Как ценить современную скульптуру читать ~12 мин.

Термин «современное трёхмерное искусство» относится к скульптуре современной эпохи, которая началась примерно в 1850 году. Это было время, когда традиционные принципы искусства испытывали серьёзное давление со стороны модернистов. Они начали подвергать сомнению строгие условности академического искусства, которые преподавались в ведущих европейских академиях изящных искусств.

В то же время такие течения, как импрессионизм, экспрессионизм, кубизм и футуризм, познакомили скульпторов XX века со множеством революционных идей. Эстетика современной скульптуры характеризовалась прежде всего отходом от простого подражания природе, как, например, в портретах традиционного стиля или групповых сценах. Художники стремились создавать произведения, несущие более глубокий смысл и выражающие их собственное отношение к миру. Традиционные правила композиции, перспективы и изображения были отброшены, а спектр используемых материалов значительно расширился.

Чтобы оценить масштабные изменения, которые привнесло современное пластическое искусство, важно помнить, что в большинстве скульптурных школ того времени преподавали лишь рисование с натуры, резьбу по камню, а также, возможно, литьё из бронзы и резьбу по дереву. Эти школы оказались совершенно не готовы к новым требованиям, которые предъявляли новые идеи, методы и материалы.

Эта статья поможет вам научиться (или научить студентов) оценивать произведения современной скульптуры. Здесь приведены объяснения основных направлений, существовавших с середины XIX века до наших дней. Вы найдёте ссылки на страницы, посвящённые важным современным художникам, их произведениям и, где это необходимо, отдельным пояснениям. Тем не менее ни одна статья о 3D-искусстве не может быть столь же поучительной, как посещение галереи, сада скульптур или музея, где можно обойти экспонаты и внимательно изучить их с разных ракурсов. Поэтому мы рекомендуем вам ознакомиться с нашим обзором лучших художественных музеев.

Помните, скульптура — это трёхмерное искусство, которое по-настоящему можно оценить только вживую.

Как ценить скульптуру XIX века (1800–1900)

Скульпторы XIX века переживали непростые времена. Религиозное покровительство практически исчезло, а государственные заказы были редки и в основном ограничивались созданием памятников монархам, патриотическим деятелям и священнослужителям. Лишь на рубеже веков скульпторы смогли отразить в своих работах новые тенденции современного искусства. Исключением из этого правила был великий французский скульптор Огюст Роден (1840–1917). Роден, преодолев сопротивление отца, получил образование в Школе математики и рисунка, которая готовила мастеров художественного ремесла. Он считал себя естественным преемником своего кумира Микеланджело, хотя флорентийский мастер был в первую очередь резчиком по камню, а Роден — модельером, работавшим с глиной для последующей отливки в бронзе.

Индивидуальные стили этих двух художников также были диаметрально противоположны. Микеланджело олицетворяет вечное благородство античности, в то время как работы Родена безошибочно современны и отличаются драматичным, выразительным натурализмом. Настоящими предшественниками Родена, безусловно, являются готические скульпторы, которыми он искренне восхищался. Обратите внимание на его шедевры: «Бронзовый век» (1876, Музей д’Орсе, Париж), «Мыслитель» (1881, Музей Родена, Париж), «Поцелуй» (1888–1889, Музей Родена, Париж) и «Граждане Кале» (1889, Музей Родена, Париж).

Среди других заслуживающих внимания скульпторов этого периода — романтики Франсуа Рюд (1784–1855) и Огюст Прео (1809–1879), а также талантливый и экспрессивный Жан-Батист Карпо (1827–1875) и его последователь Жюль Далу (1838–1902). Также стоит отметить классициста Альфреда Стивенса (1817–1875) и многогранного Джорджа Фредерика Уоттса (1817–1904).

Кроме того, XIX век подарил миру несколько шедевров архитектурной скульптуры. К ним относятся колонна Нельсона (1840–1843) на Трафальгарской площади — 56-метровый памятник, увенчанный 5-метровой статуей лорда Нельсона работы Эдмунда Ходжа Бейли; Статуя Свободы (1886) в гавани Нью-Йорка — культовая 93-метровая статуя, спроектированная французским скульптором Фредериком Огюстом Бартольди (1834–1904); и Эйфелева башня (1887–1889) — парижская достопримечательность высотой 300 метров, спроектированная инженером Гюставом Эйфелем и архитектором Стефаном Совестром. В 1922 году американский скульптор Дэниел Честер Френч (1850–1931) обрёл бессмертие благодаря другой монументальной скульптуре — сидящей фигуре Авраама Линкольна в Мемориале Линкольна в Вашингтоне.

Биографии критиков и искусствоведов, таких как Джон Рёскин, см. на странице: Искусствоведы: критика изобразительного искусства (1750 – настоящее время).

Другие примечательные скульптуры XIX века

Орест, ищущий убежища у алтаря Паллады (1840), Руан. Пьер-Шарль Симар.
Наполеон, пробуждающийся к бессмертию (1847), Фиксен-ле-Дижон. Франсуа Рюд.
Тарцизий, христианский мученик (1868), Музей д’Орсе. Александр Фальгьер.
Танец (1869), Музей д’Орсе. Жан-Батист Карпо.
Отчаяние (1869), Музей д’Орсе. Жан-Жозеф Перро.
Мемориал Веллингтона (1858–1875), Собор Святого Павла. Альфред Стивенс.
Лошадь с бороной (1878), Музей д’Орсе. Пьер-Луи Руйяр.
Офелия (1876), Музей д’Орсе. Огюст Прео.
Атлет, борющийся с питоном (1877), Тейт. Фредерик Лейтон.
Физическая энергия (1904), Кенсингтонские сады, Лондон. Джордж Фредерик Уоттс.
Юноша у фонтана (1898), Музей д’Орсе. Жорж Минне.
Купальщица (1899), Музей д’Орсе. Аристид Майоль.
Врата ада (1880–1917), Музей Родена. Огюст Роден.

Как ценить скульптуру XX века (1900–1945)

Новое столетие ознаменовалось появлением первых великих скульпторов-модернистов — Константина Бранкузи (1876–1957) и Умберто Боччони (1882–1916). В работах «Поцелуй» (1907, Гамбургский кунстхалле) и «Спящая муза» (1910, Метрополитен-музей, Нью-Йорк) Бранкузи сводит природные формы к их абсолютному минимуму, не теряя при этом их сущностной человечности. «Поцелуй», в частности, передаёт глубокий примитивизм и иллюстрирует веру Бранкузи в силу человеческих эмоций.

Футуристическая работа Боччони «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913, Музей современного искусства, Нью-Йорк) отражает политико-исторический взгляд на мир и олицетворяет движение и динамизм машинного века. Она представляет нового технологического человека, мощно шагающего сквозь пространство, и символизирует его триумф над природой. Теоретические основы своего подхода Боччони изложил в «Техническом манифесте футуристической скульптуры» (1912), где призвал к полному обновлению «мумифицированного искусства» и передаче идей динамизма в трёхмерном формате. Оба скульптора являются примерами отхода от репрезентативного искусства к более сложному языку, в котором сливаются концептуализм и формализм.

Кубизм — революционный стиль современного искусства, основанный Пабло Пикассо (1881–1973) и Жоржем Браком (1882–1963), — вызвал волну экспериментов в абстрактной скульптуре. Первой кубистской скульптурой считается «Голова женщины (Фернанда)» (1909) Пикассо. Другие примеры кубистского трёхмерного искусства включают «Идущую женщину» (1912, Денверский художественный музей) Александра Архипенко (1887–1964), «Большую лошадь» (1914, Центр Помпиду, Париж) Раймона Дюшана-Вийона (1876–1918), «Человека с гитарой» (1915, MoMA, Нью-Йорк) Жака Липшица (1891–1973) и «Голову женщины» (1917, MoMA, Нью-Йорк) Наума Габо (1890–1977).

Трагедия Первой мировой войны привела к появлению таких пронзительных скульптур, как «Павший человек» (1916, Новая национальная галерея, Берлин) Вильгельма Лембрука (1881–1919) — художника-экспрессиониста, покончившего с собой после пережитого в военном госпитале. Это событие также способствовало возникновению дадаизма, чья концепция искусства из мусора была ярко проиллюстрирована «Фонтаном» (1917) Марселя Дюшана (1887–1968) и уникальным ассамбляжем «Мерцбау» Курта Швиттерса (1887–1948).

В межвоенные годы пластическое искусство развивалось по нескольким основным направлениям:

Технологическая скульптура
Это направление было вдохновлено идеей технологического прогресса. См. такие течения, как футуризм и конструктивизм.

Абстракция
Это ультрачистый язык абстрактной скульптуры, из которого изгнаны все отвлекающие от реальности элементы. См., например, Де Стиль и «Абстракция-Творчество».

Движение
Ранние идеи кинетического искусства воплотились в «Птице в пространстве» (1925–1931, Кунстхаус, Цюрих) Константина Бранкузи, «Вращающихся пластинах» (1920, Художественная галерея Йельского университета) Марселя Дюшана, «Кинетической конструкции» (1919–1920, Тейт, Лондон) Наума Габо, многочисленных «мобилях» Александра Колдера и таких работах, как «Светопространственный модулятор» (1930, Музей Буша-Райзингера) Ласло Мохой-Надя.

Абсурд
Дадаистское, антиистеблишментское настроение в 1920-е годы обрело форму сюрреализма. Это влиятельное движение искало новый «сверхреализм», объединяя изобразительное, абстрактное и полуабстрактное искусство. К важным скульпторам-сюрреалистам относятся Сальвадор Дали (1904–1989), создавший «Диван-губы Мэй Уэст» и «Телефон-омар» (1936), Мерет Оппенгейм (1913–1985) с её причудливой работой «Меховой завтрак» (1936, MoMA, Нью-Йорк), и Альберто Джакометти, автор шокирующей скульптуры «Женщина с перерезанным горлом» (1932, частная коллекция).

Органические формы
Растущий стиль биоморфной абстракции представлен Жаном Арпом (1886–1966) (см. его «Торс», 1932, Центр Помпиду), Генри Муром (1898–1986) и Барбарой Хепуорт (1903–1975) (см. её знаковую работу «Пронизанная форма», 1931).

Промышленные материалы
Этот жанр представлен в основном абстрактной скульптурой из металла. Его представителями являются Дэвид Смит (1906–1965) и Энтони Каро (1924–2013).

Как оценить скульптуру конца XX века (1945–2000)

Этот период стал свидетелем продолжения эволюции шести стилей скульптуры, перечисленных выше, а также появления ряда подлинных инноваций.

Технологическая скульптура
Это единственный стиль, развитие которого, по-видимому, замедлилось. В настоящее время он сохранился в основном в архитектурной скульптуре, примером чему служит «Дублинская игла» XXI века, спроектированная Иэном Ритчи. Однако этот тип скульптуры, несомненно, может возродиться в новых условиях, например, в космосе или на воде.

Абстракция
Этот стиль был доведён до новых высот школой минимализма в 1960-х годах. Американские скульпторы, такие как Сол Левитт (1928–2007), Дональд Джадд (1928–1994), Уолтер Де Мария (1935–2013) и Карл Андре (р. 1935), сосредоточились на создании интеллектуального искусства, сведённого к своим основам. Их работы могут быть сложны для восприятия без понимания эстетических концепций. Среди известных скульптур минималистов: «Кейдж II» (1965, MoMA, Нью-Йорк) Уолтера Де Марии; «Эквивалент VIII» (1966, Тейт Модерн) Карла Андре; и «Стек» (1967, MoMA, Нью-Йорк) Дональда Джадда.

Движение и распад
Примерами послевоенной кинетической скульптуры являются «Рельеф Мобиль 5» (1954, Музей современного искусства, Сент-Этьен) Поля Бюри (1922–2005) и «Сигнал: Насекомое-животное из космоса» (1956, Тейт, Лондон) Такиса (1925–2019). Особое место занимают саморазрушающиеся конструкции швейцарского авангардиста Жана Тенгели (1925–1991), такие как «Посвящение Нью-Йорку» (1960). Работы Тенгели сочетали скульптуру, процесс и перформанс. К этой категории можно также отнести временные экологические скульптуры Энди Голдсуорти (р. 1956).

Абсурд и сюрреализм
Эта традиция была возрождена участниками движения поп-арт. Примерами могут служить гигантские объекты Класа Олденбурга (1929–2022), такие как «Гигантские окурки» (1967) и «Яблочный огрызок» (1992). К этому направлению относятся работы Сезара (1921–1998) (спрессованные автомобили) и скульптуры из мусора Армана (1928–2005) (накопления разбитых телефонов). Сюда же можно отнести скульптуры-пауки «Маман» Луиз Буржуа (1911–2010) и уникальные вытянутые фигуры Альберто Джакометти, например «Высокая женщина II» (1960, MoMA, Нью-Йорк). В феврале 2010 года его бронзовая скульптура «Идущий человек I» (1961) была продана на аукционе Sotheby’s за 65 миллионов фунтов стерлингов — рекордную на тот момент цену для скульптуры.

Органические формы
Этот жанр активно развивали Генри Мур и Барбара Хепуорт. Позднее он, возможно, проявился в монументальных абстрактных работах Ричарда Серры (1938–2024). Глядя на его работу «Змея» (1994–1997) в музее Гуггенхайма в Бильбао, трудно не воспринимать её как нечто живое. Ещё одной выдающейся работой в этой категории является «Разделённая голова» (1963) Сезара.

Промышленные материалы
Эта категория получила развитие после войны благодаря таким художникам, как Тони Смит (1912–1980) (см. его «Смерть», 1962, MoMA, Нью-Йорк), Барнетт Ньюман (1905–1970) (см. его «Сломанный обелиск», 1963–1969, MoMA, Нью-Йорк), Александр Колдер (см. его «Привет, девочка», 1971, Музей Шпренгеля, Ганновер) и Марк Ди Суверо (р. 1933) (см. его «Ангел бури», 1974).

Отдельной категорией являются эмоциональные мемориальные скульптуры, посвящённые Холокосту (1933–1945). Эта форма искусства Холокоста представлена мемориалами в Треблинке и Дахау.

Инновации

Новые формы скульптуры, появившиеся во второй половине XX века, включают следующие:

Ассамбляж
Созданный Жаном Дюбюффе (1901–1985), ассамбляж объединяет произведения, собранные из фрагментов природных или искусственных объектов, таких как бытовой мусор. Примерами могут служить «скульптурные стены» Луиз Невельсон (1899–1988), обычно сделанные из деревянных ящиков, окрашенных в чёрный или золотой цвет. См. также работы немецкого авангардного скульптора Йозефа Бойса (1921–1986). Ассамбляж получил мощный импульс благодаря выставке «Искусство ассамбляжа» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1961 году.

Суперреализм
Возникший из поп-арта и фотореализма, это американский фигуративный жанр, также известный как гиперреализм. В нём стереотипные персонажи воссоздаются до мельчайших деталей с использованием полиэстера, стекловолокна и других материалов, включая человеческие волосы. Примерами служат такие работы, как «Молодая покупательница» (1973, частная коллекция) Дуэйна Хансона (1925–1996) и «Пара» (1971, Центр Помпиду, Париж) Джона Де Андреа (р. 1941). См. также гиперреалистичных пловцов Кэрол Фейерман (р. 1945).

Гигантизм
Традиции монументального дизайна были продолжены в колоссальных работах лауреата премии Тёрнера Энтони Гормли (р. 1950) — см. его «Ангел Севера» (1998, Гейтсхед, Великобритания) — и лауреата премии Тёрнера Аниша Капура (р. 1954) — см. его «Марсий» (2002, Тейт Модерн). Некоторые виды лэнд-арта также относятся к этой категории.

Бритарт (Молодые британские художники)
Работы английской школы постмодернистского искусства, возглавляемой Дэмиеном Хёрстом (р. 1965), Рэйчел Уайтред (р. 1963) и Трейси Эмин (р. 1963), представляют собой провокационное направление, бросившее вызов традиционным представлениям об искусстве. Этот тип современного искусства характеризуется использованием нетрадиционных материалов и концептуальным подходом. Примерами служат инсталляция Хёрста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (мёртвая акула в формальдегиде, 1991) и скульптура Уайтред «Дом» (бетонный слепок интерьера дома, 1993). О трёхмерном искусстве Ирландии см.: Ирландская скульптура: история, скульпторы.

Другие примечательные скульптуры XX века

Приседающая фигура (1907), Музей современного искусства, Вена. Андре Дерен.
Конец пути (1915), Сады Брукгрин, США. Джеймс Эрл Фрейзер.
Сражающиеся жеребцы (1950), Сад скульптур. Анна Хайатт Хантингтон.
Адам (1938), Хэрвуд-хаус, Великобритания. Сэр Джейкоб Эпштейн.
Человек, стоящий на открытом воздухе (ок. 1915), MoMA, Нью-Йорк. Эли Надельман.
Абстракция (1946), Музей Джорджии О’Кифф, Санта-Фе. Джорджия О’Кифф.
Разрушенный город (1953), Роттердам. Осип Цадкин.
Линейная конструкция в пространстве № 4 (1962), Музей Уитни. Наум Габо.
Мать и дитя (1930), Академия искусств Гонолулу. Жак Липшиц.
Дуга лепестков (1941), Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк. Александр Колдер.
Лунная голова (1964), Фонд Генри Мура, Лидс. Генри Мур.
Небесный собор (1958), MoMA, Нью-Йорк. Луиз Невельсон.
Открытая геометрическая структура IV (1990), Частная коллекция. Сол Левитт.
Гамбургер на полу (1962), Художественная галерея Онтарио. Клас Олденбург.
Банки из-под пива (1960), Музей Людвига, Кёльн. Джаспер Джонс.
Облачные врата (2006), Миллениум-парк, Чикаго. Аниш Капур.
Майкл Джексон и Бабблз (1988), Музей Аструп-Фернли. Джефф Кунс.
Щенок (1992), Музей Гуггенхайма, Бильбао. Джефф Кунс.