Пьер Сулаж:
художник-абстракционист, ташизм читать ~4 мин.

Римские памятники, а также гравированные дольмены и менгиры в окрестностях Родеза стали первыми произведениями искусства, которые привлекли внимание Пьера Сулажа (фр. Pierre Soulages, 1919–2022). В 18 лет во время поездки в Париж он открыл для себя современное искусство на выставках Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Во время войны он трудился на земле близ Монпелье, а в 1946 году вернулся в Париж, чтобы посвятить себя живописи. В 1947 году его работы были показаны на Салоне Сверхнезависимых. Будучи художником замкнутым и устойчивым к внешним влияниям, он вскоре разработал собственную мощную форму абстрактного искусства. Этот стиль привлёк к нему внимание на первой персональной выставке в галерее Лидии Конти в 1949 году.

Эта выставка принесла ему репутацию одного из ведущих молодых художников XX века и ключевого представителя ташизма. Ташизм — это французское жестовое направление арта информель, европейского аналога абстрактного экспрессионизма, зародившегося в Нью-Йоркской школе. Среди знаковых работ Пьера Сулажа: «23 мая 1953» (галерея Тейт, Лондон) и «6 августа 1956» (Национальная галерея Австралии, Канберра).

В начале карьеры Сулаж часто писал на бумаге, используя сок грецкого ореха, мазут или угольную смолу. С самого начала он нашёл способ выражения, отражавший его темперамент, и радикально отказался от традиционной живописной манеры. Его абстрактные картины обычно состояли из энергичных, но сдержанных мазков. Поначалу он работал исключительно в чёрно-белой гамме, за что получил прозвище «художник чёрного», но позднее добавил приглушённые синие, серые и коричневые тона. Первобытная мощь его композиций отражала глубокое родство с доисторическим искусством его родного региона.

Его воображение привнесло в живопись новую структуру, где линия в пространстве стала важным элементом намеренно каллиграфического эффекта. Картины Сулажа часто напоминали увеличенные иероглифы или знаки восточной каллиграфии. В этом его творчество перекликалось с работами Жана-Поля Риопеля (1923–2002). Вскоре Сулаж стал использовать вместо кисти мастихин, затем шпатель и даже резиновую подошву обуви. Эта техника, создающая рельефный эффект, придавала каждому полотну вид монолитного целого и напоминала некоторые приёмы китайского искусства.

В 1979 году художник открыл для себя концепцию, которую назвал outrenoir — «за пределами чёрного». С этого момента он работал исключительно с чёрным цветом, исследуя не сам пигмент, а свет, который отражается от его текстурированной поверхности. Сулаж наносил краску толстыми слоями, создавая борозды, гладкие и шероховатые участки. В зависимости от угла зрения и освещения одна и та же картина могла выглядеть совершенно по-разному, превращая чёрный из цвета в источник света и динамики.

Кроме живописи, Сулаж создавал декорации и костюмы для театра, в том числе для пьесы «Элоиза и Абеляр» Роже Вайяна (1949) и постановки романа Грэма Грина «Сила и слава» (1951). В 1952 году он увлёкся офортом, а в 1957-м — литографией. В том же 1957 году он получил Гран-при за живопись на Токийской биеннале. В 1987–1994 годах он создал 104 витража для аббатской церкви Сент-Фуа в Конке, используя специально разработанное стекло, которое рассеивает свет, не искажая его.

Работы Сулажа представлены в ведущих музеях мира, включая Музей современного искусства и Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, Центр Помпиду в Париже и музей Фабра в Монпелье. В 2001 году Сулаж стал первым прижизненно выставлявшимся художником в Эрмитаже, после чего его ретроспектива прошла в Третьяковской галерее. В 2014 году в его родном городе Родез открылся Музей Сулажа. К 100-летию художника в 2019 году Лувр организовал его персональную выставку, что сделало Сулажа третьим мастером после Пикассо и Шагала, удостоенным такой чести при жизни.

Арт информель

Среди других заметных европейских представителей абстрактного экспрессионизма в его основных формах: Сергей Поляков (1906–1969), Мария Элена Виейра да Силва (1908–1992), Альфред Манесье (1911–1993), Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце) (1913–1951), Николя де Сталь (1914–1955), Асгер Йорн (1914–1973), Жорж Матьё (1921–2012) и Карел Аппель (1921–2006). Свой вклад в это направление также внесли американцы Марк Тоби (1890–1976) и Сэм Фрэнсис (1923–1994), а также колорист из Сент-Айвса Патрик Херон (1920–1999).

Другие известные представители авангардного искусства во Франции 1950-х годов: коллекционер ар брют Жан Дюбюффе (1901–1985), художники ассамбляжа Сезар (Сезар Бальдаччини) (1921–1998) и Арман (1928–2005), Пьер Алешинский (р. 1927) и концептуальный художник Ив Кляйн (1928–1962). См., например, постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956–1962).