Дэвид Войнарович:
коллажист и уличный художник читать ~6 мин.

Американский мультидисциплинарный художник Дэвид Войнарович (David Wojnarowicz) прославился произведениями из смешанных материалов. Его работы содержали острую критику социальных норм США. Он создавал коллажи, занимался фотографией, литературой, живописью и перформансом. Творчество автора затрагивало проблемы эпидемии СПИДа, коррупции, власти медиа и конфликта человека с машинами.

Вместе с Жан-Мишелем Баския (1960–1988) и Китом Харингом (1958–1990) он формировал сцену нью-йоркского авангарда. Художник находился в центре постмодернистского искусства Ист-Вилладж. Сначала он стал известен благодаря стрит-арту. Войнарович рисовал граффити — трафаретные изображения горящих зданий и падающих людей. В 1985 году кураторы отобрали его работы для престижной биеннале Уитни.

В 1987 году от СПИДа скончался близкий друг Дэвида — фотограф Питер Худжар. Через год этот же диагноз поставили самому художнику. Войнарович занялся активизмом, требуя от общества обратить внимание на болезнь и её социальные последствия. Он умер 22 июля 1992 года в своей квартире на Манхэттене в возрасте тридцати восьми лет. Сейчас его коллажи выставляют ведущие галереи современного искусства Америки. Он признан одним из самых талантливых постмодернистских художников восьмидесятых годов.

Ранние годы

Дэвид родился в 1954 году в Ред-Банке, штат Нью-Джерси. Ребёнок столкнулся с домашним насилием и сбежал на улицу. Подростком он занимался проституцией на Таймс-сквер. Дэвид сменил несколько учебных заведений, прежде чем поступить в Высшую школу музыки и искусства на Манхэттене.

В конце семидесятых годов он ненадолго уехал из Нью-Йорка. Вернувшись в 1979 году, Дэвид быстро стал заметным представителем стрит-арта. Он снимал фильмы на 8-миллиметровую киноплёнку, выступал с панк-группой «3 Teens Kill 4 — No Motive» и выставлял картины в галереях. Среди них — Civilian Warfare, Gracie Mansion и Hal Bromm. Войнарович сотрудничал с ведущими современными художниками. Он создавал совместные проекты с фотографом Нэн Голдин, скульптором Кики Смит и режиссёром Ричардом Керном.

Фотография и уличный опыт

В 1978–1979 годах художник создал первую крупную серию фотографий «Артюр Рембо в Нью-Йорке». Дэвид просил друзей надевать бумажную маску с лицом французского поэта и позировать в знаковых или криминогенных местах города. Маска Рембо появлялась в метро, на Таймс-сквер, в заброшенных зданиях и дешёвых закусочных.

Этот проект соединил литературу девятнадцатого века с суровой реальностью американского мегаполиса. Войнарович отождествлял себя с Рембо — оба были бунтарями, бродягами и молодыми людьми, отвергавшими буржуазную мораль. Черно-белые снимки фиксировали подлинную уличную жизнь Нью-Йорка до начала активной джентрификации районов.

Особенности творчества

Работы Дэвида тесно связаны с его личным опытом. Он намеренно использовал своё маргинальное прошлое для критики социальных норм. Эстетика художника строилась на болезненном самоанализе, но при этом произведения демонстрировали высокий интеллект. Автор сочетал визуальный шум улиц с глубокими философскими концепциями. Он создавал многослойные коллажи, исследуя связь между природой, личной идентичностью и потребительской культурой.

Сам художник говорил об этом опыте:

“Всю свою жизнь я чувствовал себя так, будто смотрю на общество с периферии, потому что воплощал в себе множество вещей, которые считались предосудительными — гомосексуальность или то, что я был проститутком в детстве, или отсутствие образования. Всю свою жизнь я смотрел на мир с желанием быть принятым, но… единственный способ, которым я мог бы быть принятым, заключался бы в том, чтобы отрицать все эти вещи”

Диагноз стал для Дэвида катализатором. Он окончательно отказался от попыток соответствовать ожиданиям общества. Художник осознал, что его инаковость — это самая ценная часть его личности.

Живописный цикл Вода

Картина «Вода» входит в серию композиций о четырёх стихиях. На холсте изображён океанский лайнер, плывущий в ночном море. Корпус корабля как будто просвечивается рентгеном. Внутри зритель видит сплетение внутренних органов и тканей, нарисованных в стиле комиксов. Над кораблём парит реалистично написанная зелёная лягушка.

Рядом с земноводным открывается окно с черно-белой фотографией разбитого автомобиля на обочине. Композиция строится на контрасте: живая природа противопоставляется механической эстетике брошенной машины. Войнарович заполнил центр картины органической сеткой из небольших черно-белых рисунков. В них появляются водовороты, пароходы, головастики и анатомические схемы. Там же расположены сцены эротического содержания.

В правом верхнем углу находится цветная виньетка: перебинтованная рука тянется сквозь тюремную решётку. Из ладони падает цветок на заснеженную землю с крошечными человеческими фигурами. Края картины обрамляет синяя вода, заполненная свободно плавающими клетками семени. Это нагромождение образов отражает восприятие реальности самим автором. Он наслаивал природные элементы, культурные коды и личные воспоминания на одном холсте.

Политика и перформанс

Стрит-арт Войнаровича часто напоминал партизанские акции. Он брал изображения из таблоидов, вырезал трафареты динозавров, оружия, солдат или наркоманов. Художник наносил эти рисунки на стены, чтобы обратить внимание горожан на социальный кризис восьмидесятых годов.

Дэвид часто создавал инсталляции в незаконных местах, например, на заброшенных пирсах Манхэттена. Он никогда не позволял коммерческому успеху сглаживать политическую остроту своих работ. В 1980 году он вместе с художницей Джули Хэр вывалил кучу коровьих костей на лестницу престижной галереи Лео Кастелли. В 1982 году на выставке «Звери» в пространстве P.S.1 они выпустили живых тараканов с приклеенными заячьими ушами — так называемых «кока-кроликов».

Под влиянием текстов Жана Жене и Уильяма Берроуза автор разработал агрессивный стиль, выводящий зрителя из зоны комфорта. Работы передают телесный опыт человека внутри враждебной социальной среды. Дэвид писал:

“Вы можете обернуться и увидеть какого-то бездомного или какое-то изображение разложения, а затем снова повернуться и увидеть какой-то ресторан, где за еду нужно заплатить 40 долларов. Поэтому вы постоянно накладываете изображения друг на друга и сэндвичите их. ТВ, журналы, информация, память, вывески продуктовых магазинов — и все это предполагает потребление изображений”

Смерть американской духовности

Произведение «Смерть американской духовности» объединяет главные темы художника. Картина разделена на четыре панели. Сквозь них проходят общие элементы: бык пересекает три части, горы — две, небо объединяет верхнюю половину. Красные электрические разряды связывают все фрагменты. Однако серые камни и горы резко обрываются на стыках панелей.

На холсте изображены индейский шаман со змеями и дух-качина, излучающий энергию. Они появляются из пламени, отсылая к древней культуре Америки. Вокруг них летают шестерёнки, вырезанные из долларовых купюр, и лассо ковбоя. Этот образ перекочевал из раннего трафарета, где Дэвид изобразил Рональда Рейгана верхом на ядерной ракете. Художник открыто говорил о моральном крахе общества, оставляя надежду на его очищение через прямое столкновение с правдой.

Отношение критиков

Радикальные взгляды Войнаровича часто затмевали его талант живописца. Арт-критики считали, что политический активизм мешает искусству. Американский эссеист Клемент Гринберг ещё в 1944 году писал в журнале The Nation:

“Пусть живопись ограничится простым расположением цвета и линии, а не пытается заинтересовать нас ассоциациями с вещами, которые мы можем переживать более аутентично в другом месте”

Войнарович отвергал этот подход. Он считал, что искусство обязано реагировать на боль и несправедливость. Сегодня его полотна хранятся в коллекциях крупнейших художественных музеев Америки, в том числе в Музее американского искусства Уитни.

Источники

- Джонатан Файнберг, «Искусство после 1940 года» (2000, Laurence King Publishing)
- Справочник по современному и постмодернистскому визуальному искусству в Америке и Европе.