Авангардное искусство читать ~11 мин.

В изобразительном искусстве термин «авангард» (от французского avant-garde, «передовой отряд») используется для описания художника, группы или стиля, которые считаются новаторскими и значительно опережающими своё время в технике, тематике или подходах. Это определение достаточно расплывчато, поскольку нет единого мнения о том, кто решает, опередил ли художник свою эпоху, и что именно означает «опережать». Другими словами, авангардность подразумевает освоение новых художественных методов и эксперименты с техниками ради создания лучшего искусства. Акцент здесь делается на осознанном намерении, ведь вряд ли художник или скульптор может стать авангардистом случайно. Но что такое «лучшее» искусство? Означает ли это, что произведение становится более эстетичным? Более осмысленным? Или что в нём используются более яркие краски? Эти вопросы можно продолжать бесконечно.

Возможно, лучше всего объяснить суть авангардного искусства через аналогию с медициной. Подавляющее большинство врачей придерживаются общепринятых протоколов лечения. Однако небольшая группа медиков и исследователей экспериментирует с радикально новыми методами — это и есть аналог художников-авангардистов. Большинство таких экспериментов ни к чему не приводят, но некоторые навсегда меняют ход развития медицины. Подобное влияние на искусство оказал, например, кубизм Пикассо и Брака.

Радикальный, даже подрывной

Считается, что этот термин впервые применил к изобразительному искусству в начале XIX века французский мыслитель Анри де Сен-Симон. Он утверждал, что художники служат авангардом общественного прогресса, опережая учёных и другие социальные классы.

Однако с начала XX века термин приобрёл оттенок радикализма. Он стал подразумевать, что по-настоящему авангардные художники должны бросать вызов художественному статус-кво: его эстетике, интеллектуальным устоям или методам производства, — что порой граничило с подрывной деятельностью. С этой точки зрения, дадаизм (1916–1924) можно считать эталонным примером авангарда в визуальном искусстве, поскольку это течение поставило под сомнение многие фундаментальные основы западной цивилизации.

История авангардного искусства

Итальянское Возрождение было, вероятно, одной из самых авангардных эпох в истории живописи и скульптуры. Персонажи Святого Семейства изображались в совершенно естественной манере, что было радикальным отходом от византийского и готического искусства. Кроме того, нагота стала не просто приемлемой, а высочайшей формой изображения — свидетельством тому фреска «Изгнание из рая» Мазаччо (ок. 1425, капелла Бранкаччи, Флоренция) и новаторская бронзовая скульптура «Давид» Донателло (ок. 1440, музей Барджелло, Флоренция).

Несмотря на кратковременный расцвет творчества Караваджо, оживившего гуманистическую традицию своими реалистичными изображениями Христа и святых, и Джузеппе Арчимбольдо с его причудливыми портретами из овощей и фруктов, новаторский дух Ренессанса постепенно сменился повторением, подражанием и конформизмом.

Великие европейские академии изящных искусств, поддерживаемые церковью, ввели свод строгих правил и условностей, игнорировать которые художники могли лишь на свой страх и риск. Отступникам от канонов отказывали в участии в Салонах и других официальных выставках. Пожалуй, только в Голландии сохранялся подлинный дух художественного поиска, который нашёл выражение в глубоких и выразительных портретах Рембрандта и в новом типе жанровой живописи, мастерски представленной Яном Вермеером и другими художниками.

Лишь после того, как улеглась пыль Французской революции, художники вновь начали экспериментировать. Процесс начался с пейзажной живописи. Коро и другие представители барбизонской школы положили начало пленэрной живописи; немецкий художник-романтик Каспар Давид Фридрих наполнил свои пейзажи новым мистическим содержанием; а английский гений Уильям Тёрнер поднял этот жанр на ещё более высокий и экспрессивный уровень. Историческая живопись тоже стала авангардной благодаря таким работам, как «Третье мая 1808 года» Гойи (1814, Прадо, Мадрид), в которой нет ни героев, ни возвышенного посыла.

Следующей по-настоящему авангардной школой стал импрессионизм — первое крупное направление современного искусства, которое перевернуло академические представления о цвете. Внезапно трава могла стать красной, а стога сена — синими, в зависимости от мимолётного впечатления художника от солнечного света. Сегодня импрессионизм кажется мейнстримом, но в 1870-е годы и публика, и художественный истеблишмент были шокированы. В их понимании трава была зелёной, стога сена — жёлтыми, и точка.

Авангардное искусство начала XX века

Первые три десятилетия XX века породили целую волну революционных течений и стилей. Сначала появился фовизм (1905–1908), чьи цветовые решения были настолько драматичными и неестественными, что его представителей прозвали «дикими зверями». Затем аналитический кубизм (1908–1912) — вероятно, самое интеллектуальное из всех авангардных движений — отверг традиционную линейную перспективу в пользу акцента на двухмерной плоскости холста, эпатировав тем самым художественные академии Европы, а заодно и посетителей парижского Салона Независимых и нью-йоркской Арсенальной выставки (1913). Тем временем в Дрездене, Мюнхене и Берлине передовым стилем стал немецкий экспрессионизм, который исповедовали группы Die Brücke («Мост», 1905–1913) и Der Blaue Reiter («Синий всадник», 1911–1914), а в Милане футуризм представил своё уникальное сочетание динамики и современности.

Важными дилерами и меценатами, поддерживавшими авангард в Париже и за его пределами в первой половине XX века, были Амбруаз Воллар (1866–1939), Даниель-Анри Канвейлер (1884–1979), Поль Гийом (1891–1934), а также коллекционеры Соломон Гуггенхайм (1861–1949) и Пегги Гуггенхайм (1898–1979). В Германии главным центром экспрессионистского авангарда была берлинская галерея «Штурм» (Der Sturm), основанная Хервартом Вальденом.

Но самым иконоборческим движением всех времён, пожалуй, остаётся дадаизм. Основанное Тристаном Тцара (1896–1963) в Цюрихе в 1916 году, оно затем распространилось в Париже, Берлине и Нью-Йорке. Дадаисты отвергали большинство буржуазных ценностей, в том числе в искусстве, предпочитая им пьянящую смесь анархизма и радикальных инноваций.

Последние включали ряд подрывных идей, которые сегодня стали частью мейнстрима: например, создание «бросового искусства» из «найденных объектов» (у Дюшана это были «реди-мейды») и трёхмерных коллажей (как «Мерцбау» Курта Швиттерса). Можно сказать, что дадаисты изобрели перформанс, хеппенинг и концептуальное искусство, более чем на пятьдесят лет опередив своих преемников-постмодернистов. Менее радикальным наследником дадаизма стал сюрреализм, который, при всей своей зрелищности, не смог сохранить тот же импульс к разрушению устоев.

После дадаистов, пожалуй, только голландский художник Пит Мондриан с его геометрической абстракцией в стиле De Stijl (неопластицизм) был столь же последовательно экспериментальным. В скульптуре авангард ярко представляли модернист Константин Бранкузи, футурист Умберто Боччони, художник-кинетист Александр Колдер и британский скульптор Барбара Хепуорт, которая в своей знаменитой работе 1931 года «Пронзённая форма» ввела «отверстие» в искусство скульптуры.

Авангардное искусство середины XX века

В 1940-е годы и позднее авангардизм проявлялся урывками. Отчасти это объясняется доминированием абстрактного искусства, в котором оставалось мало пространства для принципиально нового. Правда, в Америке Джексон Поллок (1912–1956) изобрёл живопись действия, Марк Ротко (1903–1970) наделил свои абстрактные композиции цветовыми эмоциями, а Роберт Мазервелл и Барнетт Ньюман — нарративом. Но к середине 1960-х абстракция исчерпала себя.

Минимализм упорядочил её и попытался придать ей более мощный посыл, но не нашёл широкого отклика у публики. Зрители предпочли поп-арт — новую эстетику 60-х, которая внезапно сделала искусство снова доступным. Однако, за исключением нескольких выдающихся мультимедийных художников, таких как Роберт Раушенберг и Энди Уорхол, и, возможно, скульптора Класа Ольденбурга, поп-арт оставался модным, но в целом предсказуемым. (Подробнее см. Поп-арт Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых годов).

Тем временем в Италии конца 1960-х годов движение Arte Povera («бедное искусство») подчеркнуло свой экспериментальный характер использованием скромных, «бедных» материалов в ассамбляжах, инсталляциях и перформансах. В Америке деревянные ассамбляжи Луизы Невельсон (1899–1988) и «накопления» Армана (1928–2005) дополнили поп-культуру. В то же время в Европе 1950-х и начала 1960-х авангардные тенденции проявились в творчестве художников-экспериментаторов Жана Дюбюффе (см. ар брют) и Ива Кляйна, а также швейцарского скульптора Жана Тенгели (1925–1991), который вместе с Александром Колдером развивал кинетическое искусство.

Влиятельной фигурой в американском авангарде 1940-х и 50-х годов был композитор и художник Джон Кейдж (1912–1992). Известный своей революционной музыкальной композицией «4′33″» (в которой не звучит ни одной ноты), Кейдж преподавал в колледже Блэк-Маунтин и оказал влияние на таких художников, как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс.

Авангардное искусство конца XX века

Искусство постмодернизма, появившееся в конце 1960-х – начале 1970-х годов, породило совершенно новые формы современного искусства, которые почти по определению были авангардными. К этим новым формам относятся: феминистское искусство, популяризированное Джуди Чикаго (р. 1939) и Кэроли Шниман (1939–2019); художественная фотография, представленная работами Роберта Мэпплторпа (1946–1989) и Нэн Голдин (р. 1953); искусство инсталляции, примерами которого служат работы Йозефа Бойса (1921–1986), Брюса Наумана (р. 1941) и Мартина Крида (р. 1968); видеоарт, пионером которого был Билл Виола (р. 1951); концептуальное искусство, характерное для творчества Сола Левитта (1928–2007), Евы Гессе (1936–1970) и Джозефа Кошута (р. 1945); перформанс и родственный ему хеппенинг, представленные Алланом Капроу (1927–2006), Ивом Кляйном (1928–1962), Гилбертом и Джорджем и движением «Флюксус». Одной из новейших творческих практик является экстремальная форма боди-арта, примером которой служат рискованные перформансы сербской художницы Марины Абрамович (р. 1946).

Информацию о лучших площадках для авангардного искусства по всему миру см.: Лучшие галереи современного искусства.

В конце 1980-х и в 1990-е годы в Великобритании возникла авангардная группа, известная как «Молодые британские художники» (YBA). В неё входили лауреаты премии Тёрнера Марк Уоллингер (р. 1959), Рэйчел Уайтред (р. 1963), Джиллиан Уиринг (р. 1963), Дэмиен Хёрст (р. 1965), Дуглас Гордон (р. 1966), Крис Офили (р. 1968) и Стив Маккуин (р. 1969).

Другим не менее известным и неоднозначным членом группы была Трейси Эмин (р. 1963). Эти молодые художники-постмодернисты вызвали огромные споры своим вызывающим, даже подрывным подходом к тематике и использованию материалов (слоновий навоз, личинки, мёртвая акула, человеческая кровь), что шокировало как художественных критиков, так и публику. Несмотря на это, их авангардный подход оживил британское искусство и принёс им огромную популярность, включая покровительство Чарльза Саатчи, ведущего британского коллекционера, многочисленные выставки в его знаменитой галерее Саатчи и скандальную выставку Sensation (1997) в Королевской академии художеств в Лондоне.

О других выставках постмодернистских работ по всему миру см.: Лучшие фестивали современного искусства.

Кто самый авангардный художник в мире?

На этот вопрос невозможно дать однозначный ответ, поэтому мы просто назовём наших главных кандидатов. В их число входят: Уильям Тёрнер (художник, опередивший своё время на 50 лет); Клод Моне (первый революционер современной живописи); Илья Репин (как один из передвижников, бросивших вызов академизму и показавших подлинную жизнь России); Пабло Пикассо (за его мастерство в фигуративном и абстрактном искусстве); Марсель Дюшан (пионер дадаизма и искусства объекта, из которого выросло концептуальное искусство); художественный тандем Кристо и Жанны-Клод (empaquetage, или искусство упаковки); Энди Уорхол (первый и, возможно, величайший постмодернист); Гилберт и Джордж (живые скульптуры); Дэмиен Хёрст (величайший мастер самопродвижения в искусстве) и, конечно, граффити-художник Бэнкси.

В области архитектуры в число главных кандидатов входят: Ле Корбюзье (Шарль-Эдуард Жаннере, 1887–1965), пионер функционализма и брутализма; и Фрэнк О. Гери (р. 1929), яркий представитель деконструктивизма в Америке и Европе.

Какие картины XX века самые авангардные?

Вот наш список, составленный в хронологическом порядке:

«Авиньонские девицы» (1907) Пабло Пикассо
«Гармония в красном» («Красная комната») (1908) Анри Матисса
«Обнажённая, спускающаяся по лестнице, № 2» (1912) Марселя Дюшана
«Чёрный супрематический квадрат» (1915) Казимира Малевича (примечание: в некоторых источниках указывается 1913 год, но канонической датой создания считается 1915-й)
«Предчувствие гражданской войны» («Мягкая конструкция с варёными бобами») (1936) Сальвадора Дали
«Бродвейское буги-вуги» (1942–43) Пита Мондриана
«Номер 6» (1948) Джексона Поллока
«Жёлтое и золото» (1956) Марка Ротко
«Синий монохром» (1961) Ива Кляйна

Какие скульптуры XX века самые авангардные?

Вот наши предложения:

«Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913, бронза) Умберто Боччони
«Фонтан» (1917, писсуар) Марселя Дюшана
«Птица в пространстве» (1923, бронза) Константина Бранкузи
«Мерцбау» (ок. 1923–1937, 3D-коллаж) Курта Швиттерса
«Пронзённая форма» (1931) Барбары Хепуорт
«Меховой чайный прибор» (1936) Мерет Оппенгейм
«Небесный собор» (1958, окрашенное дерево) Луизы Невельсон
«Посвящение Нью-Йорку» (1960, саморазрушающаяся конструкция) Жана Тенгели
«Без названия (Стопка)» (1967, лакированное железо) Дональда Джадда
«Тысяча лет» (1990, инсталляция) Дэмиена Хёрста
«Яблочный огрызок» (1992) Класа Ольденбурга
«Щенок» (1992, сталь, растения, земля) Джеффа Кунса
«Моя кровать» (1998, инсталляция) Трейси Эмин
«Работа № 227: Свет включается и выключается» (2001, концептуальное искусство) Мартина Крида
«Контролёр Вселенной» (2007, инструменты и проволока) Дамиана Ортеги