Казимир Малевич:
русский абстрактный художник, основатель супрематизма читать ~6 мин.

Казимир Северинович Малевич (польск. Kazimierz Malewicz; 1879–1935) — художник-авангардист, педагог и теоретик искусства. Он стал создателем супрематизма — направления в абстрактном искусстве, которое вытеснило лучизм (1912–1914) Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой и развивалось параллельно с конструктивизмом Владимира Татлина.

В 1918 году поиски Малевича в области беспредметного искусства достигли апогея в его работе «Белое на белом» — изображении белого квадрата на белом фоне. Несмотря на то, что художник продолжал свою деятельность ещё несколько лет, его авангардный стиль не нашёл поддержки у советских властей, которые отдавали предпочтение социалистическому реализму. Сегодня Малевич признан одним из важнейших русских художников эпохи современного искусства и величайших абстракционистов Европы.

Юность и обучение

Казимир Малевич родился в Киеве. Его отец был управляющим на сахарных заводах, поэтому детство будущего художника прошло вдали от крупных городов. В 1904 году, после смерти отца, он переехал в Москву, где до 1910 года учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в студии Фёдора Рерберга. В 1907 году Малевич познакомился с Михаилом Ларионовым. Несколько лет они разделяли увлечение примитивизмом, участвуя в выставках групп «Бубновый валет» и «Ослиный хвост».

Работы Малевича того периода отличались насыщенностью цвета, чему способствовала техника гуаши по бумаге. На его творчество также повлияло искусство Анри Матисса, картины которого художник видел в коллекции Сергея Щукина.

Ранние выставки и кубофутуризм

В 1911 году работы Малевича были показаны на выставке группы «Союз молодёжи» в Санкт-Петербурге вместе с произведениями Владимира Татлина. Годом позже он представил картины на крестьянскую тематику на выставке «Ослиный хвост» в Москве. Одна из этих работ — «Косарь» (1912; Музей Стеделик, Амстердам) — демонстрирует отход от графической манеры Ларионова к массивным, трубчатым формам, близким к работам Пабло Пикассо 1908–1909 годов.

Картины Малевича всё больше впитывали западные авангардные течения, что противоречило антиевропейской позиции Ларионова. Работа «Точильщик ножей (Принцип мелькания)» (1912; Йельская университетская художественная галерея) сочетает в себе кубистскую фрагментацию и футуристическое умножение изображения. В свою очередь, «Голова крестьянской девушки» (1912; Музей Стеделик, Амстердам) показывает более свободную трактовку темы, чем в классических работах Пикассо и Брака.

Алогизм

Разорвав отношения с Ларионовым, Малевич сблизился с кругом современных художников, куда входили поэт Алексей Кручёных и композитор Михаил Матюшин. Эта группа развивала концепцию «алогизма», которая подразумевала освобождение от логических связей. «Алогические» картины, такие как «Англичанин в Москве» (1914; Музей Стеделик, Амстердам), соединяли слова и образы в парадоксальных комбинациях, разрушая привычную изобразительную логику.

Рождение супрематизма

Кульминацией «алогизма» стала футуристическая опера «Победа над Солнцем», поставленная в Санкт-Петербурге в декабре 1913 года. Либретто написал Кручёных, музыку — Матюшин, а Малевич создал декорации и костюмы. Среди эскизов художника был занавес с изображением чёрного квадрата. Для Малевича он символизировал «ноль форм», начало нового искусства после ухода старого порядка.

Так зародился супрематизм (от лат. supremus — «наивысший») — революционное направление конкретного искусства, основанное на утопических идеалах. Оно было революционным и в искусстве, так как полностью исключало предметность, и в политике, выражая веру в создание нового мира. В 1914 году, развивая супрематизм, Малевич выставлялся в Салоне независимых в Париже вместе с другими русскими художниками, такими как Александр Архипенко, Александра Экстер и Вадим Меллер.

«0,10»: последняя футуристическая выставка

В декабре 1915 года в Петрограде открылась «Последняя футуристическая выставка картин ‘0,10’». На ней Малевич представил 39 абстрактных работ, назвав их супрематизмом. Название «0,10» символизировало «ноль» предметных форм и десять художников-участников (хотя в итоге их стало больше). Центральным экспонатом стал «Чёрный квадрат» (1915, Государственная Третьяковская галерея), который Малевич назвал «иконой» нового искусства и разместил в «красном углу», где традиционно вешали иконы.

Ограничив себя простейшими формами и базовыми цветами, Малевич добился полной независимости от сюжета. После публикации манифеста «От кубизма к супрематизму» (1915) он сотрудничал с другими супрематистами, такими как Любовь Попова (1889–1924). В 1916–1917 годах он вновь участвовал в выставках группы «Бубновый валет» вместе с Давидом Бурлюком (1882–1967).

Беспредметное искусство и философия

Малевич стремился «освободить искусство от бремени предметности», утверждая, что художник должен творить, основываясь «на весе, скорости и направлении движения». В своих абстрактных картинах он создавал ощущение парения и полёта, располагая геометрические формы на однотонном фоне. Это позволяло избежать пространственных интерпретаций, хотя наложение форм могло намекать на их взаимосвязи.

Вершиной этого периода стала серия работ «Белое на белом», в частности «Супрематическая композиция: Белое на белом» (1918, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В ней белый квадрат, написанный холодным голубоватым оттенком, расположен на более тёплом, охристом белом фоне, что создаёт иллюзию движения. Это стало кульминацией его поисков «чистого ощущения».

Малевич не разделял позицию многих художников послереволюционной России, отказавшихся от живописи. Его мышление носило мистический характер, и он стремился к созданию новой художественной концепции. В книге «Мир как беспредметность», изданной в Мюнхене в 1927 году, он писал, что художник опережает общество и не может жертвовать своими идеями ради утилитарных задач.

Витебская художественная школа

С 1918 года Малевич сосредоточился на преподавании. В 1919 году он по приглашению Марка Шагала присоединился к Витебской художественной школе, где также работал Эль Лисицкий. Там Малевич с учениками создал группу «Уновис» («Утвердители нового искусства»). Группа стала настолько влиятельной, что после творческих разногласий с Малевичем Шагал покинул школу. В Витебске художник и его последователи разрабатывали теоретические основы супрематизма, создавая архитектурные модели — «архитектоны» и «планиты».

Международное признание и поздние годы

В 1927 году Малевич посетил Варшаву и Берлин, где прошли выставки его работ, принёсшие ему международное признание. Он также побывал в школе Баухаус в Дессау. Предвидя грядущие репрессии против авангардного искусства в СССР, он оставил большинство своих картин за границей. Вскоре его опасения подтвердились: многие работы были конфискованы, а самому художнику запретили работать в абстрактном стиле.

После 1930 года Малевич вернулся к крестьянской тематике, создавая фигуративные работы с использованием простых геометрических форм. Этот шаг был попыткой приспособиться к доктрине социалистического реализма, требовавшей понятного для масс искусства. Художник умер от рака в Ленинграде в мае 1935 года в возрасте 56 лет. Сегодня он признан одной из ключевых фигур абстрактных движений в искусстве и одним из самых новаторских художников XX века.

Избранные картины

Работы Казимира Малевича хранятся во многих ведущих художественных музеях мира, включая Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, музей Стеделик в Амстердаме и Государственную Третьяковскую галерею в Москве.

«Косарь» (1912, Городской музей, Нижний Новгород)
«Точильщик ножей (Принцип мелькания)» (1912, Йельская университетская художественная галерея, Нью-Хейвен)
«Голова крестьянской девушки» (1912, Музей Стеделик, Амстердам)
«Победа над Солнцем», эскиз декорации (1913, Государственный центральный театральный музей им. А. А. Бахрушина, Москва)
«Чёрный супрематический квадрат» (1915, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
«Красный квадрат. Живописный реализм крестьянки в двух измерениях» (1915, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)
«Супрематическая композиция: Белое на белом» (1918, MoMA, Нью-Йорк)
«Скачет красная конница» (ок. 1928–1932, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург)