История модной фотографии читать ~5 мин.

Термин «модная фотография» характеризует направление фотографии изобразительного искусства, призванное демонстрировать предметы гардероба: от одежды haute couture до вещей массового производства, а также обувь, парфюмерию и другие продукты модных домов. Работы в этом жанре, созданные многими из величайших фотографов, следует рассматривать преимущественно как форму визуального искусства, а не сугубо прикладное искусство, поскольку их эстетическая ценность часто преобладает над утилитарной функцией. В XXI веке модная съёмка — подобно телевизионной рекламе — фокусируется на трансляции образа бренда и его концепции, а не просто физического товара. (См. также: Является ли фотография искусством?). Вне зависимости от трактовок и эстетики, это направление неразрывно связано с современным искусством и массовой культурой. Фотография не только фиксирует общественные вкусы и стремления, но и формирует представления женщин о самих себе, гендерной идентичности и сексуальности.

Развитие жанра шло рука об руку с эволюцией медиа. Зародившись на страницах изданий Conde Nast и Hearst — таких как Vogue и Harper’s Bazaar, к которым позже присоединились Elle, Cosmopolitan, Vanity Fair, W, Grazia и Seventeen, — сегодня модная фотография обрела мгновенный глобальный охват благодаря цифровым технологиям. Хотя Нью-Йорк перехватил у Парижа статус столицы модной съёмки ещё в 1940-х годах, европейские центры — Париж и Милан — сохраняют своё творческое влияние, а мегаполисы Азии, такие как Шанхай и Мумбаи, стремительно утверждаются в статусе новых международных модных хабов.

Что такое модная фотография?

Первые образцы модной фотографии появились в 1860-х годах как способ документации творений парижских кутюрье. Поначалу привлечение профессиональных натурщиц считалось неприемлемым, поэтому фотографы прибегали к помощи светских дам и знаменитостей, таких как Гертруда Вандербильт Уитни или Сара Бернар. Даже с появлением профессиональных моделей дизайнеры долгое время предпочитали рисованные иллюстрации, опасаясь, что детальные снимки позволят конкурентам скопировать крой их изделий. Ситуация изменилась лишь в конце 1880-х годов с внедрением технологии полутоновой печати, разработанной Фредериком Юджином Айвсом (1856–1937). Это новшество позволило тиражировать высококачественные снимки на страницах прессы. (См. также: Фотографы XIX века). Ведущую роль в популяризации жанра сыграли американские журналы: Harper’s Bazaar (основан в 1867 году) и Vogue (основан в 1892 году). Их растущая аудитория и технологический прогресс в полиграфии заложили фундамент для превращения США в один из центров модной индустрии.

Парижская культура и мода (1880–1930)

Несмотря на технологический рывок Америки, в начале XX века Париж удерживал титул столицы западной культуры, доминируя в изобразительном искусстве и полиграфии. Город был центром притяжения для авангарда: здесь рождались импрессионизм, модерн, фовизм и кубизм, сюда стекались мастера живописи и скульптуры. Важным европейским центром дизайна был и Берлин, где под влиянием экспрессионизма работали такие новаторы, как Джон Хартфилд (1891–1968), Рауль Хаусман (1886–1971) и Ласло Мохоли-Надь (1895–1946).

Именно в Париже, где базировались главные модные дома, происходили ключевые события в истории жанра. В 1911 году американский фотограф Эдвард Стайхен (1879–1973) провёл здесь первую концептуальную модную съёмку. Запечатлев платья Поля Пуаре для журнала Art et Decoration, он сумел передать не просто фасон, но и художественный образ модели, что позволяет считать эти кадры точкой отсчёта современной модной фотографии. Значительный вклад в развитие жанра также внесли братья Зеебергер (Jules, Louis, Henri Seeberger) и студии, такие как Maison Reutlinger.

Примечание: Братья Зеебергер начинали как фотографы открыток, но около 1910 года переключились на съёмку французской элиты. Их «случайные» портреты дам в модных туалетах на скачках и курортах стали прообразом современной уличной модной фотографии, хотя кутюрье того времени всё ещё с опаской относились к такой публичности своих идей.

В межвоенный период, несмотря на последствия Первой мировой войны, Париж сохранил свои позиции. Расцвет сюрреализма в 1920-х годах и подъем таких домов, как Chanel, Balenciaga, Schiaparelli и Lanvin, создали уникальную творческую среду. Город привлекал визионеров фотографии: Хорста П. Хорста, Ман Рэя (1890–1976), Сесила Битона (1904–80), Георгия Гойнинген-Гюне и Брассая (1899–1984). Огромное влияние на визуальный язык эпохи оказал Алексей Бродович (1898–1971), чья деятельность в области графического дизайна задала новые стандарты вёрстки модных журналов.

Модная фотография в Америке (1900–1930)

Активное развитие европейской сцены не тормозило прогресс в США. Экономический рост, влияние медиагигантов Harper’s Bazaar и Vogue, а также сильная школа художественной фотографии — от Альфреда Стиглица до Пола Стренда (1890–1976), Чарльза Шилера (1883–1965), Доротеи Ланж (1895–1965) и Уокера Эванса (1903–1975) — превратили Нью-Йорк в лабораторию инноваций.

Пионером американского стиля стал барон Адольф де Мейер (1868–1946), прославившийся портретами элиты. В 1913 году он занял пост первого штатного фотографа Vogue. Де Мейер привнёс в коммерческую съёмку художественный подход, наполняя кадры особой атмосферой и мерцающим светом. Этот приём, известный как пикториализм, позволил уйти от сухой документации одежды к созданию эмоционального отклика у зрителя, что навсегда изменило восприятие модной фотографии.

Важным фактором роста американской индустрии стало развитие сети универмагов и рынка готовой одежды (prêt-à-porter). В отличие от европейского фокуса на элитарный кутюр, американский рынок ориентировался на более широкую аудиторию. Это требовало нового визуального языка, который формировался на страницах Women’s Wear Daily и Ladies Home Journal — первого журнала, чей тираж превысил миллион экземпляров ещё в 1903 году.

Эволюция стиля: от студии к реальности

К середине 1930-х годов статичность студийных портретов начала уступать место динамике. Революционером этого периода стал венгерский фотограф Мартин Мункачи, который одним из первых вывел моделей на улицу. Его снимки для Harper’s Bazaar, запечатлевшие бегущих по пляжу женщин, были полны жизни и движения, что резко контрастировало с застывшими позами эпохи де Мейера и Стайхена. Этот подход подхватили и развили другие мастера, окончательно разрушив барьер между высокой модой и реальной жизнью.

Послевоенный период, часто называемый «золотым веком» модной фотографии, подарил миру таких гигантов, как Ирвин Пенн и Ричард Аведон. Пенн, работавший для Vogue, довёл студийный минимализм до совершенства, превращая каждый кадр в графически безупречный натюрморт, где модель была главным, но не единственным элементом композиции. Аведон же, напротив, наполнил кадр эмоцией и действием, часто снимая моделей в движении — прыгающими, смеющимися, живыми. Их наследие окончательно закрепило за модной фотографией статус самостоятельного вида искусства, способного не только продавать одежду, но и рассказывать сложные визуальные истории.