Акварельная живопись: техники, происхождение, история читать ~10 мин.

В изобразительном искусстве термином «акварель» обозначается среда для рисования, в которой цветные пигменты связаны в водорастворимых веществах. Первоначально эти связующие вещества представляли собой клеи животного происхождения или определённые сахара, но в настоящее время стандартным веществом является гуммиарабик. Могут использоваться различные добавки (например, мёд, глицерин) для увеличения пластичности и создания других эффектов. Акварель обычно наносится кистями из соболя или беличьей шерсти на белую тонированную бумагу или картон, хотя в качестве основы можно использовать холст, кожу и папирус. В Китае и Японии акварельное искусство (известное как рисование кистью или свитки или тушь и размывка) является универсальным средством рисования, за исключением того, что восточноазиатские акварелисты обычно используют только чёрные чернила. Акварель сохнет намного быстрее, чем картина маслом и позволяет создавать более тонкие и точные произведения искусства. Тем не менее, под регулярным воздействием света, цвет блекнет и многие шедевры – в том числе нескольким примерам пейзажной живописи Уильяма Тёрнера (1775-1851) – уже нанесён непоправимый ущерб.

Примечание: «Гуашь», форма непрозрачной акварели, отличается от обычной акварели, тем, что её пигменты связаны клеем, а её более светлые тона получаются путём добавления белого пигмента.

Акварель – универсальный материал, его можно наносить на все, от бумаги до холста, камня, дерева и ткани. Сегодня в наших музеях можно найти множество прекрасных версий акварельных картин на бумаге, рукописей, карт и миниатюр. В то время как акварель доминировала в азиатском искусстве на протяжении тысячелетий, в западном искусстве до конца 18 века она в основном ограничивалась подготовительными зарисовками. В то время, которое сейчас называют золотым веком акварельной живописи, художники из школы английской пейзажной живописи повысили статус акварельной картины до серьёзного и независимого вида искусства. Помимо Уильяма Тернера, среди известных художников-акварелистов английской школы были: Томас Гиртин (1775-1802), Джон Констебл (1776-1837) и Ричард Паркс Бонингтон (1802-1828). В конце 19 и 20 века европейские художники, такие как Эмиль Нольде (1867-1956) и Эгон Шиле (1890-1918), а также американские художники, такие как Уинслоу Гомер (1836-1910), Морис Прендергаст (1859-1924) и Джон Марин (1870–1953) создали сотни красочных картин используя эту краску.

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ
Список важных дат в эволюции живописи, включая движения, школы, стили и известных художников, см.: Хронология истории живописи.

Техника Акварели

В «чистой» акварельной живописи (иногда называемой «английским методом») белый цвет не используется. Вместо этого пятна или области на белой бумаге остаются неокрашенными, чтобы отображать белые объекты или отражённый свет. Цветовые тона и атмосферные эффекты достигаются за счёт окрашивания влажной бумаги различным количеством цветных пигментов. Этот метод, называемый «размывкой», также можно использовать для минимизации или стирания отдельных мазков кисти или для создания больших областей аналогичного цвета (например, голубого неба). Художник контролирует эффекты этих смывок, варьируя разбавление пигментов. Уильям Тернер – возможно, величайший английский акварелист – предпочитал добавлять белый цвет в свои картины и использовал другие методы для создания своих уникальных световых эффектов. (Об интерпретации великих картин, включая акварели, см.: Анализ известных картин.).

Происхождение и история

Акварельное искусство восходит к наскальной живописи каменного века, когда человек раннего палеолита впервые нарисовал в своих пещерах изображения животных и людей используя древесный уголь, охру и другие природные пигменты. Позднее оно было популяризировано в египетском искусстве после открытия папируса (бумаги). Однако папирус очень хрупкий и единственные рисунки, которые сохранились с древнеегипетской эпохи, – это те, что хранились в пирамидах в сухих условиях. В традиционном китайском искусстве акварель развивалась около 4000 лет до н.э., прежде всего как средство декоративного искусства. К IV веку н.э. акварельные пейзажи стали самостоятельной формой китайской живописи. и в конечном итоге доминироваkb во всей китайской живописи кистью. Руководство по принципам восточного изобразительного искусства и ремёсел см.: Традиционное китайское искусство: характеристики. В средние века в Европе акварель использовалась для создания иллюминированных рукописей и цветных карт, а в эпоху искусства Возрождения – для изготовления портретных миниатюр или создания этюдов с натуры.

Акварельная живопись XV и XVI веков

Современная акварельная живопись уходит корнями в Северное Возрождение. Его первым выдающимся мастером был немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471-1528), который предвосхитил многие английские акварельные техники в серии великолепных этюдов растений и пейзажей. Дюрер был одним из первых художников, осознавших потенциал этой среды. Его ранние акварельные картины были сосредоточены на изображении топографии, но со временем он стал уделять гораздо больше внимания передаче атмосферы. Он также создал очень реалистичные этюды природы, обычно сочетая акварель и гуашь на бумаге. Известные примеры: «Молодой заяц» (1502 г.) и «Большой кусок дёрна» (1503 г., графическое собрание Альбертина, Вена). Однако, несмотря на усилия художников Школы фламандского барокко и голландского барокко, среда – за исключением ботанических иллюстраций или иллюстраций дикой природы, которые развили собственную специальную акварельную традицию – в значительной степени ограничивалась подготовительными набросками или крупномасштабными дизайнерскими чертёжами, пока это не стало проявлением английской техники акварели конца восемнадцатого века.

Английская школа акварелистов XIX века

Сегодня акварель обычно ассоциируется с достижениями английской школы пейзажистов (особенно Пола Сэндби, Томаса Гиртина и Дж. М. У. Тернера). Эта группа действовала с конца 18 до середины 19 века, так называемого Золотого века акварели. Изначально художники размечали свои картины тонировочными красками. Это рисунок сделанный чернилами или карандашом, а кисть и вода используются для нанесения чернил для создания эффекта оттенка. Допускался ограниченный диапазон цветов, но в целом эффект был довольно монохромным. В то время как одни художники продолжали создавать тонированные рисунки, другие начали раздвигать границы. Такие художники, как Уильям Парс (1742-1782), Джон Уорвик Смит (1749-1831), Томас Гиртин (1775-1802) и Тернер, начали использовать более широкую палитру более ярких цветов, чтобы создать более живописный эффект. Вскоре акварель стала популярной по всей Великобритании с появлением картин дикой природы и растений, а также с новыми требованиями к пленэрам – художникам рекомендовалось копировать сцены и топографию как туристических, так и военных объектов, а также сопровождать археологические и антропологические экспедиции по всему миру. для документирования изображений флоры и фауны. Возник новый романтический стиль акварельной живописи. Используя бумагу с грубой текстурой, краска наносилась более свободной кистью, чтобы передать мимолётные эффекты в пейзаже. Среди популярных акварелистов-пейзажистов были Дэвид Кокс (1783–1859), Корнелиус Варлей (1781–1873) и Самуэль Праут (1783–1852).

Расцвет акварельных обществ

Англия
В 1804 году группа ведущих художников-акварелистов основала Общество художников-акварелистов, позднее ставшее Королевским акварельным обществом (RWS). Среди учредителей были Фрэнсис Николсон, Сэмюэл Шелли, Уильям Фредерик Уэллс, Джон Гловер, Уильям Генри Пайн и Роберт Хиллс. Среди нынешних известных членов – дама Элизабет Вайолет Блэкэддер, шотландский художник и гравёр. Ее работы можно увидеть в Музее современного искусства Нью-Йорка и галерее Тейт. Кроме того, Дэвид Ремфри наиболее известен своими акварельными красками городских ночных клубов и городских сцен в натуральную величину (он получил MBE за заслуги перед британским искусством в 2001 году). Королевский институт художников в акварелей, основанный в 1831 году в рамках конкуренции с Королевским акварельным обществом, также очень активен сегодня. Известными участниками в разное время были иллюстратор детских книг Кейт Гринуэй (1846–1901), карикатурист сэр Куттс Линдси (1824-1913) иллюстратор Vanity Fair Джон Хассалл (1868-1948) и внучка королевы Виктории, принцесса Патриция Коннахт.

Ирландия
В Республике Ирландия Общество акварелистов (WCSI) было основано в 1870 году. На протяжении многих лет в состав WCSI входили такие известные ирландские художники, как Роуз Бартон (1856-1929), Джордж Кэмпбелл (1917-1979), Лилиан Дэвидсон (1893-1954), Жерар Диллон (1916-1971), Перси Френч (1854-1920), Милдред Энн Батлер (1858-1941), Летиция Гамильтон (1878-1964), Пол Генри (1876-1958), Гарри Кернофф (1900-1974), Морис МакГонигал (1900-1979), Нора МакГиннесс (1901-1980), Фрэнк МакКелви (1895-1974), Уолтер Осборн (1859-1903), Нано Рид (1905-1981), Джордж Рассел (AE) (1867-1935) и Джек Б. Йейтс (1871-1957). В Северной Ирландии Общество акварелистов Ольстера (UWS) было ведущей организацией. В состав последнего входили такие выдающиеся художники, как Глэдис МакКейб (род. 1918) и Морис Уилкс (1910-1984).

США
Акварелью также были увлечены американские художники, особенно Уинслоу Гомер (1836-1910), находившимся под сильным влиянием школы Барбизона, Уильям Трост Ричардс (1833-1905), Генри Родерик Ньюман и Джон ЛаФардж (1835-1910). American Watercolor Society (первоначально Американское общество художников акварели) было создано в 1866 году.

Акварели ХХ века

Среди известных акварелистов двадцатого века – русский художник-абстракционист Василий Кандинский (1866-1944), швейцарский модернист Пауль Клее (1879-1940) и французский художник-экспрессионист Рауль Дюфи (1877-1953). В Соединённых Штатах к известным художникам-акварелистам относились Томас Икинс (1844-1916), Джон Марин (1870-1953), Морис Прендергаст (1859-1924), Эдвард Хоппер (1882-1967), Лионель Фейнингер (1871-1956) и Эндрю Уайет (1917-2009). Американские художественные движения, поддерживающие акварельное искусство, включали Школу Огайо (из Кливлендского музея искусств) и Калифорнийскую сцену. (из Академии CalArts).

Список известных акварельных картин

Очень немногие акварельные картины, если таковые имеются, так же известны, как картины маслом. На это есть несколько причин. Во-первых, акварельные краски тускнеют намного быстрее масляных на свету. Они теряют свою живость и могут очень быстро выглядеть «размытыми» – не лучший вариант, когда дело касается общественного признания. Поэтому лучшие художественные музеи обычно демонстрируют свою акварельную коллекцию только в течение ограниченного периода времени. Остальное время картины хранятся в тёмных подвалах с регулируемой температурой. Во-вторых, большинство акварелей написано на бумаге, которая более подвержена порче и гниению, чем холст или дерево. В результате большинство шедевров акварельной живописи просто не выдержали испытания временем. Объяснение пейзажей девятнадцатого или двадцатого веков см.: Анализ современной живописи (1800–2000).

Ниже приводится список акварельных картин, на которые стоит обратить внимание:

Альбрехт Дюрер: Молодой заяц (1502, Альбертина, Вена)
Уильям Блейк: Жалость (1795, собрание Тейт)
Томас Гиртин: Замок Берри Померой, Девон (1798, частное собрание)
Федор Алексеев: Троицкий монастырь (1800, Бруклинский музей)
Джон Селл Котман: Акведук Чирк (1804, Музей Виктории и Альберта)
Уильям Тернер: С. Джорджо Маджоре, Раннее утро (1819, Коллекция Тейт)
Джон Констебл: Этюд облаков и деревьев (1821, Британский музей)
Ричард Паркс Бонингтон: Руан с набережной (1821, Британский музей)
Эжен Делакруа: Саада (1832, Метрополитен-музей Нью-Йорк)
Джон Констебл: Стоунхендж (1835, Музей Виктории и Альберта, Лондон)
Уильям Тернер: Замок Флинта (1838, частная коллекция)
Уильям Тернер: Рассвет после крушения (1840, Британский музей)
JMW Turner: Blue Rigi, Sunrise (1842, Tate London)
Россетти: Годовщина смерти Беатрис (1853, Эшмоловский музей)
Лоуренс Альма-Тадема: Фауст и Маргарита (1857), частное собрание)
Уильям Тернер: Закат над разрушенным замком (1868, Собрание Тейт)
Иван Крамской: Портрет С. И. Крамского (1880, Третьяковская галерея, Москва)
Мэри Кассат: Автопортрет (около 1880, Национальная галерея искусств, Вашингтон)
Винсент Ван Гог: Зуав (1888, Метрополитен, Нью-Йорк)
Чайльд Хассам: Вечерние такси, запряжённые лошадьми (1890, частное собрание)
Морис Прендергаст: Дамы под дождём (1893, Музей Форт-Лодердейла)
Морис Прендергаст: Гранд-канал, Венеция (1899, Коллекция Даниэля Дж. Терры)
Эмиль Нольде: Пшеничное поле (1900, частное собрание)
Эгон Шиле: Маэдхен (1911, частное собрание)
Робер Делоне: Посвящение Блерио (1914, Musee d’Art Moderne, Париж)
Эгон Шиле: Сидящая женщина с согнутым коленом (1917, Народни) Galerie, Прага)
Джорджия О’Киф: Обнажённая серия VII (1917, Музей GO’K, Санта-Фе)
Эмиль Нольде: Красные маки (1920, галереи Леонарда Хаттона, Нью-Йорк)
Джон Марин: Острова Мэн (1922, Коллекция Филлипса), Вашингтон)
Эдвард Хоппер: Мансардная крыша (1923, Бруклинский музей)
Пауль Клее: Часть G (1927, Staatliche Museen, Берлин)
Ксул Солар: Дворец Алми (1932, Museo XS, Буэнос-Айрес)
Эдвард Бурра: Иззи Ортс (1955, Галерея современного искусства, Эдинбург)
Эндрю Уайет: Полевая рука (1985, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия)