Оценка искусства:
как понимать искусство, как судить о картине читать ~23 мин.

Что такое оценка искусства?

Оценка произведения искусства, будь то картина или скульптура, требует сочетания объективных знаний и субъективного мнения. Художественная оценка действительно во многом субъективна. Однако её цель — не просто определить, нравится вам произведение или нет, а понять, ПОЧЕМУ оно вызывает те или иные чувства. А это, в свою очередь, требует определённых знаний. Согласитесь, вы будете по-разному оценивать рисунок четырнадцатилетнего подростка и набросок сорокалетнего Микеланджело. Точно так же нельзя подходить с одними и теми же мерками к реалистичному и экспрессионистскому портретам, ведь художник-экспрессионист не стремится к той же степени визуальной точности, что и реалист. Проще говоря, для оценки искусства необходимо собрать факты, на которых будет основано ваше мнение, — факты о контексте создания произведения и о самом произведении. Чем больше информации мы соберём, тем более обоснованной будет наша оценка.

Определения и терминология
Обратите внимание, что в этой статье термины «оценка», «анализ» и «восприятие» искусства используются в близких значениях.

Оценка искусства — это не просто «нравится» или «не нравится»

Прежде чем мы углубимся в детали, важно ещё раз подчеркнуть: смысл оценки искусства в том, чтобы объяснить, ПОЧЕМУ нам что-то нравится или не нравится, а не просто констатировать факт. Например, картина может вам не импонировать, потому что она слишком тёмная, но при этом вы можете высоко оценить её тематику или композицию. Сказать: “Мне не нравится эта картина” — недостаточно. Важно аргументировать своё мнение и отметить, есть ли у работы какие-либо положительные качества.

Как оценивать произведение искусства

Самый простой способ понять и оценить произведение — изучить его контекст. Это поможет нам понять, что мог думать художник в момент создания работы. Относитесь к этому как к детективному расследованию. Начните со следующих вопросов.

А. Как понять контекст произведения?

Когда была создана картина?

Знание даты создания помогает понять, какими средствами она была выполнена и насколько сложной была работа. Например, пейзажи, написанные до распространения фотографии (середина XIX века) или до изобретения складных оловянных тюбиков для краски (1841 г.), требовали от художника больше усилий. Картины маслом, созданные до эпохи Возрождения или после неё, но художниками со скромным достатком, не могли содержать невероятно дорогой синий пигмент — натуральный ультрамарин, который получали из растолчённого минерала лазурита.

Картина абстрактная или фигуративная?

Живопись может быть полностью абстрактной (не имеющей сходства с природными формами — беспредметное искусство), органически абстрактной (с частичным сходством), полуабстрактной или фигуративной (изображающей узнаваемые объекты). Очевидно, что цели у абстрактной и фигуративной работы совершенно разные, и оценивать их следует по разным критериям. Например, полностью абстрактная картина не стремится к натурализму и воздействует на зрителя исключительно через формальные качества: линию, форму, цвет.

К какому жанру относится картина?

Картины делятся на типы, или жанры. Основные жанры — это пейзаж, портрет, бытовой жанр (сцены из повседневной жизни), исторический жанр и натюрморт. В XVII веке ведущие европейские академии, такие как Академия изящных искусств в Риме и Париже или Королевская академия в Лондоне, придерживались иерархии жанров, установленной в 1669 году профессором Андре Фелибьеном, секретарём Французской академии. Он ранжировал жанры следующим образом:
историческая живопись (включая религиозные картины);
портрет;
бытовой жанр;
пейзаж;
натюрморт. Эта иерархия отражала моральное влияние каждого жанра. Считалось, что моральный посыл гораздо яснее передаётся через историческую картину или портрет, нежели через пейзаж или натюрморт.

Кроме этих пяти, существуют и другие жанры: городские пейзажи, марины (морские пейзажи), иконы, алтарные образы, миниатюры, фрески, иллюстрации, карикатуры, плакаты, граффити, анималистика и так далее.

Некоторые жанры, особенно религиозное искусство, имеют строгие каноны композиции и сюжета. Например, христианские сюжеты эпохи Возрождения и барокко требовали изображения определённых святых и следования каноническим правилам. Кроме того, художники часто обращались к работам предшественников в том же жанре. Так, картина «Кричащий папа» Фрэнсиса Бэкона была вдохновлена одним из величайших портретов в истории — «Портретом папы Иннокентия X» кисти Веласкеса. Из-за этого картины лучше всего сравнивать с другими работами того же жанра. Дополнительные советы см. в статье «Как воспринимать живопись».

С какой школой или движением связана картина?

«Школа» может означать национальную группу (древнеегипетская школа, испанская школа, немецкий экспрессионизм), локальное объединение (делфтская школа голландского реализма, нью-йоркская школа «мусорных вёдер», Парижская школа) или большое эстетическое движение (барокко, неоклассицизм, импрессионизм, фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт). Это также может быть группа художников со схожими интересами (барбизонская школа, занимавшаяся пейзажами; Братство прерафаэлитов, писавшее на исторические и литературные сюжеты) или методом (пуантилизм, основанный на теории цвета). Художников может объединять общая тема (конструктивизм, отражавший индустриальный мир) или даже политические взгляды.

Знание того, к какому из художественных течений принадлежит работа, помогает глубже понять её композицию и смысл. Например, в искусстве Древнего Египта художники следовали строгим канонам композиции и цвета. Фигуры изображались в соответствии с их социальным статусом, а не законами линейной перспективы: голова и ноги — в профиль, а глаза и торс — анфас. Египетские художники использовали всего шесть цветов (красный, зелёный, синий, жёлтый, белый и чёрный), каждый из которых имел символическое значение. Голландские реалисты ценили точное воспроизведение интерьеров, но их подход к портрету был иным. Например, в «Ночном дозоре» Рембрандт отошёл от традиций парадного портрета, создав сложную, динамичную сцену. Импрессионисты использовали свободные мазки, чтобы запечатлеть мимолётные впечатления света. Кубисты отказались от перспективы, разбирая объекты на плоские геометрические формы. А художники группы «Де Стейл», такие как Пит Мондриан, использовали в своих картинах только прямые углы и основные цвета.

Важно помнить, что западное искусство сильно отличается от восточного. Например, китайская живопись сосредоточена на передаче духовной сущности вещей, а не их внешнего вида.

Где была написана картина?

Знание того, где и при каких обстоятельствах создавалась работа, часто помогает лучше её понять. Вот несколько примеров.

Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы (площадью более 1100 м²) почти без посторонней помощи в течение четырёх лет (1508–1512), балансируя на высоких и шатких лесах. Понимание того, что этот шедевр христианского искусства был создан на месте, а не в тёплой студии, помогает оценить грандиозность задачи.

Клод Моне, лидер французского импрессионизма, посвятил свою жизнь пленэрной живописи. Рядом со своим домом в Живерни он разбил сад в японском стиле с прудом, где и создал знаменитую серию картин с кувшинками. Камиль Писсарро также много работал на открытом воздухе, и у него всегда было много незаконченных картин, так как свет часто менялся раньше, чем работа была завершена. Этим объясняется его быстрая и свободная манера письма и создание серий картин с одним и тем же мотивом при разном освещении. В отличие от них, Эдуар Мане и Эдгар Дега были городскими жителями и работали исключительно в студии, где могли долго оттачивать свои произведения.

Окружение может сильно влиять на настроение художника и его живопись. Яркие примеры — Ван Гог и Гоген. За десять лет творчества палитра Ван Гога сильно менялась: он использовал тёмные тона в тяжёлый голландский период (например, в картине «Едоки картофеля», 1885); перешёл к светлым краскам в Париже под влиянием импрессионистов; использовал ослепительно-жёлтый в Арле («Ночная терраса кафе», 1888); и вновь вернулся к тёмным оттенкам в последний период жизни («Оливковые деревья», 1889, и зловещее «Пшеничное поле с воронами», 1890). В 1891 году Поль Гоген уехал на Таити, где провёл большую часть оставшейся жизни в крайней нищете. Однако возвращение к природе наполнило его картины жизнью, цветом и примитивизмом, который нашёл отклик у Пикассо и других художников.

Интересный пример — французский художник Эдуар Вюйар, который 60 лет прожил со своей матерью-швеёй в парижской квартире. Её швейная мастерская находилась прямо в доме, и Вюйар постоянно наблюдал за узорами, тканями и цветами её платьев. Всё это нашло отражение в его декоративных и узорчатых картинах.

Существует история о том, как пионер поп-арта Роберт Раушенберг, будучи бедным, создал одну из своих знаковых работ под названием «Кровать» (1955), использовав собственное стёганое одеяло, подушку и простыню, на которые он нанёс краску и карандаш.

В какой период творил художник? Каким было его окружение?

Знание того, на каком этапе карьеры была создана картина, также помогает в её оценке.

Как правило, техника художников со временем совершенствуется, достигая пика в середине карьеры, а затем их творческая активность может угасать. Некоторые мастера, однако, умерли на пике своих способностей. Среди них Рафаэль (1483–1520), Караваджо (1571–1610), Ян Вермеер (1632–1675), Томас Гёртин (1775–1802), Ван Гог (1853–1890), Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) и Амедео Модильяни (1884–1920). Другие же, напротив, достигают успеха в начале пути и, хотя продолжают работать десятилетиями, не могут превзойти свои ранние достижения. К этой категории можно отнести таких художников XX века, как Марсель Дюшан, Жорж Брак или Андре Дерен. И лишь немногие сохраняют творческую энергию до глубокой старости, как Тинторетто, Моне, Ренуар или Люсьен Фрейд.

Жизненные обстоятельства художника также могут многое объяснить в его живописи.

Норвежский экспрессионист Эдвард Мунк, как считается, так и не оправился от ранних смертей в семье. Его тревожный, болезненный характер нашёл отражение во многих работах. Мексиканская художница Фрида Кало в детстве перенесла полиомиелит, а в 18 лет попала в тяжёлую аварию. Это помогает понять, почему она создала бесконечную серию автопортретов, в которых запечатлела свою боль и ограниченную подвижность.

Поль Сезанн (известный сериями с горой Сент-Виктуар, купальщицами и натюрмортами) и Эдгар Дега (с его танцовщицами) бесконечно писали одни и те же сюжеты. Одна из причин в том, что ни один из них не зависел от продажи своих картин. Оба они были более склонны к классицизму, чем их коллеги-импрессионисты, что объясняет их methodical и кропотливый подход к работе.

Для какого места предназначалась картина?

Очевидно, что картина, созданная для украшения столовой в испанском монастыре XVI века (монументальное, вдохновляющее религиозное полотно), будет кардинально отличаться от той, что заказал преуспевающий торговец тканями в Амстердаме XVII века (небольшой, тщательно прописанный портрет, интерьер или натюрморт). Точно так же работа для приёмной IT-компании в Калифорнии (вероятно, большая современная абстракция) будет отличаться от картины для зала заседаний частного банка в Лондоне (например, традиционный пейзаж XIX века). Конечно, это лишь стереотипы, но они хорошо иллюстрируют, как назначение влияет на характер произведения искусства.

Б. Как оценивать само произведение искусства

Смотрите: Как воспринимать живопись.
Смотрите также: Анализ знаменитых картин.

Изучив контекст картины, можно приступить к оценке самой работы. Умение анализировать живопись — это скорее искусство, чем наука. И, пожалуй, самый сложный аспект — это оценка техники живописи: то есть того, как именно была написана картина. Поэтому мы с большим смирением предлагаем несколько советов по анализу художественной техники.

Какие материалы использовались при создании картины?

Какая краска была использована? Какой тип основы (холст, доска) выбрал художник? Ответы на эти вопросы могут дать интересную информацию о намерениях автора. Стандартные материалы — масло на холсте. Масло ценят за богатство цвета, а холст — за универсальность. Однако акриловые или акварельные краски используются, когда требуются тонкие лессировки (глазури) или большие, ровно окрашенные цветовые плоскости. Американские абстрактные экспрессионисты Марк Ротко и Барнетт Ньюман, известные своими монументальными цветовыми полями, в 1950-х годах экспериментировали со смесью масла и акрила. Деревянные панели иногда используются вместо холста для очень точной и гладкой живописи (например, миниатюры) или в сочетании с темперой, когда художник хочет наносить краску очень тонкими слоями.

Иногда поверхность, основа и даже рама становятся неотъемлемой частью произведения. В начале 1960-х во французском искусстве доминировала авангардная группа Supports-Surfaces. Её участники писали на больших холстах без подрамников, а сами материалы часто резали, сшивали или мяли. Итальянский художник Лучо Фонтана в те же годы прославился своими «пространственными концепциями» — прорезанными холстами, которые открывали зрителю трёхмерное пространство за картиной, делая его частью работы.

Каково содержание и сюжет картины?

Что изображено на картине? Если это историческое или мифологическое полотно, задайте себе следующие вопросы: какое событие показано? Какие персонажи в нём участвуют? Какое послание несёт картина? Если это портрет: кто модель? Как художник её изобразил? Какие черты характера или детали внешности подчёркнуты? Если это бытовая сцена: что происходит? Какое сообщение (если оно есть) художник адресует нам? Если это пейзаж: где находится это место? Что художник пытается нам сказать об этом ландшафте? Если это натюрморт: какие предметы включены в композицию? Почему художник выбрал именно их и расположил именно так? Натюрморты часто наполнены символизмом, поэтому стоит проанализировать, что может означать каждый из изображённых объектов.

Как оценить композицию в картине?

Композиция — это общий замысел и расположение элементов на холсте. То, как заполнено пространство картины, жизненно важно, так как от этого во многом зависит её визуальное воздействие. Хорошо построенная композиция привлекает и направляет взгляд зрителя. Художники, мастерски владевшие композицией, как правило, получали классическое образование в академиях, где этому элементу уделялось огромное внимание. Три ярких примера — Николя Пуссен (1594–1665), Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) и Эдгар Дега (1834–1917).

Для изучения композиции мы рекомендуем рассмотреть следующие работы: «Отдых на пути в Египет» (1655–1657, Эрмитаж, Санкт-Петербург) Пуссена; «Купальщица Вальпинсона» (1808, Лувр, Париж) Энгра; и «Абсент» (1876, Музей Орсе) Дега.

В первой работе Пуссен демонстрирует удивительную способность располагать каждый элемент именно там, где он должен быть для достижения максимальной гармонии и передачи идей, соответствующих общей теме. Во второй, изображая анонимную обнажённую женщину со спины, Энгр создаёт символическое сочетание цветов, форм и линий, которое наполняет картину тайной и ощущением вуайеризма. В третьей картине — одном из величайших произведений бытового жанра — Дега использует резкие углы и мрачные цвета, чтобы передать чувство изоляции и удручающего одиночества людей в большом городе. Все три работы дают ключ к пониманию того, как оценивать композицию.

Как оценить линию и форму в картине?

Мастерство художника часто проявляется в силе и уверенности его линии, которая создаёт и очерчивает формы. Существует известная история о том, как посланник папы римского попросил у Джотто, великого художника Проторенессанса, доказательство его мастерства. В ответ художник взял кисть и одним движением нарисовал идеальный круг, после чего передал его посланнику со словами: “Ваш господин точно поймёт, кто это нарисовал”. Линия — ключевой элемент структуры картины, и именно поэтому рисунок считался в эпоху Возрождения главным навыком художника. Неслучайно в первых академиях изящных искусств студентов в первую очередь учили не живописи, а рисунку (в противовес венецианскому подходу colorito). Одними из лучших рисовальщиков были портретисты, чья линия могла быть почти безупречной. Современный пример — Джон Сингер Сарджент (1856–1925), который был мастером техники «алла прима» (от итал. alla prima, также известной как premier coup) — нанесения краски одним точным мазком, без исправлений. Среди художников XX века, не имевших классической подготовки, картины Ван Гога и Гогена отличаются исключительно сильными и выразительными линиями.

В фигуративной живописи обратите внимание, как художник использует светотень (кьяроскуро), чтобы придать фигурам объём. Посмотрите, применяет ли он тенебризм (резкий контраст света и тени) для выделения ключевых деталей или технику сфумато для смягчения контуров.

Как оценить цвет в картине?

Цвет в живописи сильно влияет на наши эмоции и играет огромную роль в том, как мы воспринимаем искусство. Любопытно, что, хотя человеческий глаз способен различать до 10 миллионов цветовых вариаций, в большинстве языков существует лишь около десятка основных терминов для их обозначения. Кстати, о терминах: «оттенок» — это синоним цвета; «тон» — это светлота или интенсивность цвета. Стоит помнить, что со временем краски на картинах старых мастеров темнеют, из-за чего даже в лучших художественных музеях некоторые полотна могут выглядеть мрачновато.

Цвет используется художниками по-разному. Возьмём, к примеру, картины Марка Ротко. Он был одним из первых художников, создавших огромные абстрактные полотна, насыщенные глубокими цветами — жёлтыми, оранжевыми, красными, синими. Его целью было вызвать у зрителя сильный эмоциональный отклик.

Исторически импрессионизм и экспрессионизм (особенно фовизм) были первыми международными движениями, которые в полной мере раскрыли потенциал цвета. Академические художники придерживались условных цветовых схем: трава — зелёная, море — сине-серое. Но художники-модернисты писали то, что видели (импрессионисты), или то, что чувствовали (экспрессионисты). Если это означало, что трава будет красной, — пусть так. Алексей фон Явленский, которого называли «русским Матиссом», установил новые стандарты использования цвета в портрете, а Дега с помощью цвета передавал как блеск балетной сцены, так и отчаяние своей любительницы абсента. Другие художники, такие как Коро, Джеймс Уистлер (в его «ноктюрнах») или Пикассо в «голубой» и «розовый» периоды, использовали монохромную палитру для создания определённого настроения.

Подводя итог, художники используют цвет, чтобы стимулировать эмоции, передать эффекты света, создать характер персонажа, придать глубину абстрактной работе или привлечь внимание зрителя. Если вы хотите научиться ценить живопись, внимательно проанализируйте, как художник работает с цветом. Спросите себя: почему он выбрал именно этот оттенок? Как это влияет на настроение картины? Цвета гармонируют или вступают в конфликт?

Как оценить текстуру и мазки в живописи?

Чтобы научиться оценивать текстуру и мазки, ничто не заменит поход в галерею или музей, где можно вблизи рассмотреть полотна. Даже лучшие книги по искусству не способны передать текстуру с высокой точностью. Как правило, художники с классической подготовкой мастерски работают с различными текстурами и техникой импасто (нанесение краски густым слоем). Энгр даже специально выбирал сюжеты (например, в «Купальщице Вальпинсона» 1808 г. или «Большой одалиске» 1814 г.), чтобы продемонстрировать своё умение передавать фактуру перламутра или шёлка.

Манера письма может быть плотной (медленной, точной, контролируемой) или свободной (быстрой, экспрессивной). Это во многом определяется стилем и настроением картины, а не темпераментом художника. У Караваджо был вспыльчивый характер, но его картины — образец контролируемой манеры письма. У Сезанна был медлительный характер, он писал так долго, что фрукты в его натюрмортах сгнивали задолго до завершения работы. Тем не менее, мазок во многих его работах исключительно свободен. В целом, у художников-реалистов манера письма более сдержанная, чем у экспрессионистов. Когда импрессионисты провели свою первую выставку в 1874 году, критики и публика были шокированы «небрежностью» их мазков. Сегодня мы привыкли к импрессионизму, но вначале его свободная манера письма вызвала скандал.

При оценке картины задайте себе вопрос: какую роль играет мазок, что он добавляет в произведение?

Как оценить красоту в живописи?

Эстетика — вещь очень личная. Все мы видим вещи по-разному, в том числе и красоту в искусстве. Живопись — это прежде всего визуальное искусство, то, что мы видим, а не то, о чём думаем. Поэтому на вопрос, красива ли картина, мы, скорее всего, ответим мгновенно. Однако если нас попросят обосновать свою оценку, это уже другая история. Чтобы помочь вам проанализировать свои впечатления, вот несколько вопросов о гармонии, симметрии и балансе в картине.

Какие пропорции использованы в картине?
Греческое искусство и искусство эпохи Возрождения часто основывались на строгих правилах пропорций, которые соответствовали классическим представлениям об оптической гармонии. Возможно, красота, которую вы видите (или не видите), отчасти объясняется пропорциями фигур и предметов в работе.

Повторяются ли в картине определённые формы или узоры?
По мнению психологов, повторение приятных форм, особенно в симметричных узорах, может оказывать расслабляющее и приятное воздействие на глаз и мозг.

Дополняют ли друг друга цвета, использованные в картине?
Цветовые схемы с гармонирующими оттенками или тональными вариациями известны своим приятным воздействием на чувства.

Привлекает ли вас картина? Удерживает ли она ваше внимание?
Лучшие картины легко «читать». Они привлекают наше внимание, а затем с помощью композиционных «указателей» направляют наш взгляд по всему произведению.

Как картина соотносится с другими?

Всё познаётся в сравнении. Как картина перед вами соотносится с другими работами того же художника? Если это зрелая работа, она может быть более совершенной, чем ранние. Если вы не можете найти другие произведения этого же автора, попробуйте сравнить её с похожими работами других художников, в идеале — того же периода. Но не стоит увлекаться и сравнивать слишком много картин одновременно.

Советы по оценке абстрактного искусства

Абстрактные картины оценивать непросто. Если они следуют определённому направлению, такому как кубизм, или содержат узнаваемые элементы, это одна ситуация. Но чистое конкретное искусство, использующее только геометрические формы, может показаться слишком сложным. Тем не менее, многие художники-абстракционисты внесли огромный вклад в современную культуру, и стоит попытаться их понять. Вот несколько советов.

Абстрактная живопись освобождает нас, зрителей, от любых ассоциаций с реальной жизнью. Благодаря этому мы можем сосредоточиться исключительно на живописных аспектах работы: линии, форме, цвете, текстуре, мазке.

В частности, спросите себя:
Как художник делит холст?
Как он направляет наш взгляд?
Как художник использует цвет для создания глубины или придания формам особого значения?
Какие конкретные формы присутствуют в работе и что они могут означать?
Иногда абстракционисты используют цвет очень экономно, создавая минималистичный образ. Если вам трудно анализировать такие работы, не волнуйтесь: у всех с ними проблемы. Лучше всего выбрать одну конкретную работу и почитать, что о ней думают авторитетные искусствоведы. Она может вам по-прежнему не нравиться, но по крайней мере вы будете знать, на что обращать внимание.
В целом, абстрактные картины сложнее для восприятия. Их нужно расшифровывать! Поэтому вместо того, чтобы сдаваться со словами: “Я не понимаю эту ужасную картину!”, отнеситесь к ней как к головоломке и попытайтесь понять, к чему стремился художник.

Смотрите также: Как воспринимать живопись.

Как оценивать искусство: несколько заключительных вопросов

Изучив контекст картины и само произведение, мы подходим к нескольким заключительным вопросам.

История художественной критики: известные критики

Вам не нужно ничего знать об искусствоведах, чтобы ценить искусство. Но несколько фактов помогут понять, что даже эксперты не всегда сходятся во мнениях, является ли картина гениальной работой или полным провалом.

Дени Дидро (1713–1784) считается отцом-основателем художественной критики благодаря его работе над «Энциклопедией» (1751–1772). В своих художественных вкусах он был сентименталистом.

Теофиль Торе-Бюргер (1807–1869) — французский искусствовед, который «заново открыл» миру Яна Вермеера (1632–1675), вернув его в пантеон величайших голландских художников. Самому Вермееру это, увы, не помогло: он с трудом сводил концы с концами и умер в безвестности.

Ещё одним знаменитым критиком XIX века был поэт Шарль Бодлер (1821–1867). Он был постоянным обозревателем ежегодного Парижского салона, консервативные власти которого не допускали к участию многих талантливых художников. В итоге те организовали ряд альтернативных выставок, в том числе «Салон отверженных» (1863), «Салон независимых» (с 1884) и «Осенний салон» (с 1903).

В немецкоязычном мире величайшим историком искусства после Иоганна Винкельмана, пожалуй, был Якоб Буркхардт (1818–1897), профессор истории Базельского университета. Его самая известная книга — «Культура Италии в эпоху Возрождения» (Die Kultur der Renaissance in Italien), опубликованная в 1860 году, оказала огромное влияние на искусствоведение XIX века.

В Англии величайшим искусствоведом XIX века был Джон Рёскин (1819–1900). Талантливый художник и писатель, он известен такими трудами, как «Современные художники» (1843–1860) и «Камни Венеции» (1851–1853). Рёскин стал центральной фигурой в знаменитом судебном процессе: художник Джеймс Уистлер подал на него в суд за клеветнический отзыв и выиграл дело, хотя и получил лишь символическую компенсацию в один фартинг, что, однако, привело Рёскина к финансовым трудностям.

Смотрите также: Величайшие картины современности.

Роджер Фрай (1866–1934) был очень влиятельным английским искусствоведом. Заслужив репутацию эксперта по итальянскому Ренессансу, он стал куратором живописи в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Однако в 1907 году Фрай «открыл» для себя Сезанна и переключил свой интерес на постимпрессионизм. В 1910 и 1912 годах он организовал в Лондоне две знаковые выставки постимпрессионистов, которые шокировали публику. Его главным последователем был критик-формалист Клайв Белл (1881–1964).

Герберт Рид (1893–1968) — известный английский искусствовед XX века и выдающийся толкователь современного искусства. Он опубликовал множество работ, в том числе «Смысл искусства» (1931), «Искусство сегодня» (1933) и «Краткая история современной живописи» (1959).

Во Франции ведущим искусствоведом начала XX века был поэт Гийом Аполлинер (1880–1918). Он был блестящим популяризатором творчества Пикассо, кубизма, орфизма, а также таких художников, как Марк Шагал, Джорджо де Кирико и Марсель Дюшан. Его художественная интуиция была практически безупречна.

У сюрреализма были свои идеологи, такие как Андре Бретон (1896–1966). С началом Второй мировой войны многие художники и критики, включая Бретона, покинули Париж и переехали в Нью-Йорк, который становился новым центром мирового искусства. Ведущими американскими критиками того времени были Клемент Гринберг (1909–1994), Гарольд Розенберг (1906–1978) и Джон Кэнедей (1907–1985). Гринберг продвигал абстрактное искусство, в частности живопись Джексона Поллока. Розенберг также был сторонником авангардной абстракции. А Кэнедей, арт-обозреватель The New York Times, был одним из немногих влиятельных критиков, выступавших против абстрактного экспрессионизма.

Кеннет Кларк (1903–1983), несмотря на свои более традиционные взгляды, был, пожалуй, самым влиятельным критиком XX века благодаря созданному им для BBC сериалу «Цивилизация», который имел огромный успех в Великобритании и США.

Не всё искусство легко оценить

Французский импрессионизм — одно из самых успешных и влиятельных художественных движений всех времён. Тем не менее, вначале он был встречен насмешками не только критиков, но и широкой публики. Моне, Ренуар и Писсарро практически голодали, а Сислей умер в нищете.

Весной 1913 года в Нью-Йорке прошла «Арсенальная выставка» (Armory Show) — крупнейшая выставка современного искусства, когда-либо проводившаяся в США. На ней было представлено около 1300 работ европейских и американских художников-авангардистов. Реакция публики была крайне неоднозначной, особенно на кубизм и другие новаторские течения. Выставка вызвала огромный скандал, консервативная пресса и зрители высмеивали работы, а некоторые даже призывали сжечь их.

Урок? Не всякое качественное искусство легко понять и принять сразу.