Испанская живопись читать ~25 мин.

Величие Испании в живописи проявляется в избранных художниках, которые настолько возвышаются над своими собратьями, что занимают самую вершину европейского искусства. Это Эль Греко (1541-1614), Диего Веласкес (1599-1660) и Франсиско де Гойя (1746-1828). Можно найти некоторое сходство между их выдающимся положением и положением Рембрандта в Голландии и Рубенса в испанских Нидерландах, хотя в Нидерландах, как северных, так и южных, было не только большее число менее значительных старых мастеров и больше художников, проявивших большую оригинальность на выдающемся уровне, но и более последовательная линия эволюции.

Можно недооценивать таких испанских художников, как Рибера и Зурбаран, по сравнению с явно более великой троицей, но ход испанского искусства ломаный и колеблющийся, если не считать огромных достижений немногих личностей. Если искать первопричину в ранней истории, то необходимо вернуться к тому времени, когда большая часть Пиренейского полуострова находилась под властью мусульманских захватчиков. В 1100 году, напомним, мавры всё ещё занимали две трети региона.

Постепенно христианские регионы отвоёвывали землю понемногу и насаждали церкви и их визуальное послание в одном районе за другим. В Каталонии работы, до сих пор хранящиеся в музеях Барселоны, передают силу этого активного христианства в картинах, выполненных в величественном романском стиле.

Только к концу пятнадцатого века Испания была объединена как страна. Королевства Кастилия и Арагон были объединены в 1479 году под властью Фердинанда и Изабеллы. В 1492 году мавры были изгнаны со своего последнего плацдарма – Гранады. В результате долгой и затяжной борьбы расширение территории Испании происходило медленно и неравномерно. Провинция Каталония – самая ранняя из освобождённых от мусульманской оккупации – в готический период XIII и XIV веков имела преимущество в контактах с Францией и Италией, что нашло слабое отражение в творчестве Феррера Басса (ок. 1290-1348).

В готических церквях Испании, с увеличением окон за счёт пространства стен, что привело к атрофии настенной живописи, огромные алтарные образы создавались с помощью панелей, расписанных в стиле, напоминающем сиенскую школу живописи, такими художниками, как братья Педро и Хайме Серра и Луис Борраса (ум. в 1424 г.).

Пятнадцатый век принёс влияние великой школы фламандской живописи, о чём возвестил визит Яна ван Эйка, который, как и Рубенс в более позднее время, совмещал функции дипломата и художника. Фламандское влияние на испанских художников эпохи Возрождения хорошо видно в «Святом Доминике из Силоса» (Прадо) работы Бартоломе Бермехо (активен в 1474-95 гг.). Но контакт с итальянским искусством Возрождения, столь плодотворный в других местах, был ограничен. Педро Берругете (1450-1504) был исключением, работая в Урбино в одно время с Пьеро делла Франческа (1420-1492). Его чувство формы обострилось в этой вдохновляющей атмосфере, но он покинул Урбино после смерти герцога Федериго в 1482 году, и компромисс – и некоторый конфликт – между провинциализированной фламандской манерой и уроками Умбрии проявился в его поздних работах.

16 век: Религиозное искусство Эль Греко

В XVI веке, когда Испания стала мировой державой с огромными владениями и источниками богатства в Новом Свете, а также владениями, разбросанными по всей Европе, можно было ожидать, что возникнет энергичная национальная школа живописи, которая изменит несколько неуверенный или подражательный характер, который живопись Испании демонстрировала до этого времени. Однако все вышло иначе. На протяжении большей части XVI века живопись оставалась бездуховной. И император Карл V, и его сын Филипп II Испанский были меценатами с чувством к искусству, но великие венецианцы, особенно Тициан, вызывали у них наибольший интерес. Филипп также высоко ценил фантазии Иеронима Босха (1450-1516) – хотя высшее испанское духовенство подозревало ересь в этих странных картинах из Нидерландов.

Портреты получили определённое поощрение, но именно международный придворный художник Антонис Мор (1519-1576) из Утрехта – или Антонио Моро, как он был известен в Испании – фламандский мастер стиля по образцу Тициана, которого Филипп II послал в Англию писать портрет Марии Тюдор.

У Филиппа, правда, было два испанских придворных художника: Алонсо Санчес Коэльо (ок. 1531-1388), который сформировал свой стиль на основе стиля Моро, и его ученик, Хуан Пантоха де ла Крус (1551-1608), который стал его преемником. Достойные, с элементом церемониальной чопорности, подчёркнутой вниманием к богатым деталям одежды, их портреты дают некоторое представление о том, чего позже достигнет Веласкес.

Но шестнадцатый век был не только веком материального великолепия Испании; это был также век великой битвы религиозных верований, в которую она была сильно вовлечена под властью монарха, который был неумолимым фанатиком. Причину этого фанатизма и порождённых им жестокости и угнетения можно найти в многовековой борьбе с мусульманами в Испании. Испанские короли, считавшие себя поборниками и главным оплотом христианства, видели в протестантской оппозиции католической церкви не более чем действия неверных, таких же плохих, как мавры, с которыми нужно бороться с такой же беспощадностью.

Пыл религиозной веры ещё не нашёл сильного выражения в образах христианского искусства, созданных по строгим правилам церкви. В работах Луиса де Моралеса (ок. 1500-86) нет ощутимого взрыва глубоких эмоций, хотя его тонкое благочестие, выдержанное в стиле, адаптированном у фламандских живописцев, возможно, работавших в Севилье, принесло ему титул «божественного». Но после «Божественного Моралеса» наступает необычное, непредсказуемое явление – появление Эль Греко. В его религиозных картинах вся интенсивность религиозного чувства в Испании воспламеняется и разгорается в экстатическое пламя.

Парадокс в том, что художник, передающий так много испанского, должен был родиться на Крите. И, кроме того, странно, что тот, кто обучался в византийском стиле этого греческого острова, привил ему уроки Высокого Возрождения, полученные от Тициана и Тинторетто в Венеции. Он мог сойти за венецианского мастера, когда приехал в Испанию в возрасте около 36 лет. Но благодаря работам последующих 37 лет, проведённых им в основном в Толедо, он становится неотделимым от истории испанской живописи.

В Толедо, испанском центре Контрреформации, штаб-квартире страшной инквизиции и всех страстей веры, религиозное искусство, которое он создавал в своей огромной студии, освещённой высокими узкими окнами, стало устремлением к возвышенному, лихорадочным возвеличиванием святых и мучеников, драмами души, выраженными в удлинении фигур, спокойных карминовых, сине-зелёных и жёлтых цветах.

Его лучшая работа, «Погребение графа Оргаса», написанная около 1586-88 гг. для церкви Санто-Томе в Толедо, объединяет небесное движение и пространство со статичной строгостью скорбящих, ряд икон, как их можно представить, хотя каждое бородатое лицо содержит свой собственный намёк на внутреннее насилие чувств, которые держатся под строгим контролем. Другие его шедевры см: Обнажение Христа (El Espolio) (1577); Вид Толедо (1595-1600); Христос, изгоняющий торговцев из храма (1600); Портрет кардинала (1600); Портрет Феликса Гортензио Паравичино (ок. 1605).

17 век: Рибера и Веласкес

Хотя Эль Греко был успешен и достаточно уважаем в своё время, чтобы его копировали и подражали его последователи в Толедо, такие как Луис Тристан (1586-1624) и другие, наступал новый этап испанской живописи, как и новый этап испанской истории. Господство Испании практически закончилось в результате поражения испанской армады в 1588 году, откола северных Нидерландов и смерти Филиппа II в 1598 году. Филипп III, его сын от третьего брака, оставил управление страной в руках герцога Лермы, который, впечатляющий, как он выглядит на конном портрете Рубенса, хранящемся сейчас в Прадо, растратил государственные деньги и втянул Испанию в бесполезные страдания Тридцатилетней войны.

Политический и экономический декаданс может быть медленным спадом, в ходе которого искусство часто достигает своего наивысшего уровня, хотя между ними нет необходимой связи, за исключением поощрения искусства и литературы теми, кто более склонен к ним, чем к политике. Искусство испанского барокко семнадцатого века по-своему отражает общеевропейскую реакцию против маньеризма шестнадцатого века.

Чувство реальности, которое не предлагал маньеризм, проекция света и тени, которая передавала сообщение со срочной силой, было всеобщим. Это было усвоено испанскими художниками барокко для создания мрачного великолепия, в котором можно было различить национальное настроение. Гений века склонял художников к реализму или натурализму в религиозном искусстве, заменяя согбенные крестьянские модели и пролетарские типы вместо идеализированных фигур, и неумолимо изображая мучения мученичества в ужасных деталях.

Эти черты можно найти в Италии в работах Караваджо, чьё влияние было далеко идущим. Но Франсиско Рибальта (1565-1628), родившийся в Сольсоне в Каталонии, хотя и связанный в основном с Валенсией, уже культивировал стиль тенебризм до того, как Караваджо начал свою карьеру.

Хусепе Рибера (1591-1652) был в том возрасте, чтобы оценить оба стиля. Возможно, он учился у Рибальты, но к 25 годам поселился в Неаполе, где стал считаться главным последователем Караваджо. Он работал на испанских вице-королей в Неаполе, и его картины были отправлены в Испанию для королевского двора. Возможно, именно по этой причине, а также для подтверждения своего патриотизма, он обычно добавлял к своей подписи название места своего рождения «Ятива» или соседнего города «Валенсия».

В 1600 году испанская колония Неаполь была вторым по величине городом в Европе (после Парижа) и важным центром контрреформации, включая искусство. (После двух визитов Караваджо (1606, 1609-10) он стал центром караваджизма. См: Живопись в Неаполе (1600-1700).

Рибера изображал мученичество с мрачным наслаждением. Как и Караваджо, он создал жестокую драму из контраста между светом и густой тенью. Его реализм проявлялся не только в религиозных муках, но и в повседневных сюжетах, в которых присутствовала идея страдания или уродства. Примером может служить его картина хромого и сломанного зубастого ежа в насмешливой военной позе, Мальчик с косолапой ногой (1642, Лувр, Париж), выдающаяся работа его поздних лет.

Как реалист обращался к массам за типажами для включения в религиозную композицию, так и Рибера, похоже, выбрал неаполитанского нищего для исполнения обязанностей великого человека классической древности. Архимед Прадо – гениальный плут в одежде из множества заплат, грубо перетянутой бечёвкой через голую грудь, и, судя по выражению его лица, разделяющий ироническую шутку художника. Хотя Рибера и отсутствовал в Испании, он, очевидно, оказал сильное влияние своими картинами на распространение идиомы караваджизма, которая совершенно отличается от рапсодического эмоционализма барокко.

Художник, близкий к величию, – Франсиско Зурбаран (1598-1664). Мальчиком он работал в мастерской севильского художника Хуана де лас Роэласа (ок. 1560-1625), который привнёс в севильскую живопись реалистические тенденции в противовес господствовавшему тогда маньеризму, заимствованному из Рима.

Поселившись в Севилье, Зурбаран рано добился успеха: церкви и монастыри осыпали его заказами на благочестивые, набожные картины. Однако в среднем возрасте его популярность пошла на убыль. Лёгкий стиль барочной живописи, популяризированный молодым Бартоломе Эстебаном Мурильо (1617-1682), ввёл в моду сентиментальную религиозность, контрастирующую с его реалистическим жанром, к которому Зурбаран не смог приспособиться.

Насколько он был оригинален – это сравнительно современное открытие. Мрачные тени Риберы и неаполитанской школы помогли ему изобразить уныние монашеской медитации. В отличие от Эль Греко, он изображал святого или монаха, занятого медитацией, а не небесными видениями. Он передавал психологию набожных людей, размышляющих о смерти в соответствии с наставлениями иезуитов. Его реалистическое мировоззрение также позволило ему создать натюрморты, в которых рассматривание материальной субстанции имеет почти такую же интенсивность, как религиозное упражнение.

Именно на фоне этой Севильи впервые появляется Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес. Ряд связей с современниками позволял ему смотреть на вещи реалистично. Он разделял общий энтузиазм по отношению к Караваджо или, по крайней мере, к последствиям его стиля. Его изучение натюрмортов было столь же интенсивным, как и у друга его юности Зурбарана. Каждая бороздка на кувшине его «Водоноса в Севилье» (ок. 1618-22, Эпсли Хаус, Лондон) прорисована с такой же тщательностью, с какой портретист мог бы прорисовать морщины человеческого лица.

В стиле Рибера он наделял современных ему персонажей именами античных знаменитостей – философа Мениппа, баснописца Эзопа. Он также не стеснялся изображать грустных гротесков и карликов двора Филиппа IV так же реалистично, как Рибера изображал косолапого мальчика. Бодегонес или «кухонные картины» его ранних лет в Севилье ставят его рядом с Караваджо, а его ранние религиозные картины параллельны картинам Зурбарана; но после определённого момента он перестаёт походить на других и становится полностью индивидуальным по стилю.

За редким исключением – см. Распятый Христос (1632, Прадо) – религиозные сюжеты перестали занимать его (возможно, не совсем к сожалению реалиста, поглощённого человеческими делами) после того, как он был назначен придворным художником Филиппа IV.

После этого портретное искусство стало его главной профессиональной задачей, однако он демонстрирует удивительное разнообразие тем. Он был уникален среди художников религиозной Испании тем, что занялся мифологической живописью, хотя, как и Рембрандт, с антиидеалистическими настроениями. Первой его композицией, привлёкшей внимание придворных, был Триумф Вакха (1628, Прадо), известный также как Доперы. Классическая аллюзия, однако, была не более чем предлогом для столь яркой картины, какая когда-либо была написана о группе испанских крестьян.

Мифология санкционировала изображение мужской обнажённой фигуры – редкость в испанском искусстве, за исключением поникшей и измученной формы Христа на кресте. Кузница Вулкана (1630) и Марс (1639-41), оба в Прадо, были сюжетами, позволившими Веласкесу отдать справедливость мужской фигуре, но более чисто восхитительным является Венера Рокби (1647-51, Национальная галерея, Лондон), столь же мало мифологизированная, как и рембрандтовская Даная.

Тайна пространства и соотношения предметов занимает его в Менинах (1656, Прадо), одной из величайших портретных картин, где художник у своего большого полотна смотрит в комнату на себя, пишущего на своём полотне, а король и королева, заглядывающие ему через плечо, отражаются в зеркале в противоположном конце комнаты.

Сложная тема также развивается в разнообразном действии «Ткачи гобеленов» (Las Hilanderas) (1659, Прадо). Среди его величайших образцов исторической живописи – «Сдача Бреды» (Las Lanzas) (1635, Прадо), изображающая одну из эфемерных побед Испании в её проигранной битве с мятежными провинциями Нидерландов и показывающая Юстина Нассауского, передающего ключи от города испанскому командующему Спиноле в 1625 году. Картина, написанная примерно через десять лет после этого события, знаменита не только своим дизайном, но и дружеским обменом любезностями, выраженным в поведении победителя и побеждённого, в котором что-то от душевного великодушия самого Веласкеса, возможно, окрасило передачу этого события. Это великодушие он проявлял с одинаковой вежливостью по отношению к своим зрителям, будь то придворный карлик, идиот-шут, инфанта или сам меланхоличный король.

Веласкес мог лично встречаться с Рубенсом и изучать работы мастеров Возрождения во время двух своих визитов в Италию, ни на йоту не отступая от полностью своей собственной манеры живописи. В его зрелых работах уже не темнота тени, поражающая наблюдателя, является его собственной.

В его зрелых работах уже не темнота тени поражает наблюдателя, а цвет, используемый с бесконечной адресностью в сверкающих штрихах, компенсируемых серебристо-серым. То, что было просто имитацией узора на богатом платье в портретах Санчеса Коэльо, становится хроматической вибрацией голубого, розового и серого в барочных портретах Веласкеса второй жены Филиппа IV, Марианны Австрийской, и инфанты Маргариты. В них и в двух небольших видах садов виллы Медичи, которые стали результатом его второго визита в Италию, он даёт представление о том, что позже стало методом импрессионизма.

Последними и лучшими картинами барокко были картины Веласкеса, который не оставил после себя значительного влияния на испанскую живопись. Его ученик и зять Хуан Баутиста дель Мазо (ок. 1612-1667) копировал его в поверхностной манере, что в прошлом вызвало некоторые ошибочные приписывания самому Веласкесу. Хуан Парейя (ок. 1606-70), слуга Веласкеса, также подражал ему. Но в восемнадцатом веке испанское искусство пережило ещё один период упадка, хотя на некоторое время в страну вернулось благосостояние во время мирной реакции после войн, в которых терялись одно владение за другим.

18 век: Гойя – народный художник

Придворные художники Филиппа V (1683-1746), первого короля Испании династии Бурбонов, были французами (Ранк, Уассе, Ван Лоо). Его сын Фердинанд VI (1713-1759) отдавал предпочтение итальянским художникам (Амикони, Джакинто). В течение долгого времени не хватало местных талантов, за исключением Луиса Мелендеса (1716-1780), который умело продолжал испанскую традицию натюрмортов Зурбарана и Санчеса Котана (1560-1627). Затем снова приходит необычное, непредсказуемое явление в лице Франсиско де Гойи (1746-1828).

Испания во времена Гойи переживала резкие перемены судьбы. Благожелательный деспотизм Карла III, сменившего Фердинанда VI и правившего с 1759 по 1788 год, принёс экономическую стабильность. Безрассудство Карла IV, преемника Карла III, положило конец процветанию и открыло путь к наполеоновскому вторжению и сопутствующим ему ужасам.

В более широком масштабе изменения, произошедшие до Французской революции и в последующий период, затронули всю Европу. Ни один великий художник не прошёл через это тревожное время, не отразив в той или иной мере его бури и стрессы. Гойя даёт драматическую иллюстрацию этого.

Если Эль Греко был художником церкви, а Веласкес – двора, то Гойя отличался от них тем, что был художником народа. Между ним и Веласкесом существует поразительный контраст. Последний был, по сути, великим джентльменом, как Рубенс, вёл жизнь аристократического спокойствия в Эскориале, писал картины в прохладном полумраке комнаты, защищённой от солнечных лучей снаружи, его не беспокоили события внешнего мира, и, возможно, он был тем более отстранён от национальных проблем Испании, что был сыном отца-португальца.

Гойя, сын испанского ремесленника из маленького городка, Хосефа Гойи, мастера позолоты в Фуэнтетодосе в Арагоне, имел разнообразный опыт и настолько чутко реагировал на события, что его творчество – это целая история эпохи насилия. Последняя вспышка рококо веселья Древнего режима отражена в картинах, предназначенных для копирования на гобелен, изображающих сцены испанской жизни и развлечений с оттенком декоративного и театрального стиля Тьеполо. Но Французская революция заставила его критически относиться к двору и духовенству, и хотя в среднем возрасте он был придворным художником сначала Карла III, а затем Карла IV, в его мыслях оставалось революционное течение, критически выраженное в его рисунке и офорте.

Озлобленный глухотой, наступившей после болезни в пятидесятилетнем возрасте, он ещё острее ощутил дикость войны и оккупации, о которых он дал своё бессмертное свидетельство. Поскольку Карл IV и его сын Фердинанд фактически пригласили французов взять власть в свои руки, передав свои распри на арбитраж Наполеона, вряд ли стоит удивляться тому, что Наполеон заменил обоих своим собственным семейным кандидатом, Жозефом, или тому, что портреты Гойи, изображающие их, производят впечатление имбецильности, безжалостно карикатурной.

«Рембрандт, Веласкес и природа» – так сам Гойя суммировал источники своего вдохновения. Реминисценцию рембрандтовского кьяроскуро можно найти в тенях его Сцены в тюрьме; влияние Веласкеса в изысканных серых тонах посмертного портрета (Прадо) его шурина, художника Франсиско Байеу. Изображая вырезку и голову барана на прилавке мясника, Гойя выбрал столь же нетрадиционный сюжет для натюрморта, как Рембрандт «Зарезанный бык».

Его преданность «природе» можно рассматривать как интерес к человеческой жизни во всех её аспектах, а не к пейзажной живописи, но «природа» имела для него и особое значение. Предметы, которые мы видим, отмечал он, не имеют фиксированных очертаний. Отказавшись от контуров в своих картинах, он предвосхитил кардинальный момент импрессионистской техники.

В других отношениях он был связан с французским искусством XIX века или оказал на него влияние. Жуткие группы, которые он рисовал в последние годы жизни с экспрессионизмом, который, возможно, был вызван его глухотой, связывают его с Оноре Домье (1808-1879). Третье мая 1808 года побудило Эдуарда Мане (1832-1883) написать казнь императора Максимилиана в аналогичной композиции. В сравнении с ним Гойя имеет преимущество в том, что он передаёт непосредственно пережитое потрясение, а не должен, как Мане, представлять историческое событие с далёкого расстояния. Его мифологическая живопись была особенно творческой: см. например: Колосс (1808-12, Прадо, Мадрид) и ужасающий Сатурн, пожирающий своего сына (1821, Прадо, Мадрид).

19 и 20 века

В девятнадцатом веке, после Гойи, искусство в Испании снова стало непаханым полем, и только на рубеже веков появился вызывающий «солнечный свет» импрессионизм каталонского художника Хоакина Сорольи-и-Бастиды (1863-1923). Но в 20-м веке после долгого перерыва произошло ещё одно экстраординарное развитие, на этот раз в международном контексте.

Наиболее важной фигурой в испанской живописи 20-го века является Пабло Пикассо (1881-1973). Как и Гойя, большая часть творчества Пикассо биографична, хотя большую часть своей жизни он провёл во Франции. Наиболее известен как изобретатель кубизма (вместе с Жоржем Браком), пожалуй, самого влиятельного из всех направлений современного искусства, а также таких знаковых образов, как: «Авиньонские демуазели» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и «Герника» (1937, Рейна София, Мадрид), он был очень влиятельным и плодовитым художником в самых разных областях.

Однако после 1940 года его творчество уже никогда не вернуло себе былой славы. Наряду с Пикассо и Браком в парижском движении кубизма в период ок. 1910-20 гг. был Хуан Грис (1887-1927), (урождённый Хосе Викториано Гонсалес), который стал ведущим теоретиком кубизма, в который он привнёс коллаж и яркий цвет. Он умер молодым от сердечной астмы. На шесть лет моложе Гриса, уроженец Барселоны Хуан Миро (1893-1983) сначала обратился к сюрреализму, в который он внёс ряд увлекательных фантазийных, позже биоморфных абстрактных картин. Несмотря на то, что иногда он создавал репрезентативные работы, он сосредоточился на абстрактном искусстве. Экспериментируя почти до конца своей жизни, он создал замечательную серию синих монохромных картин (1961, Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж).

Пожалуй, самым необычным испанским художником 20-го века был Сальвадор Дали (1904-1989), классик, ставший сюрреалистом, который изобрёл впечатляюще звучащую концепцию «критической паранойи» для объяснения автоматизма в живописи. Известный своими причудливыми, галлюцинаторными образами, Дали также работал во многих других средствах массовой информации, включая кино. Несмотря на долгую жизнь, он так и не смог улучшить свои картины 1930-х годов.

Антони Тапиес (р. 1923) – самый выдающийся испанский художник послевоенного периода. После увлечения сюрреализмом, вслед за Жоаном Миро и Паулем Клее, он начал работать со смешанными материалами, разработав стиль Живопись материи. В 1958 году он был удостоен премии за живопись на Международном фестивале Карнеги в Питтсбурге и премии ЮНЕСКО на Венецианской биеннале.

Другие заметные испанские скульпторы и художники

Алонсо Берругете (ок. 1486-1561)
Ведущий испанский художник и скульптор эпохи маньеризма.

Хуан де Жуни (1507-1577)
Французский художник, работавший в Испании; причисляется к Алонсо Берругете.

Хуан Мартинес Монтанес (ок. 1568-1649)
Величайший испанский скульптор эпохи барокко, известный своей религиозной резьбой по дереву.

Алонсо Кано (1601-1667)
Испанский художник, прозванный «испанским Микеланджело» за его многогранность.

Величайшие картины испанских художников

Хуан де Хуанес (Висенте Хуан Масип) (1510-1579)
Ведущий художник Валенсии в конце XVI века. Известен своим итальянским стилем живописи с нидерландским уклоном.
Тайная вечеря (ок. 1560 г.) Прадо, Мадрид.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541-1614)
Троица (1577-9) Прадо.
Погребение графа Оргаса (1586) Церковь Санто-Томе, Толедо.
Портрет кардинала (1600) Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Вид Толедо (1610) Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Хуан Санчес Котан (1560-1627)
Родился в провинции Ла-Манча, Котан специализировался на ультрареалистичных натюрмортах.
Натюрморт с дичью (ок. 1602) Институт искусств Чикаго.

Франсиско Рибальта (1565-1628)
Его реализм преобразовал испанское барокко и проложил путь для Веласкеса, Риберы и Зурбарана. Это был его величайший шедевр.
Христос, обнимающий Святого Бернарда (1625-27) Прадо.

Хусепе де Рибера (1591-1652)
Портрет Архимеда (1630) Прадо.
Святая Троица (1635) Прадо.
Святой Павел Отшельник (1640) Прадо.
Мальчик с булавочной ногой (1642) Лувр, Париж.

Франсиско де Зурбаран (1598-1664)
Христос на кресте (1627) Институт искусств Чикаго.
Непорочное зачатие (1630-35) Прадо.
Натюрморт с апельсинами и лимонами (1633) Fondazione Contini-Bonacossi.

Диего Веласкес (1599-1660)
Кузница Вулкана (1630) Прадо.
Христос на кресте (1632) Прадо.
Сдача Бреды (Las Lanzas) (ок. 1635) Прадо.
Портрет папы Иннокентия X (1650) Галерея Дориа Памфили, Рим.
Лас Менинас (1656) Прадо.

Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682)
Молодой нищий мальчик (1645) Лувр, Париж.
Поклонение пастухов (1646-50) Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Дева Розария (1649) Прадо, Мадрид.
Явление младенца Иисуса святому Антонию Падуанскому (1656) Севильский собор.
Девушка и её дуэнья (1670) Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Непорочное зачатие Эскориал (1678) Музей Прадо, Мадрид.

Франсиско Гойя (1746-1828)
Обнажённая Майя (Майя де Нуда) (1800) Прадо.
Портрет Карла IV и его семьи (1800) Прадо.
Колосс (1810) Прадо.
Третье мая 1808 года (1814) Прадо.
Сатурн, пожирающий своего сына (1823) Прадо.
Изобретение серия (картины, 1793)
Капризы серия (офорты, 1799)
Бедствия войны серия (акватинты, 1812-15)
Чёрные картины серия (14 фресок, 1820-23)

Мариано Фортуни-и-Карбо (1838-1874)
Ведущий каталонский художник 19 века, в основном работавший в Италии, он добился международной известности благодаря этой и другим работам.
La Vicaria (Испанская свадьба) (1870) Музей современного искусства, Барселона.
Обнажённая на пляже в Портичи (1874) Прадо.

Рамон Касас (1866-1932)
Наряду с Сантьяго Русинолем каталонский художник Касас был одной из ведущих фигур в движении каталонского модернизма (ок. 1888-1911).
Чика в баре (1892) Музей де ла Абадия, Монтсеррат, Испания.

Хоакин Соролья-и-Бастида (1863-1923)
Под влиянием Веласкеса и Гойи испанский художник Соролья стал всемирно известным благодаря своему соцреализму, а затем принял более импрессионистический стиль.
Печальное наследство (1899) Caja de Ahorros de Valencia.

Игнасио Зулоага (1870-1945)
Увлёкшись импрессионизмом в Париже в начале 1890-х годов, он вернулся в Испанию, где его вдохновили богатые оттенки и традиционная одежда Андалусии.
Графиня Матье де Ноайль (1913) Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Пабло Пикассо (1881-1973)
La Vie (Жизнь) (1903) Кливлендский музей искусств.
Голубая обнажённая (ок. 1904) Музей Пикассо, Барселона.
Мальчик с трубкой (1905) Частная коллекция.
Девушка в сорочке (1905) Коллекция Тейт, Лондон.
Портрет Гертруды Стайн (1906) Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Авиньонские демуазели (1907) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Портрет Амбруаза Воллара (1909-10) Музей изобразительных искусств им.
Женщина в белом (1923) Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Обнажённая, зелёные листья и бюст (1932) Частная коллекция.
Герника (1937) Музей Прадо, Мадрид.
Плачущая женщина (1937) Галерея Тейт Модерн, Лондон.

Хосе Солана (1886-1945)
Уроженец Мадрида, получивший образование в Академии, Солана участвовал в движении «Поколение 1898 года».
«Клоуны» (1919) Музей Центр искусств королевы Софии, Мадрид.

Хуан Грис (1887-1927) ведущий теоретик кубизма.
Портрет Пабло Пикассо (1912) Художественный институт Чикаго.
Пейзаж в Керете (1913) Музей Модерна, Стокгольм.

Хуан Миро (1893-1983)
Ферма (1921-2) Национальная галерея искусств, Вашингтон
Прибытие Арлекина (1924-5) Художественная галерея Олбрайт-Кнокс, Буффало, Нью-Йорк.
Собака, лающая на луну (1926) Музей современного искусства Филадельфии.
Женщина (1934) Частная коллекция.

Сальвадор Дали (1904-1989)
Постоянство памяти (1931) Музей современного искусства.
Мягкая конструкция с вареной фасолью (1936), Музей искусств Филадельфии.
Искушение святого Антония (1946), Королевские музеи, Брюссель.
Дезинтеграция стойкости памяти (1952-4) Музей Сальвадора Дали, Санкт-Петербург, штат Флорида, США.

Антони Тапиес (р.1923)
Белое и оранжевое (1967) Частная коллекция.

Маноло Мильярес (1926-1972)
Один из основателей авангардной группы «El Paso» («Шаг»), он также связан с неформалами. Наиболее известен своими коллажами, в которых использовал песок, обрывки газет, дерево и текстиль.
Картина 150 (1961) Коллекция Тейт, Ливерпуль.

Коллекции испанского искусства

Произведения испанских мастеров можно увидеть во многих лучших художественных музеях мира, в частности, в следующих:

Национальный музей искусства Каталонии, Барселона (MNAC)
Национальный художественный музей Каталонии открылся в 1995 году и объединяет фонды бывшего Музея искусства Каталонии и Музея современного искусства. Среди испанских каталонских художников и скульпторов представлены: Сантьяго Русиноль, Пау Гаргальо, Антонио Гауди, Рамон Касас, Исидре Нонель и многие другие.

Музей Пикассо, Барселона
Галерея была основана в 1963 году по инициативе Хами Сабартеса, близкого друга Пикассо, и обладает одной из самых обширных коллекций произведений искусства (3 500 предметов) Пабло Пикассо.

Бильбао Гуггенхайм
Известный своим постмодернистским архитектурным дизайном, музей специализируется на современных формах искусства, включая инсталляции, видео и кино, а также живопись, скульптуру и ассамбляж.

Музей Прадо, Мадрид
Здесь находится лучшая в мире коллекция испанской живописи, в которой представлены шедевры Эль Греко, Мурильо, Риберы, Зурбарана и других старых испанских мастеров. Основные экспонаты включают: «Лас Менинас» Веласкеса; и «Обнажённая Майя» Гойи.

Рейна София, Мадрид
Национальный музей искусства 20 века в Испании, в котором хранятся значительные коллекции двух величайших художников 20 века – Пабло Пикассо и Сальвадора Дали, включая знаменитую антивоенную картину Герника. Другие представленные художники включают: Хуан Грис, Жоан Миро, Эдуардо Чилида, Антони Тапиес и другие.