Женщины в саду, Моне:
анализ, интерпретация читать ~4 мин.

Женщины в саду (1866-7). Клод Моне. Значение и интерпретация пленэра импрессионистов. MAIN AZ INDEX

Женщины в садуКлод Моне.Считается одним извеличайших современных картин вдевятнадцатом веке.

Содержание Описание Анализ Объяснение других картин Моне

Описание Имя: Женщины в саду (1866-7) Художник: Клод Моне (1840-1926) Материал: Масляная живопись Жанр: Бытовая жанровая живопись Направление / Стиль: Импрессионизм Расположение: Musee d’Orsay

Для интерпретации других картин XIX и XX веков см.: Анализ современной живописи (1800-2000).

ПОНИМАНИЕ ИСКУССТВАДля анализа картинхудожников-импрессионистов, таких как Моне, см.:Как ценить картины.

Признанный при жизни одним из лучших художников всех времен и движущей силой французского импрессионизма, Клод Моне посвятил свою жизнь изучению пленэрной живописи и мгновенного характера солнечного света. Действительно, его преданность рисованию на открытом воздухе была настолько велика, что – учитывая огромные размеры этой конкретной работы – он вырыл траншею в своем саду, чтобы картину можно было опустить в нее, что позволило ему нарисовать верхнюю часть. В это время его ближайшими коллегами были Камиль Писсарро (1830 – 1903), Ренуар (1841 – 1919) и Альфред Сислей (1839 – 1899) – все они внесли исключительный вклад в пейзажную живопись импрессионистов 1870-х годов.

Примечание. Для получения дополнительной информации см. Также: Импрессионист Клод Моне и Наследие импрессионизма Клода Моне.

Моне спроектировал эту картину как главную выставку Салона 1867 года. Парижский Салон в то время все еще был местом, где создавалась художественная репутация и ни один молодой художник не мог позволить себе игнорировать его. Раньше Моне показывал небольшие работы в манере своего наставника Эжена Будена (1824-98), а также портрет его жены Камиллы в полный рост, но эта картина, очень крупномасштабная работа более восьми футов высотой, была явно задуманная как рекламная работа, созданная для получения комиссионных, а размер подписи указывает на то, что Моне хотел закрепить свое имя в сознании публики.

Картина, однако, была отклонена, что, возможно, не слишком удивило Моне; с тех пор, как он работал в студии Шарля Глейра в Париже, он мало уважал академическое искусство и его чемпионов в жюри Салона. Хотя работа, возможно, соответствовала образцу композиции фигур, который был приемлем для Французской академии, в ней отсутствовал один важный элемент: фигуры в группе не имели драматических отношений друг с другом, то есть не было «сюжетной линии». в картине. В то время этот элемент считался смыслом существования картины, будь то историческая, литературная, религиозная или социальная, но в творчестве Моне люди просто существуют. Кроме того, все они очень похожи, что неудивительно, поскольку всем им позировала его жена.

Но это была не единственная причина отказа от работы. Техника Моне оставляла желать лучшего с точки зрения академических условностей. Как и в других ранних работах, Моне обращается с красками так же, как Эдуард Мане (1832-83), с четко определенными формами фигур, теней и листвой и небольшим диапазоном тонального моделирования. Такой подход вполне мог напомнить судьям о публичных скандалах, вызванных работой Мане, сначала Dejeuner sur l’Herbe (Обед на траве) (1862, Musee d’Orsay), выставленного в Салоне отказов в 1863 году, а затем от столь же оскорбительной обнаженной, Олимпии (1863, Музей Орсе). Первоначально Моне намеревался представить свою собственную версию «Dejeuner sur l’Herbe» в 1866 году, но не успел завершить ее вовремя, поэтому « Женщины в саду» были его первой серьезной конфронтацией с цитаделью французской живописи.

Академический подход к живописи заключался в построении формы с помощью тона. Картина обычно строилась на светлоокрашенном нейтральном фоне, начиная с подмалевка темных тонов, обычно коричневатого оттенка. На этот темный подмалевок были добавлены блики белого или почти белого цвета, а местный цвет объекта или фигуры (его фактический цвет) был добавлен в области со средним тоном. Эта техника создавала сильное ощущение объема и твердости формы, но цвет играл второстепенную роль, уменьшаясь или иногда даже теряясь в сильно освещенных или глубоко затененных областях. Метод использованный Мане – первым великим новатором в области современного искусства, иногда называют peinture claire. , был первым – для определения цветовых участков через полутона; а затем – добавить во влажную краску бликов и затемнений, тем самым подчеркнув формы за счет формы. Это привело к получению сильного цветового рисунка, напоминающего популярные тогда японские принты, а также придало большее значение самому цвету, так как реальным цветам бликов и теней можно было уделить больше внимания. (Для получения дополнительной информации и цвета см.: Импрессионист Эдуард Мане.)