Дизайн читать ~14 мин.

Что такое дизайн? Хотя универсального определения слова «дизайн» не существует, для наших целей мы определим его как «план по созданию чего-либо в соответствии с определёнными эстетическими принципами». Ключевыми аспектами этого определения являются: элемент планирования; идея созидания (искусство), а не производства (наука); критерии эстетики (то есть красоты). В процесс проектирования могут быть вовлечены и другие факторы, такие как функциональность или стоимость, но здесь мы рассматриваем в основном художественный дизайн или, грубо говоря, «как сделать что-то красивое».

Какие типы объектов могут иметь художественный дизайн?

Почти всё, что создаётся человеком, может иметь художественный или эстетический дизайн. Сюда входят как узкоспециализированные инженерные изделия, так и обычные предметы массового производства, хотя в данной статье рассматривается только последняя категория. Тем не менее, в неё входит широкий спектр изделий — от чайной чашки, лампы или лестницы до крыши вокзала или концертного зала, а также пододеяльника, логотипа компании или компьютерной мыши. Заметим, однако, что художественный дизайн концентрируется на декорировании объектов, а не на улучшении их функциональности, стоимости или других неэстетических критериев.

Дисциплины художественного дизайна

Теория дизайна в целом стремительно развивается начиная с 1960-х годов. Сегодня существует всё больше дисциплин дизайна, в которых эстетика играет важную роль: архитектура, книжная иллюстрация, дизайн интерьера, дизайн освещения, дизайн мебели, дизайн кухонной утвари, текстильный дизайн, дизайн одежды, ритейл-дизайн, графический дизайн, а также компьютерный и веб-дизайн. Более того, в ряде областей, связанных с ИТ, таких как веб-дизайн, пользовательские интерфейсы и разработка программного обеспечения, концепция «внешний вид и восприятие» (англ. look and feel) становится всё более важной для потребителей и дизайнеров. Графический дизайн и дизайн макетов также играют ключевую роль в сфере онлайн-продуктов.

Какие виды искусства задействованы в художественном дизайне?

Художественные навыки, которые ценятся при создании красивых дизайнов, включают в себя: живопись (например, роспись по фарфору, книжная иллюстрация), резьбу по дереву (мебель), ткачество (гобелены, вышивка), керамику (скульптура, а также древняя керамика), обработку металла (лампы, украшения), искусство стекла (мозаика, витражи), графику (печать, иллюстрации, ткани, одежда) и многие другие.

Для товаров массового производства дизайн является неотъемлемой частью процесса разработки продукта. В 1970–1980-е годы вершины инноваций демонстрировали автомобильный дизайн, дизайн бытовой техники и текстиля. Сегодня же ориентиром для потребительской эстетики XXI века стал IT-дизайн. Кроме того, почти все предметы домашнего обихода, так же как и автомобили, офисное оборудование и спортивные товары, создаются и производятся с учётом эстетики.

Роль коммерческого дизайна

На заре массового производства, когда автомобиль Ford можно было купить «любого цвета, при условии, что этот цвет — чёрный», дизайн рассматривался как дополнительная опция. Сегодня ситуация кардинально изменилась. В наши дни дизайнеры — это ключевые специалисты. Вооружённые множеством цифровых инструментов, они способны сделать всё возможное для коммерческого успеха продукта. (См. также: Компьютерное искусство). Более того, креативный дизайн играет важную роль на протяжении всего процесса: от производства до маркетинга, продаж и розничной реализации. И это неудивительно, ведь все мы хотим владеть красивыми вещами и окружать себя ими.

Производство

Поскольку дизайнерские свойства и особенности продукта играют столь важную роль в его коммерческом успехе, дизайнеры обычно привлекаются на самых ранних стадиях производственного процесса. Если говорить обобщённо, можно выделить как минимум три этапа в эволюции этого процесса.

В начале эры массового производства инженеры и производственники создавали продукт, который затем передавался в отдел маркетинга для продажи. К 1960-м годам уже маркетологи указывали производственникам, что именно нужно производить. Сегодня же маркетологи и дизайнеры совместно обсуждают характеристики продукта, прежде чем привлекать к работе производственный персонал.

Графический дизайн: Маркетинг, реклама, брендинг

Навыки графических дизайнеров проявляются практически везде: в открывающих и закрывающих титрах фильмов, анимации, телепрограммах и рекламе, на корпоративных сайтах, в макетах компьютерных и мобильных экранов, газетах, журналах, плакатах, в фирменной айдентике и логотипах компаний, на упаковке товаров, дорожных знаках и так далее. Графический дизайн включает в себя работу с цветом и типографикой, визуальные искусства и методы вёрстки страниц, а также дизайн упаковки. Фактически, он играет важнейшую роль везде, где изображения, символы или текст используются для передачи визуального сообщения — от высокотехнологичных дисплеев в кабинах самолётов до телевизионной рекламы, туристических брошюр и упаковок товаров в супермаркетах.

Розничная торговля

Не только сами продукты являются предметом интенсивных дизайнерских исследований, моделирования и перепроектирования. Среда розничной торговли (ритейл-дизайн), в которой товары представлены потребителям, сама по себе является объектом тщательного изучения. Дизайн магазина играет огромную роль в том, как потребитель воспринимает товары и взаимодействует с ними, и, следовательно, влияет на конечный успех этих продуктов.

Дизайн интерьера

Одним из основных факторов в ритейл-дизайне является планировка магазина. Она, в свою очередь, в значительной степени зависит от дизайна интерьера здания. Этот аспект включает в себя использование тщательно подобранных цветовых схем, фоновой музыки, специально разработанных систем освещения и напольных покрытий, а также таких элементов, как особым образом оформленные входы, проходы и так далее.

Архитектурный дизайн

Разумеется, дизайн интерьера идёт рука об руку с архитектурой, включая ландшафтный дизайн. Если магазины на центральных улицах и их арендодатели обычно максимально используют архитектурные особенности своих зданий, то крупные загородные ритейлеры, чьи магазины могут занимать огромные площади, используют все доступные им возможности.

Эстетически оформленные здания, парковки, входы и выходы — всё это создаёт благоприятные впечатления от покупок, что может сыграть решающую роль в успехе торговой точки. См. также Чикагскую школу архитектуры (ок. 1880–1910), которая оказала огромное влияние на городской дизайн в США, а также Вторую Чикагскую школу архитектуры (ок. 1940–1975), возглавляемую Мисом ван дер Роэ. Ведущей мировой фирмой, занимающейся архитектурным проектированием, является Skidmore, Owings & Merrill, чьи архитекторы — такие как Фазлур Хан (1929–1982) — продолжают доминировать на мировом рынке небоскрёбов. Исторически наибольшее влияние на дизайн зданий оказала греческая архитектура, за которой последовали римская архитектура и многочисленные школы неоклассицизма.

История художественного дизайна

Художественный дизайн в эпоху современного искусства (с 1850 года) развивался параллельно с промышленной революцией, хотя дизайнерские движения, имевшие международное влияние, были немногочисленны. Мы кратко рассмотрим восемь важных движений: французский дизайн интерьера (1640–1792); Движение искусств и ремёсел (ок. 1862–1914); модерн (ок. 1890–1914); Баухаус (1919–1933); Де Стейл (1917–1931); ар-деко (ок. 1925–1940); Ульмская школа дизайна (1953–1968) и постмодернизм (после 1970).

Стили французского дизайна Людовика XIV, XV, XVI (1640–1792)

Пожалуй, величайшая эпоха в истории дизайна интерьера, XVII и XVIII века во Франции стали свидетелями расцвета французского декоративного искусства в Версальском дворце и других королевских резиденциях. Под руководством французских дизайнеров, таких как Шарль Лебрен и Андре Ленотр, была создана великолепная французская мебель, которую принято классифицировать по стилям Людовика XIV, Регентства, Людовика XV и Людовика XVI.

Движение искусств и ремёсел (ок. 1862–1914)

Это британское движение в дизайне и декоративном искусстве, возглавляемое Уильямом Моррисом (1834–1896), пропагандировало возрождение ремёсел, а также превосходство честного ручного труда над промышленным массовым производством. Движение охватывало в основном архитектуру и декоративное искусство, включая витражи, текстиль, набивные ткани, гобелены, обои, мебель, ювелирные изделия, резьбу по дереву, работы по металлу, керамику и мозаичное искусство. Оно вдохновлялось средневековыми ремёслами, сельским народным искусством и японским искусством (включая ксилографию укиё-э). Сторонников движения объединял не столько конкретный стиль, сколько общая цель: возродить честное ремесло, устранить иерархический разрыв между «высоким» изобразительным искусством и «прикладным» прикладным искусством и создать искусство, доступное для всех.

Движение породило группы единомышленников в Америке и оказало сильное влияние на Венские мастерские — ремесленные студии, основанные Венским сецессионом в 1903 году, а также на Мюнхенский сецессион (1892), Берлинский сецессион (1898) и Немецкий веркбунд.

Арт-нуво (ок. 1890–1914)

Высокодекоративный стиль, известный как арт-нуво, был первым крупным интернациональным стилем, провозгласившим идею о том, что искусство должно быть частью повседневной жизни. Его сторонники настаивали, что ни один бытовой предмет, каким бы функциональным он ни был, не должен оставаться без внимания с точки зрения эстетической ценности. Арт-нуво также продвигал идею объединения всех видов дизайна в рамках единого стиля.

Стиль характеризуется криволинейными, плавными формами и узорами, заимствованными из мира природы, кельтских орнаментов, а также из простых геометрических фигур. Он применялся в архитектуре, дизайне интерьеров, изделиях из стекла, ювелирных украшениях, плакатах и иллюстрациях (см., в частности, работы Обри Бердсли), а также в живописи и скульптуре. Развитию стиля способствовали движение «Возрождение кельтского искусства» и Всемирная выставка 1900 года в Париже, после которой он распространился по всей Европе, а также в Америке и Австралии. Этот подчёркнуто современный стиль в разных странах называли по-разному: югендстиль в Германии, сецессионстиль в Австрии, модернизм в Каталонии, стиль Либерти в Италии, модерн в России и стиль Тиффани в Америке. Его влияние на абстрактное искусство было продолжено художниками и архитекторами XX века, такими как Гектор Гимар (1867–1942). В 1920-х годах это движение уступило место ар-деко.

Знаменитые графические дизайны модерна

Подробнее о знаменитой плакатной графике этого движения, ставшей возможной благодаря процессу трёхцветной литографии, изобретённому Жюлем Шере (1836–1932) и усовершенствованному Альфонсом Мухой (1860–1939) и Леонетто Капьелло (1875–1942), см: История искусства плаката.

«Русские балеты» Дягилева

В 1909 году Сергей Дягилев покорил Париж, открыв первый сезон своей антрепризы «Русские балеты». Кроме танца Нижинского и Павловой, успех труппы был обусловлен роскошным дизайном экзотических декораций и костюмов, созданных Львом Бакстом (1866–1924) и Александром Бенуа (1870–1960).

Школа дизайна Баухаус (1919–1933)

Оказавшая огромное влияние на немецкую архитектуру XX века и другие формы дизайна, включая ремёсла, школа Баухаус (нем. Bauhaus — «строительный дом») была основана в Веймаре Вальтером Гропиусом (1883–1969). Школа была известна своим современным подходом к художественному образованию, который устранил привычное разделение между «изящными» и «прикладными» искусствами и переосмыслил отношения между дизайном и методами промышленного производства. Целью было создание продуктов, которые были бы одновременно художественными и коммерчески успешными.

В частности, школа стремилась научить студентов одинаково хорошо разбираться в дизайне, ремесле и методах массового производства. Школа дизайна Баухаус просуществовала до 1933 года в трёх городах — Веймаре, Дессау и Берлине — и под руководством трёх директоров: Гропиуса (1919–1927), Ханнеса Мейера (1927–1930) и Людвига Мис ван дер Роэ (1930–1933), пока нацистское правительство не вынудило её закрыться.

Находясь под влиянием простоты и функциональности стиля бидермайер XIX века, Баухаус оказал широкое влияние на художественный дизайн, в частности, в области архитектуры, графического дизайна, дизайна интерьеров и промышленного дизайна.

После закрытия Баухауза многие его преподаватели эмигрировали: например, Ласло Мохой-Надь (1895–1946) открыл «Новый Баухаус», а затем и собственный Институт дизайна в Чикаго; Йозеф Альберс (1888–1976) преподавал в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине; Макс Билль (1908–1994) преподавал в Цюрихской школе прикладного искусства, а затем стал первым директором Ульмской школы дизайна. Мис ван дер Роэ уехал в Чикаго, где своей модернистской архитектурой небоскрёбов повлиял на целое поколение американских архитекторов. Гропиус также эмигрировал в США, где возглавил архитектурный факультет Гарвардского университета, а затем в 1952 году основал объединение The Architects Collaborative.

Де Стейл (1917–1931)

Де Стейл (нидерл. De Stijl — «стиль») — это свободное объединение архитекторов, художников и дизайнеров, многие из которых были выходцами из голландских кальвинистов. Группа сформировалась вокруг художника и архитектора Тео ван Дусбурга (1883–1931) и просуществовала с 1917 по 1931 год.

Эстетические принципы группы были опубликованы в ноябре 1918 года в журнале De Stijl, который использовался для распространения идей конкретного искусства и дизайна. Считая, что война подорвала все традиционные ценности, участники De Stijl выступали за более чистый и этичный тип художественного дизайна, сведённый к основным элементам — форме, цвету и линии. Они верили, что такой подход может повлиять на всю культуру и привести к обновлению общества.

Находясь под влиянием советского конструктивизма Владимира Татлина (1885–1953), группа была связана как с неопластицизмом (Мондриан), так и с его переработанной формой — элементаризмом (Ван Дусбург). Ведущими членами группы были Ван Дусбург, Пит Мондриан (1872–1944), Барт ван дер Лек (1876–1958), Жорж Вантонгерло (1886–1965) и Фридрих Вордемберге-Гильдеварт (1899–1962), а также архитекторы Геррит Ритвельд (1888–1964) и Якобс Ауд (1890–1963). Архитекторы De Stijl черпали вдохновение в проектах Хендрика Петрюса Берлаге (1856–1934) и Фрэнка Ллойда Райта (1867–1959), чья идея о доме как о «полном произведении искусства» (gesamtkunstwerk) была близка их собственным взглядам, примером чего служит Дом Шрёдер в Утрехте, спроектированный Ритвельдом.

В целом De Stijl оказал наибольшее влияние на архитектурный дизайн и прикладное искусство, в частности на типографику и дизайн мебели. Хотя к моменту смерти Ван Дусбурга движение уже переживало упадок, оно оказало важное влияние на дизайн Баухауза и другие направления беспредметного искусства, такие как «Абстракция-Творчество» и CIAM, а также на других модернистов, включая влиятельного швейцарско-французского архитектора Ле Корбюзье (1887–1965).

Ар-деко (ок. 1925–1940)

Стиль ар-деко был ведущим направлением в дизайне и декоре 1920-х и 1930-х годов. Это особенно заметно в американской архитектуре того времени, в частности, в нью-йоркских небоскрёбах. Благодаря плавным геометрическим формам он отражал дух «ревущих двадцатых» с их городскими пейзажами и новыми видами досуга. Ар-деко придал обыденным предметам особый характер, сделав их облик элегантным и современным.

Стиль ар-деко многим обязан нескольким художественным течениям начала XX века: он заимствовал смелые цвета у фовизма, геометрические узоры у кубизма, машинные формы у конструктивизма и футуризма, а также синтетический подход у модерна.

Ар-деко также вдохновлялся искусством ацтеков, Древнего Египта и классической античностью. Однако, в отличие от своего предшественника, модерна, ар-деко не имел философских претензий — он был чисто декоративным. Хотя этот стиль в основном ассоциируется с дизайном интерьеров и графикой (мебель, металлоконструкции, керамика, изделия из стекла, книжные переплёты), он также применялся в архитектуре, дизайне одежды, скульптуре и живописи. Примерами могут служить работы Тамары де Лемпицки (1898–1980), а также картины «классического периода» (1918–1924) Пикассо.

Этот стиль породил такие направления, как Новеченто и Корренте в Италии, и прецизионизм в Америке. Возрождение интереса к ар-деко произошло в 1960-х годах, когда и появился сам этот термин.

Ульмская школа дизайна (Hochschule für Gestaltung) (1953–1968)

Основанная в 1953 году Максом Биллем (1908–1994), Инге Айхер-Шолль и Отлем Айхером, Ульмская школа дизайна быстро получила международное признание и рассматривалась как преемница Баухауза. За 15 лет своего существования она добилась успехов в изучении семиотики (науки о знаках и символах), промышленного дизайна и кинематографа. В процессе работы школа стала пионером в преподавании дизайна, основанного на системном подходе к решению проблем и сочетании науки и искусства.

В преподавательский состав школы входили бывшие преподаватели Баухауза, такие как Йозеф Альберс и Йоханнес Иттен, к которым позже присоединились Ханс Гугелот, Вальтер Цайшегг, Отль Айхер и Томас Мальдонадо. Среди приглашённых лекторов были Мис ван дер Роэ, Вальтер Гропиус, Рэй Имз, Йозеф Мюллер-Брокман и Бакминстер Фуллер.

В 1957 году Макс Билль покинул Ульм, когда было решено, что эстетика больше не будет единственной концептуальной основой дизайна. Под руководством Томаса Мальдонадо школа отказалась от прежней ориентации на «художника» в пользу новой философии, которая объединяла искусство (эстетику) и науку (материаловедение, производство). В то же время школа создала ряд проектных групп для сотрудничества с промышленностью. Это привело к успешным коллаборациям с такими компаниями, как Braun и Lufthansa. В конечном итоге, однако, постоянные разногласия между преподавательским составом, администрацией и правительственными спонсорами привели к её закрытию.

Постмодернизм (после 1970 г.)

Как и искусство постмодернизма, постмодернистский дизайн характеризуется ироничным смешением различных стилей, повышенной декоративностью и использованием отсылок к современной культуре.

Архитектурные проекты постмодернистов стали бунтом против строгого функционализма послевоенной архитектуры. В результате появились такие необычные, нефункциональные, но богато украшенные сооружения, как Центр Помпиду в Париже. Другими примерами служат облицованный титаном Музей Гуггенхайма в Бильбао, спроектированный Фрэнком О. Гери (р. 1929), а также стиль 1990-х годов, известный как блоб-архитектура (Blobitecture), примером которого является автовокзал в Хофддорпе, Нидерланды.

В целом художественные проекты постмодернистов отличаются отсутствием единообразия, большей фрагментарностью и плюрализмом, а также новаторским использованием популярных образов, необычных материалов и цветов. (Подробнее о постмодернизме см: Современное искусство.)