Дизайн читать ~15 мин.

Что такое дизайн? Хотя универсального определения слова «дизайн» не существует, для наших целей мы определим его как «план, связанный с созданием чего-либо в соответствии с определёнными эстетическими принципами». Ключевыми аспектами этого определения являются: элемент плана; идея создания (искусство), а не производства (наука); критерии эстетики (стиль красоты). В процесс проектирования могут быть вовлечены и другие факторы, такие как функциональность или стоимость, но мы здесь рассматриваем в основном художественное проектирование или – грубо говоря – «как сделать что-то красивое».

Какие типы объектов можно «художественно спроектировать»?

Почти всё, что производится, может быть спроектировано художественным или эстетическим способом. Сюда входят как узкоспециализированные инженерные изделия, так и обычные предметы массового производства, хотя в данной статье рассматривается только последняя категория. Тем не менее, в неё входит широкий спектр изделий – от чайной чашки, лампы или лестницы до крыши вокзала или концертного зала, пододеяльника, логотипа компании или компьютерной мыши. Заметим, однако, что художественный дизайн ограничивается украшением объектов, а не улучшением функциональности, производительности, стоимости или других неэстетических критериев.

Дисциплины художественного дизайна

Наука о дизайне в целом стремительно развивается, начиная с 1960-х годов. Сегодня существует все больше дисциплин дизайна, в которых эстетика играет важную роль: архитектура, книжная иллюстрация, дизайн интерьера, дизайн освещения, дизайн мебели, дизайн кухонной утвари, текстильный дизайн, дизайн одежды, дизайн розничной торговли, графический дизайн, компьютерный дизайн и веб-дизайн. Более того, в ряде областей, связанных с ИТ, таких как веб-дизайн, пользовательские интерфейсы и разработка программного обеспечения, концепция «внешний вид и ощущение» становится все более важной для потребителей и дизайнеров, а графический дизайн и дизайн макета также играют важную роль в области онлайновых продуктов.

Какие виды искусства задействованы в художественном дизайне?

Художественные навыки, которые ценны при создании красивых дизайнов для отдельных предметов, включают: живопись (например, фарфор, иллюстрация книг), резьба по дереву (мебель), ткачество (гобелен, вышивка), керамика (скульптура, а также древняя керамика), обработка металла (лампы, украшения), искусство стекла (мозаика, витражи), графика (печать, иллюстрации, ткани, одежда), и это лишь некоторые из них.

Для товаров массового производства дизайн является неотъемлемой частью процесса разработки продукта. Если в 1970-80-е годы автомобильный дизайн, дизайн бытовой техники и дизайн тканей представляли собой вершины инноваций, то сегодня именно IT-дизайн является ориентиром для потребительской эстетики XXI века. Кроме того, почти все предметы домашнего обихода создаются и производятся с учётом эстетики, так же как и автомобили, офисное оборудование и спортивные товары.

Роль коммерческого дизайна

На заре массового производства, когда можно было купить «автомобиль Ford любого цвета, лишь бы он был чёрным», дизайн рассматривался как дополнительная опция. Теперь это не так. Сегодня дизайнеры – это важные люди. Вооружённые множеством цифровых дизайнерских программ, они могут сделать все возможное для коммерческого успеха продукта. (См. также: Компьютерное искусство) Более того, креативный дизайн играет важную роль на протяжении всего процесса производства, маркетинга, продажи и розничной реализации продукта. А почему бы и нет? Разве мы все не хотим обладать красивыми вещами или окружать себя ими?

Производство

Поскольку дизайнерские свойства и особенности продукта играют столь важную роль в его коммерческом успехе, дизайнеры обычно привлекаются на самых ранних стадиях производственного процесса. Если говорить очень грубо, то мы видим, по крайней мере, три стадии производства.

В начале эры массового производства научный персонал компании производил продукт, который затем передавался в отдел маркетинга для продажи. К 1960-м годам именно маркетологи указывали учёным, что производить. Но сегодня именно маркетологи и дизайнеры обсуждают технические характеристики продукта, прежде чем привлечь к этому производственный персонал.

Графический дизайн: Маркетинг, реклама, брендинг

Навыки графических дизайнеров проявляются практически везде: в открывающих и закрывающих титрах фильмов, анимации, телепрограммах и рекламе товаров, корпоративных сайтах, макетах компьютерных и мобильных экранов, газетах, журналах, рекламе, плакатах, фирменных мотивах и логотипах компаний, упаковке товаров, дорожных знаках и так далее. Он включает в себя как цветовые решения, так и типографику, визуальные искусства и методы вёрстки страниц/экранов, а также упаковочные материалы. Фактически, графический дизайн играет важнейшую роль везде, где изображения, символы или текст используются для передачи визуального сообщения – от высокотехнологичных дисплеев в кабинах военных или коммерческих самолётов до телевизионной рекламы, туристических брошюр, торговых каталогов и упаковок товаров в супермаркетах.

Розничная торговля

Не только сами продукты являются предметом интенсивных дизайнерских исследований, размышлений, моделирования, интерактивной настройки и перепроектирования, но и среда розничной торговли, в которой они представлены потребителям, сама является предметом тщательного изучения. Дизайн розничной торговли (дизайн магазина) играет огромную роль в определении того, как потребитель чувствует себя при встрече и взаимодействии с продуктами, и, следовательно, в конечном успехе этих продуктов.

Дизайн интерьера

Одним из основных факторов в дизайне розничной торговли является планировка магазина. Это, в свою очередь, в значительной степени зависит от дизайна интерьера здания, который, в свою очередь, включает в себя использование тщательно подобранных цветовых схем и фоновой музыки, специально разработанных систем освещения и напольных покрытий, а также таких дополнений, как специально разработанные входы, дорожки и т.д.

Архитектурный дизайн

Разумеется, дизайн интерьера идёт рука об руку с архитектурой, включая ландшафтный дизайн. Если розничные торговцы на центральных улицах или их арендодатели обычно используют все архитектурные возможности своей собственности, то крупные пригородные ритейлеры, чьи магазины могут занимать площадь в 500 тысяч м² и более, используют все свои возможности.

Эстетически оформленные здания, парковки, входы и выходы – все это создаёт благоприятные впечатления от покупок, что может сыграть решающую роль в успехе торговой единицы. См. также Чикагскую школу архитектуры (ок. 1880-1910), которая оказала огромное влияние на городской дизайн в США, а также Вторую Чикагскую школу архитектуры (ок. 1940-75), возглавляемую Мисом ван дер Роэ. Ведущей мировой фирмой, занимающейся архитектурным проектированием, является Skidmore, Owings & Merrill, чьи архитекторы – такие как Фазлур Хан (1929-1982) – продолжают доминировать на мировом рынке небоскрёбов. Исторически наибольшее влияние на дизайн зданий оказала греческая архитектура, за которой последовали римская архитектура и многочисленные школы неоклассицизма.

История художественного дизайна

Художественный дизайн в эпоху современного искусства (с 1850 года) развивался в соответствии с промышленной революцией, хотя дизайнерские движения, имевшие международное влияние, были немногочисленны и малочисленны. Мы кратко рассмотрим восемь важных движений: Французский дизайн интерьера (1640-1792); Движение искусств и ремёсел (ок. 1862-1914); модерн (ок. 1890-1914); Баухауз (1919-33); Де Стайл (1917-31); Ар Деко (ок. 1925-40); Ульмская школа (HfG Ulm) (1953-1968); и Постмодернизм (после 1970).

Людовик XIV, XV, XVI Стили французского дизайна интерьера (1640-1792)

Пожалуй, величайшая эпоха дизайна интерьера в истории искусства, XVII и XVIII века во Франции стали свидетелями всплеска французского декоративного искусства в Версальском дворце и других королевских замках. Под руководством французских дизайнеров, таких как Шарль Лебрен, Андре Ле Нотр и других, была создана одна из лучших французских мебелей, которые обычно классифицируются на стили Людовиков (Louis Quatorze, Regency, Louis Quinze и Louis Seize).

Движение искусств и ремёсел (ок. 1862-1914)

Это британское движение в дизайне и декоративном искусстве, возглавляемое Уильямом Моррисом (1834-1896), пропагандировало возрождение ремесленничества, а также моральные, социальные и эстетические достоинства честного ремесленного труда перед промышленным массовым производством. Занималось в основном архитектурой и декоративным искусством, включая витражи, текстиль, мебель, набивные ткани (ситцы), гобелены, обои, мебель, ювелирные изделия, резьбу по дереву, работы по металлу, керамику и мозаичное искусство. Она вдохновлялась средневековыми ремёслами, сельским народным искусством и японским искусством (включая ксилографию Укиё-э), хотя её сторонников объединял не столько конкретный стиль, сколько общая цель – желание возродить честное ремесленное мастерство, устранить предрассудки иерархии искусства (которая почитала изобразительное искусство, но пренебрегала прикладным искусством), и создать искусство, доступное для всех.

Движение породило группы единомышленников в Америке и оказало сильное влияние на Венский рабочий штаб – ремесленные мастерские, основанные Венским сецессионом в 1903 году, Мюнхенский сецессион (1892), Берлинский сецессион (1898) и Немецкий веркбунд, в Германии. Дополнительную информацию см: Движение искусств и ремёсел.

Арт-нуво (ок. 1890-1914)

Высокодекоративная идиома, известная как Арт-нуво, была первым крупным интернациональным стилем дизайна, который провозгласил идею о том, что искусство должно быть частью повседневной жизни. Отныне, настаивал он, ни один повседневный предмет, каким бы функциональным он ни был, не должен игнорироваться как источник эстетической ценности. Он также продвигал идею объединения всего дизайна в единую идиому.

Характеризуясь криволинейными формами и узорами, взятыми из органических структур, из кельтских орнаментов, а также из простых геометрических форм, стиль применялся в архитектуре, дизайне интерьеров, стеклянной посуде, ювелирных изделиях, плакатах и иллюстрациях, (см., в частности, Обри Бердсли), а также в живописи и скульптуре. Стиль модерн получил развитие благодаря движению «Возрождение кельтского искусства» и Всемирной выставке 1900 года в Париже, после которой он распространился по всей Европе и за её пределами – в Америке и Австралии. Явно современный стиль, он назывался по-разному в разных странах: Югендстиль в Германии; Сецессионстиль в Австрии; Модернизм в Каталонии; Палингстейл или де Вингт в Бельгии; Либерти в Италии; Модерн в России и Тиффани в Америке. Его заход в абстрактное искусство был продолжен художниками и архитекторами XX века, такими как Гектор Гимар (1867-1942). В 1920-х годах это движение уступило место ар-деко.

Знаменитые графические дизайны модерна

Подробнее о знаменитой плакатной графике этого движения, ставшей возможной благодаря «трехкаменному литографическому процессу», изобретённому Жюлем Шере (1836-1932) и усовершенствованному Альфонсом Мухой (1860-1939) и Леонетто Капьелло (1875-1942), см: История искусства плаката.

Дягилевский «Русский балет»

В 1909 году Сергей Дягилев взял Париж штурмом, когда открыл первый сезон своей гастрольной балетной труппы «Русский балет». Кроме танцев Нижинского и Павловой, успех труппы был обусловлен роскошным дизайном экзотических декораций и костюмов, за которыми следили Леон Бакст (1866-1924) и Александр Бенуа (1870-1960).

Школа дизайна Баухауз (1919-33)

Огромное влияние на немецкую школу архитектуры XX века и других форм дизайна, включая ремесла, Баухауз (по-немецки «дом строительства») был основан в Веймаре Вальтером Гропиусом (1883-1969). Известный своим современным подходом к художественному образованию, который устранил привычное разделение между «изящными» и «прикладными» искусствами и пересмотрел отношения между дизайном и методами промышленного производства, он надеялся создать продукты, которые были бы одновременно художественными и коммерческими.

В частности, школа стремилась научить студентов одинаково хорошо разбираться в дизайне, ремесле и методах массового производства. Школа дизайна Баухауз просуществовала до 1933 года в трёх местах – Веймаре, Дессау и Берлине – и под руководством трёх директоров – Гропиуса 1919-1927, Ханнеса Мейера 1927-1930 и Людвига Мис ван дер Роэ 1930-1933 – пока нацистское правительство не вынудило её закрыть.

Под влиянием простоты и функциональности стиля бидермайер XIX века Баухауз оказал широкое влияние на художественный дизайн, в частности, в области архитектуры, графического дизайна, дизайна интерьеров, промышленного дизайна и ремесел.

После закрытия Баухауза многие его преподаватели разъехались по всему миру: например, Ласло Мохоли-Надь (1895-1946) открыл Новый Баухауз, а затем свой собственный Институт дизайна в Чикаго; Йозеф Альберс (1888-1976) читал лекции в Колледже передовых искусств Блэк Маунтин в Северной Каролине; Макс Билл (1908-1994) преподавал в Цюрихской школе прикладного искусства, а затем стал первым директором Высшей школы дизайна в Ульме (по архитектуре и промышленному дизайну), считавшейся преемницей Баухауза. Мис ван дер Роэ уехал в Чикаго, где оказал влияние на целое поколение американских архитекторов своей модернистской архитектурой небоскрёбов. Гропиус также эмигрировал в Соединённые Штаты, где возглавил архитектурный факультет Гарвардского университета, а затем основал The Architects Collaborative в 1952 году.

Де Стейл (1917-31)

Де Стейл (голландское слово «стиль») был свободным союзом архитекторов, художников и дизайнеров – многие из которых были выходцами из голландских кальвинистов – которые объединились вокруг художника и архитектора Тео ван Досбурга (1883-1931) в период 1917-31 годов.

Эстетические принципы группы были опубликованы (ноябрь 1918 года) в периодическом издании De Stijl, которое использовалось для распространения их идей конкретного искусства и дизайна. Считая, что война подорвала все традиционные ценности, De Stijl выступал за более чистый, более этичный тип художественного дизайна, который сводился к основным элементам – форме, цвету и линии – и который мог повлиять на всю культуру и привести к обновлению общества.

Под влиянием советского конструктивизма Владимира Татлина (1885-1953) группа была связана как с неопластицизмом (Мондриан), так и с его переработанной формой элементаризма (Ван Досбург). Ведущими членами группы были Ван Досбург, Пит Мондриан (1872-1944), Барт ван дер Лек (1876-1958), Жорж Вантонгерлоо (1886-1965) и Фридрих Вордемберг-Гильдеварт (1899-1962), а также архитекторы Геррит Ритвельд (1888-1964) и Оуд (1890-1963). Кроме того, архитекторы De Stijl черпали вдохновение в проектах зданий голландского дизайнера Хендрика Петруса Берлаге (1856-1934) и Фрэнка Ллойда Райта (1867-1959), чья идея о том, что дом является продуктом «полного проектирования» (gesamtkunstwerk), была близка к их собственным идеям, примером чему служит дом Ритвельда Шродера в Утрехте.

В целом De Stijl был наиболее влиятелен в области архитектурного дизайна и прикладного искусства, в частности типографского искусства и дизайна мебели. Хотя к моменту смерти Досбурга де Стейл уже переживал упадок, он оказал важное влияние на дизайн Баухауза и другие движения, занимавшиеся беспредметным искусством, такие как Абстрактное творчество и CIAM, а также на других модернистов, таких как Ле Корбюзье (1887-1965), влиятельного швейцарско-французского архитектора.

Ар-деко (ок. 1925-40)

Стиль Ар-деко был ведущей модой в дизайне и декоре 1920-1930-х годов: см. в частности Американская архитектура того времени, в частности, нью-йоркские небоскрёбы. Благодаря плавным геометрическим формам он изображал городские пейзажи и новый спектр досуга и социальных занятий «Ревущих 20-х»; он придал обычным предметам настоящий характер, заставив их выглядеть гладкими и крутыми.

Ар-деко был в заметном долгу перед несколькими основными художественными стилями 1900-х и 1910-х годов, заимствуя смелые цвета из фовизма, геометрические узоры из кубизма, машиноподобные формы из конструктивизма и футуризма, и объединяющий подход из модерна.

Ар-деко также вдохновлялся искусством ацтеков, египтян и классической античностью. Однако, в отличие от своего предшественника модерна, ар-деко не имел философских претензий – он был чисто декоративным. Хотя в основном он описывает стиль дизайнеров интерьера и графики, в частности, в области мебели, металлоконструкций, керамики, изделий из стекла и книжных переплётов, он также применялся в архитектуре, дизайне одежды, скульптуре и живописи: например, Тамара Лемпицка (1898-1980), а также работы в классическом стиле (1918-24) Пикассо (1881-1973).

Идиома породила такие направления, как Novecento Italiano и Corrente (Италия), и Прецизионизм (Америка). Возрождение ар-деко произошло в 1960-х годах, когда впервые появилось это название.

Ульмская школа дизайна (Hochschule fur Gestaltung) (1953-1968)

Основанная в 1953 году Максом Биллем (1908-1994), Инге Айхер-Шолль и Отлем Айхером, Ульмская школа дизайна быстро добилась международного признания и рассматривалась как естественный преемник Баухауза. За 15 лет своего существования она преуспела в изучении семиотики (знаков и символов), дизайна изделий, индустриального строительства и кинематографа. В процессе работы она стал пионером в преподавании дизайна, основанном на структурированном подходе к решению проблем и сочетании науки и искусства.

Начав свою деятельность в Ульмской фольксштурме (институте образования для взрослых), его преподавательский состав включал бывших преподавателей Баухауза Йозефа Альберса, Йоханнеса Иттена и Вальтера Петерханса, а также выпускницу Баухауза Хелене Нонне-Шмидт, к которой позже присоединились Ханс Гугелот, Вальтер Цайшегг, Отль Айхер, Фридрих Вордемберг-Гильдеварт и Томас Мальдонадо. Среди приглашённых лекторов были: Мис ван дер Роэ, Вальтер Гропиус, Рэй Имз, Йозеф Мюллер-Брокман, Герберт Байер, Рейнер Бэнхем, Хьюго Харинг, Конрад Вахсман, Бакминистер Фуллер, Теодор Хойс, Норберт Вайнер и Миа Сигер.

В 1957 году Макс Билл покинул Ульм, когда было решено, что эстетические соображения больше не являются главной концептуальной основой дизайна. Под руководством Томаса Мальдонадо школа дизайна отказалась от прежней ориентации на «художника» в пользу новой философии дизайна, которая воплощала в себе как искусство (эстетику), так и науку (материалы, производство и критерии использования продукта). В то же время школа создала ряд групп разработчиков для налаживания связей с промышленностью. Это привело к нескольким успешным дизайнерским коллаборациям с такими компаниями, как Braun, Lufthansa и Гамбургская железнодорожная компания. В конечном итоге, однако, постоянные разногласия между преподавательским составом школы, административной иерархией и правительственными спонсорами привели к её закрытию.

Постмодернизм (после 1970 г.)

Как и постмодернистское искусство, постмодернистский дизайн характеризуется: намеренным смешением различных стилей, часто с юмором, эгоцентричной поверхностностью, повышенной декоративностью и современными культурными или символическими ссылками.

Постмодернистские архитектурные проекты были бунтом против суперфункционализма послевоенной архитектуры, поэтому мы видим появление таких странных, нефункциональных, но сильно украшенных сооружений, как Центр Помпиду в Париже. См. также облицованный титаном Музей Гуггенхайма в Бильбао, спроектированный Фрэнком О. Гери (р. 1929), а также стиль 1990-х годов Blobs или Blobitecture, примером которого является автовокзал при больнице Спаарн в Хоофддорпе, Нидерланды.

Как правило, художественные проекты художников-постмодернистов отличаются отсутствием единообразия (большей фрагментарностью, большим плюрализмом) и новаторским использованием популярных образов, необычных материалов и цветов. (Подробнее о постмодернизме см: Современное искусство.)