Греческое искусство читать ~25 мин.

Эгейское искусство, ставшее истоком для искусства классической античности, восходит к минойской культуре третьего тысячелетия до нашей эры. Культура жителей Крита, известных как минойцы (в честь легендарного царя Миноса), начала процветать около 2100 года до н.э. благодаря успешной морской торговле. Испытывая влияние шумерского искусства и других направлений искусства Месопотамии, минойцы построили дворцовые комплексы в Кноссе, Фесте и Акротири. Они создали множество произведений фресковой живописи, резьбы по камню, керамики и других артефактов. В XV веке до н.э., после катастрофического извержения вулкана на острове Тера (современный Санторини) и последовавших за ним землетрясений, разрушивших большинство дворцов, Крит был завоёван воинственными микенскими племенами с материковой Греции.

Микенская культура стала доминирующей силой в восточном Средиземноморье. Затем, вскоре после начала Троянской войны (ок. 1194–1184 гг. до н.э.), город Микены, вместе с его архитектурой и культурными ценностями, был разрушен в ходе вторжения дорийцев. В этот момент развитие античного искусства остановилось примерно на 400 лет (1200–800 гг. до н.э.), и регион погрузился в эпоху междоусобиц и хаоса — период, известный как «греческие тёмные века» (также именуемый гомеровским или геометрическим).

Историческая справка

Собственно древнегреческое искусство возродилось в VIII веке до нашей эры (около 800–700 гг. до н.э.), когда ситуация в Эгейском регионе стабилизировалась. (См. также: Этрусское искусство). Примерно в это же время из железа стали изготавливать оружие и инструменты, появился алфавит, состоялись первые Олимпийские игры (776 г. до н.э.), сформировалась сложная религия и начало складываться общее культурное самосознание, основанное на идее «Эллады» (Греции). К 700 году до н.э. на смену монархиям начали приходить аристократические республики и города-государства (полисы). Однако ранние формы греческого искусства были представлены в основном керамикой, поскольку регион страдал от нехватки ресурсов и перенаселения, что приводило к вынужденной эмиграции (многие греки покидали материк, чтобы основать колонии в Малой Азии и Италии). Это ограничивало развитие архитектуры и большинства других видов искусства. Лишь около 650 года до н.э. были восстановлены морские торговые связи с Египтом и Анатолией. Это позволило Греции вновь достичь процветания и способствовало подъёму её культуры.

Пигменты и краски
Подробнее о цветах и пигментах, которые использовали художники в Древней Греции, см.:
Классическая палитра цветов.

Хронология греческого искусства

Практика изобразительного искусства в Древней Греции развивалась в три основных этапа или периода:

• Архаический период (около 650–480 гг. до н.э.)
• Классический период (около 480–323 гг. до н.э.)
• Эллинистический период (323–27 гг. до н.э.).

Архаическая эпоха была периодом постепенных экспериментов. В классическую эпоху материковая Греция достигла пика своего могущества и художественного доминирования. Эллинистический период, начавшийся после смерти Александра Македонского, стал временем распространения «греческого стиля» по всему региону, где на завоёванных землях возникали новые центры и колонии греческой культуры. Этот период также был отмечен упадком и падением Греции и возвышением Рима: фактически, он закончился полным римским завоеванием всего Средиземноморского бассейна.

Примечание: Почти все оригинальные произведения искусства греческой античности, за исключением керамики (то есть скульптура, фрески и панно, мозаика, декоративное искусство), были утрачены. Поэтому мы вынуждены полагаться на копии, созданные римскими художниками, и немногочисленные письменные источники. В результате наши знания о хронологии, эволюции и масштабах греческой визуальной культуры неизбежно являются фрагментарными. Фактически, за редкими исключениями, мы очень мало знаем о личностях греческих художников, о том, что, как и когда они создавали. О художниках более поздних эпох, вдохновлявшихся классической скульптурой и архитектурой Древней Греции, см.: Классицизм в искусстве (начиная с 800 г.).

Архаический период (около 650–480 гг. до н.э.)

Древнегреческая керамика

Самым развитым видом искусства доархаического периода (около 900–650 гг. до н.э.), несомненно, была греческая керамика. Вазы и другие сосуды на начальном этапе украшались линейными узорами (протогеометрический стиль), а затем — более сложными орнаментами (геометрический стиль) из треугольников, зигзагов и других подобных фигур. Геометрическая керамика — одно из наиболее значимых явлений в греческом искусстве, а вазы этого периода обычно изготавливались в соответствии со строгой системой пропорций. Примерно с 700 года до н.э. возобновление контактов с Анатолией, бассейном Чёрного моря и Ближним Востоком привело к заметному восточному влиянию (ориентализирующий стиль), которое особенно ярко проявилось у коринфских керамистов. В новом стиле появился более широкий репертуар мотивов, таких как криволинейные узоры, а также множество фантастических существ: сфинксов, грифонов и химер.

В саму архаическую эпоху росписи становились всё более и более фигурными: в них добавлялось больше животных, зооморфных существ, а затем и человеческих фигур. Эти фигурные изображения были первым проявлением неизменного восхищения греков человеческим телом как самым благородным объектом для художника или скульптора. Эта увлечённость позднее возродилась в живописи Микеланджело и других мастеров эпохи Возрождения. Ещё один стиль керамики, зародившийся в Коринфе, — чернофигурная керамика: фигуры сначала рисовались чёрным силуэтом, а затем детализировались с помощью процарапывания. Дополнительные штрихи наносились пурпурной или белой краской. Среди излюбленных сюжетов для чернофигурных изображений были пиры Диониса и подвиги Геракла. Со временем Афины стали доминировать в чернофигурной керамике благодаря усовершенствованному чёрному лаку и новому оранжево-красному пигменту. Позднее это привело к появлению краснофигурной керамики — стиля, который процветал в 530–480 гг. до н.э. Среди известных греческих художников-керамистов архаической эпохи были Эксекий, а также Клитий (создатель знаменитой вазы Франсуа), Андокид, Евфимид, Эрготим, Лидос, Неарх и Софил. Для получения дополнительной информации и дат см.: Хронология гончарного дела.

Архаическая греческая архитектура

Именно в VII и VI веках до н.э. камень стал использоваться для строительства общественных зданий в Греции, особенно храмов. Греческая архитектура основывалась на простой стоечно-балочной системе; арки не использовались до римской эпохи. Типичное прямоугольное здание было окружено колоннадой со всех четырёх сторон (см., например, Парфенон) или, реже, только спереди и сзади (Храм Афины-Ники). Крыши состояли из деревянных балок, покрытых терракотовой черепицей. Фронтоны (треугольное завершение фасада) украшались рельефной скульптурой или фризами, так же как и антаблемент — балочное перекрытие между крышей и капителями колонн.

Греческие архитекторы первыми стали основывать свои проекты на принципе пропорциональности. Для этого они ввели систему «архитектурных ордеров» — набор правил проектирования, основанных на соотношении между отдельными частями, например, между шириной и высотой колонны. В раннегреческой архитектуре было три таких ордера: дорический, ионический и коринфский. Дорический ордер применялся в материковой Греции и более поздних греческих поселениях в Италии. Ионический ордер использовался в постройках на западном побережье Турции и островах Эгейского моря. Известные здания Древней Греции, построенные или заложенные в архаический период: Храм Геры в Олимпии (600 г. до н.э.), Храм Афины на Акрополе (550 г. до н.э.) и храмы в Пестуме (начиная с 550 г. до н.э.). См. также: Египетская архитектура (с 3000 лет до н.э.) о значении египетских архитекторов, таких как Имхотеп.

История искусства показывает, что создание канонов неизменно стимулировало развитие других видов изобразительного искусства, таких как скульптура и живопись, а также декоративно-прикладное искусство. Новые храмы и другие общественные здания нуждались в большом количестве декоративной скульптуры, включая статуи, рельефы и фризы, а также в настенной живописи и мозаике.

Архаическая греческая скульптура

Древнегреческая скульптура этого периода всё ещё находилась под сильным влиянием египетской скульптуры, а также сирийских техник. Греческие скульпторы создавали каменные фризы и рельефы, а также статуи (из камня, терракоты и бронзы) и миниатюрные произведения (из слоновой кости и кости других животных).

В раннем, дедалическом, стиле отдельно стоящей скульптуры (650–600 гг. до н.э.), представленном работами Дедала, Дипена и Скиллида, преобладали два типа человеческих фигур: стоящий обнажённый юноша (курос) и задрапированная девушка (кора). Из них обнажённые мужские фигуры считались более важными. Изначально и куросы, и коры создавались в довольно жёсткой, «фронтальной» египетской манере: широкие плечи, узкая талия, руки вытянуты вдоль тела и сжаты в кулаки, обе ступни плотно стоят на земле, а на лице застывшая «архаическая улыбка». См., например, «Даму из Осера» (630 г. до н.э., Лувр) и статуи Клеобиса и Битона (610–580 гг. до н.э., Археологический музей, Дельфы). Со временем исполнение этих шаблонных статуй становилось менее скованным и более реалистичным. Позднее появились более совершенные образцы куросов и кор: «Кора в пеплосе» (около 530 г. до н.э., Музей Акрополя, Афины) и «Мальчик Крития» (Музей Акрополя, Афины). Среди других известных работ: Аполлон из Стрэнгфорда (600–580 гг. до н.э., Британский музей); Дипилонский курос (ок. 600 г. до н.э., Афины, Музей Керамика); Курос из Анависсоса (ок. 525 г. до н.э., Национальный археологический музей Афин); и выразительный фриз сокровищницы сифносцев в Дельфах (около 525 г. до н.э.).

Древнегреческая живопись

Поскольку большинство ваз и скульптур раскрашивалось, развитие керамики и скульптуры в VII веке до н.э. привело к росту заказов для греческих художников. Кроме того, стены многих храмов, общественных зданий и гробниц украшались фресковой живописью, а их мраморная или деревянная скульптура расписывалась темперой или красками в технике энкаустики. Энкаустика придавала поверхности некоторый блеск, схожий с масляной живописью (техники, неизвестной грекам), и стала популярным методом росписи каменных статуй и архитектурных рельефов в VI веке до н.э. Примеров древнегреческой живописи на досках сохранилось очень мало: единственные образцы, которые у нас есть, — это доски из Пицы, декорированные стукко и расписанные минеральными пигментами. К сожалению, из-за эрозии, вандализма и разрушений до наших дней дошло очень мало образцов оригинальной греческой живописи этого периода. Всё, что осталось, — это несколько расписных терракотовых плит (терракотовые метопы из храма Аполлона в Фермосе в Этолии, ок. 630 г. до н.э.), несколько деревянных панелей (четыре доски из Пицы, найденные в пещере на севере Пелопоннеса) и фрески (такие как боевые сцены VII века из храма в Калаподи, близ Фив, и те, что были раскопаны в гробницах Этрурии). За исключением нескольких имён, таких как Кимон из Клеон, имена архаических греческих художников нам, как правило, неизвестны.

Наиболее распространённым видом искусства, проливающим свет на древнегреческую живопись, является керамика, которая, по крайней мере, даёт нам общее представление об архаической эстетике и технике. Следует, однако, отметить, что вазопись считалась ремеслом, а не высоким искусством, и редко упоминалась в классической литературе.

Классический период (ок. 480–323 гг. до н.э.)

Победы над персами в 490 и 479 гг. до н.э. сделали Афины самым могущественным из греческих городов-государств. Несмотря на внешние угрозы, они сохраняли свою ведущую культурную роль в течение нескольких последующих столетий. В V веке до н.э. в Афинах произошёл творческий подъём, который не только оказал доминирующее влияние на будущее римское искусство, но и, когда спустя почти 2000 лет он был заново открыт европейским Ренессансом, стал абсолютным художественным эталоном ещё на четыре столетия. И всё это несмотря на то, что большая часть греческих картин и скульптур была уничтожена.

Главным вкладом греческого классицизма в изобразительное искусство, несомненно, была его скульптура: в частности, «Канон пропорций» с его воплощением идеи «идеального человеческого тела» — концепция, которая так сильно резонировала с искусством Высокого Возрождения много веков спустя.

Классическая греческая керамика

В эту эпоху керамическое искусство и, соответственно, вазопись переживали упадок. Причины этого неизвестны, но, судя по отсутствию инноваций и растущей сентиментальности в оформлении, этот жанр, по-видимому, исчерпал себя. Последним творческим новшеством стала техника белофонной росписи, появившаяся около 500 года до н.э. В отличие от чернофигурного и краснофигурного стилей, которые использовали естественный цвет глины, в белофонной технике роспись и позолота наносились на белый фон. Лучшими образцами этой техники являются погребальные лекифы конца V века до н.э. Кроме этого единственного нововведения, классическая греческая керамика значительно уступала по качеству и художественным достоинствам и в конечном итоге развивалась лишь в рамках местных эллинистических школ.

Классическая греческая архитектура

Как и большинство греческих изобразительных искусств, архитектура достигла своего апогея в классический период, когда два основных стиля (или «ордера») греческой архитектуры, дорический и ионический, определили вневременной, гармоничный и универсальный стандарт красоты. Дорический стиль был более формальным и строгим — он преобладал в V – IV веках до н.э., тогда как ионический был более свободным и декоративным — этот стиль стал более популярен в более позднюю, эллинистическую эпоху. (Примечание: Ионический ордер позже дал начало более изысканному коринфскому стилю.)

Кульминацией древнегреческой архитектуры стал Акрополь, священный холм с плоской вершиной на окраине Афин. Первые храмы, построенные здесь в архаический период, были разрушены персами в 480 году до н.э., но когда город-государство вступил в свой золотой век (около 460–430 гг. до н.э.), его правитель Перикл назначил скульптора Фидия руководителем строительства нового храмового комплекса.

Большинство новых зданий (Парфенон, Пропилеи) были спроектированы в соответствии с дорическими пропорциями, хотя некоторые из них содержали и ионические элементы (Храм Афины-Ники, Эрехтейон). Акрополь достраивался несколько раз в эллинистическую и римскую эпохи. Парфенон (447–432 гг. до н.э.) остаётся высшим образцом классического греческого религиозного искусства. В своё время он был украшен многочисленными настенными росписями и скульптурами, но даже в нынешнем, лишённом большей части убранства, виде он является безошибочным памятником греческой культуры. Это самый большой храм на холме Акрополя. Он был спроектирован Иктином и Калликратом и посвящён богине Афине. Изначально в нём находилась колоссальная хрисоэлефантинная статуя под названием Афина Дева (Афина Парфенос), чья кожа была вырезана Фидием из слоновой кости, а одежда — из золотых пластин. Как и все храмы, Парфенон был богато украшен архитектурной скульптурой — рельефами и фризами, а также отдельно стоящими статуями из мрамора, бронзы и хрисоэлефантина. В 1801 году коллекционер и антиквар лорд Элгин (1766–1841) вывез большое количество мраморных скульптур Парфенона («Мраморы Элгина») в Британский музей в Лондоне.

Другие известные примеры классической греческой архитектуры: Храм Зевса в Олимпии (468–456 гг. до н.э.), Храм Гефеста (около 449 г. до н.э.), Храм Аполлона в Бассах (около 430 г. до н.э.), в котором впервые была использована коринфская капитель, Театр в Дельфах (около 400 г. до н.э.), Толос в святилище Афины Пронайи (380–360 гг. до н.э.), Мавзолей в Галикарнасе (353 г. до н.э.), Памятник Лисикрата в Афинах (335 г. до н.э.) и Храм Аполлона в Дельфах (330 г. до н.э.).

Классическая греческая скульптура

В истории скульптуры нет более продуктивного периода, чем 150 лет между 480 и 323 годами до н.э. Его можно подразделить на: раннюю классическую греческую скульптуру (480–450 гг. до н.э.), высокую классическую греческую скульптуру (450–400 гг. до н.э.) и позднюю классическую греческую скульптуру (400–323 гг. до н.э.).

В течение всей этой эпохи заметно выросло техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческого тела в естественных, а не застывших позах. Анатомия стала более точной, а статуи — более реалистичными. Кроме того, бронза стала основным материалом для отдельно стоящих работ из-за её способности сохранять сложную форму, что позволяло создавать ещё более естественные позы. Тематика была расширена и охватывала весь пантеон богов и богинь, второстепенных божеств, широкий спектр мифологических сюжетов и разнообразные изображения атлетов. Другие достижения: введение платоновского «Канона пропорций» для создания идеализированной человеческой фигуры и изобретение контрапоста (приёма, при котором вес тела переносится на одну ногу, что придаёт фигуре естественное и динамичное положение). В эпоху позднего классицизма появились первые получившие известность статуи обнажённой женской натуры.

Среди наиболее известных скульпторов того времени были: Мирон (активен в 480–444 гг. до н.э.), Поликлет (активен в 450–430 гг. до н.э.), Каллимах (активен в 432–408 гг. до н.э.), Скопас (активен в 395–350 гг. до н.э.), Лисипп (ок. 395–305 гг. до н.э.), Пракситель (активен в 375–335 гг. до н.э.) и Леохар (активен в 340–320 гг. до н.э.). Эти художники работали в основном с мрамором и бронзой, иногда с деревом, костью и слоновой костью. Каменная скульптура вырезалась вручную из блока мрамора или высококачественного известняка с помощью металлических инструментов. Это могли быть как отдельно стоящие статуи, так и рельефы или фризы, то есть фигуры, лишь частично вырезанные из каменного блока. Бронзовые скульптуры ценились выше всего, не в последнюю очередь из-за дороговизны материала, и обычно отливались методом «потерянного воска». Ещё дороже была хрисоэлефантинная скульптура, предназначавшаяся для крупных культовых статуй. Резьба по слоновой кости была ещё одним специализированным жанром для небольших, личных работ, как и резьба по дереву.

Как упоминалось выше, Парфенон был типичным примером того, как греки использовали скульптуру для украшения и обогащения своих религиозных построек. Скульптурное убранство Парфенона состояло из трёх основных групп. (1) На треугольных фронтонах с обоих концов храма располагались крупномасштабные отдельно стоящие группы, включавшие многочисленные фигуры богов и мифологические сцены. (2) На метопах (прямоугольных панелях) внешнего фриза было размещено около 100 рельефов с изображением сражающихся фигур, включая богов, людей, кентавров и других существ. (3) Вокруг всего здания шёл ещё один рельефный фриз длиной около 160 метров, изображавший Великие Панафинеи — религиозный праздник, проводившийся раз в четыре года в честь Афины. Несмотря на то, что скульптуры Парфенона сильно пострадали, они демонстрируют высочайшее художественное мастерство своих создателей. Прежде всего, они, как и многие другие классические греческие скульптуры, показывают удивительное чувство движения, а также поразительный реализм человеческого тела.

Среди величайших скульптур классической эпохи: Леонид, царь Спарты (около 480 г. до н.э.), Дельфийский возничий (около 475 г. до н.э.); «Дискобол» (около 450 г. до н.э.) Мирона; Геракл Фарнезский (V век до н.э.); Афина Парфенос (около 447–438 гг. до н.э.) Фидия; «Дорифор» (440 г. до н.э.) Поликлета; Юноша с Антикитеры (IV век до н.э.); Афродита Книдская (350–340 гг. до н.э.) Праксителя; и Аполлон Бельведерский (ок. 330 г. до н.э.) Леохара.

Для сравнения: Раннее римское искусство (ок. 510 г. до н.э. – 27 г. до н.э.).

Классическая греческая живопись

Классическая греческая живопись демонстрирует понимание линейной перспективы и натуралистического изображения, которое оставалось непревзойдённым до итальянского Высокого Возрождения. В классический период, помимо вазописи, процветали все виды живописи. По мнению таких авторов, как Плиний Старший (23–79 гг. н.э.) или Павсаний (активен в 143–176 гг. н.э.), высшей формой считалась станковая живопись, выполненная энкаустикой или темперой. Сюжеты включали фигуративные сцены, портреты и натюрморты, а выставки — например, в Афинах и Дельфах — были относительно обычным явлением. Увы, из-за недолговечности этих произведений, а также столетий грабежей и вандализма, не сохранилось ни одного образца греческой классической станковой живописи и ни одной её римской копии.

Фресковая живопись была распространённым методом росписи храмов, общественных зданий, домов и гробниц, но эти более крупные произведения искусства обычно ценились ниже, чем станковые. Самый знаменитый из сохранившихся примеров греческой настенной живописи — знаменитая Гробница ныряльщика в Пестуме (около 480 г. до н.э.), одно из многих подобных погребальных украшений в греческих колониях в Италии. Ещё одна известная работа была создана для Великой гробницы в Вергине (326 г. до н.э.), фасад которой украшен большой настенной росписью, изображающей царскую охоту на львов. Фон оставлен белым, а пейзаж обозначен одним деревом и линией земли. Кроме стиля фона и сюжета, фреска отличается тонким изображением света и тени, а также использованием техники, которую можно считать далёким предшественником оптического смешения цветов (наложение линий разного цвета для создания иллюзии тона), — любопытное предвосхищение пуантилизма Сёра XIX века.

Роспись по камню, терракоте и дереву была ещё одной специальной техникой, освоенной греческими художниками. Каменные скульптуры обычно раскрашивались в яркие цвета; не полностью — как правило, окрашивались только те части статуи, которые изображали одежду или волосы, тогда как кожа оставалась цвета натурального камня, но иногда раскрашивалась и вся скульптура. Роспись скульптуры рассматривалась как самостоятельное искусство — ранний тип смешанной техники, — а не просто как дополнение к скульптуре. Кроме красок, статуи могли быть украшены драгоценными материалами.

Среди самых известных классических греческих художников V века до н.э. были: Аполлодор (известный своей скиаграфией — примитивным видом светотени); его ученик, великий Зевксис из Гераклеи (известный своими станковыми картинами и обманками); а также Агатарх (первый, кто использовал графическую перспективу в большом масштабе); Паррасий (наиболее известный своими рисунками и изображением Тесея в Капитолии в Риме); и Тимарета (одна из величайших греческих художниц, известная своей панелью с изображением богини Дианы в Эфесе).

В течение позднего классического периода (400–323 гг. до н.э.), когда Македонская империя процветала при Филиппе II и его сыне Александре Великом, Афины продолжали оставаться доминирующим культурным центром материковой Греции. Это был апогей древнегреческой живописи, когда такие художники, как талантливый и влиятельный Апеллес с Коса, официальный художник Филиппа II Македонского и Александра Великого, добавляли новые техники светотеневой моделировки и колорита. Среди других известных художников IV века до н.э. были соперники Апеллеса — Антифил (специалист по свету и тени, жанровой живописи и карикатуре) и Протоген (известный своей скрупулёзной проработкой деталей); Евфранор из Коринфа (единственный художник-классик, преуспевший как в живописи, так и в скульптуре); Евпомп (основатель сикионской школы); и исторический живописец Андрокид из Кизика (известный своей исторической картиной, изображающей битву при Платеях).

Эллинизм (ок. 323–27 гг. до н.э.)

Период эллинистического искусства открывается смертью Александра Македонского (356–323 гг. до н.э.) и включением Персидской империи в состав греческого мира. К этому моменту эллинизм распространился по всей цивилизованной ойкумене, и список центров греческого искусства и культуры включал такие города, как Александрия, Антиохия, Пергам, Милет, а также поселения в Малой Азии, Анатолии, Египте, Италии, на Крите, Кипре, Родосе и других островах Эгейского моря. Таким образом, греческая культура была доминирующей. Однако внезапная смерть Александра привела к быстрому распаду его огромной империи, которая была разделена между тремя его полководцами: Антигоном I, получившим Грецию и Македонию; Селевком I Никатором, который взял под контроль Анатолию, Месопотамию и Персию; и Птолемеем I, правившим Египтом. Как это ни парадоксально, этот период отмечен огромным греческим культурным влиянием, но ослаблением греческой военной мощи. К 27 г. до н.э. Греция и её бывшая империя окажутся под властью Древнего Рима, но даже тогда римляне будут продолжать уважать греческое искусство и подражать ему на протяжении веков.

Эллинистическая архитектура

Разделение империи Александра на отдельные царства, каждое со своим правителем и династией, открыло новые возможности для самовозвеличивания. В Малой Азии Атталиды построили новую столицу в Пергаме; в Персии Селевкиды разработали более пышные, барочные формы зданий; в Египте династия Птолемеев построила маяк и библиотеку в Александрии. Возродилась дворцовая архитектура, и было построено множество муниципальных комплексов, чтобы усилить влияние местных правителей.

Однако храмовая архитектура пережила серьёзный спад. Начиная с 300 г. до н.э., греческий периптер (храм, окружённый колоннадой со всех сторон) потерял большую часть своего значения. За исключением некоторой активности в западной части Малой Азии, строительство храмов в III веке до н.э. практически прекратилось как в материковой Греции, так и в соседних греческих колониях. Даже монументальные проекты, такие как храм Артемиды в Сардах и храм Аполлона в Дидиме близ Милета, продвигались медленно. Всё это изменилось во II веке до н.э., когда в храмовом строительстве наметилось возрождение, отчасти из-за возросшего благосостояния, отчасти из-за усовершенствований, внесённых архитектором Гермогеном из Приены в ионический ордер, а отчасти из-за развернувшейся культурной конкуренции (за усиление влияния) между различными эллинистическими царствами, а также между ними и Римом.

В процессе этого возрождения храмовой архитектуры появилось большое количество греческих храмов, а также небольших построек (псевдопериптеров) и святилищ (наисков) — на юге Малой Азии, в Египте и в Северной Африке. Что касается стилей, сдержанный дорический ордер полностью вышел из моды, поскольку эллинизм требовал более ярких форм ионического и коринфского ордеров. Известные примеры эллинистической архитектуры, которыми восхищался римский архитектор Витрувий (ок. 78–10 гг. до н.э.): Большой театр в Эфесе (III – I вв. до н.э.); Стоя Аттала (159–138 гг. до н.э.); Башня Ветров в Афинах.

Эллинистическая скульптура

Эллинистическая греческая скульптура продолжила классическую тенденцию к растущему натурализму. Животные, а также обычные люди всех возрастов стали приемлемыми сюжетами для скульптуры, которую часто заказывали богатые люди или семьи для украшения своих домов и садов. Скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать мужчин и женщин как идеалы красоты. Фактически идеализированная классическая безмятежность V и IV веков до н.э. уступила место большей эмоциональности, интенсивному реализму и почти барочной драматизации сюжета. Характерный стиль этого периода описан в статье о Пергамской школе эллинистической скульптуры (241–133 гг. до н.э.).

В результате распространения греческой культуры (эллинизации) возник гораздо больший спрос со стороны вновь созданных заморских культурных центров в Египте, Сирии и Турции на статуи и рельефы греческих богов, богинь и героических фигур для их храмов и общественных мест. Таким образом, возник большой рынок для производства и экспорта греческой скульптуры, что неизбежно привело к некоторому снижению мастерства и творческого поиска. Кроме того, в своём стремлении к большей выразительности греческие скульпторы стали создавать всё более монументальные работы. Эта практика нашла своё высшее выражение в Колоссе Родосском (создан около 280 г. до н.э., разрушен в 226 г. до н.э.).

К известным греческим скульптурам того времени относятся: «Фарнезский бык» (II век до н.э.); «Умирающий галл» (ок. 230–220 гг. до н.э.) Эпигона; «Ника Самофракийская» (начало II века до н.э.); Пергамский алтарь (ок. 180–160 гг. до н.э.); «Венера Медицейская» (150–100 гг. до н.э.); «Три грации» (II век до н.э.); «Венера Милосская» (около 130–100 гг. до н.э.) Александра Антиохийского; «Лаокоон и его сыновья» (ок. 42–20 гг. до н.э.) Агесандра, Полидора и Афинодора. Для получения дополнительной информации см.: Эллинистические статуи и рельефы.

Для общего сравнения: Римская скульптура, Римская рельефная скульптура. Превосходный образец эллинистическо-римского искусства на рубеже тысячелетий можно увидеть в необычных мраморных рельефах Алтаря Мира Августа (ок. 13–9 гг. до н.э.).

О влиянии греческой скульптуры на более поздние стили см.: Скульптура эпохи Возрождения (около 1400–1530 гг.), а также Неоклассическая скульптура (1750–1850 гг.).

Эллинистическая живопись

Повышенный спрос на скульптуру в греческом стиле нашёл отражение и в росте популярности эллинистической греческой живописи, которая преподавалась и распространялась в ряде отдельных школ как на материке, так и на островах. Что касается тематики, то классические фавориты, такие как мифология и современные события, были вытеснены жанровыми сценами, изображениями животных, натюрмортами, пейзажами и другими подобными сюжетами. Представление об этих стилях можно получить на примере декоративных росписей, найденных в Геркулануме и Помпеях (I век до н.э. и позже); многие из них, как считается, являются копиями утраченных греческих оригиналов.

Возможно, самый большой вклад художников-эллинистов был сделан в портретное искусство, в особенности это касается фаюмских портретов, датируемых I веком до нашей эры и позже. Эти прекрасно сохранившиеся панно — всего около 900 работ — являются единственным значительным собранием станковой живописи, уцелевшим от греко-римской античности. Эти реалистичные портреты, найденные в основном в Фаюмском оазисе в Египте, прикреплялись к погребальным пеленам, закрывая лица мумифицированных тел. С художественной точки зрения изображения принадлежат скорее к греческой традиции портретной живописи, чем к какой-либо египетской. См. также: Наследие греческой монументальной и станковой живописи.

Греческая трагедия

Настоящая трагедия греческого искусства заключается в том, что большая его часть исчезла. Сохранилось лишь очень небольшое количество храмов — например, Парфенон и храм Гефеста. В греческом мире было создано пять из семи чудес света (Колосс Родосский, Храм Артемиды в Эфесе, Статуя Зевса в Олимпии, Мавзолей в Галикарнасе и Александрийский маяк), но от них до нас дошли только руины. Точно так же было уничтожено подавляющее большинство скульптур. Греческие изделия из бронзы в основном переплавлялись для изготовления инструментов или оружия, а каменные статуи разграблялись или ломались для использования в качестве строительного материала. Примерно 99 процентов всех греческих картин также исчезли.

Греческие художники сохранили традиции

Но хотя материальное наследие во многом исчезло, породившие его художественные традиции продолжили жить. Вот почему. К тому времени, когда Греция уступила место Риму в I веке до н.э., в Италии уже работало множество талантливых греческих скульпторов и художников, привлечённых выгодными заказами. Влияние этих мастеров и их последователей ощущалось в Римской империи на протяжении пяти веков. По мере упадка Рима центр художественной жизни сместился в Константинополь, столицу Восточной Римской империи, где греческие традиции легли в основу нового византийского искусства. Они процветали здесь почти тысячу лет. После падения Константинополя (захваченного турками в 1453 году) многие учёные и художники бежали в Италию, что дало мощный импульс итальянскому Возрождению.

На протяжении всего этого периода мигрирующие греческие художники сохраняли свои традиции (хотя и адаптировали их по ходу дела), которые они передали искусству эпох Возрождения, барокко, неоклассицизма и Новейшего времени. См., например: Классическое возрождение в современном искусстве (1900–1930 гг.). В XVIII веке греческая архитектура была важной достопримечательностью для путешественников, совершавших Гранд-тур, которые пересекали Ионическое море из Неаполя. Подводя итог: пусть многие греческие произведения искусства и исчезли, сам дух греческого искусства продолжает жить в академических традициях и в работах величайших мастеров.

См. также: Искусство классической античности (около 1000 лет до н.э. – 450 г. н.э.).