Движения модернизма (1870-1970) читать ~35 мин.

«Модернизм» — это широкий термин для обозначения искусства, созданного в период примерно с 1870 по 1970 год. Хотя некоторые историки ограничивают его рамками XX века, отправной точкой принято считать импрессионизм. 1960-е годы обычно рассматриваются как переходный этап от модернизма к постмодернизму.

В эпоху модернизма возникло множество крупных международных художественных течений и появились совершенно новые формы творческого выражения. Среди них: архитектура небоскрёбов (с 1880-х годов), хромолитографическое плакатное искусство (1880–1890-е), анимация (первый мультфильм вышел в 1906 году), коллаж (с 1912 года), перформанс (начиная с дадаизма), ассамбляж (с 1953 года) и ленд-арт (1960-е). Модернизм также вывел на новый уровень такие формы, как карикатура и фотография. На заключительном этапе модернизма появились новые виды авангардного искусства, включая концептуальное искусство (его пионером в 1950-х был Роберт Раушенберг) и видеоарт (пионеры — Вольф Фостель и Энди Уорхол в конце 1950-х – 1960-х). Однако, поскольку эти формы теснее связаны с современным искусством, они рассматриваются в статье о художественных течениях современности (с 1970 года).

Краткий путеводитель по основным стилям и школам вы найдёте здесь: Художественные направления, периоды, школы.

Движение импрессионистов (1870–1880-е)

Название «импрессионизм» (от фр. impression — «впечатление») ввёл французский искусствовед Луи Леруа после знакомства с картиной Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1873). Это была спонтанная манера пейзажной живописи, целью которой было точное изображение света на пленэре (на открытом воздухе). Характерными примерами служат работы Моне, Сислея, Ренуара и Камиля Писсарро. К группе импрессионистов принадлежали и другие художники, в том числе Эдгар Дега, Поль Сезанн, Фредерик Базиль, Гюстав Кайботт, а также Мэри Кассатт — одна из ведущих фигур американского импрессионизма (ок. 1880–1900). В Британию это направление принёс Джеймс Уистлер, его идеи развивали ученики, такие как Уолтер Сикерт и Филип Уилсон Стир, а пропагандой занимался Новый английский художественный клуб. Создав одни из величайших картин XIX века, импрессионизм уступил место неоимпрессионизму Жоржа Сёра и постимпрессионизму Поля Сезанна.

Неоимпрессионизм (1880-е)

Этот термин ввёл французский художественный критик Феликс Фенеон (1861–1944) для описания работ Жоржа Сёра, Поля Синьяка и их последователей, таких как Камиль и Люсьен Писсарро. Стиль основывался на оптической технике живописи, называемой «пуантилизм» (ответвление дивизионизма). Вместо смешивания красок на палитре основные цвета наносились прямо на холст маленькими точечными мазками. Предполагалось, что оптическое «смешивание» цветов будет происходить в глазу зрителя. Позднее этот стиль повлиял на фовизм. Подробнее: Неоимпрессионизм. О развитии стиля в Италии под руководством Витторе Грубичи см.: Итальянский дивизионизм (1890–1907).

Ньюлинская школа (1884–1914)

Ньюлинская школа, возглавляемая Стэнхоупом Форбсом, Фрэнком Брамли и Норманом Гарстином, вдохновлялась традициями пленэрной натуралистической живописи французской Барбизонской школы и стремилась передать реалии сельской жизни.

Модерн (1890–1914)

Своим названием стиль «модерн» обязан парижскому магазину «Дом модерна» (Maison de l’Art Nouveau), который принадлежал коллекционеру авангардного искусства Зигфриду Бингу (1838–1905). Модерн зародился в британском Движении искусств и ремёсел, испытав заметное влияние Уильяма Морриса, а также кельтских и японских мотивов. Он был популяризирован на Всемирной выставке 1900 года в Париже, после чего распространился по всей Европе и США. Этот высокодекоративный стиль дизайнерского искусства (в Германии его называли югендстиль, в Австрии — сецессион, в Италии — стиль либерти, в Испании — модернисмо) характеризовался сложными, плавными узорами из извилистых асимметричных линий, вдохновлённых природными, растительными формами.

Для модерна характерны мотивы листьев и цветочных стеблей, а также изящные женские силуэты. Стиль проявился в дизайне интерьеров, металлоконструкциях, изделиях из стекла, ювелирном искусстве, дизайне плакатов и книжной иллюстрации, а также в живописи и скульптуре. Примерами служат картины и иллюстрации Густава Климта, первого президента Венского сецессиона, плакаты Альфонса Мухи (1860–1939), Артура Рэкхема и Обри Бёрдслея, а также змеевидные архитектурные мотивы Виктора Орта из брюссельской группы художников «Двадцатка» (Les Vingt). Модерн оказал сильное влияние на Мюнхенский (1892) и Берлинский сецессион (1898) в Германии. На смену ему пришёл ар-деко.

Символизм (конец XIX века)

Вдохновлённый мифологией, символизм отличался мистической, возвышенной чувственностью, иногда с эротическим подтекстом, и стал развитием романтической традиции. Его пионерами были Каспар Давид Фридрих и Генрих Фюсли, а видными представителями — Гюстав Моро, художник-монументалист Пьер Пюви де Шаванн и Одилон Редон. Символизм повлиял на модерн и группу «Наби», а также на экспрессионистов, таких как Эдвард Мунк и Франц фон Штук.

Постимпрессионизм (1880–1890-е)

Постимпрессионизм — это обобщающий термин, который включает в себя множество групп и стилей постимпрессионистской живописи. Его яркими представителями были Поль Гоген, Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Анри де Тулуз-Лотрек и Анри Руссо. Сезанн придерживался строгого, почти классического подхода к пленэрной живописи; Гоген использовал насыщенные цвета, но предпочитал работать в студии; Ван Гог писал на открытом воздухе, но стремился выразить свои внутренние эмоции, а не запечатлеть природу; Тулуз-Лотрек же специализировался на жанровых сценах в помещениях.

По стопам синтетизма (разработанного Гогеном) и клуазонизма (изобретённого Эмилем Бернаром и Луи Анкетеном) пошла художественная группа fin de siècle (конца века) «Наби», состоявшая из молодых художников, которых привлекало декоративное и духовное содержание живописи. К лидеру группы Полю Серюзье (1864–1927) и её ведущему теоретику Морису Дени (1870–1943) присоединились Пьер Боннар (1867–1947), Поль Рансон (1862–1909), Кер-Ксавье Руссель (1867–1944), Анри Ибельс (1867–1936) и Эдуар Вюйар (1868–1940). Из «Наби» вырос другой стиль постимпрессионистской живописи, известный как «интимизм», примером которого являются спокойные бытовые сцены Эдуара Вюйара, его близкого друга Пьера Боннара и Гвен Джон. Этот стиль также переняли скандинавские художники, такие как Вильгельм Хаммерсхёй и Педер Северин Кройер. В Великобритании постимпрессионизм исповедовала группа «Кэмден Таун», основанная в 1911 году Уолтером Сикертом, который прославился своими работами в жанре ню и интерьерной живописью.

Les Fauves (фовисты) (1905–1908)

Фовизм, испытавший влияние Поля Гогена, стал важным направлением в истории экспрессионистской живописи. Он отличался яркими, чистыми цветами и яростной манерой письма, за что художники получили от критика Луи Вокселя прозвище Les Fauves («дикие звери») после их первой выставки на Осеннем салоне в Париже в 1905 году. К фовистам относились Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Альбер Марке и Жорж Брак. В Великобритании фовизм практиковала группа шотландских художников, известная как «Шотландские колористы». Среди них были Джон Дункан Фергюссон, Сэмюэл Джон Пепло, Фрэнсис Каделл и Лесли Хантер. Подробнее см. Фовизм.

Экспрессионизм (с 1905 года)

Предтечей экспрессионизма можно считать Винсента Ван Гога, чья экспрессивная манера письма и интенсивные цвета отражали скорее его внутреннее состояние, чем изображаемые сцены. Этот стиль стремится передать субъективную интерпретацию реальности, а не просто воспроизвести её. Одним из ранних примеров является немецкий экспрессионизм, который развивался в Мюнхене вокруг объединения «Синий всадник» (Der Blaue Reiter), а в Дрездене — «Мост» (Die Brücke).

Впоследствии движение распространилось по всему миру, породив в 1940-х и 1950-х годах в Америке такое течение, как абстрактный экспрессионизм. Испытав влияние романтизма, символизма, постимпрессионизма, фовизма и кубизма, экспрессионизм охватил все жанры, включая пейзаж, портрет, бытовую живопись и натюрморт. Среди известных художников-экспрессионистов были Василий Кандинский, Франц Марк, Эдвард Мунк, Амедео Модильяни, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Отто Дикс, а также Пабло Пикассо и Фрэнсис Бэкон. О конкретных работах см.: Экспрессионистская живопись (1880–1950).

«Мост» (Die Brücke) (1905–1913)

«Мост» — немецкая экспрессионистская группа, основанная в Дрездене в 1905 году. Она сочетала элементы традиционного немецкого искусства с африканскими мотивами, а также постимпрессионистскими и фовистскими стилями. Её ведущими членами были Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт-Ротлуф, Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Эмиль Нольде. Группа просуществовала недолго, но оказала большое влияние на искусство XX века.

«Синий всадник» (Der Blaue Reiter) (1911–1914)

Основанная в Мюнхене группа «Синий всадник» включала Василия Кандинского, Франца Марка, Алексея фон Явленского, Августа Маке, Габриэле Мюнтер и Пауля Клее. Это было скорее свободное объединение, чем сплочённая группа с единым стилем. Название было взято от картины Кандинского, использованной на обложке альманаха-манифеста 1912 года. Деятельность группы прервала Первая мировая война, во время которой погибли Маке и Марк.

«Школа мусорных вёдер» (Ashcan School), Нью-Йорк (1900–1915)

Так называемая «Школа мусорных вёдер» состояла из группы прогрессивных американских художников и иллюстраторов начала XX века, которых иногда называют нью-йоркскими реалистами. Они изображали суровые реалии городской жизни Нью-Йорка в нарочито грубой, неотшлифованной манере. В движение входили Артур Б. Дэвис, Уильям Глэкенс, Роберт Генри, Джордж Лукс, Эверетт Шинн и Джон Слоун. К художникам, чьи работы также отражают дух школы, относят Джорджа Уэсли Беллоуза, Ги Пене дю Буа, знаменитого Эдварда Хоппера и Альфреда Маурера.

Кубизм (Европа, 1908–1914)

Кубизм был разработан примерно между 1908 и 1912 годами в результате сотрудничества Жоржа Брака и Пабло Пикассо. На них сильное влияние оказали «решётчатые» пейзажи Поля Сезанна и (в случае Пикассо) африканское искусство, что особенно заметно в его эпохальной работе «Авиньонские девицы».

Кубизм стал отчасти реакцией на живописную красоту импрессионизма — стиля, который не представлял для Пикассо интеллектуального интереса. Новое течение перенесло фокус на сущностную двухмерность холста, опровергнув при этом традиционные системы перспективы и принципы изображения формы.

Движение развивалось в три этапа: протокубизм (ранний этап творчества Пикассо и Брака, где можно увидеть те самые «кубы»); аналитический кубизм — строгий стиль, который «разбирал» трёхмерные изображения на ряд пересекающихся плоскостей; и, наконец, синтетический кубизм — более лёгкий и красочный стиль, который «собирал» изображения, иногда с использованием различных «найденных» материалов.

Поздний, более фигуративный кубизм Пикассо представлен в таких работах, как «Плачущая женщина» (1937, Галерея Тейт) и «Герника» (1937, Центр искусств королевы Софии, Мадрид). Среди других важных художников-кубистов были Хуан Грис и Фернан Леже.

Хотя движение было относительно недолгим, оно произвело революцию в живописи XX века и положило начало новой традиции абстрактного искусства. Кубизм получил значительную поддержку со стороны своего представителя — арт-дилера немецкого происхождения Даниэля-Анри Канвейлера (1884–1979). Об отколовшейся от кубизма группе см.: «Золотое сечение» (Section d’Or), ответвление парижской группы Пюто.

Орфизм (орфический кубизм) (1914–1915)

Орфизм — парижское направление в абстрактном искусстве, для которого характерна свободная манера письма с использованием пятен радужных цветов. Название (Орфей — мифический поэт и музыкант Древней Греции) было придумано французским искусствоведом Гийомом Аполлинером. Так он описал «музыкальный» эффект абстрактных картин Робера Делоне, состоявших из перекрывающихся плоскостей контрастных или дополнительных цветов, чтобы отличить их от более строгого кубизма. Сам Делоне использовал для своих работ термин симультанизм.

Другим представителем орфизма был франко-чешский художник Франтишек Купка, один из пионеров подлинно абстрактного искусства, для которого характерны сплошные геометрические блоки цвета. Этот стиль был очень похож на синхромизм — метод живописи, предложенный в Париже в 1913 году двумя американскими художниками, Морганом Расселом (1886–1953) и Стэнтоном Макдональд-Райтом (1890–1973).

Фотоискусство

По мере развития эпохи модернизма художественная фотография становилась всё более значимой. В Америке это произошло во многом благодаря влиятельной деятельности Альфреда Стиглица, который основал «Фото-сецессион» в своей нью-йоркской галерее «291». Ещё одним пионером был Эдвард Стайхен. Оба были известны своим пикториализмом (1885–1915). Другие фотографические жанры, которые развились в эпоху модернизма, включают: уличную фотографию (с 1900 года по настоящее время), ярким представителем которой является Анри Картье-Брессон; документальную фотографию, примером которой служит серия снимков Ханса Намута, запечатлевшая Джексона Поллока в процессе «живописи действия»; фэшн-фотографию (с 1880 года), представленную работами Ман Рэя, Ричарда Аведона, Сесила Битона, Нормана Паркинсона и Ирвинга Пенна.

Коллаж (с 1912 года)

Также известный как papier collés («наклеенная бумага») или découpage, коллаж как вид искусства был впервые представлен Жоржем Браком в 1912 году, когда он приклеил три куска обоев к своему рисунку в стиле синтетического кубизма «Блюдо с фруктами и стакан». Коллаж предполагает использование таких материалов, как кусочки бумаги, фотографии, газетные вырезки, ткань и другие «найденные» объекты (включая трёхмерные), которые крепятся к холсту для создания эффекта смешанной техники. Среди других художников, известных своими работами в технике коллажа, — Пикассо, Александр Родченко и выдающийся художник-одиночка Курт Швиттерс, прославившийся своими мелкомасштабными коллажами Merzbilder. Техника коллажа оказала сильное влияние на более поздние формы ассамбляжа.

Футуризм (1909–1914)

Футуризм был провозглашён в 1909 году итальянским поэтом Филиппо Томмазо Маринетти. Его манифест появился на первой полосе парижской газеты Le Figaro. Движение отвергало всё традиционное искусство, воспевая современный индустриальный мир с его скоростью и технологиями. В работах футуристов сочетались элементы неоимпрессионизма и кубизма. Ведущими участниками движения были Умберто Боччони, Джакомо Балла, Карло Карра и Джино Северини.

Лучизм (ок. 1912–1914)

Лучизм — русское авангардное художественное движение в квазикубистском стиле, возглавляемое Михаилом Ларионовым и его партнёршей Натальей Гончаровой, которые позже обосновались в Париже. Предметом изображения в лучизме был абстрактный пейзаж, состоящий из пересекающихся лучей света, представленных узорами из линейных форм.

Супрематизм (ок. 1913–1918)

Основанный на утопических идеалах Казимиром Малевичем (1878–1935), супрематизм выражал безграничную веру в способность человека и технологий создать новый мир. Первая выставка супрематистов состоялась в Петрограде в декабре 1915 года. На ней было представлено тридцать пять абстрактных работ Малевича, включая его знаменитый «Чёрный квадрат», который висел в «красном углу», занимая место, традиционно отводимое для икон. Также экспонировалось множество других прямоугольников, треугольников и кругов, многие из которых были выполнены в ярких цветах.

Позднее выставка прошла в Москве и Витебске. В 1918 году Малевич был назначен членом Комиссариата просвещения и преподавал в Витебской художественной академии, созданной Марком Шагалом. Супрематизм был ключевым художественным движением в России, тесно связанным с революционными преобразованиями. Среди других известных художников-супрематистов были Лазарь (Эль) Лисицкий, Иван Клюн и Ласло Мохой-Надь. В конце жизни Малевич разочаровался в беспредметном искусстве и к 1935 году вернулся к реалистической живописи.

Конструктивизм (ок. 1919–1932)

Конструктивизм — строгое, но важное русское движение в абстрактном искусстве и дизайне, основанное Владимиром Татлиным (1885–1953). Позже к нему присоединились Александр Родченко (1891–1956), а также братья Антуан Певзнер (1886–1962) и Наум Габо (1890–1977). Интересуясь абстракцией, пространством, новыми материалами и трёхмерной формой, художники-конструктивисты развивали «производственное» искусство в стремлении отразить современный индустриальный мир.

На самого Татлина оказали сильное влияние трёхмерные конструкции Пикассо, некоторые из которых он увидел в парижской студии художника в 1913 году. В 1923 году движение изложило свои идеи в манифесте, заявив, что художники должны сосредоточиться на организации материалов и конструировании произведений так, словно они создают инженерный объект.

Впоследствии идеи конструктивизма, подавленные при Сталине, проникли на Запад через Наума Габо и Антуана Певзнера. Они оказали сильное влияние на таких современных скульпторов, как Барбара Хепуорт и Бен Николсон. В Великобритании около 1950 года движение было переосмыслено как конструктивизм, что нашло отражение в геометрических картинах Виктора Пасмора и других.

Вортицизм (ок. 1914–1915)

Британский аналог итальянского футуризма, вортицизм был авангардным художественным движением, испытавшим влияние кубизма и футуризма. Его основал в Лондоне художник, иллюстратор и военный художник Перси Уиндем Льюис (1882–1957). Единственная выставка вортицистов прошла в Лондоне в 1915 году. Заявляя о создании «новой живой абстракции», работы вортицистов сочетали кубистскую фрагментацию с жёсткой иконографией, отражающей технологии и городскую среду.

В группу также входили Катберт Гамильтон, Уильям Робертс, Лоуренс Аткинсон, Джессика Дисморр, Хелен Сондерс, Эдвард Уодсворт, а также скульпторы Джейкоб Эпштейн и Анри Годье-Бжеска. После выставки группа распалась, хотя Уиндем Льюис попытался ненадолго возродить её идеи, создав в 1920 году «Группу X».

Дадаизм (Европа, 1916–1924)

Основанный в Цюрихе во время Первой мировой войны, дадаизм стал первым антихудожественным движением модернизма. Его участники были возмущены кровавой бойней 1914–1918 годов и посвятили себя стилю, который намеренно бросал вызов всем традиционным ценностям общества, допустившего такое варварство.

Дадаисты использовали шок и абсурд для создания совершенно иррациональных произведений искусства и перформансов. Они создавали скульптуры и ранние инсталляции, которые часто состояли из различных objets trouvés (найденных предметов). Отдельной категорией таких объектов были «реди-мейды» Марселя Дюшана.

Дадаизм развился в международное движение, а его идеи после войны легли в основу сюрреализма в Париже. Среди ведущих дадаистов были Жан Арп, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Ман Рэй, Джон Хартфилд и Курт Швиттерс. Дадаизм вдохновил многие более поздние стили и группы, включая «Флюксус», неодадаизм, новый реализм и поп-арт.

Де Стейл (1917–1931)

«Де Стейл» (нидерл. De Stijl — «стиль») — название группы художников и издаваемого ими журнала, который стал одним из самых влиятельных авангардных изданий 1920-х годов. Движение было основано в Нидерландах во время Первой мировой войны Тео ван Дусбургом, Питом Мондрианом, архитектором Герритом Ритвельдом и Бартом ван дер Леком. Группа выступала за геометрический тип абстрактного искусства (позже Ван Дусбург назвал его «конкретным искусством»), основанного на универсальных законах гармонии, которые были бы применимы как к жизни, так и к искусству. Наибольшее влияние это движение оказало на архитектуру и дизайн.

Хотя Пит Мондриан отделился от группы в 1923 году, он оставался верен её принципам до конца жизни, став к тому времени одним из самых известных художников-абстракционистов. В отличие от него, более беспокойный Ван Дусбург в 1924 году отказался от одного из основных постулатов «Де Стейл», введя диагонали вместо строгих вертикалей и горизонталей в поисках большего динамизма.

Неопластицизм (1918–1926)

Термин, используемый для описания стиля живописи, изобретённого Питом Мондрианом. Он происходит от голландских слов «Nieuwe Beelding», которые Мондриан использовал в своих статьях в журнале «De Stijl» (1917–1919) и в своей книге «Le Néo-Plasticisme» (1920) для описания своего вида абстрактного искусства. По сути, это означает «новое искусство» или «новое формообразование». Мондриан использовал это название для пропаганды «нового формообразования» в самом широком смысле.

В своём эссе «Неопластицизм в живописном искусстве» Мондриан писал: “Новая пластическая идея… должна найти своё выражение в абстракции формы и цвета, то есть в прямой линии и чётко определённом основном цвете”. Таким образом, неопластицизм был идеальной формой живописи, которая использовала только чистый цвет, линию и форму. Мондриан настаивал на использовании только основных цветов (или не-цветов) и исключительно квадратов, прямоугольников и прямых горизонтальных или вертикальных линий. Несмотря на его разногласия с Ван Дусбургом, который в 1924 году основал элементаризм, теории Мондриана оказали огромное влияние на последующую живопись, и сегодня он считается одним из величайших художников-модернистов.

Школа Баухаус (Германия, 1919–1933)

Основанная в 1919 году в Веймаре архитектором-новатором Вальтером Гропиусом, школа дизайна Баухаус стала революционным учебным заведением, послужившим образцом для многих других. Её название, происходящее от немецких слов «bau» (строить) и «haus» (дом), а также система сообществ художников отсылают к идее братства, работающего над созданием нового общества. Среди преподавателей были Йозеф Альберс, Лионель Фейнингер, Пауль Клее, Василий Кандинский, Оскар Шлеммер, Ласло Мохой-Надь, Анни Альберс и Иоганнес Иттен, оказавшие огромное влияние на архитектуру и дизайн.

Заявленной целью школы был синтез искусства и повседневной жизни, поэтому дизайну придавалось такое же значение, как и изящным искусствам. Основные принципы Баухауса включали простой, чистый дизайн, абстракцию, ориентацию на массовое производство, а также этические и практические преимущества хорошо спроектированной среды.

В 1925 году Баухаус переехал в новое здание в Дессау, а в 1932 году — в Берлин, где в 1933 году был закрыт нацистами. Преподаватели разъехались, некоторые переехали в Америку: Мохой-Надь основал в 1937 году в Чикаго «Новый Баухаус», а Альберс принёс методики школы в колледж Блэк-Маунтин в Северной Каролине, а затем в Йельский университет.

Пуризм (начало – середина 1920-х)

Модное парижское движение 1920-х годов, основанное Эдуаром Жаннере (более известным как архитектор Ле Корбюзье) и художником Амеде Озенфантом. Оно базировалось на теориях, изложенных в их книге 1918 года «После кубизма» (Après le Cubisme). Несогласные с фрагментацией кубизма, они создавали фигуративное искусство (в основном натюрморты), в котором основные формы были лишены деталей и отличались чистотой цвета, формы и дизайна. С этим движением, пик которого пришёлся на Международную выставку декоративного и промышленного искусства в Париже в 1925 году, также были связаны Фернан Леже, Хуан Грис и русско-литовский скульптор Жак Липшиц.

Прецизионизм (кубистский реализм) (начало 1920-х)

Прецизионизм — американское движение (также называемое кубистским реализмом), оказавшее важное влияние на живопись в США. В центре его внимания были современная промышленность и городские пейзажи. Стиль характеризовался реалистичным изображением объектов, но с подчёркиванием их геометрической формы.

Этот идеализированный, почти романтический стиль проявился в работах Чарльза Демута и Чарльза Шилера. Городские пейзажи Джорджии О’Кифф также относят к жанру прецизионизма. См. также фотографии Чарльза Шилера, посвящённые автомобильному заводу Форда «Ривер Руж».

Сюрреализм (с 1924 года)

Уходя корнями в метафизическую живопись Джорджо де Кирико (1888–1978), революционные идеи кубизма, подрывное искусство дадаизма и психоанализ Зигмунда Фрейда и Карла Юнга, сюрреализм стал самым влиятельным авангардным движением межвоенных лет. Его целью, согласно основателю, французскому писателю Андре Бретону («Манифест сюрреализма», 1924), было слияние бессознательного (где хранятся воспоминания и инстинкты) с сознанием для создания новой «сверхреальности» — сюрреализма.

Как широкое интеллектуальное движение, сюрреализм включал в себя разнообразные стили — от абстракции до экспрессионизма и полного реализма. Его характерными чертами были странные, галлюцинаторные или «нереальные» образы. Среди ведущих сюрреалистов были Сальвадор Дали (1904–1989), Макс Эрнст (1891–1976), Рене Магритт (1898–1967), Андре Массон (1896–1987), Ив Танги (1900–1955), Жоан Миро (1893–1983), Жан Арп (1886–1966) и Ман Рэй (1890–1976). Его влияние проявилось в магическом реализме Франца Ро в Германии, а затем в Великобритании, где в 1936 году был основан британский сюрреализм писателем Гербертом Ридом вместе с художниками Дэвидом Гаскойном, Полом Нэшем и Роландом Пенроузом.

Первая международная выставка сюрреалистов открылась в Лондоне в 1936 году и вызвала огромный интерес, не в последнюю очередь благодаря эпатажному выступлению Сальвадора Дали, который произнёс речь, находясь в глубоководном водолазном костюме. Сюрреализм оказал огромное влияние на культуру Европы и продолжает влиять на искусство, литературу и кинематограф.

Ар-деко (ок. 1925–1940)

Ар-деко — популярный и модный стиль декоративного дизайна и архитектуры в межвоенные годы, особенно полюбившийся архитекторам кинотеатров и отелей. Он также распространился на мебель, керамику, текстиль, ювелирные изделия и стекло. Представленный в 1925 году на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже, ар-деко был, по сути, реакцией на модерн. Он заменил плавные криволинейные формы последнего на строгие геометрические, вдохновлённые кубизмом и прецизионизмом.

Классическими примерами дизайна ар-деко являются нью-йоркские Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг. Ар-деко также черпал вдохновение в проектах школы Баухаус. К известным художникам, связанным с этим стилем, относятся польско-русская портретистка Тамара де Лемпицка, художник по стеклу Рене Лалик и графический дизайнер Адольф Мурон (Кассандр).

Парижская школа (École de Paris)

В течение полувека (1890–1940) Париж оставался центром мирового искусства. Этот период ознаменовался яркими произведениями импрессионизма, постимпрессионизма, фовизма, кубизма, дадаизма и сюрреализма. «Парижская школа» — это термин, используемый для обозначения сообщества художников, как французских, так и иностранных, работавших в городе в первой половине XX века, а не строго определённого стиля или движения.

Париж был исключительно привлекателен для художников. Он был свободен от политических репрессий и стал домом для множества влиятельных художников XX века (Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жорж Руо, Анри Матисс, Фернан Леже, Амедео Модильяни, Пит Мондриан, Марк Шагал, Хаим Сутин, Михаил Ларионов, Василий Кандинский, Константин Бранкузи и многие другие). Здесь процветал мир искусства с галереями, коллекционерами и критиками, которые поддерживали таланты. Негласными лидерами (chefs d’école) были Пикассо и Матисс.

Новая вещественность (Neue Sachlichkeit) (Германия, ок. 1925–1935)

«Новая вещественность» (нем. Neue Sachlichkeit) — название, данное группе художников-экспрессионистов в Германии 1920-х годов после их выставки в Мангейме в 1925 году. Это был третий этап экспрессионистского движения в Германии после «Моста» (Die Brücke) и «Синего всадника» (Der Blaue Reiter). Основными участниками были Отто Дикс, Георг Гросс, Кристиан Шад и, в меньшей степени, Георг Шримпф и Макс Бекман. Хотя куратор выставки Густав Хартлауб назвал стиль группы «новым реализмом с социалистическим оттенком», он был ярко экспрессионистским в своём сатирическом изображении коррупции и декаданса послевоенной Веймарской Германии.

Магический реализм (1925–1940)

Несмотря на влияние сюрреализма, магический реализм был частью тенденции «возвращения к порядку», возникшей в Европе после Первой мировой войны. Название происходит от книги 1925 года немецкого искусствоведа Франца Ро «После экспрессионизма: магический реализм» (Nach Expressionismus: Magischer Realismus). В группу входили Джорджо де Кирико, Альберто Савинио, Александр Канольдт и Адольф Циглер.

Социалистический реализм (1928–1980)

Социалистический реализм стал официальным художественным методом в СССР при Иосифе Сталине и использовался как форма героической политической пропаганды для поддержки программы ускоренной индустриализации. Официально провозглашённый писателем Максимом Горьким на съезде советских писателей в 1934 году, этот стиль предполагал создание смелых, оптимистичных образов, чтобы прославлять достижения советского государства и вдохновлять рабочих на трудовые подвиги.

Самым распространённым средством был плакат, хотя также создавались картины и скульптуры, как правило, монументального масштаба, изображающие героических людей в идеализированных позах.

Социальный реализм (Америка) (1930–1945)

Это общая категория, описывающая произведения искусства, сосредоточенные на приземлённых сюжетах из повседневной жизни, в противоположность «идеальным» или романтическим картинам, характерным для искусства до XIX века. Она охватывает американскую пейзажную живопись и регионализм.

Социальный реализм обозначает творчество социально ориентированных художников эпохи Великой депрессии, таких как Бен Шан, Реджинальд Марш, Мозес Сойер, Рафаэль Сойер, Уильям Гроппер, Джек Левин, Джейкоб Лоуренс и Изабель Бишоп. Они черпали вдохновение в традициях более ранней нью-йоркской «Школы мусорных вёдер». Фотографы, такие как Доротея Ланж (1895–1965) и Уокер Эванс (1903–1975), также внесли свой вклад в это движение, создавая портреты рабочих-мигрантов времён Депрессии.

Мексиканский мурализм — это национальная кампания по настенной живописи, инициированная министром образования Хосе Васконселосом Кальдероном (1882–1959). Среди мексиканских художников, участвовавших в кампании, были Диего Ривера, Хосе Клементе Ороско и Давид Альфаро Сикейрос.

Американская пейзажная живопись была своего рода патриотической реакцией на авангардное европейское абстрактное искусство. Художники отвернулись от европейского гипермодернизма и искали правду в специфически американских образах. Регионализм был среднезападным вариантом этой живописи, который опирался на реалистичную, ностальгическую атмосферу сельской местности и маленьких городков Америки.

Дегенеративное искусство (Entartete Kunst) (1933–1945, Германия)

Термин Entartete Kunst, введённый Адольфом Гитлером, означает «дегенеративное искусство». Он выражал нацистскую идею о том, что любое искусство, не соответствующее идеалу хорошо выполненных фигуративных картин, изображающих героические поступки или комфортную повседневную жизнь, является продуктом «вырождения». К «дегенеративному» было отнесено большинство направлений современного искусства. Это означало, что с 1933 года многие современные художники в Германии не могли выставлять или продавать свои работы.

В 1937 году нацисты изъяли все современные работы из немецких музеев. Часть из них была выставлена в Мюнхене на одноимённой выставке, чтобы продемонстрировать их «отталкивающий» характер, но план провалился: выставка собрала огромные толпы. См. также Нацистское искусство (1933–1945).

Неоромантизм (1935–1955)

Этот термин обозначает интенсивные, поэтические, фигуративные и полуабстрактные британские пейзажи Пола Нэша, Грэма Сазерленда и других художников конца 1930-х, 1940-х и 1950-х годов. Они давали современную интерпретацию романтическим, визионерским работам Уильяма Блейка (XVIII век) и Сэмюэла Палмера (XIX век). Ранние работы были, как правило, мрачными, отражая тревогу приближающейся войны. Среди других британских неоромантиков были Майкл Айртон, Джон Крэкстон, Айвон Хитченс, Джон Минтон, Джон Пайпер и Кит Воган, а также военные рисунки Генри Мура. Менее известной группой, также иногда называемой неоромантиками, были парижские художники Эжен Берман, Леонид Берман и Павел Челищев, известные своими задумчивыми, ностальгическими работами.

Ар брют

Ар брют (фр. «грубое искусство») — это термин, придуманный Жаном Дюбюффе (1901–1985) для обозначения произведений, созданных людьми вне устоявшегося мира искусства: художниками-одиночками, пациентами психиатрических клиник и разного рода маргиналами. Как правило, их работы не предназначались для демонстрации или продажи. В английском языке для описания такого искусства используется термин «искусство аутсайдеров» (придуман Роджером Кардиналом в 1972 году). По мнению Дюбюффе, этот тип изолированного от культуры искусства обладал уникальной оригинальностью. Коллекция ар брют Дюбюффе, насчитывающая более 5000 предметов, была подарена городу Лозанна и в 1976 году открыта для публики.

Биоморфная и органическая абстракция (1930–1940-е)

Биоморфная/органическая абстракция описывает стиль искусства, в котором используются округлые абстрактные формы, заимствованные у природы. Это не движение как таковое, а скорее стиль, проявившийся в творчестве многих художников, таких как Василий Кандинский, Константин Бранкузи, Жан Арп, Жоан Миро и Ив Танги, а также британских скульпторов Барбары Хепуорт и Генри Мура. См. также: Современная британская скульптура (1930–1970).

Привлекательность органической абстракции распространилась на абстрактных экспрессионистов, а также на множество американских и европейских дизайнеров мебели, включая Чарльза и Рэй Имз, Исаму Ногути и финского архитектора Ээро Сааринена. Этот стиль сохранился и после 1950-х годов в работах таких современных 3D-художников, как дизайнеры Рон Арад и Вернер Пантон, а также скульпторы Линда Бенглис, Ричард Дикон, Аниш Капур, Урсула фон Ридингсвард и Билл Вудроу.

Школа Сент-Айвса (1939–1975)

Школа Сент-Айвса — британская художественная колония, основанная в корнуолльском рыбацком городке Сент-Айвс. Она была связана с художником-абстракционистом Беном Николсоном и его женой, скульптором Барбарой Хепуорт, которые поселились там в 1939 году. Вскоре к ним присоединился русский скульптор-конструктивист Наум Габо (пробыл до 1946 года).

Другим крупным художником, жившим в Сент-Айвсе с 1923 года, был керамист Бернард Лич, который основал там гончарную мастерскую вместе с Сёдзи Хамадой. После 1945 года, по мере прибытия других художников, Сент-Айвс превратился в центр современного и абстрактного искусства, вдохновлённого местными пейзажами.

Среди основных представителей школы были Вильгельмина Барнс-Грэм, Пол Фейлер, Терри Фрост, Патрик Херон, Роджер Хилтон, Питер Ланьон, Карл Вешке и Брайан Уинтер. В 1993 году на пляже Портмеор была открыта галерея Тейт Сент-Айвс, где представлена коллекция работ художников школы. Неподалёку находится Музей и сад скульптур Барбары Хепуорт, основанный в 1980 году.

Экзистенциальное искусство (конец 1940-х – 1950-е)

Экзистенциализм — популярная философия, выросшая вокруг работ французов Жан-Поля Сартра и Альбера Камю в 1940-х и 1950-х годах. Он оказал значительное влияние на изобразительное искусство, где его темы отчуждения и тревоги перед лицом человеческого удела прослеживаются в произведениях американского абстрактного экспрессионизма и арт-информеля. Также его влияние заметно в работах группы COBRA, французской группы Homme-Témoin, британской арт-группы «Кухонная раковина» и американского бит-поколения — все они время от времени носят ярлык экзистенциальных.

Этот же ярлык применим и ко многим отдельным художникам и скульпторам: французским живописцам Жану Фотрие, Жермен Ришье и Франсису Груберу, швейцарскому скульптору Альберто Джакометти, а также британцам Фрэнсису Бэкону и Люсьену Фрейду. О более поздней художнице, чьё творчество неразрывно связано с экзистенциальным «абсурдом», см. статью о скульпторе Еве Гессе (1936–1970).

Абстрактный экспрессионизм (ок. 1947–1965)

Абстрактный экспрессионизм был одним из основных направлений американского искусства конца 1940-х и 1950-х годов. Он состоял из ряда различных стилей и был сосредоточен в основном вокруг художников Нью-Йорка, поэтому его иногда называют Нью-Йоркской школой. Как следует из названия, общий стиль был абстрактным, но следовал не геометрической традиции кубизма, а экспрессивному, эмоциональному курсу. Основные стили включали: живопись действия (разработана Джексоном Поллоком и Ли Краснер); жестуальную живопись (разработана Виллемом де Кунингом); живопись цветового поля (практиковалась Марком Ротко, Барнеттом Ньюманом, Клиффордом Стиллом) и живопись жёстких контуров (её пионером был Фрэнк Стелла). Большинство работ были выполнены в монументальном масштабе. Другой значительный вклад внёс бывший преподаватель Баухауса Йозеф Альберс со своей серией «Посвящение квадрату».

Арт-информель (1950-е)

Французский термин Art Informel («бесформенное искусство») был европейским эквивалентом абстрактного экспрессионизма, который доминировал в мире искусства примерно с 1946 до конца 1950-х годов. Термин был введён французским критиком Мишелем Тапие в его книге 1952 года «Иное искусство» (Un Art Autre). Он стал одним из нескольких модных слов (ещё одно — «лирическая абстракция»), использовавшихся для определения бесформенного абстрактного стиля, возникшего в этот период как в Америке, так и в Европе.

Работы в этом стиле несколько различались, но обычно характеризовались отсутствием композиционной структуры, что представляло собой (по крайней мере, по мнению Тапие) фундаментальный разрыв с художественной традицией. Среди ведущих художников арт-информеля были Мария Элена Виейра да Силва, Жан Фотрие, Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце), Николя де Сталь и другие.

Ташизм (1950-е)

Термин ташизм, от французского tache («пятно»), описывает тип абстрактной живописи, популярный в конце 1940-х и 1950-х годах. Он характеризуется использованием нерегулярных мазков или пятен цвета. Термин получил распространение благодаря книге Мишеля Тапие «Иное искусство». Ташизм изначально развивался независимо от американского абстрактного экспрессионизма и оставался в основном французским явлением, хотя его часто используют как общий ярлык для европейского абстрактного экспрессионизма.

Среди его представителей были Карел Аппел (1921–2006), Жан Фотрие, Жорж Матьё и немецкий художник Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце), живший в Париже. В Австралии ташизм был принят Сиднейской школой. Подробнее см.: Современная австралийская живопись (1900–1960).

Некоторую путаницу вносит тот факт, что термин ташизм по-разному использовался в 1880-х годах критиком Феликсом Фенеоном для описания техники импрессионистов, а в 1900-х — художником Морисом Дени для обозначения итальянских маккьяйоли и парижских фовистов.

Арте нуклеаре (1951–1960)

Итальянское движение ядерного искусства (Movimento Arte Nucleare), созданное в 1951 году художником Энрико Баем, было политически ангажированным художественным течением, которое создавало картины и коллажи «для ядерной эры». Оно избегало геометрических абстракций в пользу более текучих форм, характерных для стиля арт-информель. Работы Бая включали изображения, напоминающие грибовидные облака от ядерного взрыва и опустошённые городские пейзажи. Среди других членов движения были Серджио Данджело, Джанни Бертини и Джанни Дова. Было проведено несколько выставок «Арте Нуклеаре» по всей Италии, но к концу десятилетия движение сошло на нет.

Ассамбляж (с 1953 года)

Термин «ассамбляж» был впервые введён Жаном Дюбюффе в 1953 году для обозначения произведений, созданных из фрагментов природных или «найденных» объектов: бытового мусора, городских отходов, чучел животных — фактически любых (обычно узнаваемых) материалов. Как правило, предметы отбираются и комбинируются по их визуальным (скульптурным) и выразительным свойствам. Хотя ассамбляж принято считать трёхмерным аналогом коллажа, на самом деле он включает в себя как двухмерные коллажи и фотомонтажи, так и трёхмерные скульптуры и целые инсталляции.

Этот вид искусства получил широкое распространение после выставки «Искусство ассамбляжа» в Музее современного искусства в Нью-Йорке (1961), где одной из самых необычных работ была скульптура Сезара Бальдаччини (1921–1998), сделанная из спрессованных автомобилей. Мастером этого жанра был нью-йоркский художник Роберт Раушенберг, чьи новаторские ассамбляжи 1950-х и 1960-х годов внесли огромный вклад в развитие жанра.

Неодадаизм (1953–1965)

Неодадаизм — термин, почти синонимичный раннему американскому поп-арту, особенно коллажу и ассамбляжу Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса в Нью-Йорке в конце 1950-х годов. Поп-арт также разделял подрывной подход дадаизма, намеренно повышая эстетическую значимость низкопробных предметов и образов, что приводило в замешательство многих «серьёзных» критиков. Поточные методы производства на «Фабрике» Энди Уорхола, а также его иконоборческая демонстративность повторяли выходки дадаиста Марселя Дюшана 40 годами ранее. Другое движение, тесно связанное с дадаизмом, — «Флюксус», основанное Джорджем Мачюнасом в начале 1960-х годов в Германии и Нью-Йорке.

Искусство кухонной раковины (Kitchen Sink) (1954–1957)

Термин, придуманный критиком Дэвидом Сильвестром в 1954 году для описания работ четырёх британских художников (Джона Брэтби, Деррика Гривза, Эдварда Миддлдитча и Джека Смита). Он указывал на повседневную тематику их творчества (мебель, детские пелёнки, кухонная утварь, туалеты). Воспевание банальности в жизни обычных людей было их попыткой сделать искусство более актуальным и доступным, а также сформулировать чёткий социальный комментарий. Движение Kitchen Sink достигло кульминации в 1956 году, когда его участники были выбраны для представления Великобритании на Венецианской биеннале.

Поп-арт (1958–1970)

Термин «поп-арт» описывает стиль искусства, возникший одновременно в Америке и Великобритании, который черпал вдохновение, приёмы и философию из популярной и коммерческой культуры. Эти массовые источники охватывали кино, рекламу, упаковку товаров, поп-музыку и комиксы.

Британское движение отличалось от американского: оно было менее дерзким, более романтичным и ностальгическим. Появилась и континентальная версия — «Новый реализм» (Nouveau Réalisme), хотя она имела более тесные связи с дадаизмом. Поп-арт зародился в середине 1950-х, достиг пика в середине 1960-х, а одной из его ключевых фигур стал Энди Уорхол.

Вдохновлённый в Америке работами Роберта Раушенберга и Джаспера Джонса, поп-арт также был связан с движениями начала XX века, такими как сюрреализм. Отчасти это был бунт против художественного пуризма абстрактного экспрессионизма. Поп-художники стремились дистанцироваться от него, используя простые, узнаваемые образы и современные технологии печати, такие как шелкография.

К известным американским поп-артистам относятся: Джим Дайн, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Эд Рушей, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист, Энди Уорхол и Том Вессельман. Среди знаменитых британских поп-художников были Питер Блейк, Патрик Колфилд, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни, Аллен Джонс, Р. Б. Китай и сэр Эдуардо Паолоцци. См. также наш путеводитель по поп-арту Энди Уорхола 1960-х и 1970-х годов.

Оп-арт (оптическое искусство) (1965–1970)

Как развитие живописи жёстких контуров, оп-арт был типом беспредметного искусства, который использовал чёрно-белые геометрические узоры для создания оптических эффектов, влияющих на восприятие зрителя. Поскольку он создавал иллюзию движения, этот стиль лучше всего рассматривать как часть более широкого кинетического искусства.

Воздействуя на глаз, картины заставляли его «видеть» цвета или формы, которых на самом деле нет, или путать фон с передним планом. Несмотря на свои необычные эффекты, оп-арт полностью соответствовал традиционным канонам изобразительного искусства. Вся традиционная живопись основана на «иллюзии» глубины и перспективы; оп-арт просто расширил эту иллюзорную природу, вмешиваясь в правила оптического восприятия.

Среди известных художников оп-арта были Бриджет Райли, Виктор Вазарели, Ричард Анушкевич, Франсуа Морелле и Хесус-Рафаэль Сото. Серия работ Йозефа Альберса «Посвящение квадрату» также была разновидностью оп-арта, как и иллюзорные рисунки М. К. Эшера. См. также Современная живопись Великобритании (1960–2000).

Новый реализм (Nouveau Réalisme) (1960-е)

«Новый реализм» — авангардное французское движение на стыке «Флюксуса», дадаизма и концептуализма, основанное в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани. В его манифесте была заявлена цель — «создание новых способов восприятия реального». Среди основателей были сам Рестани, Ив Кляйн, Марсиаль Райс, Даниель Шпёрри, Жан Тенгели, Франсуа Дюфрен, Раймон Энс и Жак де ла Виллегле.

Позже в группу вошли Миммо Ротелла, Ники де Сен-Фалль и Жерар Дешам. Группа ослабела после смерти Ива Кляйна в 1962 году, который предпочитал название «сегодняшний реализм» (réalisme d’aujourd’hui). Подробнее о движении и его основателе см. также: Постмодернистское искусство Ива Кляйна (1956–1962).

Для произведений нового реализма часто характерны коллаж, деколлаж и ассамбляж с использованием реальных предметов. Таким образом, он связан с дадаизмом и, в частности, с реди-мейдами Марселя Дюшана. Другим важным влиянием был американский поп-арт, что проявляется в использовании коммерческих объектов. В целом, можно сказать, что представители нового реализма отвернулись от абстракции и эмоциональности в пользу более холодного подхода и возвращения к фигуративности.

Постживописная абстракция (начало – середина 1960-х)

«Постживописная абстракция» — термин, придуманный критиком Клементом Гринбергом (также название выставки, которую он курировал в 1964 году), для описания более спокойного и сдержанного типа абстрактного экспрессионизма 1960-х. По сути, этот термин описывает замену экспрессивного мазка новым языком, основанным на широких полях немодулированного цвета. К известным представителям относятся Хелен Франкенталер, Эл Хелд, Эллсворт Келли, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Жюль Олицки и Фрэнк Стелла. Этот термин (и стиль) был постепенно вытеснен новой школой минимализма.