Женщины в саду, Моне читать ~4 мин.

Название: Женщины в саду (1866-7) Художник: Клод Моне (1840-1926) Техника: Масляная живопись Жанр: Бытовая жанровая живопись Направление/Стиль: Импрессионизм Местонахождение: Музей Орсе

Для интерпретации других картин XIX и XX веков см.: Анализ современной живописи (1800-2000).

ПОНИМАНИЕ ИСКУССТВА Для анализа картин художников-импрессионистов таких как Моне, см.: Как ценить живопись.

Признанный ещё при жизни одним из величайших художников всех времён и движущей силой французского импрессионизма, Клод Моне посвятил свою жизнь изучению живописи на пленэре и мгновенного характера солнечного света. Действительно, его преданность живописи на открытом воздухе была настолько велика, что — учитывая огромный размер этой конкретной работы — он приказал вырыть траншею в своём саду, чтобы картину можно было опустить в неё, что позволило ему писать верхнюю часть. В то время его ближайшими коллегами были Камиль Писсарро (1830-1903), Ренуар (1841-1919) и Альфред Сислей (1839-1899) — все они внесли исключительный вклад в импрессионистскую пейзажную живопись в 1870-х годах.

Примечание: Для получения дополнительной информации см. также: Художник-импрессионист Клод Моне и Наследие импрессионизма Клода Моне.

Моне задумал эту картину как главный экспонат для Салона 1867 года. Парижский салон в то время всё ещё оставался местом, где создавались художественные репутации, и ни один молодой живописец не мог позволить себе игнорировать его. Ранее Моне показывал небольшие работы в манере своего наставника Эжена Будена (1824-1898), а также портрет своей жены Камиллы в полный рост, но эта картина, крупномасштабная работа высотой более восьми футов, явно была задумана как рекламное произведение, созданное для получения заказов, и размер подписи указывает на то, что Моне хотел закрепить своё имя в сознании публики.

Картина, однако, была отклонена, что, возможно, не слишком удивило Моне; со времени обучения в парижской мастерской Шарля Глейра он мало считался с академическим искусством и его сторонниками в жюри Салона. Хотя работа могла показаться соответствующей образцу фигурной композиции, приемлемому для Французской академии, ей не хватало одного важного элемента: фигуры в группе не имели никакой драматической связи друг с другом, то есть в картине нет «сюжетной линии». В то время этот элемент рассматривался как «смысл существования» картины, будь то историческая, литературная, религиозная или социальная, но в работе Моне люди просто существуют. Кроме того, все они выглядят довольно похожими — что едва ли было удивительно, поскольку для всех них позировала его жена.

Но это была не единственная причина отклонения работы. Техника Моне оставляла желать лучшего с точки зрения академических условностей. Как и в других ранних работах, манера письма Моне близка к манере Эдуарда Мане (1832-1883), с чётко определёнными формами фигур, тенями и листвой и небольшим диапазоном тональной моделировки. Этот подход мог напомнить судьям о публичных скандалах, вызванных работами Мане, сначала Завтраком на траве (1862, Музей Орсе), выставленным в Салоне отверженных в 1863 году, а затем столь же оскорбительной обнажённой натурой Олимпия (1863, Музей Орсе). Моне первоначально намеревался представить свою собственную версию «Завтрака на траве» в 1866 году, но не успел завершить её вовремя, поэтому Женщины в саду стали его первым крупным столкновением с цитаделью французской живописи.

Академический подход к живописи заключался, по сути, в построении формы посредством тона. Картина обычно строилась на слегка окрашенном нейтральном грунте, начиная с подмалёвка тёмных тонов, обычно коричневатого оттенка. На этот тёмный подмалёвок добавлялись блики белого или почти белого цвета, а локальный цвет объекта или фигуры (его фактический цвет) вводился в средне-тональные области. Эта техника создавала сильное ощущение объёма и твёрдости формы, но цвет играл второстепенную роль, уменьшаясь или иногда даже теряясь в сильно освещённых или глубоко затенённых областях. Метод, использованный Мане — первым великим новатором современного искусства — иногда называемый peinture claire, заключался в том, чтобы сначала определить цветовые области через полутона; а затем добавить блики и тёмные участки в сырую краску, тем самым подчёркивая формы за счёт объёма. Это привело к сильному цветовому узору, напоминающему популярные тогда японские гравюры, а также придало большее значение самому цвету, поскольку реальные цвета бликов и теней могли быть приняты во внимание в большей степени. (Для получения дополнительной информации о цвете см.: Художник-импрессионист Эдуард Мане.)