Греческое искусство читать ~25 мин.

Эгейское искусство классической античности восходит к минойской культуре третьего тысячелетия до нашей эры, когда жители Крита, известные как минойцы, в честь своего царя Миноса, начали формировать процветающую культуру около 2100 года до нашей эры, основываясь на своей успешной морской торговой деятельности. Под влиянием шумерского искусства и других направлений месопотамского искусства, они построили серию дворцов в Кноссе, Фесте и Акротири, а также создали широкий спектр фресковой живописи, резьбы по камню, древней керамики и других артефактов. В 15 веке до нашей эры, после катастрофического землетрясения, разрушившего большинство дворцов, Крит был захвачен воинственными микенскими племенами с материковой Греции.

Микенская культура должным образом стала доминирующей силой в восточном Средиземноморье. Затем, вскоре после начала Троянской войны (c.1194–1184), город Микены, вместе с его архитектурой и культурными ценностями, был разрушен новой группой мародёров, известных как дорийцы. В этот момент большая часть производства античного искусства остановилась примерно на 400 лет (1200-800), когда регион погрузился в эпоху враждующих царств и хаоса известную как «греческие тёмные века» (или геометрические, или гомеровские).

Историческая справка

Собственно древнегреческое искусство «появилось» в 8 веке до нашей эры (700-800), когда в Эгейском море всё успокоилось. (См. Также этрусское искусство). Примерно в это время из железа стали изготавливать оружие и инструменты, люди начали использовать алфавит, состоялись первые Олимпийские игры (776 г.), возникла сложная религия и вокруг возникло свободное чувство культурной идентичности под идееей «Эллады» (Греция). Примерно к 700 году королевства стали заменяться олигархиями и городами-государствами. Однако ранние формы греческого искусства в основном ограничивались керамикой, поскольку регион продолжал страдать от повсеместного голода, вынужденной эмиграции (многие греки покинули материк, чтобы колонизировать города в Малой Азии и Италии) и социальных волнений. Это ограничивало развитие архитектуры и большинства других видов искусства.. Только примерно в 650 году, когда были восстановлены морские торговые связи между Грецией и Египтом, а также Анатолией, греческое процветание наконец вернулось и способствовало подъёму греческой культуры.

Пигменты и краски
Подробнее о цветах и пигментах, которые использовали художники в Древней Греции, см.:
Классическая палитра цветов.

Хронология греческого искусства

Практика изобразительного искусства в Древней Греции развивалась в три основных этапа или периода:

• Архаический период (около 650-480 гг. до н.э.)
• Классический период (около 480-323 гг. до н.э.)
• Эллинистический период (323-27 гг. до н.э.).

Архаическая эпоха была периодом постепенного экспериментирования. Классическая эпоха затем стала свидетелями расцвета материковой греческой власти и художественного господства. Эллинистический период, который открылся после смерти Александра Великого, свидетелем создания «греческого стиля искусства» в регионе, как все больше и больше центров и колоний греческой культуры были созданы в греко-контролируемых земелях. Этот период также был отмечен упадком и падением Греции и возвышением Рима: фактически, он закончился полным римским завоеванием всего Средиземноморского бассейна.

Примечание: Почти все оригинальное искусство греческой античности, кроме керамики, – то есть скульптура, фрески и панно, мозаика, декоративное искусство – было утеряно, что оставило нас почти полностью зависимыми от копий Римских художников и нескольких письменных отчётов. В результате наши знания о хронологии, эволюции и масштабах греческой визуальной культуры неизбежно будут чрезвычайно отрывочными и их не следует воспринимать слишком серьёзно. На самом деле, за некоторыми исключениями, мы очень мало знаем о личности греческих художников, о том, что они рисовали или лепили и когда они это делали. О более поздних художниках, вдохновлённых классической скульптурой и архитектурой Древней Греции, см.: Классицизм в искусстве (начиная с 800 г.).

Архаический период (около 650-480 гг. до н.э.)

Древняя греческая керамика

Самым развитым видом искусства доархаического периода (около 900-650 гг.), несомненно, была греческая керамика. Часто с использованием больших ваз и других сосудов, она была первоначально украшена линейными узорами (протогеометрический стиль), затем более сложными узорами (геометрический стиль) из треугольников, зигзагов и других подобных форм. Геометрическая керамика – одно из лучших произведений греческого искусства, а вазы обычно изготавливаются в соответствии со строгой системой пропорций. Приблизительно с 700 г. возобновление контактов с Анатолией, бассейном Чёрного моря и Ближним Востоком привело к заметному восточному влиянию (восточный стиль), освоенный коринфскими керамистами. В новой идиоме был представлен более широкий репертуар мотивов, таких как криволинейные узоры, а также множество сложных существ, таких как сфинксы, грифоны и химеры.

В течение самой архаической эпохи украшения становились все более и более образными, поскольку в них добавлялось больше животных, зооморфов, а затем и самих человеческих фигур. Эти изображения фигур былии первым признаком непреходящего греческого восхищения человеческим телом как самым благородным предметом для художника или скульптора: это очарование возродилось в живописи Микеланджело и других художников эпохи Возрождения. Другой керамический стиль, представленный Коринфом, это черно-фигурная керамика: фигуры сначала были нарисованы чёрным силуэтом, затем снабжены резными деталями. Дополнительные штрихи были добавлены в фиолетовый или белый цвет. Среди любимых тем для изображений чёрных фигур: пирушки Диониса и подвиги Геракла. Со временем Афины стали доминировать в гончарном стиле в стиле чёрных фигур, с его совершенством более богатого чёрного пигмента и нового оранжево-красного пигмента, который привёл к появлению красно-фигурной керамики – идиома, которая процветала в 530-480 годах. Среди известных греческих художников-керамистов архаической эпохи были Экзекий, а также Клейтиас (создатель знаменитой вазы Франсуа), Андокид, Евфимид, Эрготим, Лидос, Неарх и Софилос. Для получения дополнительной информации и дат см.: Хронология гончарного дела.

Архаическая греческая архитектура

Именно в VI и VII веках камень использовался для строительства общественных зданий Греции (облицовка), особенно храмов. Греческая архитектура опиралась на простые методы строительства столбов и перемычек: арки не использовались до римской эпохи. Типичное прямоугольное здание было окружено линией колонн со всех четырёх сторон (см., например, Парфенон) или, реже, только спереди и сзади (Храм Афины Ники). Крыши строились из деревянных балок, обложенных терракотовой плиткой. Фронтоны (треугольная форма на каждом конце здания) украшали рельефной скульптурой или фризами, как и ряд перемычек между крышей и вершинами колонн (капители).

Греческие архитекторы были первыми, кто основывал свой архитектурный дизайн на стандарте пропорциональности. Для этого они ввели свой «Классический орден» – набор правил проектирования, основанный на пропорциях между отдельными частями, таких как соотношение между шириной и высотой колонны. В раннегреческой архитектуре было три таких ордена: дорический, ионический и коринфский. Использовался дорический стиль в материковой Греции и более поздних греческих поселениях в Италии. Ионический порядок использовался в зданиях вдоль западного побережья Турции и других островов Эгейского моря. Известные здания Древней Греции, построенные или начатые в архаический период: Храм Геры (600 г.), Храм Афины на Акрополе (550 г.) и Храмы в Пестуме (начиная с 550 г.). См. также: Египетская архитектура (с 3000 лет до н.э.) о важности египетских архитекторов, таких как Имхотеп и другие.

Греческая архитектура продолжала оказывать сильное влияние на более поздние стили, включая ренессанс, а также неоклассическую архитектуру и даже американскую архитектуру 19 и 20 веков.

История искусства показывает, что создание правил неизменно стимулировало развитие других форм изобразительного искусства, таких как скульптура и живопись, а также декоративно-прикладные искусства и архитектура. Новые храмы и другие общественные здания нуждались в большом количестве декоративной скульптуры, включая статуи, рельефы и фризы, а также в настенной живописи и мозаике.

Архаическая греческая скульптура

Древняя греческая скульптура в этот период все ещё находилась под сильным влиянием египетской скульптуры, а также сирийских техник. Греческие скульпторы создавали каменные фризы и рельефы, а также статуи (из камня, терракоты и бронзы) и миниатюрные произведения (из слоновой кости и кости других животных).

В раннем стиле отдельно стоящей дедалической скульптуры (650-600), примером которой являются работы Дедала, Дипойноса и Скиллиса, преобладали два человеческих стереотипа: стоящий обнажённый юноша (курос) и стоящая девушка в драпировке (коре). Из них обнажённые мужчины считались более важными. Начнём с того, что и курос и коре были вылеплены в довольно жёстком, «фронтальном» египетском стиле, с широкими плечами, узкой талией, свисающими руками, сжатыми кулаками, обеими ногами на земле и фиксированной «архаичной» улыбкой: см., например, «Леди Осер» (630, Лувр) и Клеобис и Битон (610–580, Археологический музей, Дельфы). Со временем, изготовление этих шаблонных статуй стало менее жёстким и более реалистичным. Позже появились более продвинутые, архаические версии куроса и коре: «Пеплос Коре» (около 530 г., Музей Акрополя, Афины) и «Мальчик Критиос» (Музей Акрополя, Афины). Среди других известных работ: Апполон Стредфорта (600-580, Британский музей); Дипилон Курос (c.600, Афины, Керамейкос музей); Курос Анависос (c.525, Национальный археологический музей в Афинах); и увлекательный фриз Сифнийской сокровищницы в Дельфах (около 525 г.).

Древняя греческая живопись

Поскольку большинство ваз и скульптур были расписаны, рост керамики и скульптуры в 7 веке автоматически привёл к увеличению количества работы для греческих художников. Кроме того, стены многих храмов, муниципальных зданий и гробниц были украшены фресковой росписью, а их мраморная или деревянная скульптура окрашена темперой или энкаустической краской. Энкаустика имела некоторый блеск масляной живописи (среды, неизвестной грекам) и стала популярным методом росписи каменных статуй и архитектурных рельефов в шестом веке. Древней греческой живописи на крашеных панелях очень мало: единственные примеры, которые у нас есть, – это панно Pitsa, декорированные лепниной с минеральными пигментами. К сожалению из-за эрозии, вандализма и разрушений с этого периода сохранилось несколько оригинальных греческих картин. Все, что осталось, – это несколько расписных плит из терракоты (терракотовые метопы из храма Аполлона в Термоне в Этолии ок. 630 г.), несколько деревянных панелей (четыре панели Pitsa, найденные в пещере на северном Пелопоннесе) и фрески (такие как в сцены битвы 7-го века из храма в Калаподи, недалеко от Фив и те, что были раскопаны в подземных гробницах в Этрурии). За исключением некоторых людей, таких как Кимон Клеонский, имена архаических греческих художников нам, как правило, неизвестны.

Наиболее распространённым видом искусства, проливающим свет на древнегреческую живопись, является гончарное дело, что, по крайней мере, даёт нам общее представление об архаической эстетике и технике. Обратите внимание, однако, что вазная живопись рассматривалась как низкий вид искусства и редко упоминается в классической литературе.

Классический период (ок. 480-323 до н.э.)

Победа над персами в 490 г. до н.э. и 479 г. до н.э. сделала Афины самым сильным из греческих городов-государств. Несмотря на внешние угрозы, они сохраняли свою ведущую культурную роль в течение следующих нескольких столетий. В пятом веке до нашей эры Афины стали свидетелями творческого подъёма, который не только будет доминировать в будущем римском искусстве, но и, когда он будет заново открыт Европой эпохи Возрождения 2000 лет спустя и станет абсолютным художественным эталоном ещё на четыре века. И все это несмотря на то, что большая часть греческих картин и скульптур была уничтожена.

Главным вкладом греческого классицизма в изобразительное искусство, несомненно, была его скульптура: в частности, «Канон пропорций» с его реализацией «идеального человеческого тела» – концепция, которая так сильно резонировала с искусством Высокого Возрождения тысячу лет спустя.

Классическая греческая керамика

В эту эпоху керамическое искусство и, соответственно, вазная живопись переживали упадок. Почему – мы не знаем, но, судя по отсутствию нововведений и возрастающей сентиментальности дизайна, жанр, похоже изжил себя. Последним творческим развитием стала техника «Белая земля», которая была представлена ​​около 500 года. В отличие от стилей черно-фигурных и красно-фигурных, которые основывались на глиняных пластинах для создания изображений, в технике «Белая земля» использовались краски и позолота на белом глиняном фоне и лучше всего иллюстрируется погребальными кувшинами конца 5 века. Кроме этого единственного нововведения, классическая греческая керамика значительно снизилась как по качеству, так и по художественным достоинствам и в конечном итоге стала зависеть от местных эллинистических школ.

Классическая греческая архитектура

Как и большинство греческих изобразительных искусств, дизайн зданий достиг апогея в классический период, когда два основных стиля (или «ордена») греческой архитектуры, дорический и ионический, стали определять вневременной, гармоничный и универсальный стандарт архитектурной красоты. Дорический стиль был более формальным и строгим – стиль, который преобладал в течение 4-5 веков, в то время как ионический был более расслабленным и несколько декоративным – стиль, который стал более популярным в более спокойную эллинистическую эпоху. (Примечание: Ионический орден позже дал начало более изысканному коринфскому стилю.)

Кульминацией древнегреческой архитектуры был Акрополь, священный холм с плоской вершиной на окраине Афин. Первые храмы, построенные здесь в архаический период, были разрушены персами в 480 году, но когда город-государство вступил в свой золотой век (около 460-430 гг.), его правитель Перикл назначил скульптора Фидия надзирать за строительством нового комплекса храмов.

Большинство новых зданий (Парфенон, Пропилеи) были спроектированы в соответствии с дорическими пропорциями, хотя некоторые содержали ионические элементы (Храм Афины Ники, Эрехтейм). Акрополь достраивался несколько раз в эллинистическую и римскую эпохи. Парфенон (447-432) остаётся высшим образцом классического греческого религиозного искусства. В своё время он был бы украшен многочисленными настенными росписями и скульптурами, но даже относительно лишённый украшений, он является безошибочным памятником греческой культуры. Это самый большой храм на холме Акрополя. Он был спроектирован Иктином и Калликратом и посвящён богине Афине. Первоначально здесь находилась колоссальная разноцветная статуя под названием Афина Богородица (Афина Парфенос), чья кожа была вырезана Фидием из слоновой кости, а одежда – из золотой ткани. Как и все храмы, Парфенон был полностью украшен архитектурной скульптурой, такой как рельефы и фризы, а также отдельно стоящими статуями из мрамора, бронзы и хризелефантина. В 1801 году коллекционер произведений искусства и антиквар лорд Элгин (1766-1841) отправил большое количество мраморной скульптуры Парфенона («Мраморы Элгина») в Британский музей в Лондоне.

Другие известные примеры классической греческой архитектуры: Храм Зевса в Олимпии (468-456 гг.), Храм Гефеста (примерно 449 г. до н.э.), Храм в Бассах, Аркадия (примерно 430 г.), в котором находилась первая коринфская столица, Театр в Дельфах (около 400 г.), Храм Толоса Афины Пронайи (380–360 гг.), Мавзолей в Харникарнасе, Бодрум (353 г.), Памятник Лисикрату в Афинах (335 г.) и Храм Аполлона в Дельфах (330).

Классическая греческая скульптура

В истории скульптуры нет более продуктивного периода, чем 150 лет между 480 и 330 годами до нашей эры. Что касается пластического искусства, его можно подразделить на: раннюю классическую греческую скульптуру (480-450), высокую классическую греческую скульптуру (450-400) и позднюю классическую греческую скульптуру (400-323).

В течение всей эпохи произошло заметное улучшение технических способностей греческих скульпторов по изображению человеческого тела в натуралистической, а не жёсткой позе. Анатомия стала более точной и статуи стали выглядеть более реалистично. Кроме того, бронза стала основным средством для отдельно стоящих работ из-за её способности сохранять форму, что позволяло создавать ещё более естественные позы. Сюжеты были расширены, чтобы охватить весь арсенал богов и богинь, а также второстепенных божеств, широкий спектр мифологических повествований и разнообразный набор спортсменов. Другие разработки: введение Платоновского «Канона пропорций» для создания идеализированной человеческой фигуры и изобретение контрапоста. В эпоху позднего классицизма появились первые респектабельные обнажённые девушки.

Среди наиболее известных скульпторов того времени были: Мирон (480-444), Поликлет (450-430), Каллимах (432-408), Скопас (395-350), Лисипп (ок.395-305), Пракситель (375-335) и Леохар (340-320). Эти художники работали в основном с мрамором, бронзой иногда с деревом, костью и слоновой костью. Каменная скульптура вырезалась вручную из куска мрамора или высококачественного известняка с использованием металлических инструментов. Эти скульптуры могут быть отдельно стоящими статуями, рельефами или фризами, то есть только частично вырезанными из каменного блока. Бронзовые скульптуры считалась лучшими, не в последнюю очередь из-за дороговизны бронзы и обычно их отливали методом выплавляемого воска. Ещё дороже была скульптура из хризэлефантина, предназначенная для крупных культовых статуй. Резьба по слоновой кости была ещё одним специализированным жанром для небольших, личных работ, как и резьба по дереву.

Как упоминалось выше, Парфенон был типичным примером того, как греки использовали скульптуру для украшения и улучшения своих религиозных построек. Первоначально скульптуры Парфенона разделились на три группы. (1) На треугольных фронтонах с обоих концов были крупномасштабные отдельно стоящие группы, содержащие многочисленные фигуры богов и мифологические сцены. (2) Вдоль обеих сторон было почти 100 рельефов с изображением борющихся фигур, включая богов, людей, кентавров и других. (3) Вокруг всего здания находился ещё один рельеф длиной около 150 метров, на котором изображалась Великая Панафения – религиозный четырёхлетний праздник в честь Афины. Несмотря на то, что скульптуры Парфенона сильно пострадали, они раскрывают высшие художественные способности своих создателей. Превыше всего, они, как и многие другие классические греческие скульптуры, демонстрируют удивительное чувство движения, а также заметный реализм человеческого тела.

Среди величайших скульптур классической эпохи: Леонид, царь Спарты (около 480 г.), Дельфийский возничий (около 475 г.); «Дискобол» (около 450 г.) Мирона; Фарнезский Геракл (5 век); Афина Парфенос (около 447-545) – Фидий; Дорифор (440 г.) от Поликлета; Молодёжь Антикиферы (4 век); Афродита Книдская (350-40) Праксителя; и Аполлон Бельведерский (ок. 330 г.) Леохара.

Сравните: Раннеримское искусство (ок. 510 г. до н.э. – 27 г. до н.э.).

Классическая греческая живопись

Классическая греческая живопись раскрывает понимание линейной перспективы и натуралистического изображения, которое оставалось непревзойдённым до итальянского Высокого Возрождения. В классический период, кроме вазописи, процветали все виды живописи. По мнению таких авторов, как Плиний (23–79 гг. н.э.) или Павсаний (активный период 143–176 гг. н.э.), высшей формой были панно, выполненное энкаустикой или темперой. Предметы включали фигуративные сцены, портреты и натюрморты, а выставки – например, в Афинах и Дельфах – были относительно обычным явлением. Увы из-за недолговечности этих панелей, а также столетий грабежей и вандализма не сохранилось ни одного греческого классического панно любого качества, и ни одной римской копии.

Фресковая живопись была распространённым методом росписи храмов, общественных зданий, домов и гробниц, но эти более крупные произведения искусства обычно имели более низкую репутацию, чем панно. Самый знаменитый из сохранившихся примеров греческой настенной живописи – знаменитая Могила ныряльщика в Пестуме (около 480 г.), одно из многих подобных надгробных украшений в греческих колониях в Италии. Ещё одна известная работа была создана для Великой гробницы в Верфине (326 г. до н.э.), фасад которой был украшен большой настенной росписью изображающей королевскую охоту на львов. Фон оставлен белым, а пейзаж обозначен одним деревом и линией земли. Кроме стиля фона и предметов, фреска отличается тонким изображением света и тени, а также использованием техники, называемой Оптический синтез (сопоставление линий разного цвета) – довольно любопытный предшественник пуантилизма Сёра 19 века.

Роспись по камню, терракоте и деревянной скульптуре была ещё одной специальной техникой, освоенной греческими художниками. Каменные скульптуры обычно окрашивались в яркие цвета; не полностью – обычно окрашивались только те части статуи, которые изображали одежду или волосы, тогда как кожа оставалась в цвете натурального камня, но иногда была окрашена и вся скульптура. Скульптурная роспись рассматривалась как самобытное искусство – ранний тип смешанной техники – а не просто скульптурное улучшение. Кроме красок, статуи могли быть украшены драгоценными материалами.

Среди самых известных классических греческих художников V века были: Аполлодор (известный своей Скиаграфией – примитивным типом светотени); его ученик, великий Зевксис из Гераклеи (известный своими станковыми картинами и обманками); а также Агатаркос (первый, кто использовал графическую перспективу в большом масштабе); Парразий (наиболее известный своими рисунками и изображением Тесея в Капитолии в Риме); и Тимарете (одна из величайших греческих художников-женщин, известная панно в Эфесе с изображением богини Дианы).

В течение позднего классического периода (400–323 гг. до н.э.), когда Македонская империя процветала при Филиппе II и его сыне Александре Великом, Афины продолжали оставаться доминирующим культурным центром материковой Греции. Это был апогей древнегреческой живописи, когда такие художники, как талантливый и влиятельный Апеллес из Кос, официальный художник Филиппа II Македонского и его сына Александра Великого, добавляли новые техники выделения, затенения и окраски. Среди других известных художников 4-го века были соперники Апеллеса – Антифил (специалист по свету и тени, жанровой живописи и карикатуре) и Протогенес (известный своей скрупулёзной проработкой деталей); Евфранор Коринфский (единственный художник-классик, преуспевший как в живописи, так и в скульптуре); Евпомп (основатель сикионской школы); и исторический художник Андрокид из Кизика (известный своей исторической картиной, изображающей битву при Платеях).

Эллинизм (ок. 323-27 до н.э.)

Период эллинистического искусства открывается смертью Александра Македонского (356-323) и присоединением Персидской империи к греческому миру. К этому моменту эллинизм распространился по всему цивилизованному миру и список центров греческого искусства и культуры включал такие города, как Александрия, Антиохия, Пергам, Милет, а также города и другие поселения в Малой Азии, Анатолии, Египте, Италии, на Крите, Кипре, Родосе и других островах Эгейского моря. Таким образом, греческая культура была доминирующей. Но внезапная кончина Александра спровоцировала быстрое падение греческой имперской власти, поскольку его огромная империя была разделена между тремя его полководцами – Антигоном I, получившим Грецию и Македонию; Селевком I Никатором, который взял под контроль Анатолию, Месопотамию и Персию и Птолемеем I, правившим Египтом. Как это ни парадоксально, этот период отмечен огромным греческим культурным влиянием, но ослаблением греческой военной мощи. К 27 г. до н.э. Греция и её империя будут управляться из Древнего Рима, но даже тогда римляне будут продолжать уважать и подражать греческому искусству на протяжении веков.

Эллинистическая архитектура

Разделение Греческой империи на отдельные образования, каждая со своим правителем и династией, открыло новые возможности для самовозвеличивания. В Малой Азии атталиды построили новую столицу в Пергаме; в Персии Селевкиды разработали конструкцию зданий в стиле барокко; в Египте династия Птолемеев построила маяк и библиотеку в Александрии. Была возрождена дворцовая архитектура и построены многочисленные муниципальные комплексы, чтобы усилить влияние местных правителей.

Однако храмовая архитектура пережила серьёзный спад. Начиная с 300 г. до н.э., греческий периферийный храм (один ряд колонн со всех сторон) потерял большую часть своего значения – за исключением некоторой активности в западной половине Малой Азии, строительство храмов практически прекратилось в третьем веке, и в материковой Греции и в соседних греческих колониях. Даже монументальные проекты, такие как «Артемидия» в Сардах и храм Аполлона в Дидиме близ Милета, достигли небольшого прогресса. Все это изменилось во втором веке, когда в строительстве храмов произошло что-то вроде возрождения, отчасти из-за возросшего благосостояния, отчасти из-за улучшений, внесённых архитектором Гермогеном Приенским в ионический стиль архитектуры, а отчасти из-за развязанной культурной пропагандистской войны (за увеличение влияние) между различными эллинистическими царствами и между ними и Римом.

В процессе этого возродилась храмовая архитектура и появилось большое количество греческих храмов, а также небольших построек (pseudoperipteros) и святыней (найскои) – на юге Малой Азии, Египте и в Северной Африке. Что касается стилей, сдержанный дорический стиль храмовой архитектуры полностью вышел из моды, поскольку эллинизм требовал более ярких форм ионического и коринфского орденов. Восхищённые римским архитектором Витрувием (ок. 78-10 до н.э.), известные примеры эллинистической архитектуры: Большой театр в Эфесе (III-I века); Стоа Аттала (159–138); часовой дом Tower of the Winds в Афинах.

Эллинистическая скульптура

Эллинистическая греческая скульптура продолжила классическую тенденцию к все большему натурализму. Животные, а также обычные люди всех возрастов стали приемлемыми предметами для скульптуры, которую часто заказывали богатые люди или семьи для украшения своих домов и садов. Скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать мужчин и женщин как идеалы красоты. Фактически идеализированная классическая безмятежность пятого и четвёртого веков уступила место большей эмоциональности, интенсивному реализму и почти барочной драматизации сюжета. Типичный стиль этой формы пластического искусства описан в статье о Пергамской школе эллинистической скульптуры (241–133 до н.э.).

В результате распространения греческой культуры (эллинизации) возник гораздо больший спрос со стороны недавно созданных зарубежных греческих культурных центров в Египте, Сирии и Турции на статуи и рельефы греческих богов, богинь и героических фигур для их храмов и общественных мест. Таким образом, возник большой рынок производства и экспорта греческой скульптуры, что неминуемо привело к падению мастерства и творчества. Кроме того, в своём стремлении к большему экспрессионизму греческие скульпторы прибегали к более монументальным работам, практика, которая нашла своё окончательное выражение в Колосе Родосском (около 220 г. до н.э.).

К известным греческим скульптурам того времени относятся: «Фарнезский бык» (II век); «Умирающая Галлия» (232) Эпигона; «Крылатая победа Самофракии» (1/2 век до н.э.); Пергамский Алтарь (c.180-150); «Венера Медичи» (150–100); «Три грации» (2 век); «Венера Милосская» (около 100 г.) Андроса Антиохийского; «Лаокоон и его сыновья» (ок. 42-20 до н.э.) Хагесандра, Афенодора и Полидора. Для получения дополнительной информации см.: Эллинистические статуи и рельефы.

Общее сравнение: Римская скульптура, Римская рельефная скульптура. Превосходный образец эллинистического римского искусства на рубеже тысячелетий можно увидеть на необычных мраморных рельефных скульптурах Ара Пацис Августа (Алтарь мира, ок. 13-9 до н.э.).

О влиянии греческой скульптуры на более поздние стили см.: Скульптура эпохи Возрождения (около 1400-1530 гг.), а также Неоклассическая скульптура (1750-1850 гг.).

Эллинистическая живопись

Повышенный спрос на скульптуру в греческом стиле был отражён аналогичным ростом популярности эллинистической греческой живописи, которая преподавалась и распространялась в ряде отдельных школ как на материке, так и на островах. Что касается тематики, то классические фавориты, такие как мифология и современные события, были вытеснены жанровыми картинами, наблюдениями за животными, натюрмортами, пейзажами и другими подобными сюжетами, в основном в соответствии с декоративными стилями, обнаруженными в Геркулануме и Помпеях (1 век до н.э. и позже), многие из которых считаются копиями греческих оригиналов.

Возможно, самый большой вклад художников-эллинистов был в портретное искусство, особенно портреты мумий из оазиса Фаюм, датируемые I веком до нашей эры. Эти прекрасно сохранившиеся панно коптского периода – всего около 900 работ – являются единственным значительным произведением искусства, уцелевшим от греческой античности. Эти реалистичные портреты, найденные в основном в бассейне Фаюм (Файюм) в Египте, прикреплялись к самой погребальной ткани, чтобы закрывать лица мумифицированных тел. С художественной точки зрения изображения принадлежат скорее к греческому стилю портретной живописи, чем к какой-либо египетской традиции. См. Также: Наследие греческих фресок и панно.

Греческая трагедия

Настоящая трагедия греческого искусства заключается в том, что большая его часть исчезла. Сохранилось лишь очень небольшое количество храмов – например, Парфенон и храм Гефеста. Греция построила пять чудес света (Колосс Родосский, Храм Артемиды в Эфесе, Статуя Зевса в Олимпии, Галикарнасский мавзолей и Александрийский маяк), но от них сохранились только разрушенные фрагменты. Точно так же было уничтожено подавляющее большинство всей скульптуры. Греческая бронза и другие греческие изделия из металла в основном переплавлялись и превращались в инструменты или оружие, а каменные статуи разграблялись или ломались для использования в качестве строительного материала. Примерно 99 процентов всех греческих картин также исчезли.

Греческие художники сохранили традиции

Но даже если эта часть наследия исчезла, традиции, породившие его, продолжают жить. Вот почему. К тому времени, когда Греция уступила место Риму, в I веке до нашей эры, в Италии уже работало огромное количество талантливых греческих скульпторов и художников, привлечённых прибыльными заказами. Эти художники и их художественные потомки процветали в Риме в течение пяти веков, прежде чем покинуть город незадолго до того, как варвары разграбили его в пятом веке нашей эры, чтобы создать новые формы искусства в Константинополе, столице восточного христианства. Они процветали здесь, в главном центре византийского искусства, почти тысячу лет, прежде чем покинуть город (который вскоре будет захвачен турками) в Венецию, чтобы начать итальянское Возрождение.

На протяжении всего этого периода мигрирующие греческие художники сохраняли свои традиции (хотя и адаптированные по ходу дела), которые они передали эпохам Возрождения, Барокко, Неоклассицизма и Современности. См., например: Классическое возрождение в современном искусстве (1900-30 гг.). В 18 веке греческая архитектура была важной достопримечательностью для бесстрашных путешественников на Гранд-туре, которые пересекали Ионическое море из Неаполя. Подводя итог: возможно, греческие произведения искусства и исчезли, но греческое искусство все ещё живо в традициях наших академий и в произведениях наших величайших художников.

См. также: Искусство классической античности (около 1000 лет до н.э. – 450 г. н.э.).