Оценка искусства: как понимать искусство, как судить о картине читать ~30 мин.

Что такое оценка искусства?

Задача оценки произведения искусства, такого как картина или скульптура, требует сочетания объективной информации и субъективного мнения. Да, это правда, что художественная оценка очень субъективна, но цель оценки картины состоит не просто в том, чтобы определить, нравится ли вам или не нравится картина, но ПОЧЕМУ она вам нравится или не нравится. И это требует определённого количества знаний. В конце концов, ваша оценка рисунка, сделанного 14-летним ребёнком на школьной площадке, вероятно, будет сильно отличаться от аналогичного рисунка 40-летнего Микеланджело. Точно так же нельзя использовать одни и те же стандарты при оценке реалистичных качеств реалистического портрета по сравнению с экспрессионистским портретом. Это потому, что художник-экспрессионист не пытается уловить ту же степень визуальной объективности, что и его реалистический коллега. Проще говоря, оценщики искусства должны генерировать факты, на которых основывается их мнение: а именно, факты о контексте произведения искусства; и само произведение искусства. Как только у нас появятся факты, мы сможем сделать нашу оценку. Чем больше информации мы сможем почерпнуть о контексте и о произведении искусства, тем более обоснованным будет наша оценка.

Определения и терминология
Обратите внимание, что в этой статье термины «оценка искусства», «оценка искусства» и «оценка искусства» используются взаимозаменяемо.

Оценка искусства – это не просто симпатия или антипатия

Прежде чем вдаваться в подробности о том, как оценивать искусство, давайте ещё раз подчеркнём, что весь смысл признания искусства заключается в том, чтобы объяснить ПОЧЕМУ нам что-то нравится или не нравится, а не просто то, нравится нам это или нет. Например, вам может не понравиться картинка, потому что она слишком тёмная, но вам все равно может понравиться её тема или оценить её в целом. Проще говоря, сказать «мне не нравится эта картина» недостаточно. Нам нужно знать причины вашего мнения, а также, считаете ли вы, что работа имеет какие-либо положительные качества.

Как оценить произведение искусства

Самый простой способ понять и, следовательно, оценить произведение искусства – это изучить его контекст или предпосылки. Это потому, что это помогает нам понять, что было (или могло быть) в сознании художника во время создания рассматриваемой работы. Думайте об этом как об основной детективной работе. Начните с этих вопросов.

А. Как понять контекст / фон работы?

Когда была создана картина?

Знание даты работы помогает нам оценить, как она была выполнена, и степень сложности. Например, пейзажи, созданные до популярности фотографии (1860 г.) или появления складных трубок из оловянной краски (1841 г.), имели более высокий уровень сложности. Картина маслом, выполненная до Ренессанса или после Ренессанса художниками скромных средств, не будет содержать невероятный, но астрономически дорогой натуральный синий пигмент Ультрамарин, сделанный из размолотого минерала Лазурита.

Картина абстрактная или репрезентативная?

Картина может быть полностью абстрактной (то есть она не имеет никакого сходства с какими-либо природными формами: формой, известной как необъективное искусство), или органически абстрактной (некоторое сходство с природными органическими формами), или полуабстрактной (фигуры и другие объекты в определённой степени) или изобразительной (если образное и другое содержание мгновенно узнаваемо). Очевидно, что абстрактная работа имеет цели, совершенно отличные от цели изобразительной работы, и должна оцениваться в соответствии с различными критериями. Например, полностью абстрактная картина не пытается отвлечь зрителя каким-либо натурализмом и, таким образом, полностью зависит от его влияния на его формальные качества (линия, форма, цвет и т.д.).

Что это за картина?

Картины бывают разных типов или категорий (известные как жанры живописи). Установленные жанры: Пейзаж, Портретная живопись, Жанровая живопись (повседневные сцены), История и Натюрморт. В 17 веке великие европейские академии, такие как Академия искусств в Риме, Академия искусств во Флоренции, Парижская академия изящных искусств и Королевская академия в Лондоне, следовали правилу, установленному в 1669 году профессором Андре Фелибиен, секретарём Французской академии, который оценил жанры следующим образом: (1) Историческая живопись – религиозные картины, возможно, являются независимой категорией; (2) портретная живопись; (3) жанровая живопись; (4) Пейзажная живопись; (5) Натюрморт. Эта иерархия отражала моральное влияние каждого жанра. Эксперты полагали, что моральное посланиеможет быть передано гораздо более чётко через историческую картину, портрет или жанровую картину, а не через пейзаж или натюрморт.

Другие виды живописи, в дополнение к вышеупомянутым пяти, включают: городские пейзажи, морские картины, иконы, алтари, миниатюры, фрески, иллюстрации, карикатуры, мультфильмы, плакаты, граффити, изображения животных и так далее.

Некоторые из этих типов живописи имеют традиционные правила, касающиеся композиции, тематики и так далее. Особенно это относится к религиозному искусству. Например, христианские темы, которые много раз появляются в картинах эпохи Возрождения и барокко, должны содержать определённые святые фигуры и должны соответствовать определённым композиционным правилам. Кроме того, художники часто возвращаются к более ранним картинам того же жанра («Кричащий папа» Фрэнсиса Бэкона был смоделирован на одной из величайших портретных картин – «Портрет невинного Икс» Веласкеса). Из-за всего этого картины лучше всего сравнивать с другими работами того же типа. Дополнительные советы см. В разделе «Как оценить картины».

С какой школой или движением связана живопись?

«Школа» может быть национальной группой художников (например, древнеегипетская школа, испанская школа, немецкий экспрессионизм) или местной группой (например, школа голландского реализма в Дельфте, нью-йоркская ашканская школа, Ecole de Paris) или общее эстетическое движение (например, барокко, неоклассицизм, импрессионизм, фовизм, кубизм, дада, сюрреализм, поп-арт), местная группа или группа художников (например, Der Blaue Reiter, нью-йоркская школа абстрактного экспрессионизма, Cobra Group, Fluxus, Школа Св. Ивса) или вообще общая тенденция (реализм, экспрессионизм). В качестве альтернативы, Школа может интересоваться определённым жанром (например, Школа Барбизон и Школа Ньюлин, обе пейзажные группы; Братство прерафаэлитов, исторические или литературные тематические картины) или методом живописи (например, неоимпрессионизм, основанный на пуантилизме – вариант теории цвета дивизионизма), или аспектом природного мира (например, конструктивизм, посвящённый отражению современного индустриального мира), или политикой, или математическими символами (например, строгий неопластизм).

Знание того, к какому из многих художественных направлений принадлежит картина, может дать нам лучшее понимание её композиции и значения. Например, в школе египетского искусства художники должны были придерживаться определённых правил живописи, касающихся композиции и цвета. Таким образом, о портретах людей судили в соответствии с их социальным статусом, а не в соответствии с линейной точкой зрения. Голова и ноги всегда были в профиль, а глаза и верхнюю часть тела смотрели спереди. Египетские художники использовали не более шести цветов: красный, зелёный, синий, жёлтый, белый и чёрный – каждый из которых символизировал разные стороны жизни или смерти. Другие культуры и культурные школы имеют свои специфические ориентиры. Голландские художники-реалисты ценили точную, реалистичную репликацию интерьеров и окружения – за исключением портретной живописи, где целью была польстить предмету: см. Ночной Дозор, Рембрандт. Художники-импрессионисты обычно ценили рыхлую кисть, чтобы запечатлеть мимолётные впечатления от света. Кубисты отвергли обычные правила линейной перспективы и вместо этого разобрали свой предмет на ряд плоских прозрачных геометрических пластин, которые перекрывались и пересекались под разными углами. Художники де Стейля, такие как Пит Мондриан, использовали в своих картинах только геометрические формы, в то время как линии всегда были горизонтальными или вертикальными, а не диагональными. И так далее.

Обратите внимание, что западное искусство очень отличается от восточного искусства. Китайская живопись, например, фокусируется на духовной внутренней сущности вещей, а не на внешнем виде.

Где была написана картина?

Знание, где и при каких условиях создаётся картина, часто может улучшить наше понимание и понимание соответствующей работы. Вот несколько примеров.

Опасно балансируя на вершине шатких лесов, Микеланджело нарисовал потолок Сикстинской капеллы (гигантская площадь 12 000 квадратных футов) практически без посторонней помощи в течение 4 лет между 1508 и 1512 годами. Знание того, что этот шедевр христианского искусства был создан на месте, а не в хорошей тёплой студии, помогает нам оценить грандиозность поставленной задачи.

Моне, лидер французского импрессионизма, посвятил свою жизнь пленэрной живописи. В последующие годы у него был японский водный сад с прудами с лилиями рядом с его домом, и именно здесь он создал свою огромную серию картин с водяными лилиями. Писсарро также рисовал в основном на открытом воздухе и поэтому всегда имел большое количество незаконченных картин, потому что свет часто исчезал, прежде чем его работа была сделана. Это объясняет, почему он нарисовал одну и ту же сцену или мотив (чтобы запечатлеть другой свет) и почему его кисть была такой быстрой и рыхлой. С другой стороны, Мане и Дега оба были городскими людьми и работали исключительно в своей студии, где они могли полировать и совершенствовать свою работу. Среди других выдающихся художников пленэра были скандинавы Кройер и Хаммершой (известные как «художники света»), которые создали ряд исключительных пейзажей в Скагене в Дании.

Окружение может оказать существенное влияние на настроение художника и, следовательно, на его живопись. Ван Гог и Гоген – наглядные примеры. В свои 10 лет живописи Ван Гог полагался на тёмные цвета, когда писал в трудные дни в Голландии (например, Пожиратели картофеля, 1885); переключился на более светлые и яркие цвета в Париже, когда он попал под влияние импрессионизма; он стал ярко-жёлтым, когда писал в Арле, недалеко от Ривьеры (Кафе «Терраса ночью», 1888); прежде чем вернуться к более темным пигментам в его последний период (The Olive Pickers, 1889, и зловещее Пшеничное поле с воронами, 1890). В 1891 году, через год после смерти Ван Гога, французский художник Поль Гоген отправился в плавание на Таити и на острова Тихого океана, где он провёл большую часть последних 10 лет своей жизни в условиях крайней нищеты. Тем не менее, его возвращение к природе наполнило его картины огромной жизнью и цветом, а также примитивизмом, который нашёл отголоски у Пикассо и других.

Интересным художником является француз Эдуар Вилар, который в течение 60 лет жил со своей матерью, портнихой, в квартире в Париже. Его мать управляла своей мастерской из дома, давая Вюйару много возможностей наблюдать за узорами, материалами, цветами и формами её платьев. Все это было тщательно отражено в шаблонах его картин.

Однажды, в юности, пионер-поп-исполнитель Роберт Раушенберг был (якобы) настолько беден, что остался в своей квартире и нарисовал стёганое одеяло на собственной кровати, украсив его зубной пастой и лаком для ногтей. Культовая работа называлась Кровать (1955).

В какое время художник был активен в своей карьере? Каково был его окружение? Знание того, была ли картина создана рано или поздно в жизни художника, часто может помочь нам оценить работу.

Художники обычно улучшают свою технику рисования со временем, достигают высшей точки в середине карьеры, а затем исчезают в последующие годы. Некоторые художники, однако, умерли на пике своих способностей. Среди таких художников: Рафаэль (1483-1520), Караваджо (1571-1610), Ян Вермеер (1632-1675), Томас Гиртин (1775-1802), Ричард Паркс Бонингтон (1802-1828), Ван Гог (1853-1890) Обри Бердсли (1872–1998), Исаак Левитан (1860–1900), Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901), Амедео Модильяни (1884–1920), Николя де Сталь (1914–1955) и Джексон Поллок (1912– 1956). С другой стороны, некоторые художники расцветают рано и, хотя они могут продолжать рисовать десятилетиями, не могут повторить свой ранний успех. В этой категории мы могли бы найти современных художников, таких как Марсель Дюшан, Жорж Брак, Оскар Кокошка, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Кис Ван Донген – даже, возможно, Пикассо. Только относительно небольшая часть людей сохраняет своё творчество до глубокой старости, как Тинторетто, Моне, Ренуар, Хуан Миро и Люсьен Фрейд.

Понимание жизненных обстоятельств художника может также объяснить многое в его/ее живописи.

Как сообщается, норвежский экспрессионист Эдвард Мунк так и не оправился от ранних смертей в семье. Его последующий невротический, болезненный характер можно увидеть во многих его работах. Мексиканская художница Фрида Кало так и не смогла полностью восстановить правую ногу после заражения полиомиелитом в 6 лет, а в 18 лет получила серьёзные травмы после аварии на автобусе. Это помогает объяснить её бесконечную серию автопортретов, фиксирующих отсутствие её мобильности.

Пол Сезанн (пейзажи Мон-Сент-Виктуар, Купальщики и натюрморты) и Эдгар Дега (танцоры балета) рисовали бесконечные кропотливые версии некоторых предметов. Одна из вероятных причин этого заключается в том, что ни один из них не зависел от их искусства для жизни. Конечно, ни один не пытался много портретной живописи, которая была наиболее финансово выгодной из жанров. С другой стороны, оба мужчины были более классицистическими по своему мировоззрению, чем их импрессионистские коллеги, что помогает объяснить их точные и дотошные методы работы.

Где было предполагаемое расположение картины?

Очевидно, что картина, предназначенная для размещения в большом пространстве на стене столовой испанского монастыря 16-го века (монументальная, вдохновляющая религиозная картина), будет радикально отличаться от картины, предназначенной для преуспевающего торговца текстилем в Амстердаме 17-го века (маленький, полированный портрет, интерьер или натюрморт). Аналогично, картина, предназначенная для зоны приёма высокотехнологичной IT-компании в Калифорнии (большая современная абстрактная картина, возможно, геометрическая или экспрессионистская), вероятно, будет отличаться от картины, установленной в зале заседаний частного банка в лондонском Сити (например, традиционный пейзаж 19 века). Конечно, эти предложения являются не более чем стереотипами, но они служат для иллюстрации роли и характеристик конкретных произведений искусства.

Б. Как оценить само произведение искусства

Смотрите: Как ценить картины.
Смотрите также: Анализ знаменитых картин.

Как только мы изучили или исследовали контекст картины, мы можем начать оценивать саму работу. Знание того, как оценить картину, само по себе является искусством, а не наукой. И, возможно, самым сложным аспектом оценки искусства является оценка самого метода рисования: то есть, как была сделана настоящая живопись? Поэтому мы с большим смирением предлагаем эти советы о том, как оценить используемую технику живописи.

Какие материалы были использованы при создании картины?

Какая краска использовалась? Какой тип грунта или поддержки использовал художник? Ответы на эти вопросы могут дать интересную информацию о намерениях художника. Стандартные материалы – масляная краска на холсте. Масло из-за его богатства цвета, холст из-за его приспособляемости. Тем не менее, акриловые или акварельные краски используются вместо масел, когда требуются тонкие глазури, и акриловые краски также лучше, когда требуются большие плоские участки цвета. Американские абстрактные экспрессионисты Марк Ротко и Барнетт Ньюман, оба известные своими монументальными цветными полотнами, экспериментировали в 1950-х годах со смесью масла и акрила. Акварельные и акриловые краски также высыхают намного быстрее, чем масла, и поэтому идеально подходят для быстро обрабатываемых картин. Деревянные панно иногда используются в качестве альтернативы холсту, когда предполагается очень точное лакокрасочное покрытие (миниатюры рисовались на деревянных, медных или даже сланцевых панелях) или в сочетании с темперой или акриловыми красками, когда художник хочет создать краску в очень тонких слоях.

Иногда поверхность живописи, её опора и её рама становятся характерной чертой произведения искусства. В начале 1960-х во французском современном искусстве доминировала крайне левая группа авангарда Supports-Surfaces, члены которой рисовали крупномасштабные полотна без подрамников (физическая опора за холстом), в то время как материалы часто резали, ткали или сминали. Итальянский художник Люсио Фонтана также сделал себе имя в 60-х годах своими «расколотыми» холстами, позволив зрителю увидеть сквозь плоскость картины трёхмерное пространство за её пределами, которое само становится частью работы. Недавно Анжела де ла Круз, одна из современных художников, номинированных на премию британского Тёрнера 2010 года, стала известна своими полотнами, которые после окрашивания снимаются с опор для носилок, сминаются и перетягиваются.

Что такое содержание и предмет картины?

Что изображено на картине? Если это историческая картина или мифологическая картина, задайте себе следующие вопросы: какое событие показывают? Какие персонажи участвуют и каковы их роли? Какое сообщение содержит картина? Если это портрет, задайте себе следующие вопросы: кто модель? Как художник изобразил его/ее? Каким особенностям или аспектам уделяется внимание или внимание? Если это жанровая сцена, задайте себе следующие вопросы: Какая сцена изображается? Что происходит? Какое сообщение (если таковое имеется) художник имеет для нас? Почему он выбрал именно эту сцену? Если это пейзаж, задайте себе следующие вопросы: Каково географическое расположение вида на картинке? (например. Это любимое место художника?) Что художник пытается донести до нас о пейзаже? Если это натюрморт, задайте себе следующие вопросы: Какие объекты, какими бы незначительными они ни были, включены в рисунок? Почему художник выбрал именно эти предметы? Почему он изложил их так, как он? Натюрморты известны своей символикой, поэтому стоит проанализировать нарисованные объекты, чтобы увидеть, что каждый из них может символизировать.

Как оценить композицию в картине?

Композиция означает общий дизайн (рисунок), общий макет. И то, как наполнена картина, жизненно важно, так как это во многом определяет её визуальное воздействие. Почему? Потому что хорошо составленная картина привлечёт и направит взгляд зрителя в окружающее пространство. Художники, которые преуспели в композиции, неизменно классически обучались в великих академиях, где композиция была высоко оценённым элементом в процессе рисования. Три главных примера – это Никола Пуссен (1594-1665), Джейд Энгр (1780–1867) и Эдгар Дега (1834–1917).

Краткость изложения не позволяет нам вдаваться в подробности, но мы рекомендуем изучить следующие работы: «Святое семейство в Египте» (1655-7, Эрмитаж, Санкт-Петербург) работы Пуссена; Купальщица Вальпинкона (1808, Лувр, Париж), Энгр; и Абсент (1876, Музей Орсе) Дега.

В первой работе, в которой Джозеф и Мария отдыхают рядом с храмом в городе, Пуссен демонстрирует свою удивительную способность располагать все на картине точно так, как это должно быть, для максимальной оптической гармонии и передавать важные сообщения, которые соответствуют общая тема. Проще говоря, все на картинке имеет очень конкретное назначение и определённую позицию. Во второй работе – более простом интерьере спальни без окон, в которой мы видим спину анонимной обнажённой женщины, которая сидит на кровати – Энгр создаёт очень символическое расположение цветов, форм и углов, которое наполняет картину вуайеристической тайной. На третьей картине – одной из величайших картин жанра – изображена проститутка, сидящая в парижском кафе, перед ней стакан абсента; рядом с ней сидит другой мужчина; оба погружены в мысли и в свой мир. В этой работе Дега использует ряд углов и линий, а также мрачные тёмные цвета, чтобы запечатлеть клеточную изоляцию и удручающее одиночество людей в сердце крупного мегаполиса. Все три работы предлагают ряд важных идей, которые помогут вам оценить композицию картин.

Как оценить линию и форму в картине?

Мастерство художника часто проявляется в силе и уверенности его линии (контура), создавая и очерчивая различные формы в его картине. В известной истории важный покровитель отправляет посланника к Джотто, великому художнику до Ренессанса. Посланник просит Джотто предоставить удостоверение личности, после чего художник достаёт кисть и кусок белья, на котором он рисует идеальный круг. Затем он передаёт его посланнику, говоря: “Ваш Мастер будет точно знать, кто это нарисовал”. Линия является ключевым элементом в структуре картины и объясняет, почему рисунок был расценён всеми экспертами эпохи Возрождения как величайший атрибут художника. На самом деле, когда впервые открылись великие европейские академии изящных искусств, студентов вообще не учили рисовать (см. colorito). Некоторые из лучших рисовальщиков были художниками-портретистами, чья линия могла быть почти безупречна: современный пример – классически обученный портретист Джон Сингер Сарджент (1856–1925), который был мастером техники «премьер-переворот» – один точный удар кистью, без переделки. Среди современных художников, у которых нет классической подготовки, картины Ван Гога и Гогена отличаются исключительно сильными и уверенными линиями.

В фигуративной живописи: исследуйте, как художник использует chiaroscuro для оптимизации качества своих фигур в 3D; посмотрите, использует ли он тенебризм как часть своего плана освещения, чтобы обратить внимание на определённые части картины; посмотрите, использует ли художник технику сфумато в смешении цвета.

Как оценить цвет в картине?

Цвет в живописи оказывает большое влияние на наши эмоции и, следовательно, играет огромную роль в том, как мы ценим искусство. Любопытно, что, хотя мы можем идентифицировать до 10 миллионов вариантов цвета, в английском языке есть только 11 основных цветовых терминов – чёрный, белый, красный, оранжевый, жёлтый, зелёный, синий, фиолетовый, розовый, коричневый и серый. Так что говорить именно о цвете нелегко. Кстати, что касается терминов: «оттенок» является синонимом цвета; «оттенок» – более светлая версия (например, розовая) определённого цвета (красная); «тень» – более тёмная версия (например, пурпурный); «Тон» – это лёгкость, интенсивность или блеск цвета. Кстати, многие работы старых мастеров начинают темнеть с возрастом, что делает их менее привлекательными. Это также может привести к тому, что даже самые лучшие художественные музеи будут выглядеть мрачно!

Цвет используется художниками несколькими способами. Взять, к примеру, картины Марка Ротко. Ротко был одним из первых художников, создавших огромные абстрактные полотна, насыщенные насыщенными цветами – жёлтыми, апельсиновыми, красными, голубыми, индиго и фиалками. Его целью было стимулировать эмоциональный отклик зрителя. И почему бы нет? В конце концов, цветовая психология уже оказывает огромное влияние на дизайн интерьеров для больниц, школ и других учреждений.

Исторически импрессионизм и экспрессионизм (особенно фовизм) были первыми международными движениями, которые использовали весь потенциал цвета. Академические художники придерживались общепринятых цветовых схем – зелёная трава, сине-серое море и т.д., Но современные художники рисовали то, что видели (импрессионисты) или то, что чувствовали (экспрессионисты): если это означало рисовать красную траву, пусть будет так. К фигуративному искусству относились так же, как и к пейзажам: таким образом, «Русский Матисс» Алексей фон Явленский (1864–1941) установил новые стандарты использования цвета в портретной живописи, в то время как Дега использовал цвет, чтобы придать блеск своим звёздам балета, и отчаянию его любительницы абсента. Другие художники используют монохромную тональную цветовую схему по всей картине, чтобы создать определённое настроение. Высшие образцы включают романтические пейзажи Коро, ночные сцены Аткинсона Гримшоу, тональные ночные свистки Уистлера, интерьеры Питера Илстеда, пейзажи Кройера, интерьеры Хаммершой, а также произведения Пикассо (1881-1973) «Голубого» и «Розового» периодов и это лишь некоторые из них.

Подводя итог, можно сказать, что художники используют цвет, чтобы стимулировать эмоции, улавливать натуралистические эффекты света, придавать персонажу фигуру или сцену и придавать глубину абстрактной или полу-абстрактной работе. Это также может быть использовано для привлечения внимания зрителя. Если вы хотите научиться ценить картины, обратите пристальное внимание на то, как художник использует цвет. Спросите себя: почему он/она выбрал именно этот конкретный оттенок? Как это влияет на настроение или композицию картины? Как различающиеся используемые цвета связаны друг с другом: создают ли они гармонию или трение?

Как оценить текстуру и мазки кисти в живописи?

Когда дело доходит до изучения того, как оценивать фактуру и мазки в живописи, ничто не заменит посещение галереи или музея и пристальное изучение некоторых полотен. Даже лучшие книги по искусству не способны воспроизвести текстуру в высокой степени. Ещё раз, это, как правило, классически подготовленные художники, которые преуспевают в различных текстурах и использовании impasto. Энгр даже выбрал бы определённые предметы (например, Вальпинконская купальщица 1808, Одалиска 1914), чтобы показать своё мастерство в захвате фактуры таких материалов, как перламутр и шёлк. В любом случае, то, насколько хорошо художник справляется с текстурой, является хорошим ориентиром для оценки его/ее техники рисования.

Кисть может быть плотной (медленной, точной, контролируемой) или рыхлой (более быстрой, более случайной, более экспрессивной). Это во многом определяется стилем и настроением картины, а не (скажем) темпераментом художника. Караваджо имел сильный горячий характер, но его картины были образцами контролируемой мазки. У Сезанна был медленный характер: он рисовал так медленно, что все фрукты в его натюрмортах гнили за недели до того, как он закончил. Тем не менее, мазок во многих его работах исключительно свободен. Обобщая, мы можем сказать, что мазки художников-реалистов имеют тенденцию быть более осознанными и более контролируемыми, чем у экспрессионистов. Когда в 1874 году импрессионисты провели свою первую выставку в Париже, критики и зрители были в ужасе от того, что они назвали «небрежностью» мазков. Они должны были стоять намного дальше от картин, прежде чем точное изображение приобрело форму. В наше время мы с импрессионизмом чувствуем себя достаточно свободно, но вначале его супер-рыхлый мазок вызвал скандал.

Когда дело доходит до оценки картины, возникает вопрос: что добавляет кисть?

Как оценить красоту в живописи?

Эстетика – предмет очень личный. Мы все видим вещи по-разному, в том числе «искусство», и особенно «красоту». Кроме того, живопись – это прежде всего визуальное искусство – то, что мы видим, а не думаем. Поэтому, если нас спросят, считаем ли мы картину красивой, мы, скорее всего, дадим довольно мгновенный ответ. Однако, если нас затем попросят оценить красоту (или её отсутствие) у картины – то есть объяснить и обосновать – это другая история. Итак, чтобы помочь вам проанализировать ситуацию, вот несколько вопросов, которые вы можете задать себе по поводу картины. Большинство касается гармонии, регулярности и баланса, которые видны.

Какие пропорции очевидны на картинке?
Греческое искусство и искусство эпохи Возрождения часто основывались на определённых правилах пропорций, которые соответствовали классическим взглядам на оптическую гармонию. Поэтому, может быть, красоту, которую вы видите (или нет), можно частично объяснить ссылкой на пропорции (предметов и фигур) в работе.

Определённые формы или узоры повторяются в картине?
По мнению психологов, повторение приятных форм, особенно в симметричных узорах, может расслабить глаз и мозг, заставляя нас чувствовать удовольствие.

Цвета, используемые в картине, дополняют друг друга?
Цветовые схемы с дополнительными оттенками или тональными вариациями известны своим привлекательным воздействием на чувства.

Вас привлекает картина?Поддерживает ли это ваше внимание?
Самые большие картины легче всего смотреть. Они привлекают наше внимание, а затем «указатели» направляют наш взгляд на работу.

Как картина сравнивается с другими?

Все относительно. Так как же картина перед вами сравнивается с похожими картинами того же художника? Если это зрелая работа, вы можете обнаружить, что она улучшается по сравнению с более ранними, и наоборот. Если вы не можете найти других работ того же художника, попробуйте посмотреть похожие работы других художников. В идеале, начать с работ, написанных в том же десятилетии, а затем постепенно двигаться вперёд во времени. Но не стоит сравнивать между собой слишком много картин.

Советы о том, как оценить абстрактное искусство

Абстрактные картины не так просто оценить. Это нормально, когда они следуют общей теме, такой как кубизм, или когда они включают узнаваемые черты, но чисто конкретное искусство, в котором используются только геометрические символы, имеет тенденцию быть слишком сложным для комфорта. Тем не менее, многие абстрактные художники внесли огромный вклад в современную культуру, и мы должны попытаться понять их. Итак, вот несколько советов.

Абсолютно абстрактная живопись освобождает нас, зрителей, от любых оптических ассоциаций с реальной жизнью. (Вот почему многие художники работают в абстрактной идиоме). Таким образом, нас ничто не отвлекает от живописи, и мы можем сосредоточиться исключительно на живописных аспектах работы: линии, форме, цвете, текстуре, мазке и т.д.

В частности, спросите себя: (1) Как художник делит холст? (2) Как художник направляет наш глаз и где он задерживается? (3) Как художник использует цвет для создания глубины, привлечения внимания или придания определённым формам особого значения? (4) Какие конкретные формы содержатся в работе и что, по вашему мнению, они значат? (5) Иногда абстрактные художники используют цвет очень экономно и намеренно создают минималистский образ. Если вы не можете много говорить о таких работах, не беспокойтесь: у всех с ними проблемы! Лучше всего исследовать одну конкретную работу и выяснить, что об этом думают именитые искусствоведы. Вам всё ещё может не нравиться это, но по крайней мере вы будете знать, что искать. (6) В целом абстрактные картины гораздо более сложные для понимания, чем другие работы. Они должны быть расшифрованы! Поэтому вместо того, чтобы поднимать руки и говорить: “Я не понимаю эту ужасную картину!”, относитесь к ней как к головоломке и посмотрите, сможете ли вы понять, к чему стремится художник.

Смотрите также: Как ценить картины.

Как оценить искусство: несколько заключительных вопросов

После изучения контекста картины и самой работы мы подходим к нескольким заключительным вопросам.

История художественной критики: известные критики

Вам не нужно ничего знать об искусствоведах или их истории, чтобы уметь ценить искусство. Так что мы не будем утомлять вас деталями. Тем не менее, несколько фрагментов могут помочь вам понять, что даже эксперты могут не иметь единого мнения, является ли картина гениальной работой или полным мусором.

Дени Дидро (1713-1784) считается отцом-основателем художественной критики из-за его редакции Энциклопедии (1751-1752). Сентиментальный в своём художественном вкусе, он сделал много важных вещей, большинство из которых слишком скучны, чтобы их упоминать.

Теофил Тор (1807-1869) более интересен: он был французским искусствоведом и историком, который «заново открыл» Яна Вермеера (1632-1675) и сделал его одним из величайших художников. Тем не менее, это не очень помогло Вермееру. Бедный человек едва мог оплатить свои счета за хлеб, не заработал денег на своей картине и упал в безвестность после ранней смерти.

Другим знаменитым искусствоведом был поэт XIX века Шарль Бодлер (1821-1867). Он вознёс карьеру Фелисьена Ропса (когда-нибудь слышали о нем?), а также выделил художника Константина Гая для особого упоминания (о нём также мало кто слышал). Он также был постоянным автором ежегодного Парижского салона, в котором старомодные власти запретили участвовать всем действительно хорошим художникам, которые в конечном итоге организовали ряд конкурирующих выставок, в том числе Салон отказа (1863), Салон независимости (1884-1914) и Осенний салон (1903-й год).

В Швейцарии и в немецкоязычном мире, пожалуй, величайшим историком искусства после Иоганна Винкельмана, был Джейкоб Буркхардт (1818-1897), профессор истории в Базельском университете. Его самая известная книга – «Цивилизация эпохи Возрождения в Италии» (Die Kultur der Renaissance in Italien), опубликованная в 1860 году, – исследовала совокупность итальянского Ринасцименто и оказала большое влияние на искусствоведов 19-го века.

В Англии величайшим искусствоведом XIX века был Джон Раскин (1819-1900). Талантливый художник и прекрасный писатель, которого помнили за классику, такую как его 5-томник «Современные художники» (1843–60), «Семь светил архитектуры» (1849) и 3-томник «Камни Венеции» (1851–3). Со временем он сошёл с ума, но не раньше, чем он проиграл известное дело о клевете Уистлеру.

Смотрите также: Величайшие современные картины.

Роджер Фрай (1866-1934) был очень влиятельным английским искусствоведом, у которого был прекрасный медлительный голос. Он приобрёл репутацию эксперта по итальянскому ренессансу и стал куратором картин в Метрополитен-музее в Нью-Йорке (1906-10). Однако в 1907 году Фрай «открыл» Сезанна и переключил свой интерес на постимпрессионизм. В Лондоне в 1910 и 1912 годах он курировал две плодотворные выставки постимпрессионизма. Многие посетители думали, что Фрай был безумен. Его главным апостолом был писатель, искусствовед и формалист Клайв Белл (1881-1964).

Герберт Рид (1893-1968) был известным английским искусствоведом 20-го века и выдающимся интерпретатором современного искусства. Опубликовал множество работ, в том числе «Значение искусства» (1931), «Искусство сейчас» (1933), «Образование через искусство» (1943), «Краткая история современной живописи» (1959) и «Краткая история современной скульптуры» (1964).

Вернувшись во Францию, ведущим искусствоведом начала 20-го века был поэт Гийом Аполлинер (1880-1918). Блестящий пропагандист Пикассо, Кубизма, Орфизма, Марка Шагала, Джорджо де Кирико, Андре Дерена, Анри Матисса, Анри Руссо и Марселя Дюшана. Его художественная оценка была безупречна.

У сюрреализма были свои собственные пропагандисты, такие как Андре Бретон (1896–1966), который, во времени начала Второй мировой войны, как и многие художники, покинул Париж и уехал в Нью-Йорк становившимся новым мировым центром искусства. Его ведущими искусствоведами были Клемент Гринберг (1909–1994), Гарольд Розенберг (1906–1978), Джон Кэнэдай (1907–1985). Гринберг, бывший троцкист, предпочитал абстрактные работы, такие как картины Джексона Поллока. Он написал книгу «Искусство и культура» (1961), а также монографии о Миро (1948) и другие. К сожалению, хотя он, конечно, знал, как ценить живопись, большая часть авангардного искусства которое ему так сильно понравилось, он описывал как не поддающееся расшифровке. Розенберг, как и Гринберг, был последователем авангардной абстракции. Кэнэдай, арт-обозреватель New York Times, был одним из немногих влиятельных критиков абстрактного экспрессионизма.

Кеннет Кларк (1903-1983), несмотря на то, что являлся большим традиционалистом, чем большинство критиков 20-го века, был, пожалуй, самым влиятельным, благодаря его созданию отмеченного наградами сериала BBC TV «Цивилизация». Сериал был весьма успешным в Великобритании и в США.

Невозможно оценить все искусство

Французский импрессионизм – одно из самых успешных и влиятельных художественных движений всех времён. Тем не менее, в начале он был встречен насмешками не только критиков, но и всех слоёв зрителей. Моне, Ренуар и Писсарро почти голодали. Сислей умер в бедности.

Весной 1913 года Armory Show – величайшая выставка современного искусства, когда-либо до этого проходившая в Соединённых Штатах – была проведена в Манхэттене перед показом в Чикаго и Бостоне. Около 300 000 американцев увидели 1300 экспонатов, на которых была представлена самая современная европейская живопись, а также подборка лучших произведений современного американского искусства. Мнения очень разные, особенно когда дело доходит до кубизма и других работ 20-го века. В ответ вспыхнули беспорядки, и артист Марсель Дюшан подвергся физическому нападению со стороны толпы, которая была полна решимости сжечь шоу.

Урок? Не все искусство высокого качества легко ценится или понимается.