Рисование фигур читать ~13 мин.

Термин «рисование фигуры» обычно относится к учебному классу (рисование с натуры), преподаваемому во многих академиях и школах изобразительного искусства, таких как Школа изящных искусств в Париже, во время которого студенты изучают и рисуют живую модель, сидящую перед ними.

Этот классический метод изобразительного искусства считается лучшим способом для начинающих художников и скульпторов приобрести навык рисования человеческого тела и овладеть его линией, формой и глубиной. Для сравнения, копирование человеческой фигуры с фотографий или по памяти традиционно рассматривается большинством преподавателей искусства как неполноценное. (См. также: Карандашные рисунки, а также Рисунки углём и Рисунки пером и тушью.)

Рисунок остаётся основой для всех видов изобразительного искусства, включая живопись и скульптуру, а также архитектуру. Другие виды искусства, которые выигрывают от хорошего образного рисования, включают: иллюстрации и иллюминированные рукописи, а также искусство карикатуры и шаржи.

Техники рисования фигур: Ракурс

Большинство студентов художественных вузов и даже профессиональные художники, как правило, делают все возможное, чтобы избежать рисования фигур в движении. Фигура в движении – это фигура, которая находится в середине действия, перемещаясь из точки А в точку Б. Она может бежать, тянуть, толкать или хватать. Торсы, которые крутятся и сгибаются, и руки, которые тянутся, посылают волны паники через студентов в большинстве художественных классов. Почему? Потому что рисование тела в движении представляет гораздо больше технических трудностей, чем статичное тело, привязанное к месту.

Чтобы быть убедительным, художник должен умело передать правильную развесовку (на какую ногу приходится вес движения?) и работу мышц (какие мышцы напряжены, а какие выглядят расслабленными). Ему также необходимо определить направленность конечностей по отношению друг к другу. Кроме того, возникает проблема ракурса: то есть искажение размеров конечности, которая находится ближе к зрителю (например, одна конечность может тянуться к зрителю, в то время как другая отброшена в противоположном направлении).

Подробнее о рисовании мелом, карандашом, углём, пастелью, пером и тушью см. в разделе искусство рисования, и искусство наброска.

Ещё более сложным является рисование фигуры в движении с использованием глубокого ракурса. То есть фигуру, изображённую сверху или снизу. Например, при виде снизу доминирующими формами являются подбородок и нос; при виде сверху доминирующей формой становится куполообразная форма черепа. Когда речь идёт о зарисовке фигуры в движении, туловище имеет ключевое значение. Ведь любое движение туловища выводит ноги, голову и руки из прежней взаимосвязи в новую. Малейшее движение рёбер немедленно приводит к смещению головы и рук.

Важным помощником в рисовании является так называемая средняя линия. Это воображаемая линия, проходящая через тело. Она помогает художнику сохранить взаимосвязь различных частей тела. После туловища ноги имеют следующее значение (в большей степени, чем руки), поскольку ноги выражают вес и напряжение. Если они изображены неточно, то рисунок выглядит неустойчивым и неубедительным.

Правильное положение стоп и лодыжек, поддерживающих ноги, также очень важно. Третье место по важности занимают руки. Хотя движения рук не вызывают сильного смещения туловища или ног, они способны на широкий диапазон уникальных движений. Их всегда следует рассматривать как единое целое, никогда не изображая по отдельности. Художников учат визуализировать воображаемую линию, проходящую от одной руки, над ключицей и вниз к другой руке.

Точное рисование фигуры в движении – это высокотехничный навык, которым вечно занимались одни из величайших старых мастеров нашего времени, включая Микеланджело, Тинторетто и Леонардо да Винчи.

Что происходит на занятиях по рисованию жизни?

Также называемое рисованием жизни, большинство занятий по рисованию фигуры предполагает рисование обнажённой модели. Без одежды модель можно изобразить во вневременной манере. (См. также Женская обнажённая натура) Если отбросить культуру и место во времени, то нет никакой разницы между теми фигурами, которые рисуются сегодня, и теми, которые создаются в классе эпохи Возрождения. Обнажённая фигура, в зависимости от позы и художественного мастерства, может отражать любой аспект человечества – от жалкого до самовлюблённого или героического.

Если вы посещаете занятия по рисованию фигур, вы участвуете в традиции, которой сотни, а возможно, и тысячи лет. Структура вашего занятия будет зависеть от места проведения и человека, предлагающего курс. Некоторые преподаватели предпочитают давать студентам возможность самим делать наброски, предлагая советы или поправки по ходу работы. Другие преподаватели придерживаются более инструктивного подхода – сначала делают, а затем поощряют учеников пробовать. Последний подход больше подходит для начинающих студентов.

Типичный курс рисования фигуры

Ниже приводится схема типичного 6-этапного курса рисования фигуры. Во время занятий для изображения тела модели могут использоваться различные средства, в том числе: карандаш, перо и тушь, уголь, мелки, пастель, мел или смешанные средства, хотя классическим инструментом является карандаш. (См. также: Карандашные рисунки, а также Рисунки углём и Рисунки пером и тушью).

Этап 1 Основные пропорции человеческого тела и как все части соотносятся друг с другом.

Этап 2 Рисование живой модели в 3D форме, понимание измерений и центральной линии.

Этап 3 Создание убедительного силуэта и обучение точному рисованию головы, туловища, ног и рук.

Этап 4 Продолжайте отрабатывать человеческую фигуру, также добавляя тона и оттенки для более убедительной моделировки и отбрасывания теней.

Этап 5 Практика рисования рук и ног под разными углами и работа над навыками моделирования и визуализации.

Этап 6 Создание законченных рисунков, готовых для групповой выставки или для портфолио.

История рисунка

Самые ранние известные рисунки человеческих фигур были созданы в рамках доисторической традиции наскальной живописи, начиная примерно с 17 000 года до нашей эры, во Франции и Австралии. Во Франции самый ранний рисунок человека – палочкообразная фигура – можно увидеть в Валу мертвеца (15 000 лет до н.э.) в пещере Ласко, в Дордони. На другом конце света человеческие формы впервые появились в районе Кимберли в Западной Австралии. Известный как «Брэдшоу», этот уникальный стиль искусства аборигенов, возраст которого не менее 17 000 лет, состоит из палочных фигур (до 2 метров в высоту), нарисованных в мельчайших деталях с точными анатомическими пропорциями. Несмотря на то, что животные нарисованы довольно реалистично, палеолитические рисунки людей остаются жёстко ненатуралистичными. Только в эпоху позднего мезолита (ок. 6 000 лет до н.э.) мы видим более естественные изображения людей. Однако тот факт, что эти рисунки человечков из спичек вообще сохранились, является чудом и во многом обязан тому, что художники того времени делали наброски на камне.

Древнее искусство ранних цивилизаций античности (Месопотамия, Древний Египет, Греция, Персия, Рим) также содержало рисунки людей, но обычно они были набросаны на менее устойчивых к атмосферным воздействиям носителях, таких как папирус или деревянные панели, и лишь немногие из них сохранились. Единственным видом образного искусства, сохранившимся в античности в сколько-нибудь значительном количестве, была статуарная и рельефная скульптура, хотя древнегреческие скульпторы сумели вдохновить последующие поколения каменщиков, художников и рисовальщиков. (См. также: Греческое искусство) В частности, они отстаивали идею о том, что человеческое тело является идеальным объектом для произведения искусства: эту точку зрения повторили и развили мастера итальянского Возрождения, в частности Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Об их влиянии см. также Классическое возрождение в современном искусстве (1900-1930).

Итальянское Возрождение: Золотой век рисунка

Именно эти три художника, в частности, сделали рисунок – или disegno – респектабельным, поскольку до этого времени он считался лишь подготовительной работой по проектированию, а не самостоятельным видом изобразительного искусства – или использовался для простой записи и копирования законченных произведений искусства, включая картины и статуи.

Более широкая доступность бумаги после 1550 года также означала, что рисунки можно было легче создавать и собирать. Леопольд Медичи и Джорджо Вазари собрали большую коллекцию эскизов (к 1689 году Медичи собрал 12 000 рисунков). Эпоха Возрождения (ок. 1400-1600 гг.), несомненно, представляет собой апогей развития рисунка как вида искусства. Подмастерья, работавшие у живописцев, скульпторов и ювелиров, постигали основы рисования набросков, работая с сухим и металлическим остриём на восковых табличках, а затем переходили к более дорогим средствам, таким как мел или уголь.

Леонардо да Винчи (1452-1519)
Леонардо был мастером топографической анатомии человека, выполнив большое количество детальных зарисовок мышц, сухожилий и других анатомических особенностей. Он намеревался опубликовать свои рисунки в трактате по анатомии, но после его смерти в 1519 году рисунки остались неопубликованными среди его личных бумаг. Их значение было потеряно для мира на 400 лет, но сегодня их можно увидеть в Британской королевской художественной коллекции в Галерее королевы, Букингемский дворец. Он стремился изобразить универсальную природу человека.

Среди своих рисунков он перечислил «радость, с различными способами смеха», а также «причину смеха». Он стремился запечатлеть различные движения убийства: «бегство, страх, свирепость, смелость», а также «плач в различных формах». Не удовлетворившись внешним изображением человека, Леонардо хотел узнать, что заставляет его двигаться внутри. В 1500-х годах в Европе свирепствовала Чёрная смерть, и художник воспользовался этой возможностью, препарируя столько трупов, сколько попадалось ему под руку.

Вероятно, он был одним из первых художников, точно нарисовавших репродуктивную систему человека. К другим шедеврам Леонардо относятся: Голова девушки, (этюд для Мадонны в скалах 1483), выполненный серебряным остриём на светло-коричневой бумаге; Пять гротескных голов (1494), рисунок пером и тушью.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)
Микеланджело, также был плодовитым рисовальщиком, зарисовщиком и представителем фигуративного искусства. После смерти Рафаэля в 1520 году он доминировал в искусстве Возрождения ещё 40 лет. Его главным интересом была мужская обнажённая натура, и он неустанно зарисовывал фигуры в различных позах, пытаясь раскрыть сущность их духа. Он выполнил многочисленные предварительные этюды для двух своих шедевральных скульптур, Пьеты и Давида, а также копии эскизов для своих знаковых фресок Бытие (1508-12) и Страшный суд (1536-41), написанных на потолке и алтарной стене Сикстинской капеллы. (См. также: Сотворение Адама)

Другие рисунки Микеланджело включают в себя работы пером и чернилами, пером и смывкой, углём, а также красным и чёрным мелками. Он никогда не планировал выставлять большинство своих рисунков на всеобщее обозрение и пришёл бы в ужас от одной мысли об этом. Биографы предполагают, что, возможно, это было связано с его желанием скрыть объём подготовительной работы, которую он проводил для своих крупных произведений. На самом деле, незадолго до смерти он сжёг множество своих рисунков. Исключением, возможно, был его рисунок «Титий» (1533, Королевская коллекция, Виндзорский замок). Титий был подарком и одним из первых рисунков, который стал считаться самостоятельным произведением искусства.

Рафаэль (Раффаэлло Санти) (1483-1520)
Рафаэль, ещё один мастер анатомии человека, часто начинал свои наброски фигуры с подрисовки с помощью стилуса. Острый кончик этого инструмента оставлял слабые отпечатки на поверхности бумаги. Затем он рисовал красным мелом поверх отпечатков, когда был удовлетворён контуром. Примером может служить его этюд для «Фригийская сивилла» (1511, Британский музей).

Эта женская фигура одета в классическую драпировку и имеет очень мужественные руки и ноги (вероятно, она была срисована с мужской модели). Многие рисунки Рафаэля отличаются высокой степенью законченности, с белыми бликами и штриховкой. Он часто полагался на рисунки, чтобы уточнить позы для своих картин, и, судя по большому количеству сохранившихся эскизов, он был более плодовит в этой области, чем Микеланджело и Леонардо.

Величайшие выразители фигурного рисунка эпохи Возрождения

Пизанелло (1394-1455)
Фра Анджелико (ок.1395-1455)
Якопо Беллини (1400-1470)
Фра Филиппо Липпи (1406-1469)
Беноццо Гоццоли (1420-1497)
Джентиле Беллини (1429-1507)
Джованни Беллини (1430-1516)
Андреа Мантенья (1431-1506)
Боттичелли (1445- 1510)
Лука Синьорелли (1445-1523)
Пьетро Перуджино (1445-1523)
Леонардо да Винчи (1452-1519)
Филиппино Липпи (1457-1504)
Витторе Карпаччо (ок. 1465-1525 /6)
Фра Бартоломео (1472-1517)
Микеланджело (1475-1564)
Лоренцо Лотто (1480-1556)
Рафаэль (1483-1520)
Себастьяно дель Пьомбо (1485-? 1547)
Андреа дель Сарто (1486-1530)
Тициан (1485-1576)
Корреджо (Антонио Аллегри) (1489-1534)
Джулио Романо (ок. 1492-1546)
Баччо Бандинелли (1493-1560)
Понтормо (Якопо Карруччи) (1494-1556)
Россо Фьорентино (1494-1540)
Пармиджанино (Франческо Маццола) (1503-1540)

Средства рисования, использовавшиеся художниками эпохи Возрождения

Вот лишь несколько примеров средств, использовавшихся в рисунках и набросках эпохи Возрождения для достижения точных эффектов.

Металлическая точка и коричневая смывка поверх чёрного мела, усиленная белым на лососево-розовой бумаге.
Металлическая точка, усиленная белой гуашью на сиренево-серой бумаге.
Кисть и коричневая смывка с тушью, следы красной смывки, на пергаменте.
Перо и коричневая смывка, усиленная белой поверх следов чёрного мела, на сине-зелёной бумаге.
Рисунок кистью серо-коричневой и белой дистемперой на льне, тонированном в темно-серый цвет.
Белое выделение и коричневая гуашь поверх металлического острия на охристой бумаге.
Чёрный мел, перо и тушь с коричневой смывкой и белым выделением.
Чёрный мел с белым выделением, перо и серые чернила на серо-бежевой бумаге.
Перо и чернила и слабая коричневая смывка поверх чёрного мела на бумаге с розовым оттенком.

Красный мел был ещё одним популярным средством для рисования в эпоху Возрождения, так как он был предпочтительным средством для набросков обнажённой натуры из-за его податливости и способности изображать человеческую плоть.

Современные рисунки человеческой фигуры

Начиная с эпохи Возрождения, почти в каждом направлении искусства, включая барокко, рококо, неоклассицизм, реализм, импрессионизм и экспрессионизм, были художники, которые были чрезвычайно талантливы в рисовании и выполняли рисунки самыми разными средствами. Вот небольшая горстка великих скетчеров с примерами их работ.

Альбрехт Дюрер: Мадонна со многими животными (1503, Альбертина, Вена)
Рембрандт: Художник в мастерской (1632, Рейксмузеум)
Николя Пуссен: Похищение сабинянок (1634, Метрополитен-музей Нью-Йорк)
Ватто: Этюд для «Равнодушный» (1710, Роттердам)
Франсуа Буше: «Вертумн и Помона» (1760-70, Метрополитен музей Нью-Йорк)
Жак-Луи Давид: Обнажённая женщина (1764, Лувр)
Жак-Луи Давид: Три брата Гораций (1785, Музей Бонна)
Пьер-Поль Прюдон: Сидящая обнажённая женщина (ок. 1795-1800, Met Museum NYC)
Гойя: Трое мужчин копают (ок. 1800, Прадо)
Эдуард Мане: Два религиозных агентуя (1857, Музей Орсэ)
Оноре Домье: Литературная дискуссия во втором классе (1864, Le Charivari)
Оноре Домье: Карета третьего класса (1864, Walters Art Museum)
Эдгар Дега: Танцовщица, поправляющая туфельку (1873, Met Museum NYC)
Эдгар Дега: Женщина, купающаяся в мелкой ванне (1885, Музей Орсе)
Эдгар Дега: Голубые танцовщицы (1899, Музей изобразительных искусств им. Пушкина)
Эдгар Дега: Танцовщицы (1899, Музей искусств Толедо)
Генри Мур: Женщины, сидящие в метро (1941, Тейт)
Фрэнсис Бэкон: Поворачивающаяся фигура (1959-62, Коллекция Тейт)

Сколько стоит рисунок?

Это всего лишь набросок на бумаге, верно? Сколько он может стоить на самом деле? В 2012 году набросок головы мужчины под названием «Голова молодого апостола» (1519) работы Рафаэля был продан на аукционе за рекордные 29,7 миллиона фунтов стерлингов, превысив предпродажную оценку в 10-15 миллионов фунтов стерлингов.

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ
См.: Хронология истории искусства.