Движения современного искусства (1870-1970) читать ~37 мин.

«Современное искусство» – это широкий термин, который относится к искусству, созданному в течение 1870-1970 годов. Некоторые историки предпочитают ограничивать «современное искусство» 20-м веком, но более привычно брать импрессионизм за отправную точку, а 1960-е годы обычно рассматриваются как переход между «современным искусством» и его преемником «постмодернистским искусством».

«Современное искусство» стало свидетелем многих великих международных художественных движений, а также породило совершенно новые формы творческого выражения, включая: архитектура небоскрёбов (1880-е годы); хромолитографическое плакатное искусство (1880-е и 90-е годы); анимационное искусство (начиная с первого мультипликационного фильма в 1906 году); коллаж (с 1912 года); перформанс (начиная с Дада); ассамбляжи (с 1953 года); ленд-арт (1960-е). Он также поднял некоторые формы на новую высоту, например: карикатура и фотография. На заключительном этапе «современного» периода появилось несколько видов авангардного искусства, включая концептуальное искусство (пионером которого был Роберт Раушенберг 1950-х годов) и видеоарт (пионерами которого были Вольф Востелл и Энди Уорхол конца 50-х – 60-х годов), однако, поскольку эти формы более тесно связаны с актуальным искусством, мы рассматриваем их в нашей статье о современных художественных движениях (с 1970 года и далее).

Краткое руководство по основным стилям и школам, см: Художественные направления, периоды, школы.

Движение импрессионистов (1870-1880-е гг.)

Названо французским искусствоведом Луи Леруа по названию картины Моне Впечатление: Восход солнца (1873), импрессионизм был спонтанной пленэрной манерой пейзажной живописи, целью которой было точное отображение света. Примером стиля является живопись на пленэре Моне, Сислея, Ренуара и Камиля Писсарро, хотя к группе импрессионистов принадлежали и другие художники, в том числе Эдгар Дега, Поль Сезанн, Фредерик Базиль, Гюстав Кайлеботт, а также Мэри Кассатт, одна из ведущих фигур движения американского импрессионизма (ок. 1880-1900). Движение было привнесено в Британию Уистлером, его учениками Сикертом и Стиром и пропагандировалось Новым английским художественным клубом. После создания некоторых величайших современных картин 19 века, импрессионизм сменился неоимпрессионизмом Сёра и постимпрессионизмом Сезанна.

Неоимпрессионизм (1880-е годы)

Термин, данный французским художественным критиком Феликсом Фенеоном (1861-1944) работам Жоржа Сёра, Поля Синьяка и их последователей, таких как Камиль и Люсьен Писсарро. Стиль был основан на оптической технике живописи, называемой пуантилизм (ответвление дивизионизма). Вместо смешивания красок перед нанесением их на холст, основные цвета наносились прямо на картину – группами крошечных мазков или точек – чтобы глаз зрителя мог сам «смешивать». Этот стиль позднее повлиял на фовизм. Более подробную информацию см: Неоимпрессионизм. О развитии стиля в Италии под руководством Витторе Грубичи см: Итальянский дивизионизм (1890-1907).

Ньюлинская школа (фл.1884-1914)

Под руководством Стэнхоупа Форбса, Фрэнка Брамли и Нормана Гарстина Ньюлинская школа была вдохновлена традицией натуралистической живописи на пленэре французской Барбизонской школы и стремилась воспроизвести реалии сельской жизни.

Модерн (1890-1914)

Происходящий от парижского магазина под названием «Дом модерна», принадлежавшего авангардному коллекционеру Зигфриду Бингу (1838-1905), стиль модерн зародился в Движении искусств и ремёсел в Великобритании (в частности, дизайны Уильяма Морриса) – на него также повлияли кельтские и японские узоры – и был популяризирован на Всемирной выставке 1900 года в Париже, после чего распространился по всей Европе и США. Высоко декоративный стиль дизайнерского искусства (называемый Jugendstil в Германии, Sezessionstil в Австрии, Stile Liberty в Италии, Modernista в Испании), модерн характеризовался сложными плавными узорами из извилистых асимметричных линий, основанных на растительных формах.

Мотивы листьев и усиков являются популярными в модерне, как и женские силуэты и формы. Стиль проявился в дизайне интерьеров, металлоконструкциях, изделиях из стекла, ювелирных изделиях, дизайне плакатов и иллюстраций, а также в живописи, скульптуре и плакатном искусстве. Примером тому служат картины и иллюстрации Густава Климта, первого президента Венского сецессиона, а также плакаты Альфонса Мухи (1860-1939), Артура Рэкхема и Обри Бердсли, змеевидные архитектурные мотивы Виктора Орта из брюссельской группы художников Les Vingt. Он также оказал сильное влияние на Мюнхенский сецессион (1892) и Берлинский сецессион (1898) в Германии. Его сменил ар-деко.

Символистское искусство (конец 19 века)

Вдохновлённый мифологией и характеризующийся мистической и возвеличивающей чувствительностью с иногда эротическим содержанием, Символизм был усовершенствованием романтической традиции. Его пионерами были Каспар Давид Фридрих и Генрих Фюзели, а современными выразителями – Гюстав Моро, художник-монументалист Пюви де Шаванн и Одилон Редон. Оказал влияние на движение модерн и «Наби», а также на экспрессионистов Эдварда Мунка и Франца фон Штука.

Постимпрессионизм (1880-е, 1890-е)

Постимпрессионизм – это зонтичный термин, включающий многочисленные группы и стили постимпрессионистской живописи, примером которой являются работы таких художников, как Поль Гоген, Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Анри де Тулуз-Лотрек и Анри Руссо. Сезанн придерживался строгого классического подхода к живописи на пленэре; Гоген использовал насыщенные цвета, но предпочитал студийную живопись в помещении; Ван Гог писал на открытом воздухе, но больше для выражения своих внутренних эмоций, чем для запечатления природы; а Тулуз-Лотрек специализировался на жанровых сценах в помещении.

По стопам Синтетизма (разработанного Гогеном) и Клуазонизма (изобретённого Эмилем Бернаром и Луи Анкетеном) пошла художественная группа конца века под названием Les Nabis, состоявшая из молодых художников, которых привлекало декоративное и духовное содержание живописи. К лидеру, Полю Серюзье (1864-1927) и ведущему теоретику группы Морису Дени (1870-1943) присоединились Пьер Боннар (1867-1947), Поль Рансон (1862-1909), Кер-Ксавье Руссель (1867-1944), Анри Ибельс (1867-1936) и Эдуард Вюйар (1868-1940). Из «наби» вышел другой стиль постимпрессионистской живописи, известный как интимизм, примером которого являются спокойные бытовые жанровые сцены Эдуарда Вюйара, его близкого друга Пьера Боннара и Гвен Джон. Постигли его и скандинавские художники, такие как Хаммерсхой и П. С. Кройер. В Великобритании постимпрессионизм исповедовала группа Камден Таун, основанная в 1911 году Уолтером Ричардом Сикертом, который стал известен своими обнажёнными натурами и интерьерами.

Les Fauves (1905-1908)

Под влиянием Поля Гогена, фовизм был важным направлением в истории экспрессионистской живописи, которое выступало за яркие цвета и дикую кисть – отсюда их прозвище Les Fauves («Дикие звери»), данное им критиком Луи Восселем после их первого показа на Салоне д’Авто в Париже в 1905 году. Среди художников-фовистов были Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Альбер Марке и Жорж Брак. В Великобритании фовизм практиковала группа художников из Шотландии, известная как шотландские колористы. Среди них были Дж. Д. Фергюссон, Сэмюэл Джон Пеплоу, Фрэнсис Каделл и Лесли Хантер. Подробнее см. Фовизм.

Экспрессионистское движение (с 1905 года и далее)

Персонифицированный Винсентом Ван Гогом, чья суматошная работа кистью и интенсивные цвета отражали скорее его внутреннее состояние, чем написанные им сцены, экспрессионизм – это стиль, целью которого является изображение интерпретации сцены, а не простое воспроизведение её реальных черт. Одним из первых примеров этого стиля является немецкий экспрессионизм, который был развит в Мюнхене и его окрестностях картиной Der Blaue Reiter («Синий всадник»), а в Дрездене – Die Brucke («Мост»).

После этого движение распространилось по всему миру, породив в 1940-х и 1950-х годах в Америке свои разновидности – в том числе абстрактный экспрессионизм. Под влиянием романтизма, символизма, постимпрессионизма, фовизма и кубизма экспрессионистское движение охватило все жанры, включая пейзаж, портрет, жанровую живопись и натюрморт. Среди известных художников-экспрессионистов были Василий Кандинский, Франц Марк, Эдвард Мунк, Модильяни, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Отто Дикс, а также Пабло Пикассо и Фрэнсис Бэкон. О конкретных работах см: Экспрессионистская живопись (1880-1950).

Мост (Die Brucke) (1905-13)

«Мост» – немецкая экспрессионистская группа, основанная в Дрездене в 1905 году. Сочетала элементы традиционного немецкого искусства с африканским, постимпрессионистским и фовистским стилями. Ее ведущими членами были Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт-Роттлуфф, Фриц Блейль, Эрих Геккель и Эмиль Нольде. Просуществовала недолго, но была влиятельной.

Синий всадник (Der Blaue Reiter) (1911-14)

Основанная в Мюнхене, группа «Синий всадник» включала Василия Кандинского, Франца Марка, Алексея фон Явленского, Августа Маке, Габриэле Мюнтер и Пауля Клее. Будучи скорее свободным объединением, чем тесной группой, она была названа в честь картины Кандинского, использованной на обложке Альманаха или Манифеста 1912 года. Деятельность группы прервала Первая мировая война, во время которой погибли и Макке, и Марк.

Ашканская школа, Нью-Йорк (активна в 1900-15)

Так называемая Ашканская школа состояла из прогрессивной группы американских художников и иллюстраторов начала двадцатого века (иногда называемых нью-йоркскими реалистами), которые изображали городскую реальность жизни Нью-Йорка в мрачном спонтанном неполированном стиле. В движение Ашан входили Артур Б. Дэвис, Уильям Глэкенс, Роберт Анри, Джордж Лукс, Эверетт Шинн и Джон Слоан. Другие художники, чьи работы считаются отражением ашанской школы, включают: Джордж Уэсли Беллоуз, Ги Пэн Дю Буа, знаменитый Эдвард Хоппер и Альфред Маурер.

Искусство кубизма (Европа, 1908-1914)

Кубизм был придуман и сформулирован примерно между 1908 и 1912 годами в сотрудничестве Жоржа Брака и Пабло Пикассо, которые находились под сильным влиянием похожих на решётку пейзажей Поля Сезанна и (в случае Пикассо) африканских образов: посмотрите его потрясающие «Авиньонские демуазели»).

Являясь отчасти реакцией против красивых картинок импрессионизма, стиля, который не представлял интеллектуального интереса для Пикассо, кубизм переориентировал внимание на существенную двухмерную природу плоского холста, опрокидывая в процессе традиционные системы перспективы и способы восприятия формы.

Движение развивалось в три этапа: прото-кубизм (ранняя стадия Пикассо и Брака, содержащая единственные «кубы», которые можно увидеть); аналитический кубизм, строгий стиль, который разбирал трёхмерные изображения на ряд пересекающихся плоскостей; наконец, синтетический кубизм, более лёгкий и красочный стиль, который «наращивал» изображения, иногда используя различные «найденные» материалы.

Поздний кубизм Пикассо – более репрезентативная идиома, чем его ранние кубистские стили – показан в таких работах, как Плачущая женщина (1937, Коллекция Тейт), и Герника (1937, Рейна София, Мадрид). Среди других важных художников-кубистов были Хуан Грис и Фернан Леже.

Хотя движение было относительно недолгим, оно произвело революцию в живописи 20-го века и положило начало новой традиции абстрактного искусства. Кубизм получил значительную рекламную поддержку от своего представителя, арт-дилера немецкого происхождения Даниэля-Генриха Канвейлера (1884-1979). О важной отколовшейся группе кубистов см: Секция д’Ор, ответвление парижской группы Путо.

Орфический кубизм (орфизм) (1914-15)

Парижское абстрактное художественное направление, чаще всего называемое Орфизм, стиль которого отличался свободной росписью пятнами цветов радуги. Название (Орфей – мифологический поэт и музыкант Древней Греции) было придумано французским искусствоведом Гийомом Аполлинером при описании «музыкального» эффекта абстрактных картин кубиста Робера Делоне (которые состояли из перекрывающихся плоскостей контрастных или дополнительных цветов), чтобы отличить их от кубизма в целом. Сам Делоне использовал термин симультанизм для характеристики своих работ.

Другим представителем орфизма был французско-чешский художник и анархист Франк Купка, один из первых, кто создал подлинное абстрактное искусство, характеризующееся сплошными геометрическими блоками цвета. Этот стиль был очень похож на Синхромизм – метод живописи, предложенный в Париже в 1913 году двумя американскими художниками, Морганом Расселом (1886-1953) и Стэнтоном Макдональд-Райтом (1890-1973).

Фотоискусство

Фотография становилась все более важной по мере развития эпохи. В Америке это произошло во многом благодаря влиятельной деятельности Альфреда Штиглица, который основал Фотосецессию в своей галерее «291» в Нью-Йорке. Эдвард Штайхен был ещё одним пионером. Оба они были известны своим пикториализмом (1885-1915). Другие фотографические жанры, которые были разработаны в эпоху современного искусства, включают: уличная фотография (с 1900 по настоящее время), примером которой являются работы Анри Картье-Брессона; документальная фотография, как в серии фотографий Ханса Намута о действии-живописи Джексона Поллока; фотография моды (с 1880 года), примером которой являются снимки Ман Рэя, Ричарда Аведона, Сесила Битона, Нормана Паркинсона и Ирвинга Пенна.

Коллаж (с 1912 года)

Также известный как papier collés или découpage, искусство коллажа было впервые представлено Жоржем Браком в 1912 году, когда он прикрепил три куска обоев к своему синтетическому кубистскому рисунку «Фруктовое блюдо и стакан». Коллаж предполагает использование предметов, таких как кусочки бумаги, фотографии, газетные вырезки, ткань и другие «найденные» предметы, даже трёхмерные объекты, которые крепятся к холсту для создания эффекта смешанной среды. Среди других художников, отмеченных своими работами в технике коллажа, – Пикассо, Александр Родченко и необыкновенный одиночка Курт Швиттерс, известный своими мелкомасштабными коллажами Merzbilder. Техника коллажа оказала сильное влияние на более поздние формы ассамбляжа.

Футуризм (1909-1914)

Запущенный в 1909 году итальянским поэтом Филиппо Томмазо Маринетти в манифесте, который появился на первой странице парижской газеты Le Figaro, футуризм отвергал все традиционное искусство, воспевая вместо этого современный мир промышленности с работами, сочетающими элементы неоимпрессионизма и кубизма. Среди ведущих членов были также Умберто Боччони, Джакомо Балла, Карло Карра и Джино Северини.

Лучизм (ок. 1912-14)

Лучизм – русское авангардное художественное движение в стиле квази-кубизма, возглавляемое Михаилом Ларионовым и его партнёршей Натальей Гончаровой, которые позже обосновались в Париже. Предметом лучизма был абстрактный пейзаж, состоящий из света или лучей света, изображённых узорами линейных форм.

Супрематизм (ок. 1913-1918)

Основанный на утопических идеалах нигилистом Казимиром Малевичем (1878-1935), супрематизм выражал безграничную уверенность в способности инженеров создать новый советский мир. Первая выставка супрематистов состоялась в Санкт-Петербурге в декабре 1915 года, на ней было представлено тридцать пять абстрактных работ Малевича, включая его знаменитый «Чёрный квадрат», висевший как икона высоко на углу, а также множество других прямоугольников, треугольников и кругов, многие из которых были выполнены в ярких цветах.

Позднее выставка гастролировала в Москве и Витебске. В 1918 году Малевич был назначен членом Комиссариата просвещения и преподавал в Витебской художественной академии, созданной Марком Шагалом. Супрематизм был ключевым художественным движением в России, тесно связанным с революцией. Среди других известных художников-супрематистов были Лазарь Лисицкий, Иван Васильевич Клюн и Ласло Мохоли-Надь. Разочаровавшись в последующей жизни, к 1935 году он писал реалистические картины.

Конструктивизм (ок. 1919-32)

Конструктивизм был строгим, но важным русским движением абстрактного искусства и дизайна, основанным Владимиром Татлиным (1885-1953), к которому позже присоединились Александр Родченко (1891-1956) и братья Антуан Певзнер (1886-1962) и Наум Габо (1890-1977). Заинтересованные в абстракции, пространстве, новых материалах и трёхмерной форме, художники-конструктивисты развивали архитектурное искусство в прямой попытке отразить современный индустриальный мир.

На самого Владимира Татлина оказали сильное влияние трёхмерные конструкции Пикассо, некоторые из которых он воочию увидел в парижской студии Пикассо в 1913 году. В 1923 году движение изложило свои идеи в манифесте, выразив мнение, что художники должны сосредоточиться на организации материалов и конструировании произведений, как будто они производят автомобиль.

Впоследствии подавленные Сталиным, идеи конструктивизма попали на Запад через Наума Габо и Антуана Певзнера и оказали сильное влияние на таких современных скульпторов, как Барбара Хепворт и Бен Николсон. В Великобритании около 1950 года движение было переосмыслено как конструктивизм, в геометрических картинах Виктора Пасмора и других.

Вортицизм (ок. 1914-15)

Британский аналог итальянского футуризма, вортицизм был авангардным художественным движением, на которое повлияли кубизм и футуризм, основанным в Лондоне художником, иллюстратором и военным художником Перси Уиндхемом Льюисом (1882-1957). Единственная выставка вортицистов прошла в Лондоне в 1915 году. Заявляя о создании «новой живой абстракции», работы вортицистов сочетают кубистскую фрагментацию с жёсткой иконографией, отражающей технологию и городскую среду.

В группу входили также Катберт Гамильтон, Уильям Робертс, Лоуренс Аткинсон, Джессика Дисморр, Хелен Сондерс, Эдвард Уодсворт, а также скульпторы Якоб Эпштейн и Анри Годье-Бржеска. После выставки группа распалась, хотя Уиндем Льюис попытался ненадолго возродить её идеи, создав в 1920 году «Группу X».

Дада (Европа, 1916-1924)

Основанное в Цюрихе во время Первой мировой войны, Дада было первым из современных антихудожественных движений, члены которого были возмущены кровавой бойней мировой войны 1914 года и посвятили себя художественному стилю, который ставил своей целью намеренно бросить вызов всем традиционным ценностям общества, которое могло допустить такое варварство.

Дадаисты использовали шок-тактику и абсурд для создания совершенно иррациональных или бессмысленных произведений искусства и «перформансов», включая скульптуру и ранние инсталляции, которые они часто создавали, используя различные objets trouvés (найденные предметы), подкатегорией которых были «readymades «Марселя Дюшана.

Дада развилось в международное движение, а его темы в конечном итоге стали важной частью сюрреализма в Париже после войны. Среди ведущих членов Дада были Жан Арп, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Ман Рэй, Джон Хартфилд и Швиттерс. Дада вдохновило многие более поздние стили и группы, включая Флюксус, Нео-Дада, Нуво Реализм и Поп-Арт.

Де-Стейл (1917-31)

De Stijl (голландское слово «стиль») – название группы художников (и издаваемого ими журнала по искусству, дизайну и эстетике, который был одним из самых влиятельных авангардных журналов 1920-х годов). Основанная в Нидерландах во время Первой мировой войны Тео ван Досбургом, пожилым Питом Мондрианом, архитектором Герритом Ритвельдом и Бартом Ван дер Леком, она выступала за геометрический тип абстрактного искусства (позже Ван Досбург назвал его конкретным искусством), основанного на универсальных законах гармонии, которые были бы одинаково применимы к жизни и искусству. Наибольшее влияние это движение оказало на архитектуру.

Хотя Пит Мондриан отделился от группы в 1923 году, он оставался верен её темам до конца своей жизни, став к тому времени одним из самых известных художников-абстракционистов. Для сравнения, более беспокойный Ван Досбург отказался от одного из основных постулатов De Stijl в 1924 году, заменив диагонали вертикалями и горизонталями в поисках большего динамизма.

Неопластицизм (1918-26)

Термин, используемый для описания стиля живописи, изобретённого Питом Мондрианом. Происходит от голландских слов «Nieuwe Beelding», которые Мондриан использовал в своих статьях в журнале De Stijl (1917-19) и в своей книге «Neo-Plasticisme» с 1921 года для описания своего собственного вида абстрактного искусства. По сути, это означает «новое искусство», поскольку скульптура и некоторые виды живописи считаются «пластическими искусствами». Однако немецкий вариант «Neue Gestaltung» (новое формообразование) лучше всего передаёт смысл слов Мондриана. Он использовал это название для пропаганды «нового формообразования» в самом широком смысле, а также своих собственных идей и образов.

В своём длинном эссе «Неопластицизм в живописном искусстве» Мондриан писал: “Новая пластическая идея… должна найти своё выражение в абстракции формы и цвета, то есть в прямой линии и чётко определённом основном цвете”. Таким образом, в некотором смысле неопластицизм был идеальной формой живописи, которая использовала только чистый цвет, линию и форму. Кроме того, что он настаивал только на первичных цветах (или не-цветах), он пропагандировал исключительно квадраты, прямоугольники и прямые горизонтальные или вертикальные линии. Несмотря на его разногласия с Ван Досбургом по поводу того, что последний начал Элементаризм, в 1924 году, теории Мондриана оказали огромное влияние на последующую живопись, и сейчас он считается одним из величайших современных художников.

Школа Баухаус (Германия, 1919-1933)

Основанная в 1919 году новаторским современным архитектором Вальтером Гропиусом в Веймаре (Германия), школа дизайна Баухаус была революционной школой искусства, на основе которой было создано множество других. Ее название, происходящее от двух немецких слов «bau» – строить и «haus» – дом, вместе с системой сообществ художников, намекает на идею братства, работающего над созданием нового общества. Среди его учителей были Йозеф Альберс, Лионель Фейнингер, Пауль Клее, Василий Кандинский, Оскар Шлеммер, Ласло Мохоли-Надь, Анни Альберс и Йоханнес Иттен, оказавшие большое влияние на архитектуру и дизайн.

Заявленной целью школы был контакт искусства с повседневной жизнью, поэтому дизайну придавалось такое же значение, как и изобразительному искусству. Среди основных принципов, которым учили в Баухаузе, были достоинства простого, чистого дизайна, абстракция, массовое производство, этические и практические преимущества хорошо спроектированной среды, а также демократия и участие рабочих.

В 1925 году Баухауз переехал в новое здание в Дессау в 1925-6 годах, а в 1932 году переехал в Берлин, где был закрыт нацистами в 1933 году. Его преподаватели разъехались, а некоторые переехали в Америку: Мохоли-Надь уехал в Чикаго, где в 1937 году основал Новый Баухаус, а Альберс взял с собой методы Баухауса в колледж Блэк Маунтин в Северной Каролине, а затем в Йельский университет.

Пуризм (Начало, середина 1920-х годов)

Модное парижское движение 1920-х годов, основанное Эдуардом Жаннере (более известным как Ле Корбюзье) и Амеди Озенфантом, основанное на теориях, изложенных в их книге 1918 года Après le Cubisme (После кубизма). Не соглашаясь с фрагментацией кубизма, они создавали фигуративное искусство (в основном натюрморты), основные формы которого были лишены деталей и якобы чисты по цвету, форме и дизайну. Другими художниками, слабо связанными с этим движением, пик которого пришёлся на Международную выставку декоративного и промышленного искусства в Париже в 1925 году, были Фернан Леже, Хуан Грис и русско-литовский скульптор Жак Липчиц.

Прецизионизм (кубизм-реализм) (нач. 1920-х гг.)

Оказав важное влияние на современную живопись в США, прецизионизм был американским движением (также называемым кубистским реализмом), в центре внимания которого были современная промышленность и городские пейзажи, характеризующиеся реалистичным изображением объектов, но в манере, которая также подчёркивала их геометрическую форму.

Идеализированный, почти романтический стиль, он был продемонстрирован в работах Чарльза Демута и Чарльза Шилера, в то время как городские картины Джорджии О’Кифф также относятся к жанру прецизионизма. См. также фотографии Чарльза Шилера, посвящённые автомобильному заводу Форда «Ривер Руж».

Движение сюрреализма (с 1924 года и далее)

Уходя корнями в Метафизическую живопись Джорджо де Кирико (1888-1978), революционные живописные идеи кубизма, подрывное искусство дада и идеи психоанализа Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, Сюрреализм был самым влиятельным авангардным художественным движением межвоенных лет. Его целью, по словам его отца-основателя, французского писателя Андре Бретона – в его Манифесте сюрреализма 1924 года  – было слияние бессознательного (части человеческого разума, где хранятся воспоминания и инстинкты) с сознанием, чтобы создать новую «сверхреальность» – сюрреализм.

Широкое интеллектуальное движение, сюрреализм включал в себя разнообразные стили от абстракции до экспрессионизма и полного реализма, характерными чертами которых были странные, галлюцинаторные или принципиально «нереальные» образы. Среди ведущих художников-сюрреалистов были Сальвадор Дали (1904-1989), Макс Эрнст (1891-1976), Рене Магритт (1898-1967), Андре Массон (1896-1987), Ив Танги (1900-1955), Жоан Миро (1893-1983), Жан Арп (1886-1966) и Ман Рей (1890-1976). Их непосредственное влияние проявилось в Германии в магическом реализме Франца Ро, а затем в Великобритании, где британский сюрреализм был основан в 1936 году писателем Гербертом Ридом вместе с художниками Дэвидом Гаскойном, Полом Нэшем и Роландом Пенроузом.

Первая международная выставка сюрреалистов открылась в Лондоне в 1936 году и вызвала огромный интерес, не в последнюю очередь благодаря выступлению эпатажного саморекламщика Сальвадора Дали изнутри глубоководного водолазного костюма. Сюрреализм оказал огромное влияние на Европу, и мало кто из европейских художников 1930-х годов не был затронут этим движением. Оно продолжает оказывать значительное влияние на искусство, литературу и кинематограф.

Ар-деко (ок. 1925-40)

Популярный и модный стиль декоративного дизайна и архитектуры в межвоенные годы (очень любимый архитекторами кинотеатров и гостиниц), Арт-деко также распространялся на мебель, керамику, текстильные ткани, ювелирные изделия и стекло. Представленный в 1925 году на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства, проходившей в Париже, ар-деко был, по сути, реакцией против модерна, заменив плавные криволинейные формы последнего на геометрические формы, вдохновлённые кубизмом и прецизионизмом.

Классическими примерами дизайна ар-деко являются нью-йоркские Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг. Ар-деко также черпал вдохновение в современных архитектурных проектах Баухауса. К известным художникам, связанным с ар-деко, относятся польско-русская светская портретистка Тамара де Лемпицка, художник по стеклу Рене Лалик и графический дизайнер Адольф Моурон.

Парижская школа (Парижская школа)

В течение полувека (1890-1940) Париж оставался центром мирового искусства, кульминацией которого стали ослепительные произведения импрессионизма, постимпрессионизма, фовизма, кубизма, дада и сюрреализма. Парижская школа – термин, используемый искусствоведами для обозначения сообщества художников, как французских, так и иностранных, работавших в городе в первой половине 20 века, а не строго определённого стиля, школы или движения.

По многим причинам Париж был исключительно привлекателен для художников. Он был свободен от политических репрессий, был домом для ряда влиятельных художников 20-го века (например. Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жорж Руо, Анри Матисс, Фернан Леже, Амедео Модильяни, Пьёт Мондриан, Марк Шагал, Шаим Сутин, Михаил Ларионов, Василий Кандинский, Константин Бранкузи, и многие другие), а также процветающий мир искусства с галереями, коллекционерами и критиками, которые поддерживали талантливых художников. Лидерами-близнецами (chefs d’école) были Пикассо и Матисс.

Neue Sachlichkeit (Германия, ок. 1925-35)

Die Neue Sachlichkeit – немецкий термин, означающий «Новая объективность» – название, данное группе художников-экспрессионистов в Германии в 1920-х годах, образованное от их выставки Neue Sachlichkeit в 1925 году в Мангейме. Это был третий этап экспрессионистского движения в Германии, после Die Brucke («Мост») и Der Blaue Reiter («Синий всадник»). Среди основных участников были Отто Дикс, Георг Гросц, Кристиан Шад и в меньшей степени Георг Шримпф и Макс Бекман. Хотя куратор выставки Г.Ф. Хартлауб назвал картины группы «новым реализмом с социалистическим привкусом», стиль был ярко экспрессионистским в своём сатирическом изображении коррупции и декаданса в послевоенной Веймарской Германии.

Магический реализм (1925-40)

Несмотря на влияние сюрреализма, магический реализм был фактически частью тенденции «возвращения к порядку», которая возникла в Европе после Первой мировой войны в 1920-х годах. Название происходит от книги 1925 года немецкого искусствоведа и критика Франца Роха под названием «Nach Expressionismus: Magischer Realismus «(После экспрессионизма: магический реализм). В группу входили Джорджо де Кирико, Альберто Савинио, Александр Канольдт и Адольф Циглер.

Социалистический реализм (1928-1980)

Социалистический реализм был формой героической политической пропаганды, использованной диктатором Иосифом Сталиным в России, начиная с 1929 года, для поддержки его программы ускоренного промышленного развития. Официально провозглашённый его художественным истуканом Максимом Горьким на съезде советских писателей в 1934 году, стиль или направление предполагал создание смелых оптимистических образов, чтобы проповедовать достижения советского государства и вдохновлять рабочих на стахановские трудовые подвиги.

Самым распространённым средством, используемым художниками-социалистами-реалистами, был плакат, хотя также создавались картины и скульптуры, как правило, монументального масштаба, изображающие бесстрашных людей и группы людей в идеалистических и героических позах.

Соцреализм (Америка) (1930-45)

Общая категория, описывающая произведения искусства, которые сосредоточены на относительно низкопробных сюжетах, связанных с повседневной жизнью, в противоположность «идеальным» или романтическим картинам, используемым художниками до 19 века. Она охватывает американскую пейзажную живопись и регионализм.

Социальный реализм обозначает социально ориентированных художников эпохи депрессии, таких как Бен Шахн, Реджинальд Марш, Мозес Сойер, Рафаэль Сойер, Уильям Гроппер, Джек Левин, Джейкоб Лоуренс и Изабель Бишоп. Они черпали своё вдохновение в традициях более ранней нью-йоркской школы Ashcan. Такие фотографы, как Доротея Ланге (1895-1965) и Уокер Эванс (1903-1975), также внесли свой вклад в это движение, создавая портреты рабочих-мигрантов времён Депрессии.

Мексиканские фрески (мурализм) описывает национальную кампанию настенной живописи, задуманную министром образования Хосе Васконселосом Кальдероном (1882-1959). Среди мексиканских художников, участвовавших в этой кампании, были Диего Ривера, Хосе Клементе Ороско и Давид Альфаро Сикейрос, а также Альфредо Мартинес (1871-1946), Роберто Нерво (1885-1968), Амадо де ла Куэва (1891-1926), Рамон Альва де ла Каналь (1892-1985), Педро Нель Гомес (1899-1984), Руфино Тамайо (1899-1991), Фермин Ревуэльтас Санчес (1901-1935), Федерико Хераклио Канту Гарса (1907-1989), Хорхе Гонсалес Камарена (1908-1980), Альфредо Залсе Торрес (1908-2003) и др.

Американская пейзажная живопись была своего рода патриотической реакцией на авангардное европейское абстрактное искусство. Художники отвернулись от европейского гипермодернизма и искали истину в специфически американских образах. Регионализм был среднезападным вариантом американской пейзажной живописи, который опирался на реалистичную ностальгическую обстановку сельской местности и маленьких городков Америки.

Дегенеративное искусство (Entartete Kunst) (1933-45, Германия)

Термин «Entartete Kunst», введённый Адольфом Гитлером, означающий дегенеративное искусство, выражает нацистскую идею о том, что любое искусство, которое не соответствует идеалу хорошо выполненных фигуративных изображений, изображающих героические поступки или комфортную повседневную жизнь, является продуктом дегенеративных людей. Неудивительно, что большинство современного искусства было названо дегенеративным, что означало, что большинство современных художников в Германии (начиная с 1933 года) не могли выставлять или продавать свои работы.

В 1937 году нацисты изъяли все современные работы из немецких художественных музеев. Затем несколько работ были выставлены в Мюнхене, чтобы продемонстрировать, насколько они отталкивающи, но план провалился, и выставка собрала огромные толпы. См. также Нацистское искусство (1933-45).

Неоромантизм (1935-55)

Термин, обозначающий интенсивные, поэтические, фигуративные и полуабстрактные британские пейзажные картины Пола Нэша, Грэма Сазерленда и других в конце 1930-х, 1940-х и 1950-х годов, которые дали современную интерпретацию романтическим, визионерским работам Уильяма Блейка XVIII века и Сэмюэла Палмера XIX века. Ранние работы были, как правило, мрачными, отражая тревоги приближающейся войны. Среди других британских неоромантиков были Майкл Айртон, Джон Кракстон, Айвон Хитченс, Джон Минтон, Джон Пайпер, Кит Воган и рисунки военного времени Генри Мура. Менее известной группой, также иногда называемой неоромантиками, были парижские художники Эжен Берман, Леонид Берман и Павел Челитчев: все они были отмечены своими задумчивыми, ностальгическими работами.

Арт-Брют

Art Brut – это фраза, придуманная Жаном Дюбюффе (1901-1985), для обозначения произведений искусства, созданных людьми, находящимися вне устоявшегося мира искусства, такими как художники-одиночки, дезадаптированные, пациенты психиатрических клиник и всякого рода обитатели окраин – как правило, не для демонстрации или получения прибыли. В английском языке термин «Outsider Art» («Искусство аутсайдеров», фраза, придуманная Роджером Кардиналом в 1972 году) иногда используется для описания такого рода работ. По мнению Дюбюффе, этот тип культурно обособленного искусства обладал уникальной оригинальностью, не подавляемой образованием. Коллекция Art Brut Дюбюффе, насчитывающая более 5 000 предметов, была подарена городу Лозанна в 1972 году, а в 1976 году открыта для публики.

Биоморфная и органическая абстракция (1930-е и 1940-е)

Биоморфная/органическая абстракция описывает стиль искусства, в котором используются округлые абстрактные формы, взятые из природы. Это не движение как таковое, а скорее стиль искусства, который проявился в творчестве многих различных художников, таких как Василий Кандинский, Константин Бранкузи, Жан Арп, Жоан Миро и Ив Танги, а также британских скульпторов Барбары Хепворт и Генри Мура. См. также: Современная британская скульптура 1930-70 гг.

Привлекательность органической абстракции распространилась на абстрактных экспрессионистов, а также на легионы американских и европейских дизайнеров мебели, включая Чарльза Имза (1907-1978), его жену Рэй Имз (1912-1988), Исаму Ногучи (1904-1988) и финна Ээро Сааринена (1910-1961). Этот стиль сохранился и после 1950-х годов, его можно увидеть в работах современных 3-D художников, таких как дизайнеры Рон Арад, Вернер Пантон и Оскар Таскетс, а также скульпторов Линды Бенглис, Ричарда Дикона, Аниша Капура, Урсулы фон Райдингсвард и Билла Вудроу.

Школа Сент-Айвс (1939-1975)

Школа Сент-Айвса была британской художественной колонией, основанной в корнуэльском рыбацком городке Сент-Айвс. Она была связана с художником-абстракционистом Беном Николсоном и его женой, великим скульптором Барбарой Хепворт, которые поселились недалеко от города в 1939 году, к которым вскоре после этого (до 1946 года) присоединился русский скульптор-конструктивист Наум Габо.

Другим крупным художником, который жил в Сент-Айвсе с 1923 года, когда он основал гончарную мастерскую вместе с коллегой-керамистом Шоджи Хамадой, был британский художник-керамист Бернард Хауэлл Лич. После 1945 года, по мере прибытия других художников, Сент-Айвс превратился в центр современного и абстрактного искусства, большая часть которого была создана на основе местного ландшафта.

Среди основных представителей школы были Вильгельмина Барнс-Грэм, Пол Фейлер, Терри Фрост, Патрик Херон, Роджер Хилтон, Питер Ланьон, Карл Вешке и Брайан Уинтер. В 1993 году на пляже Портмеор была открыта специально построенная художественная галерея Тейт Сент-Айвс, в которой представлена коллекция произведений искусства школы Сент-Айвс. Также неподалёку находится Музей и сад скульптур Барбары Хепворт, основанный в 1980 году.

Экзистенциальное искусство (конец 1940-х, 1950-е)

Экзистенциализм – это популярная философия, выросшая вокруг трудов французов Жан-Поля Сартра и Альбера Камю в 1940-х и 1950-х годах. Он оказал значительное влияние на изобразительное искусство, где его темы отчуждения, а также раздражения перед лицом человеческого состояния, также можно увидеть в произведениях американского абстрактного экспрессионизма и арт-информеля, а также в работах группы COBRA, французской Homme-Temoin группы, британской группы Kitchen Sink арт-группы и американской группы битлов – все они время от времени носят ярлык экзистенциальных.

Так же, как и многие отдельные художники и скульпторы: французские художники Жан Фотрие, Жермен Ришье и Франсис Грубер, швейцарский скульптор Альберто Джакометти, а также Фрэнсис Бэкон и Люсьен Фрейд. О более позднем художнике, чьё творчество неразрывно связано с экзистенциальным «абсурдом» жизни, см. современного скульптора Еву Гессе (1936-1970).

Движение абстрактных экспрессионистов (ок. 1947-65)

Абстрактный экспрессионизм был одним из основных направлений американского искусства конца 1940-х и 1950-х годов, которое состояло из ряда различных стилей. Основанное в основном вокруг художников Нью-Йорка, оно иногда упоминается как Нью-Йоркская школа. Как следует из названия, общий стиль был абстрактным, но вместо того, чтобы следовать геометрической идиоме кубизма, он следовал экспрессивному или эмоциональному курсу. Основные составные стили включали: Анимированная тотальная живопись (разработанная Джексоном Поллоком, Ли Краснер); Жестовая живопись (разработанная Виллемом де Кунингом); Цветная полевая живопись (практикуемая Марком Ротко, Барнеттом Ньюманом, Клайффордом Стилл), и «Жёсткая краевая живопись «(изобретённая Фрэнком Стеллой), большинство из которых были выполнены в монументальном масштабе. Другой значительный вклад внёс бывший художник Баухауса Йозеф Альберс со своей серией «Почитание квадрата».

Арт-информель (1950-е гг.)

Французский термин Art Informel, означающий искусство без формы, был европейским эквивалентом абстрактной экспрессионистской живописи, которая доминировала в мире искусства примерно с 1946 года до конца 1950-х годов. Придуманное французским скульптором и писателем Мишелем Тапие в его книге 1952 года «Un Art Autre», оно было одним из нескольких «жужжащих слов», используемых критиками (другое – «Lyrical Abstraction») для определения бесформенного абстрактного экспрессионистского стиля, возникшего в этот период как в Америке, так и в Европе.

Тематические работы в определённой степени различались по стилю, но обычно характеризовались отсутствием композиционной структуры, что представляло собой (по крайней мере, по мнению Тапие) фундаментальный разрыв с художественной традицией. Среди ведущих художников Арт-Информель были Мария Елена Виейра да Сильва, Жан Фотрие, Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце), Николя де Стаэль и др.

Ташизм (1950-е годы)

Термин Ташизм, образованный от французского слова «tache», означающего «пятно», описывает тип абстрактной живописи, популярный в конце 1940-х и 1950-х годах и характеризующийся использованием нерегулярных мазков или пятен цвета. Получивший широкое распространение в книге Мишеля Тапи «Другое искусство», Ташизм изначально развивался независимо от американского движения абстрактных экспрессионистов и продолжал оставаться в основном французским явлением, хотя обычно используется как общий ярлык для европейского абстрактного экспрессионизма.

Среди практиков были Карел Аппель (1921-2006), Жан Фотрие, Жорж Матье и родившийся в Германии, но проживавший в Париже художник Альфред Отто Вольфганг Шульце, известный как WOLS. В Австралии ташизм был принят Сиднейской школой. Подробнее см: Австралийская современная живопись (1900-1960).

Несколько смущает тот факт, что термин Ташизм по-разному использовался в 1880-х годах критиком Феликсом Фенеоном для описания техники живописи импрессионистов, а в 1900-х годах художником Морисом Дени для обозначения итальянских художников Маккиайоли и парижских художников Фове.

Арте Нуклеаре (1951-60)

Итальянское Движение ядерного искусства, созданное в 1951 году итальянским художником Энрико Баджем, было политически сознательным художественным движением, которое создавало картины и коллажи «для ядерной эры». Избегал геометрических абстрактных работ в пользу более текучих форм, характерных для стиля Art Informel. Работы Баджа включали изображения, напоминающие облака атомного гриба и опустошённые городские пейзажи. Среди других членов движения были художники Серджио Данджело, Джанни Бертини и Джанни Дова. Было проведено несколько выставок Arte Nucleare по всей Италии, но к концу десятилетия движение сошло на нет.

Ассемблирование (с 1953 года)

Термин Искусство ассамбляжа был впервые введён Жаном Дюбюффе в 1953 году для обозначения типа работ, созданных из фрагментов природных, предварительно сформированных или «найденных» объектов, таких как бытовой мусор, городской мусор, чучела животных – фактически любых (обычно узнаваемых) материалов, больших или маленьких. Как правило, предметы отбираются и комбинируются по их визуальным (скульптурным) свойствам, а также по их выразительным атрибутам. Хотя в народе считается, что это трёхмерный аналог коллажа, на самом деле ассамбляж включает в себя как двухмерные коллажи и фотомонтажи, так и трёхмерные скульптуры и целые помещения.

Этот вид искусства получил широкое распространение после выставки «Искусство ассамбляжа» в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1961), где одна из самых необычных работ Сезара Бальдаччини (1921-1998) была сделана из спрессованных автомобилей. Мастером этого жанра был нью-йоркский художник Роберт Раушенберг, чьи новаторские ассамбляжи 1950-х и 1960-х годов внесли огромный вклад в развитие жанра.

Нео-Дада (1953-65)

Искусство нео-дада было термином, почти синонимом раннего американского поп-арта, особенно коллажа и ассамбляжа Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса в Нью-Йорке в конце 1950-х годов. Поп-арт также разделял подрывной подход Дада, намеренно раздувая эстетическую значимость низкопробных предметов и образов, что приводило в замешательство многих «серьёзных» критиков и кураторов. Поточные методы производства на «Фабрике» Энди Уорхола , а также его иконоборческая демонстративность и дурная слава повторяли выходки и шоковую тактику художника дада Марселя Дюшана 40 годами ранее. Другое движение, тесно связанное с дадаизмом, – Флюксус, основанное Джорджем Мачюнасом, возникшее в начале 1960-х годов в Германии и Нью-Йорке.

Искусство кухонной раковины (1954-57)

Термин, придуманный критиком Дэвидом Сильвестром, который впервые появился в декабрьском номере журнала Encounter за 1954 год, в описании работ четырёх британских художников (Джона Брэтби, Деррика Гривза, Эдварда Миддлдитча и Джека Смита), известных как квартет Beaux Arts. Он указал на повседневную тематику (мебель, детские пелёнки, кухонная утварь, туалеты) этой четвёрки, чьё празднование банального в жизни обычных людей было их попыткой сделать искусство более актуальным и доступным, одновременно делая чёткий социальный комментарий. Движение «Kitchen Sink» достигло кульминации в 1956 году, когда члены квартета Beaux Arts были выбраны в качестве британских представителей на Венецианской биеннале.

Поп-арт (1958-70)

Термин Поп-арт описывает стиль искусства – возникший одновременно в Америке и Великобритании – который черпал своё вдохновение, творческие приёмы и философию из популярной и коммерческой культуры. Эти популистские или потребительские источники охватывали кино, рекламу, упаковку товаров, поп-музыку и комиксы.

Британское движение отличалось от своего американского собрата тем, что было менее наглым, более романтичным и ностальгическим. Появилась и континентальная версия поп-арта, Nouveau Réalisme («Новый реализм»), хотя она имела более тесные связи с антихудожественным движением Дада. Поп-арт зародился в середине 1950-х годов и достиг пика в середине 1960-х под влиянием Энди Уорхола и других.

Вдохновлённый в Америке новаторскими работами Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса, поп-арт также был связан с такими движениями начала XX века, как сюрреализм. Отчасти это был бунт против замкнутого художественного пуризма абстрактного экспрессионизма, от которого поп-художники стремились дистанцироваться, используя простые, легко узнаваемые образы, а также современные технологии печати, такие как трафаретная печать.

К известным художникам поп-арта в США относятся: Джим Дайн (р.1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р.1928), Джаспер Джонс (р.1930), Алекс Кац (р.1927), Рой Лихтенштейн (1923-1997), Клаес Ольденбург (р.1929), Эдвард Руша (р.1937), Роберт Раушенберг (1925-2008), Джеймс Розенквист (р.1933), Энди Уорхол (1928-1987) и Том Вессельман (р.1931). Среди знаменитых британских поп-художников были: Питер Блейк (р.1932), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (р.1922), Дэвид Хокни (р.1937), Аллен Джонс (р.1937), Р.Б. Китадж (р.1932), сэр Эдуардо Паолоцци (1924-2005). См. также наш путеводитель по поп-арту Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых годов.

Оп-Арт (Оптическое искусство) (1965-70)

Усовершенствование живописи с жёсткими краями, Оп-арт был типом беспредметного искусства, который использовал черно-белые геометрические узоры для создания различных оптических эффектов на физиологию и психологию восприятия зрителя. Поскольку он создавал иллюзию движения, этот стиль лучше всего рассматривать как часть более широкого движения Кинетическое искусство.

Например, бомбардируя глаза таким образом, картины заставляют их «видеть» цвета или формы, которых на самом деле нет, или путать фон с передним планом и так далее. Несмотря на свои странные, иногда тревожные эффекты, оптическое искусство полностью соответствовало традиционным канонам изобразительного искусства. Помните, что вся традиционная живопись основана на «иллюзии» глубины и перспективы. Оп-арт просто расширил иллюзорную природу искусства, вмешавшись в правила, управляющие оптическим восприятием.

Среди известных абстрактных художников оп-арта были Бриджет Райли, Виктор Вазарели, Ричард Анушкевич, Франсуа Морелле и Хесус-Рафаэль Сото. Серия работ Йозефа Альберса «Homage to the Square» также была одним из видов оп-арта, как и иллюзорные рисунки М.К. Эшера. См. также Современная живопись Великобритании (1960-2000).

Новый реализм (1960-е гг.)

Fluxus meets Dada meets Conceptualism, Nouveau Realisme (Новый реализм) – это авангардное французское движение, основанное в 1960 году Ивом Кляйном, в манифесте которого, «Учредительной декларации Нового реализма», была заявлена его цель – «создание новых способов восприятия реального». Среди основателей движения были Пьер Рестани, Ив Кляйн, Мартиаль Рейсс, Даниэль Споэрри, Жан Тингели, Франсуа Дюфрен, Раймон Хейнс и Жак де ла Виллегле.

Позже в группу вошли Миммо Ротелла, Ники де Сен-Фалль и Жерар Дешам. Группа потеряла силу после смерти Ива Кляйна в 1962 году, который лично предпочитал название «сегодняшний реализм» (realisme d’aujourd’hui). Подробнее о нувореализме и его основателе см. также: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956-62).

Для произведений Нового реализма часто характерны коллаж, деколлаж и ассамбляж с использованием реальных предметов. Таким образом, Новый реализм обнаруживает свои связи с Дада в целом и с редимейдами Марселя Дюшана в частности. Другим важным влиянием был американский поп-арт, примером которого является использование движением коммерческих объектов массового производства и иконографии. В целом, можно сказать, что нувориши отвернулись от абстракции и эмоционализма в пользу более холодного подхода и возвращения фигуры.

Постживописная абстракция (начало, середина 1960-х годов)

Постживописная абстракция – термин, придуманный художественным критиком Клементом Гринбергом (название выставки, которую он курировал для Музея искусств округа Лос-Анджелес в 1964 году) для описания более спокойного, более сдержанного типа абстрактного экспрессионизма 1960-х годов. По сути, этот термин описывает замену жестикуляции кистью на новую идиому, основанную на широких областях немодулированного цвета. К известным представителям постживописного абстракционизма 1960-х годов относятся: Хелен Франкенталер, Эл Хелд, Эллсворт Келли, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Жюль Олицки и Фрэнк Стелла. Этот термин (и стиль) был постепенно вытеснен и заменён новой школой Минимализма.