Джим Дайн:
американский художник поп-арта, скульптор и график читать ~5 мин.

Джим Дайн (англ. Jim Dine, род. 1935) — художник, скульптор, график и графический дизайнер, которого часто связывают с американским движением поп-арт 1960-х годов. Широкое внимание к нему пришло через ранние Хэппенинги и круг нео-дадаизма конца 1950-х — начала 1960-х. Уже вскоре Дайна стали называть среди заметных фигур поп-арта — рядом с Роем Лихтенштейном, Рэем Джонсоном, Энди Уорхолом, Робертом Индианой, Клаэсом Олденбургом, Томом Вессельманом, Джеймсом Розенквистом, Алексом Катцем и Эдом Рушей.

Его живопись нередко держится на энергичной, “жестовой” манере, которая напоминает абстрактный экспрессионизм. При этом Дайн особенно известен работами на стыке живописи и объекта: ассамбляжами и композициями, где нарисованное полотно соседствует с найденными объектами. В таких вещах бытовые предметы работают как личные приметы — узнаваемые и при этом биографичные. Со временем Дайн всё чаще обращался к графике и печатным техникам, работая, среди прочего, с литографией и офортом.

Для Дайна важны повторяющиеся мотивы, которые он ведёт годами: инструменты, халат, сердце, отдельные предметы домашнего обихода. Повтор здесь не “холодный” приём, а способ удержать тему и настроение, как будто художник возвращается к одному и тому же вопросу разными словами. Из-за этого его часто трудно свести к одной школе: он мог быть рядом с поп-артом, но не растворялся в нём.

Ещё одна характерная черта — уважение к ремеслу и к физическому труду. В его работах это заметно по любви к материалу и к “вещности” предметов: поверхность, крепёж, след руки, ощущение веса. Даже когда он берёт мотив из массовой культуры, он доводит его не до плаката, а до личного знака.

Ранняя жизнь

Джим Дайн родился в Цинциннати, штат Огайо. Он учился в Цинциннатской академии (1951–1953) и в Школе Музея изящных искусств в Бостоне, а затем получил степень бакалавра изобразительного искусства в Университете Огайо (1957). В том же году он женился на Нэнси Минто, а в 1958 году супруги переехали в Нью-Йорк.

В Нью-Йорке Дайн оказался среди пионеров Хэппенингов — ранней формы перформанса, где событие создаётся “здесь и сейчас” и часто опирается на действие, звук и работу с пространством. Рядом с ним в этой среде работали, например, Джон Кейдж, Клаэс Олденбург и Аллан Капроу. Среди ранних работ Дайна нередко упоминают The Smiling Workman (1960).

Поп-арт, ассамбляжи и смешанные медиа

Около 1960 года Дайн начал создавать первые ассамбляжи, собирая их из разнообразных “найденных” материалов. Почти сразу он перешёл к смешанным медиа-комбинациям — картинам и объектам, где к основе крепятся повседневные вещи: одежда, кухонные предметы, хозяйственные детали, бумажные обрезки. Такая работа с реальными предметами вела его и к ранним формам инсталляции, когда важен уже не один объект, а ощущение среды вокруг него.

В 1962 году работы Дайна вошли в выставку New Painting of Common Objects (“Новая живопись обыденных предметов”), организованную Уолтером Хоппсом в Pasadena Art Museum. Участниками также были Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Эд Руша, Роберт Доуд, Филип Хэффертон, Джо Гуд и Уэйн Тибод. Эту выставку часто называют первым музейным обзором американского поп-арта в США.

Поп-арт сделал предметы повседневности и массовой культуры законным материалом для “высокой” живописи. Он опирался на быстро считываемые образы — упаковку, рекламу, бытовые вещи, лица знаменитостей, визуальный шум большого города. На фоне послевоенного роста потребления и медиарынка такой язык выглядел естественно и остро. См. также: поп-арт Энди Уорхола (ок. 1959–73).

В 1960-е Дайн продолжал вводить в работы домашние и личные предметы: галстуки, обувь, тазы, зубные щётки. Пример — Child’s Blue Wall (1962, Albright-Knox Art Gallery, Буффало, штат Нью-Йорк). Работа His Shoes Walking on My Brain (1960) строится на намеренно наивном изображении лица, к которому прикреплена пара обуви. Дайн также обращался к предметам, связанным с мастерской: ящикам для красок, палитрам, кистям и инструментам; см., например, Five Feet of Colorful Tools (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

В 1964 году он начал использовать фотографический образ мужского халата, взятый из газетной рекламы, как основу для повторяющегося автопортрета; см., например, Self-portrait next to a Coloured Window (1964, Музей искусств Далласа). Повтор одного и того же мотива постепенно превращал его в личный “ярлык” художника. Наряду с халатом важным знаком стало и сердце.

Этот подчёркнуто личный взгляд отличал Дайна от части коллег. Даже оставаясь рядом с нео-дадаистской средой, давшей Хэппенинги, он не ушёл в концептуальное искусство. И хотя его часто относят к поп-арту, он не стремился к бесстрастной подаче и к поздней “стерильной” чистоте минимализма. Позднее в нём видели и одного из предшественников неоэкспрессионизма и нового интереса к фигуративной живописи. С 1980-х годов он заметно больше времени отдавал скульптуре.

Выставки, награды и коллекции

В 1984 году Художественный центр Уокера в Миннеаполисе, штат Миннесота, организовал выставку его работ Jim Dine: Five Themes. В 1989 году Институт искусств Миннеаполиса показал проект Jim Dine Drawings: 1973–1987. В 1994 году Дайна избрали в Национальную академию дизайна как полного академика. В 2004 году в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, прошла выставка Drawings of Jim Dine.

Работы Дайна находятся во многих американских музеях, среди них Музей Хиршхорна и Сад скульптур (Вашингтон, округ Колумбия), Метрополитен-музей (Нью-Йорк), Музей современного искусства (Нью-Йорк), Национальная коллекция изобразительных искусств (Вашингтон, округ Колумбия), Музей современного искусства Сан-Франциско, Музей Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк), Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк) и Художественный центр Уокера (Миннеаполис).