Феминистское искусство читать ~12 мин.

Феминистское искусство — это форма постмодернистского искусства, возникшая в рамках движения за освобождение женщин в США и Великобритании в конце 1960-х годов. Его целью было обеспечить женщинам справедливое и законное место в мире искусства. В широком смысле оно стремилось изменить существующие культурные установки и стереотипы.

Например, это направление искусства побуждало зрителя ставить под сомнение устоявшийся порядок, где доминируют мужчины, и тем самым способствовать достижению большего равенства. Художницы-феминистки стремились расширить свои возможности и роль в американской арт-системе, а также переосмыслить историю искусства с более благоприятной для женщин точки зрения. В целом, они сознательно избегали традиционных видов искусства, где исторически преобладали мужчины, таких как живопись и скульптура, хотя некоторые из них (Нэнси Сперо, Мириам Шапиро, а позднее Кики Смит и Дженни Савилл) достигли выдающихся успехов и в этих областях. Вместо этого они осваивали более новые формы современного искусства, включая концептуальное искусство и видео (Дорис Тоттен Чейз, Дара Бирнбаум, Марта Рослер, Морин Коннор). Также популярностью пользовались боди-арт (Кароли Шниман, Марина Абрамович) и связанный с ним перформанс (Рэйчел Розенталь, «художница по обслуживанию» Мирл Ладерман Юкелес, Йоко Оно, Ана Мендьета). Среди других направлений, которые исследовали феминистки, были фотография (Синди Шерман, Лори Симмонс, Нан Голдин), фотомонтаж (Анита Штекель), инсталляция (Джуди Чикаго), а также дизайн, в особенности графика (Шейла Леврант де Бреттевиль, Барбара Крюгер) и искусство текста (Дженни Хольцер).

Зародившись как протестное движение за гендерное равенство в искусстве, феминизм добился значительных успехов, создав больше возможностей для женщин и художниц из меньшинств. Движение способствовало появлению множества альтернативных арт-пространств и убедило крупные художественные институции и музеи уделять больше внимания творчеству женщин. Тем самым оно проложило путь для последующих поколений современных художниц по всему миру. В результате с 1990-х годов ведущие художницы начали отходить от прямолинейной феминистской повестки, сосредотачиваясь в большей степени на собственном искусстве. Как однажды заметила итальянская художница Леонор Фини (1908–1996), “я художник, а не женщина-художник”.

История

Первая волна феминизма началась в начале XX века с движения суфражисток. С тех пор ряд художниц поднимали гендерные вопросы, не всегда причисляя себя к «феминисткам». Среди них были импрессионистка Мэри Кассатт, создавшая фреску на тему «Современная женщина» (1893) для Всемирной Колумбовой выставки в Чикаго; художница фотомонтажа Ханна Хёх, мексиканка Фрида Кало и скульптор Кете Кольвиц. Все они затрагивали темы власти и гендерной репрезентации. Художница немецкого происхождения Ева Гессе, художница-ассамбляжистка русского происхождения Луиза Невельсон и французский скульптор Луиза Буржуа создавали образы, связанные с темами дома и женского тела.

Феминистское искусство в 1960-х и 1970-х годах

Собственно феминистское искусство зародилось в США и Великобритании в конце 1960-х годов, во время так называемой «второй волны» феминизма. Активистки этого периода исследовали «женский опыт», позировали обнажёнными в образе богинь и смело использовали в творчестве вагинальные образы и менструальную кровь. Они обращались к таким техникам, как вышивка и другие ремёсла, а также продвигали идею о том, что искусство — это совместный, а не индивидуальный труд.

На практическом уровне движение преследовало три цели: (1) облегчить женщинам-художницам возможность выставлять свои работы; (2) организовать образовательные программы по женскому искусству; (3) создать ряд женских художественных организаций и журналов. С этой целью были основаны различные группы, включая «Женщины-художники в революции» (WAR) и «Галерею A.I.R.», для решения проблем феминисток в художественном сообществе. Эти группы оказывали давление на ведущие нью-йоркские музеи, включая Музей современного искусства (MoMA) и Музей американского искусства Уитни, требуя увеличить долю выставок художниц. Одновременно движение создало несколько площадок, посвящённых исключительно женскому искусству, таких как Женский интерактивный центр в Нью-Йорке (1970) и Женское здание в Лос-Анджелесе, где располагалась Феминистская студия-мастерская (FSW), основанная Джуди Чикаго, Шейлой Леврант де Бреттевиль и искусствоведом Арлин Равен.

Кроме того, в 1970 году в Государственном колледже Фресно Джуди Чикаго вела первый в США курс, посвящённый исключительно женскому искусству. Среди её учениц были Дори Атлантис, Гейл Эскола, Сюзанна Лейси, Кей Лэнг, Карен Лекок, Джен Лестер, Крис Раш, Джуди Шефер, Генриетта Спаркман, Фэйт Уилдинг, Нэнси Юдельман, Шерил Зурилген и другие. В 1971 году Чикаго и Мириам Шапиро основали Программу феминистского искусства в Калифорнийском институте искусств.

Также были запущены феминистские периодические издания, в том числе «Feminist Art Journal» (Нью-Йорк, 1972), «Women’s Art Journal» (Ноксвилл, 1980) и «Women’s Art Magazine» (Лондон, 1986). Для обсуждения и распространения идей феминизма организовывались конференции. Двумя важными событиями стали Конференция женщин-художников Западного побережья в Калифорнийском институте искусств (январь 1972 года) и Конференция по проблемам женщин в изобразительном искусстве в Школе искусств Коркоран в Вашингтоне (апрель 1972 года).

Активистские мероприятия, совмещённые с перформансом, также были характерной чертой американского феминизма. Например, в мае 1977 года художницы-феминистки Сюзанна Лейси и Лесли Лабовиц провели серию перформансов на ступенях мэрии Лос-Анджелеса, посвящённых сексуализированному насилию в отношении женщин. Перформанс включал карту изнасилований в городе, а также советы по самообороне.

В то же время ряд женщин-искусствоведов помогли движению поднять более широкие вопросы, такие как критика стереотипа о «художнике-мужчине» и представления о неспособности женщин создавать искусство высокого уровня. Целью было пересмотреть принципы эстетики и оценки искусства, до сих пор сформулированные мужчинами, сделав их гендерно-нейтральными. Важный вклад в это внесли Линда Нохлин, автор влиятельного эссе «Почему не было великих художниц?» (Art News, 1971), и Жермен Грир, написавшая книгу «Гонка с препятствиями» (1979). В Англии — где Маргарет Харрисон ещё в 1970 году основала Лондонскую женскую освободительную художественную группу — аналогичную кампанию вели искусствоведы Гризельда Поллок и Розсика Паркер. В 1973 году они создали Женский коллектив истории искусства, чтобы проанализировать и исправить ситуацию с отсутствием женщин в каноне истории искусства. Они исследовали язык историков искусства с его гендерно-окрашенными терминами, такими как «шедевр» и «старый мастер». Они также изучали роль женской наготы в западном каноне и пытались понять, почему мужчин и женщин в искусстве представляли (и представляют) настолько по-разному.

Кроме США и Великобритании, феминистские художественные движения возникли в Канаде, Европе (Дания, Норвегия, Россия, Испания, Швеция), Австралии, Японии и Латинской Америке.

Феминистское искусство в 1980-х годах

Новый консерватизм 1980-х, воплощённый политикой Рейгана и Тэтчер, положил конец радикальному идеализму 70-х. Феминистское искусство продолжало развиваться, но уже не как часть широкого движения. Вместо этого художницы стремились переосмыслить понятия женственности и феминности, рассматривая их как набор моделей поведения, принятых женщинами для соответствия социальным ожиданиям.

В 1980-е годы произошли три примечательных события. Во-первых, появилась активистская группа «Guerrilla Girls» («Партизанки»), которая анонимно, в масках горилл, проводила акции протеста и плакатные кампании. Во-вторых, художницы, такие как Барбара Крюгер и Дженни Хольцер, начали использовать образы и слоганы из рекламы для продвижения феминистских социальных идей. В-третьих, огромного успеха добились художницы из движения «Молодые британские художники» в конце 1980-х и начале 90-х. Три из них — Рэйчел Уайтред, Джиллиан Уиринг и Томма Абтс — стали лауреатами премии Тёрнера. Ряд других — ассамбляжистка Сара Лукас, фотограф Сэм Тейлор-Вуд, живописцы Фиона Рэй и Дженни Савилл, инсталляционистки Трейси Эмин, Аня Галлаччио и Джорджина Старр — получили известность в самых разных областях.

Феминистское искусство в 1990-е годы

Среди более теоретически ориентированных художниц-феминисток конца 1980-х и 1990-х годов были: концептуалистка Мэри Келли, ныне профессор искусства Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе, чьи работы опираются на марксизм и психоанализ; современный немецкий фотограф Катарина Зивердинг, которая использует макияж и роспись по лицу для исследования гендерных границ; немецкая мультимедийная художница Иза Генцкен, известная своими ассамбляжами из бытовых предметов; американская постмодернистка Линда Бенглис, прославившаяся восковыми картинами и скульптурами из застывшего латекса; английская художница-концептуалистка Хелен Чедвик (1953–1996), известная феминистскими перформансами и инсталляциями, но, возможно, наиболее прославившаяся работами, в которых она фотокопировала своё тело рядом с мёртвыми животными.

Феминистское искусство в XXI веке

Рост индивидуализма в искусстве XXI века продолжает ослаблять прямолинейное феминистское послание. Несмотря на это, прогресс в достижении равенства для женщин наблюдается как в Северной Америке, так и на мировом уровне. Этому способствовали несколько крупных выставок, в том числе «WACK! Искусство и феминистская революция» (2007), в которой приняли участие более 120 художниц из США и других стран.

Незадолго до этого, в 2006 году, в Университете Ратгерса (Нью-Джерси) был запущен «Проект феминистского искусства» — веб-сайт и информационный ресурс для художников и учёных. В 2009 году оригинальная программа феминистского искусства была отмечена ретроспективой под названием «A Studio of Their Own: The Legacy of the Fresno Feminist Experiment», которая прошла в художественной галерее Phebe Conley в кампусе Фресно в Калифорнии.

В июне 2011 года в США вышел документальный фильм «!Женская художественная революция» режиссёра Линн Хершман Лисон. Основанный на интервью и архивных материалах с участием художниц, историков, кураторов и критиков, фильм исследует ключевые события в феминистском искусстве 1970-х годов и рассказывает о многих пионерах движения — Марине Абрамович, Джуди Чикаго, Миранде Джулай, Барбаре Крюгер, Йоко Оно, Ивонн Райнер, Б. Руби Рич, Мириам Шапиро, Кароли Шниман, Синди Шерман, Энгрид Сиши, Марсии Такер и группе «Guerrilla Girls», — которые сделали это движение возможным.

Некоторые известные произведения феминистского искусства

К известным произведениям художников-феминистов относятся:

«Ритм 0» (1974) Марина Абрамович (р.1946)
Перформанс

Один из самых известных перформансов сербской художницы из Нью-Йорка. В течение шести часов она неподвижно стояла в окружении 72 предметов, которые, как гласила инструкция, зрители могли использовать в отношении неё по своему усмотрению. Некоторые предметы могли доставить удовольствие (роза, мёд, перо), другие — причинить боль (кнут, ножницы, скальпель, пистолет с одной пулей). Этот перформанс, возможно, является высшим выражением женской пассивности — что парадоксально для феминизма — и проверяет реакцию аудитории, утверждая личность художницы через действия других. К концу перформанса одежда на Абрамович была срезана, её тело было поцарапано, а один из зрителей приставил к её голове заряженный пистолет.

«Семиотика кухни» (1975) Марта Розлер (р. 1943)
Черно-белое видео со звуком
(Примечание: «семиотика» — наука о знаках и знаковых системах)

Это 6-минутное видео, считающееся культовым произведением феминистского видеоарта, пародирует телевизионные кулинарные шоу. Его цель — разрушить стереотипные представления о роли женщины в доме и её образе в СМИ. Розлер, выступая в роли ведущей, демонстрирует кухонную утварь, находя для каждого предмета непродуктивное, а порой и агрессивное применение. Видео показывает, как бытовая рутина способствует закреплению гендерного неравенства, и отражает внимание художницы к повседневной жизни женщин.

«Званый ужин» (1979) Джуди Чикаго (р.1939)
Инсталляция. Центр феминистского искусства Элизабет А. Саклер, Бруклинский музей, Нью-Йорк

Эта инсталляция, один из самых известных образцов феминистского искусства, находится в постоянной экспозиции Бруклинского музея. Она представляет собой массивный треугольный стол, сервированный для 39 выдающихся женщин из истории и мифологии. Каждый столовый прибор включает керамический потир, столовые приборы и фарфоровую тарелку, украшенную рельефным узором, символизирующим вульву. Кроме того, на керамических плитках «Пола наследия», на котором стоит стол, начертаны имена ещё 999 выдающихся женщин. Кроме исторического феминистского послания, работа прославляет ценность ремёсел и декоративно-прикладного искусства (таких как работа с текстилем, металлом, вышивкой и керамикой) в противовес «высокому» изобразительному искусству, где доминировали мужчины. В создании «Званого ужина» участвовало более 100 художников и ремесленников, что иллюстрирует феминистскую идею отказа от концепции художника как гения-одиночки в пользу коллективного творчества.

«Без названия (Кадр из фильма №3)» (1977) Синди Шерман (р. 1954)
Музей современного искусства, Нью-Йорк

Этот фотографический автопортрет, на котором художница предстаёт в образе прихорашивающейся домохозяйки, является частью её знаменитой серии автопортретов «Кадры из фильмов без названия» (1977–1980). Её героиня не «реальна», но отражает культурные стереотипы, которые управляют нами: представления о сексуальности, красоте и власти. Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрёл все 69 чёрно-белых фотографий этой серии примерно за 1 миллион долларов.

«Мисти и Джимми Полетт в такси, Нью-Йорк» (1980), Нэн Голдин (р. 1953)

Эта фотография, запечатлевшая дрэг-квин на заднем сиденье автомобиля, — пример внимания художницы к жизни и любви маргинальных сообществ Нью-Йорка. Работы Голдин исследуют стереотипы социального и сексуального поведения и являются частью общей тенденции 1980-х годов к документированию жизни за пределами общепринятых культурных норм.

«Я покупаю, значит я существую» (ок. 1990) Барбара Крюгер (р. 1945)

Эта фотолитография с потребительским лозунгом — пример графического искусства Крюгер, которое ставит под сомнение социальные стереотипы, особенно касающиеся женщин. Другой пример её работы — плакат с надписью «77 процентов лидеров движения против абортов — мужчины; 100 процентов из них никогда не забеременеют».

«Моя кровать» (1998) Трейси Эмин (р. 1963)
Коллекция Саатчи, Лондон (демонтирована)

Созданная в 1998 году, эта инсталляция вошла в шорт-лист премии Тёрнера, но не получила её. Работа представляет собой кровать художницы в том виде, в каком она была оставлена однажды утром. Инсталляция получила известность благодаря откровенному характеру сопутствующих предметов: смятых простыней со следами телесных жидкостей, использованных презервативов, белья с пятнами менструальной крови и другого бытового мусора. Постмодернистская эстетика работы заключается в её личном повествовании и использовании нетрадиционных материалов.

О ведущих музеях и арт-площадках читайте в статье: Лучшие галереи современного искусства.
О лучших мировых фестивалях см.: Лучшие фестивали современного искусства.