Виктор Вазарели:
художник оп-арта читать ~8 мин.

Французский художник, скульптор и график венгерского происхождения Виктор Вазарели (венг. Vásárhelyi Győző) стоял у истоков оп-арта. Отучившись в будапештской Академии Подольни-Волькмана и школе «Мюхей», он переехал в Париж в 1930 году. Первое десятилетие карьеры он создавал коммерческую графику. Основной акцент мастер делал на плакатном искусстве и визуальных иллюзиях. В 1943 году он занялся живописью.

Спустя год состоялась его первая персональная выставка. В конце сороковых годов он выработал строгую геометрическую форму абстрактного искусства. Картины Вазарели вызывают сильные оптические эффекты. Визуальные вибрации активируются при перемещении зрителя вдоль полотна. Мастер также исследовал возможности кинетического искусства и декоративных тканых панно.

На его художественный метод повлияли венгерский авангардист Шандор Бортник, Василий Кандинский и французский живописец Огюст Эрбен. Работы Вазарели отличались новаторством, но оставались в строгих рамках. Позднее эти визуальные границы расширила Бриджет Райли (р. 1931). Виктор признан одним из ярких художников современности.

Ранние годы в Будапеште

Виктор родился в венгерском городе Печ в 1906 году. Долгие годы он увлекался медициной и сохранил глубокий интерес к науке на всю жизнь. Позже он перенёс научную методологию и объективность в свои рисунки и картины. В 1925 году юноша поступил в Академию Подольни-Волькмана. Там преподавали традиционное академическое искусство. В студенческие годы он подолгу сидел в кофейнях на берегу Дуная, увлечённо обсуждая авангардное искусство. Там он впервые узнал о школе «Мюхей». Это заведение часто называли будапештским Баухаусом.

В 1929 году Вазарели стал студентом «Мюхей». Школой руководил график, живописец и дизайнер плакатов Шандор Бортник — активный участник венгерского авангарда. Его привлекало абстрактное использование цвета для передачи формы. Он много экспериментировал с конструктивизмом и геометрией. На занятиях Вазарели познакомился с исследованиями по цветовой оптике. Он изучал труды Йозефа Альберса (1888–1976) и Йоханнеса Иттена (1888–1967). Юноша также рассматривал работы Казимира Малевича и Василия Кандинского.

Учебная программа «Мюхей» опиралась на принципы немецкой школы дизайна Баухаус. Вазарели быстро проявил себя как выдающийся ученик. Сохранилась его ранняя картина маслом 1929 года. Она содержит глубокие цветовые исследования и оперирует геометрическими кубическими формами. В 1930 году галерея Ковача Акоша в Будапеште организовала его первую выставку. Сразу после неё художник покинул Венгрию и переехал в Париж. Город тогда оставался бесспорным центром мирового искусства.

Париж и графический дизайн

В Париже Вазарели устроился коммерческим художником. Он специализировался на графическом искусстве и типографике. Свою творческую живопись он оставлял на ночь. Художник мечтал однажды полностью посвятить себя искусству. (См. также: История плакатного искусства.) Увлечение типографикой стало прямым следствием учёбы в «Мюхей». Там графика преобладала над чистым изобразительным искусством. Линейный дизайн и работа с пространством стали страстью Вазарели на всю жизнь.

Художник активно создавал трёхмерные эффекты без использования сложных технологий. Он просто накладывал друг на друга узорчатые слои прозрачного целлофана. Эта техника давала ощутимую иллюзию глубины. Работы тридцатых годов оставались преимущественно фигуративными, однако они уже содержали зерна будущего кинетического искусства. Картина «Шахматная доска» 1935 года отлично иллюстрирует ранние поиски мастера. В композиции «Арлекин» он целенаправленно искажает сетку. Искажение оживляет проступающую фигуру.

Самым известным произведением этого периода стала картина «Зебра» 1937 года. Она заложила фундамент нового направления и стала первой полноценной работой в стиле оптического искусства. Вазарели отказался от контурных линий для обрисовки животных. Он выстроил тела зебр исключительно за счёт контрастных черно-белых полос. Переплетение изгибающихся линий на чёрном фоне обманывает зрение. Плоское изображение внезапно обретает объём и динамику. Зритель физически ощущает напряжение мышц скачущих животных.

Абстрактная живопись

Осенью 1944 года Вазарели открыл свою первую крупную выставку. Она прошла в парижской галерее Дениз Рене. Экспозиция состояла из графики и рисунков. Выставка вызвала бурный отклик у публики. Успех окончательно убедил мастера бросить коммерческий дизайн и стать свободным художником. В тот же период он детально изучил полотна Пита Мондриана (1872–1944). Нидерландский новатор был участником движения Де Стейл и создателем неопластицизма.

Особое впечатление на Вазарели произвёл Огюст Эрбен (1882–1960). Этот французский живописец стоял у истоков Салона Сюрэндепандан и объединения «Абстракция-творчество». Радикальная геометрическая фаза Эрбена разрушала привычные стандарты станковой живописи. Критики долго отвергали этот метод. Из-за давления среды Эрбен даже временно вернулся к фигуративному письму в 1922 году. Но Вазарели осознал скрытый потенциал этого направления. К 1945 году он полностью погрузился в абстракцию.

Он участвовал в выставках Салона Сюрэндепандан в 1945 и 1946 годах. В 1948 году вновь выставился в галерее Дениз Рене. Публика начала узнавать его работы. Он пробовал различные течения современного искусства, такие как кубизм, футуризм, символизм, сюрреализм и экспрессионизм. Фирменный стиль ещё только формировался.

Оптическое искусство

С 1947 по 1951 год Вазарели выкристаллизовал свою уникальную форму конкретного искусства. Он перешёл на преимущественно черно-белую палитру. Эта визуальная система теперь известна как оп-арт. В ранних картинах этого цикла глаз зрителя сталкивается с визуальными парадоксами. Диагонали, круги и квадраты конфликтуют друг с другом. Плоскость картины начинает расширяться, сжиматься и пульсировать.

Эти оптические вибрации подтолкнули художника к кинетическому искусству. Такая форма искусства опирается на реальное или кажущееся движение для создания нужного эффекта. Ярким примером служит композиция «Ондо» 1956 года, выставленная в Нью-Йорке. В скульптуре кинетическое искусство работает иначе. Там движение возникает за счёт моторов, электричества или часовых механизмов. Подобные решения применяли Наум Габо (1890–1977), Марсель Дюшан (1887–1968) и Жан Тэнгли (1925–1991).

Вместе с Вазарели визуальные кинетические эффекты исследовали Надир Афонсу (1920–2013) и Джетулио Альвиани (1939–2018). В 1955 году галерея Дениз Рене провела легендарную выставку кинетического искусства. Она называлась «Движение». Вазарели принял в ней участие и представил свой «Жёлтый манифест». В этом тексте он описал теорию оптического кинетизма. За эти разработки он удостоился Золотой медали на Миланской триеннале.

Алфавит форм и картины

С 1960 по 1965 год мастер работал над серией «Пластический алфавит». Этот подход к необъективному искусству базировался на строгой сетке. Он также вернул цвет в полотна Вазарели. Система базировалась на пятнадцати основных формах. Все они происходили от круга, квадрата и треугольника. Формы развивались через точные цветовые градации. Каждая ячейка сетки имела свой фон и передний план.

Создание «Пластического алфавита» позволило систематизировать процесс живописи. По сути, Вазарели предвосхитил компьютерное искусство. Он разработал собственный визуальный язык программирования. Он записывал код будущей картины с помощью букв и цифр, обозначая цвета и формы. Ассистентам оставалось лишь нанести краску на холст по этой инструкции. Художник верил, что искусство должно быть доступным каждому человеку. Его метод позволял создавать качественные копии и тиражировать работы без потери авторского замысла.

Весной 1965 года Музей современного искусства в Нью-Йорке открыл масштабную выставку «Чувствительный глаз». В ней участвовали Фрэнк Стелла (1936–2024), Эллсворт Келли (1923–2015), Александр Либерман (1912–1999) и Ричард Анушкевич (1930–2020). Бриджет Райли и Виктор Вазарели также показали свои работы. Кураторы сделали акцент на иллюзии движения и взаимодействии оттенков.

Выставка вызвала восторг у зрителей, но критики отнеслись к оп-арту прохладно. Журналисты писали: “Это всего лишь изощрённый трюк”. Они назвали это направление искусной обманкой.

Несмотря на скепсис критиков, Вазарели немедленно заслужил неофициальный титул отца оп-арта. Визуальные приёмы быстро проникли в коммерческую сферу и смежные стили современного искусства. Оптические иллюзии появились в рекламе, принтах, моде и дизайне мебели. Они подготовили почву для таких направлений, как минимализм. В 1969 году Вазарели запустил серию «Вега». Он использовал сферические полихромные сетки. Поверхность таких картин выглядит выпуклой. Создаётся ощущение, что геометрический шар пытается вырваться за пределы холста. К другим известным сериям относятся циклы «Вонал» и «Гештальт».

Награды и музейные коллекции

Вазарели по праву заслужил статус одного из выдающихся живописцев двадцатого века. За свою карьеру он получил множество престижных наград. В 1964 году ему вручили премию Гуггенхайма. В 1970 году Франция удостоила его звания кавалера Ордена искусств и литературы. Художник активно проектировал монументальные работы для открытых пространств. В 1972 году он создал официальный логотип двадцатых Олимпийских игр в Мюнхене. Эмблема имела форму динамичной спирали.

Художник ушёл из жизни в 1997 году в Париже. Его творческое наследие рассредоточено по ведущим художественным музеям мира. Оригиналы хранятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке и лондонской галерее Тейт. Крупные собрания работ мастера выставлены в Музее изящных искусств Бильбао и Центре Жоржа Помпиду.