Визуальное искусство читать ~6 мин.

«Визуальное искусство» – это современный, но неточный обобщающий термин для широкой категории искусств, включающей множество художественных дисциплин из различных подкатегорий. Его широта делает практически бессмысленными любые попытки дать ему одно общее определение. Поэтому, вместо того чтобы формулировать расплывчатое значение, мы перечислим входящие в него дисциплины. (См. также: Виды искусства.)

Что включает в себя визуальное искусство?

Определения визуального искусства обычно включают следующее:

1. Изобразительное искусство
Всё изобразительное искусство относится к общей категории визуальных искусств. К нему относятся такие направления, как рисунок, живопись, эстамп и скульптура. Сюда же входят и смежные дисциплины: графика, иллюминирование рукописей, книжная иллюстрация, каллиграфия и архитектура.

2. Современное искусство
Визуальное искусство также включает в себя ряд современных художественных форм, таких как ассамбляж, коллаж, различные смешанные техники, концептуальное искусство, инсталляция, хэппенинги и перформанс. Наряду с ними идут плёночные и цифровые техники: фотография, видео-арт и анимация или любая их комбинация. В эту группу также входят высокотехнологичные дисциплины, такие как компьютерная графика и печать жикле. Ещё одним современным направлением является ленд-арт, который включает в себя и недолговечные формы, например, ледяные или снежные скульптуры и (условно) граффити.

3. Декоративное искусство и ремёсла
Кроме того, в общую категорию визуальных искусств входит ряд дисциплин декоративного искусства и ремёсел. В их числе керамика (включая художественную), мозаика, гобелены, мобили, изделия из стекла (в том числе витражи) и другие.

4. Другие
В более широких определениях визуального искусства иногда упоминаются такие области прикладного искусства, как графический дизайн, дизайн одежды и дизайн интерьера. Кроме того, новые виды боди-арта также могут подпадать под эту общую рубрику. К ним относятся татуировки, раскрашивание лица (аквагрим) и роспись по телу.

ЧТО ТАКОЕ ИСКУССТВО?
Для объяснения эстетических проблем, связанных с изобразительным искусством, см.: Определение и значение искусства.

ВИДЫ ИСКУССТВА
О произведениях искусства, созданных из утилизируемых материалов, см.: Джанк-арт (Junk Art). О картинах и скульптурах, выполненных художниками, не относящимися к мейнстриму, см. искусство аутсайдеров. О работах душевнобольных: Арт-брют.

АБСТРАКЦИЯ
Общее руководство по формам нерепрезентативного искусства см.: Абстрактное искусство. О геометрической абстракции здесь: Конкретное искусство, и здесь: непредметное искусство.

КАК ОЦЕНИТЬ КАРТИНУ
Прочтите нашу статью для студентов и преподавателей о признании: Оценка искусства: как ценить искусство и Как ценить картины.

ИСТОРИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
О важных датах развития изобразительного и других видов искусства см.: История искусства.

История художественной классификации

Новая профессия художника

Хотя различные формы визуального искусства практиковались на протяжении тысячелетий, роль «художника» в современном понимании возникла сравнительно недавно. Во времена классической античности, а также в византийскую, каролингскую, оттоновскую, романскую и готическую эпохи к художникам и скульпторам относились как к простым ремесленникам – малярам или резчикам. Позже, в эпоху Возрождения, благодаря таким личностям, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, профессия «художник» была поднята на новый, более высокий уровень. Это отражало возросшую важность элемента «дизайна» – или «disegno». Художники и скульпторы неожиданно получили особый статус, равный статусу архитекторов. Эта ситуация в основном сохранилась и по сей день, за исключением того, что к ним присоединились художники, работающие с инсталляцией, видео-артом, концептуальным искусством и т. п. Некоторые ремёсла также входят в сферу визуального искусства, хотя большинство из них по-прежнему финансируются именно как «ремёсла», а не как «искусство».

Академическое искусство

Начиная с эпохи Возрождения, этот новый статус отразился и в системе образования, основанной на сети Академий изящных искусств. Они провозгласили особую форму – «академическое искусство». Эта система содержала строгие правила создания произведений, в основном картин и скульптур. Такие элементы, как сюжет, форма, идея, композиция и цвет, строго регламентировались. Несоблюдение правил означало исключение из престижных ежегодных выставок, организуемых академиями. Поскольку участие в этих выставках часто было единственным способом для художника завоевать репутацию, получить заказы и, в конечном итоге, добиться желанного членства в национальной Академии, исключение грозило финансовым крахом. Влияние академий начало существенно ослабевать только в XX веке.

Включение ремёсел в визуальное искусство

В XX веке также произошло постепенное изменение отношения к ремёслам. Примерно до 1900 года, помимо литературы и исполнительских искусств, образовательные и профессиональные учреждения признавали только два основных класса художественной деятельности: изящное искусство – произведения, созданные исключительно из эстетических соображений, и ремёсла – работы, созданные с утилитарной целью. (См. также Эстетика.) Первые, со времён Возрождения, создавались «художниками», вторые – «ремесленниками», которые считались категорией ниже. Это произвольное различие между искусством и ремеслом было слабо обосновано, поскольку многие ремесленные изделия не имели утилитарного назначения и требовали не меньшего мастерства, чем изящное искусство. Включение ряда «ремёсел» в категорию визуального искусства помогло устранить некоторые барьеры между этими сферами, хотя многие из них сохраняются до сих пор.

Расширение за счёт современных форм

В первые десятилетия XX века начались дальнейшие изменения в классификации и оценке искусства. Это было связано с появлением нескольких новых форм, таких как коллаж (в синтетическом кубизме Пикассо и Брака 1912 г.); ассамбляж и «найденные предметы» (например, «реди-мейды» Марселя Дюшана, 1887-1968); концептуальное искусство (начиная с работ Дюшана, таких как «Фонтан», 1917, реплика в коллекции Тейт, Лондон); перформанс и хэппенинг (зародившиеся из дадаистских акций Тристана Цары (1896-1963) в Кабаре Вольтер, Цюрих, 1916–1920); фотомонтаж (в работах дадаистов, таких как Рауль Хаусман и Курт Швиттерс, где использовались иллюстрации и рекламные вырезки, ок. 1918–1920 гг.); фотография и видео-арт (в новаторских работах Ман Рэя (1890–1976) и др.); анимация (в работах американских аниматоров начала ХХ века, таких как Дж. Стюарт Блэктон, Эмиль Коль, Уинзор Маккей и Уолт Дисней). Новые методы появились и в традиционных дисциплинах: в живописи – с изобретением акриловых красок, которые использовал Дэвид Хокни (род. 1937), а в гравюре – с введением шелкографии, широко применяемой Энди Уорхолом (1928–1987), а также с появлением печати жикле.

Индустрия визуального искусства

Рост благосостояния во второй половине XX века привёл к значительным инвестициям в то, что стало крупной индустрией визуального искусства. Сегодня во многих странах художественные колледжи преподают широкий круг дисциплин сотням тысяч студентов, изучающих искусство. Целые правительственные ведомства с многомиллионными бюджетами занимаются продвижением визуального искусства, а местные органы власти содержат штатных специалистов для координации деятельности на местах. Эта структура часто дополняется государственными агентствами (например, советами по искусству), которые распределяют гранты, стипендии, резидентства и другие виды финансовой поддержки для художников. Кроме того, правительства выступают крупными покровителями искусства, приобретая картины, пластические формы и другие произведения для всеобщего обозрения. Были разработаны новые методы сбора средств для поддержки паблик-арта, такие как схема Percent For Art в Ирландии. Несмотря на недавние сокращения, всё это демонстрирует огромные масштабы индустрии визуального искусства в XXI веке. И даже если многие художники и деятели искусства по-прежнему бедны, это во многом связано с тем, что их число за последние десятилетия значительно выросло.