагерей напряжение почти не ослабевает. Впервые появляется новое чувство человеческого сострадания к отчаянию побеждённых, страданиям раненых и драме пленных.

Непосредственный, драматический и неумолимый ритм этих рельефов, которые Бьянки Бандинелли справедливо сравнивает со скульптурами Донателло в соборе Святого Антония в Падуе, вносит новое измерение в искусство того периода и, возможно, представляет собой самое благородное проявление римского искусства. Возможно, в нём ещё сохранились “отголоски скульптур Пергама или Родоса”, но трактовка и язык – энергичные и страстные, но теперь в человеческом и реальном смысле, без героики и мифологии, как в пергамских алтарях, – уже отходили от эллинизма, даже если ещё не были полностью дифференцированы в то, что в итоге стало стилем поздней античности.

Неизвестному мастеру колонны Траяна, вероятно, можно приписать остатки «Большого Траянского фриза», который ранее украшал Форум Траяна и также был посвящён победам императора над даками. Позднее этот фриз был вставлен в арку Константина, представляющую собой настоящую мешанину скульптур разных эпох.

Колонна Траяна послужила образцом для другой колонны, воздвигнутой в 108-93 гг. н.э. в честь побед Марка Аврелия над маркоманнами и сарматами. Фактически, после эпохи Адриана и эллинистических реставрационных работ этого самого грекофильского императора эта колонна способствовала неуклонному отходу от художественных ценностей эллинизма.

Обе колонны – Марка и Траяна – схожи не только по общей структуре, но и по иконографическому репертуару, и по реалистическим установкам. Однако стиль колонны Марка иной: скульптуры мучительны и суровы, насыщены тенями, придающими фигурам драматическую глубину и энергично оживляющими сюжет. Одним словом, это был «экспрессионистский» стиль.

Те же мощные и драматические тенденции, создающие искажённые фигуры и напряжённо выразительные лица, прослеживаются в многочисленных саркофагах того времени. Среди наиболее известных – саркофаг Лудовизи, на котором изображена битва римлян с варварами. Движения судорожны и неистовы, а сильно выточенные рельефные фигуры выражают жестокость эмоций как телом, так и мимикой. Совсем другое ощущение равновесия и спокойствия исходит от конной статуи Марка Аврелия.

Язвительный и «изломанный» стиль эпохи Коммода; буйный колорит северянского искусства; возрождение древних местных субстратов в период кризиса империи в III в; эллинизирующие реставрации Галлиена (253-68 гг. н.э.), наконец, распространение восточных доктрин (солярных и астральных культов, в том числе митраизма), рост вкуса к абстрактным и интеллектуальным вещам – все эти течения способствовали сложному переплетению мотивов вплоть до эпохи Поздней империи. Они также привели к кризису большого эллинистического фона, который до этого времени оставался доминирующим фактором в римском искусстве, сохраняя особое влияние в живописи и мозаичном искусстве. (К этой традиции можно отнести мозаики Пьяцца Армерина (Сицилия) IV в. н.э., а также мозаики в банях Нептуна в Остии, датируемые III в.).

В художественном языке времён тетрархов преобладали символика и аллегория. Манера работы упростилась, но стала более жёсткой. В скульптуре основные черты фигур выполнялись рельефно из твёрдых и драгоценных материалов, в том числе бронзы и камня, из которых наиболее распространённым в то время был порфир. Официальная скульптура претерпела значительные изменения: императоры стали подчёркнуто возвышаться над остальными смертными и, видимо, были более привязаны к собственному абстрактному миру, чем к миру своих подданных. Это было началом тех иерархических ценностей, которые остались основополагающими для византийского искусства и образного выражения Восточной империи.

В архитектуре просторный, монументальный стиль поздней античности получил жизнь и движение благодаря нишам, портикам и амбулаториям, создающим контрасты света и тени, как это можно видеть в храмах Баальбека, банях Каракаллы и Диоклетиана, театре Сабраты и базилике Максенция.

В Египте, начиная с IV в. н.э., импульс, исходящий от новой христианской цивилизации, и расширение контактов с Византией, Сирией и даже Персией привели к постепенному, но в то же время планомерному движению, которое в конечном итоге вытеснило отпечаток эллинизма. Интересны как тканые изделия, так и скульптуры, большинство из которых выполнено из красного порфира; в них человеческая фигура изображена в жёсткой фронтальной позе, как в портретных бюстах императоров, с их надменным, но довольно рассеянным взглядом, напоминающим портреты древних фараонов. Наконец, есть групповые композиции из Венеции и Ватикана: в одной из них, «Объятия тетрархов», композиция должна была символизировать новую славу Concordia Augustorum.

Слово «упадок» уже использовалось по отношению к эллинизму, теперь оно употребляется по отношению к поздней античности. Беренсон дал своей книге об арке Константина подзаголовок: «Об упадке формы». Те части арки, которые относятся к периоду правления первого христианского императора (есть много рельефов более раннего периода), предлагают в «бессвязности» своего стиля, жёсткой моделировке и выразительных искажениях новое видение, новый способ восприятия искусства. Оно уже не было греческим, и это должно было иметь огромное значение для дальнейшего развития.

См. также: Позднеримское искусство (ок. 200-400 гг. н.э.)

Другие статьи об изобразительном искусстве Древнего Рима см:
Раннее римское искусство (ок. 510 до н.э. – 27 августа до н.э.)
Искусство Римской империи: Кельтский стиль
Христианско-римское искусство (с 313 г. н.э. и далее)
Римская скульптура (с 55 г. и далее)
Рельефная скульптура Древнего Рима

Подробнее об эволюции изобразительного искусства: История искусства.