Акварельная живопись:
техники, происхождение, история читать ~11 мин.

В изобразительном искусстве термином «акварель» обозначают технику, в которой цветные пигменты связываются водорастворимыми веществами. Изначально в качестве таких связующих использовались клеи животного происхождения или определённые сахара. В настоящее время стандартным связующим является гуммиарабик. Могут добавляться и другие вещества, например, мёд или глицерин, для увеличения пластичности красок и создания дополнительных эффектов. Акварель обычно наносят кистями из соболя или беличьей шерсти на белую тонированную бумагу или картон, хотя в качестве основы также могут использоваться холст, кожа и папирус.

В Китае и Японии акварельное искусство, известное также как рисование кистью, или тушь и размывка, является распространённым средством рисования. Однако восточноазиатские акварелисты обычно используют только чёрные чернила. Акварель сохнет значительно быстрее, чем масляные краски, что позволяет создавать более тонкие и детализированные произведения. Тем не менее, при постоянном воздействии света цвет блекнет, и многие шедевры, включая несколько примеров пейзажной живописи Уильяма Тёрнера (1775–1851), уже получили необратимые повреждения.

Примечание: «Гуашь», являющаяся разновидностью непрозрачной акварели, отличается от обычной акварели тем, что её пигменты связаны клеем, а более светлые тона достигаются путём добавления белого пигмента.

Акварель — универсальный материал, который можно наносить на различные поверхности: от бумаги до холста, камня, дерева и ткани. В современных музеях хранится множество прекрасных акварельных работ на бумаге, а также иллюстрированных рукописей, карт и миниатюр.

В то время как в азиатском искусстве акварель доминировала на протяжении тысячелетий, в западном искусстве до конца XVIII века она в основном применялась для подготовительных зарисовок. В период, который сейчас называют «золотым веком акварельной живописи», художники из английской школы пейзажной живописи подняли статус акварели до самостоятельного и значимого вида искусства. Кроме Уильяма Тёрнера, среди известных акварелистов английской школы были: Томас Гиртин (1775–1802), Джон Констебл (1776–1837) и Ричард Паркс Бонингтон (1802–1828). В конце XIX и XX веков европейские художники, такие как Эмиль Нольде (1867–1956) и Эгон Шиле (1890–1918), а также американские художники, в числе которых Уинслоу Гомер (1836–1910), Морис Прендергаст (1859–1924) и Джон Марин (1870–1953), создали сотни красочных картин с использованием акварельных красок.

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ
Список важных дат в эволюции живописи, включая движения, школы, стили и известных художников, см.: Хронология истории живописи.

Техника акварели

В «чистой» акварельной живописи, иногда называемой «английским методом», белая краска не применяется. Вместо этого незакрашенные участки белой бумаги используются для отображения белых объектов или отражённого света. Цветовые тона и атмосферные эффекты достигаются путём нанесения пигментов различной степени разбавления на влажную бумагу. Этот метод, известный как «размывка», также позволяет минимизировать или устранять отдельные мазки кисти, а также создавать большие области однородного цвета, например, голубого неба. Художник регулирует эффекты размывок, изменяя степень разбавления пигментов.

Уильям Тёрнер, возможно, величайший английский акварелист, предпочитал добавлять белую краску в свои работы и использовал другие методы для создания уникальных световых эффектов. Он постоянно экспериментировал с цветом, внедрял новые пигменты и виды бумаги, а также свободно обращался с цветом, первым стал работать «по сырому», смывал, промокал губкой или соскребал уже нанесённую краску. (Об интерпретации великих картин, включая акварели, см.: Анализ известных картин.).

Происхождение и история

Акварельное искусство берёт начало в наскальной живописи каменного века, когда древние люди рисовали изображения животных и людей в пещерах, используя древесный уголь, охру и другие природные пигменты. Позднее акварель стала популярной в египетском искусстве после изобретения папируса. Однако папирус очень хрупок, и единственные сохранившиеся древнеегипетские рисунки — это те, что хранились в пирамидах в сухих условиях.

В традиционном китайском искусстве акварель развивалась около 4000 лет до нашей эры, прежде всего как средство декоративного искусства. К IV веку нашей эры акварельные пейзажи стали самостоятельной формой китайской живописи и в конечном итоге доминировали во всей китайской живописи кистью. Китайские акварели традиционно писались не только на бумаге, но и на шёлке или других тканях. Поэтому такие свитки можно было не только вешать на стену, но и сворачивать в рулон и хранить в специальных футлярах, что позволяло сохранять краски в первозданном виде. Традиционные жанры китайской акварели включают пейзаж, цветы и птиц, портрет и анималистический жанр. Руководство по принципам восточного изобразительного искусства и ремёсел см.: Традиционное китайское искусство: характеристики. В Средние века в Европе акварель использовалась для создания иллюминированных рукописей и цветных карт, а в эпоху искусства Возрождения — для изготовления портретных миниатюр или создания этюдов с натуры.

Акварельная живопись XV и XVI веков

Современная акварельная живопись берёт своё начало в Северном Возрождении. Её первым выдающимся мастером стал немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471–1528), который предвосхитил многие английские акварельные техники в серии великолепных этюдов растений и пейзажей. Дюрер был одним из первых художников, осознавших потенциал этой среды. Его ранние акварельные работы были сосредоточены на изображении топографии, но со временем он стал уделять гораздо больше внимания передаче атмосферы. Он также создавал очень реалистичные этюды природы, обычно сочетая акварель и гуашь на бумаге. Известные примеры: «Молодой заяц» (1502 год) и «Большой кусок дёрна» (1503 год, графическое собрание Альбертина, Вена).

В XV – XVII веках акварель имела прикладное значение и использовалась главным образом для раскрашивания гравюр, чертёжей, эскизов картин и фресок. Однако, несмотря на усилия художников Школы фламандского барокко и голландского барокко, техника, за исключением ботанических иллюстраций или иллюстраций дикой природы, развивших собственную акварельную традицию, в значительной степени ограничивалась подготовительными набросками или крупномасштабными дизайнерскими чертёжами. Ситуация изменилась с появлением английской техники акварели в конце XVIII века.

Английская школа акварелистов XIX века

Сегодня акварель обычно ассоциируется с достижениями английской школы пейзажистов, в особенности с работами Пола Сэндби, Томаса Гиртина и Дж. М. У. Тёрнера. Эта группа активно работала с конца XVIII до середины XIX века — периода, который называют Золотым веком акварели. Изначально художники размечали свои картины тонировочными красками. Это рисунок, выполненный чернилами или карандашом, где кисть и вода используются для нанесения чернил с целью создания эффекта оттенка. Допускался ограниченный диапазон цветов, но в целом эффект был довольно монохромным.

Пока одни художники продолжали создавать тонированные рисунки, другие начали расширять границы техники. Такие художники, как Уильям Парс (1742–1782), Джон Уорвик Смит (1749–1831), Томас Гиртин (1775–1802) и Тёрнер, стали использовать более широкую палитру ярких цветов для создания более живописного эффекта. Вскоре акварель стала популярной по всей Великобритании с появлением картин дикой природы и растений, а также с новыми требованиями к пленэрам. Художникам рекомендовалось копировать сцены и топографию как туристических, так и военных объектов, а также сопровождать археологические и антропологические экспедиции по всему миру для документирования изображений флоры и фауны. Возник новый романтический стиль акварельной живописи. Используя бумагу с грубой текстурой, краска наносилась более свободной кистью, чтобы передать мимолётные эффекты в пейзаже. Среди популярных акварелистов-пейзажистов были Дэвид Кокс (1783–1859), Корнелиус Варлей (1781–1873) и Самуэль Праут (1783–1852).

Расцвет акварельных обществ

Англия
В 1804 году группа ведущих художников-акварелистов основала Общество художников-акварелистов, позднее ставшее Королевским акварельным обществом (RWS). Среди учредителей были Фрэнсис Николсон, Сэмюэл Шелли, Уильям Фредерик Уэллс, Джон Гловер, Уильям Генри Пайн и Роберт Хиллс. Среди нынешних известных членов — дама Элизабет Вайолет Блэкэддер, шотландский художник и гравёр, чьи работы можно увидеть в Музее современного искусства Нью-Йорка и галерее Тейт. Кроме того, Дэвид Ремфри известен своими акварельными работами, изображающими городские ночные клубы и городские сцены в натуральную величину. Он получил MBE за заслуги перед британским искусством в 2001 году. Королевский институт художников в акварели, основанный в 1831 году в рамках конкуренции с Королевским акварельным обществом, также очень активен сегодня. Известными участниками в разное время были иллюстратор детских книг Кейт Гринуэй (1846–1901), карикатурист сэр Куттс Линдси (1824–1913), иллюстратор Vanity Fair Джон Хассалл (1868–1948) и внучка королевы Виктории, принцесса Патриция Коннахт.

Ирландия
В Республике Ирландия Общество акварелистов (WCSI) было основано в 1870 году. На протяжении многих лет в состав WCSI входили такие известные ирландские художники, как Роуз Бартон (1856–1929), Джордж Кэмпбелл (1917–1979), Лилиан Дэвидсон (1893–1954), Жерар Диллон (1916–1971), Перси Френч (1854–1920), Милдред Энн Батлер (1858–1941), Летиция Гамильтон (1878–1964), Пол Генри (1876–1958), Гарри Кернофф (1900–1974), Морис МакГонигал (1900–1979), Нора МакГиннесс (1901–1980), Фрэнк МакКелви (1895–1974), Уолтер Осборн (1859–1903), Нано Рид (1905–1981), Джордж Рассел (AE) (1867–1935) и Джек Б. Йейтс (1871–1957). В Северной Ирландии Общество акварелистов Ольстера (UWS) было ведущей организацией. В состав последнего входили такие выдающиеся художники, как Глэдис МакКейб (род. 1918) и Морис Уилкс (1910–1984).

США
Акварелью также были увлечены американские художники, особенно Уинслоу Гомер (1836–1910), находившийся под сильным влиянием школы Барбизона, Уильям Трост Ричардс (1833–1905), Генри Родерик Ньюман и Джон ЛаФардж (1835–1910). American Watercolor Society (первоначально Американское общество художников акварели) было создано в 1866 году.

Акварели ХХ века

Среди известных акварелистов XX века — русский художник-абстракционист Василий Кандинский (1866–1944), швейцарский модернист Пауль Клее (1879–1940) и французский художник-экспрессионист Рауль Дюфи (1877–1953). В Соединённых Штатах к известным художникам-акварелистам относились Томас Икинс (1844–1916), Джон Марин (1870–1953), Морис Прендергаст (1859–1924), Эдвард Хоппер (1882–1967), Лионель Фейнингер (1871–1956) и Эндрю Уайет (1917–2009). Американские художественные движения, поддерживающие акварельное искусство, включали Школу Огайо (из Кливлендского музея искусств) и Калифорнийскую сцену (из Академии CalArts).

Список известных акварельных картин

Очень немногие акварельные картины так же известны, как картины маслом, если таковые вообще имеются. На это есть несколько причин. Во-первых, акварельные краски тускнеют значительно быстрее масляных при воздействии света. Они теряют свою живость и могут очень быстро выглядеть «размытыми», что не способствует общественному признанию. Поэтому лучшие художественные музеи обычно демонстрируют свои акварельные коллекции лишь в течение ограниченного периода времени. В остальное время картины хранятся в тёмных подвалах с регулируемой температурой. Во-вторых, большинство акварелей написано на бумаге, которая более подвержена порче и гниению, чем холст или дерево. В результате большинство шедевров акварельной живописи просто не выдержали испытания временем. Объяснение пейзажей XIX или XX веков см.: Анализ современной живописи (1800–2000).

Ниже приводится список акварельных картин, на которые стоит обратить внимание:

Альбрехт Дюрер: Молодой заяц (1502, Альбертина, Вена)
Уильям Блейк: Жалость (1795, собрание Тейт)
Томас Гиртин: Замок Берри Померой, Девон (1798, частное собрание)
Фёдор Алексеев: Троицкий монастырь (1800, Бруклинский музей)
Джон Селл Котман: Акведук Чирк (1804, Музей Виктории и Альберта)
Уильям Тёрнер: С. Джорджо Маджоре, Раннее утро (1819, Коллекция Тейт)
Джон Констебл: Этюд облаков и деревьев (1821, Британский музей)
Ричард Паркс Бонингтон: Руан с набережной (1821, Британский музей)
Эжен Делакруа: Саада (1832, Метрополитен-музей Нью-Йорк)
Джон Констебл: Стоунхендж (1835, Музей Виктории и Альберта, Лондон)
Уильям Тёрнер: Замок Флинта (1838, частная коллекция)
Уильям Тёрнер: Рассвет после крушения (1840, Британский музей)
JMW Turner: Blue Rigi, Sunrise (1842, Tate London)
Россетти: Годовщина смерти Беатрис (1853, Эшмоловский музей)
Лоуренс Альма-Тадема: Фауст и Маргарита (1857), частное собрание)
Уильям Тёрнер: Закат над разрушенным замком (1868, Собрание Тейт)
Иван Крамской: Портрет С. И. Крамского (1880, Третьяковская галерея, Москва)
Мэри Кассат: Автопортрет (около 1880, Национальная галерея искусств, Вашингтон)
Винсент Ван Гог: Зуав (1888, Метрополитен, Нью-Йорк)
Чайльд Хассам: Вечерние такси, запряжённые лошадьми (1890, частное собрание)
Морис Прендергаст: Дамы под дождём (1893, Музей Форт-Лодердейла)
Морис Прендергаст: Гранд-канал, Венеция (1899, Коллекция Даниэля Дж. Терры)
Эмиль Нольде: Пшеничное поле (1900, частное собрание)
Эгон Шиле: Маэдхен (1911, частное собрание)
Робер Делоне: Посвящение Блерио (1914, Musee d’Art Moderne, Париж)
Эгон Шиле: Сидящая женщина с согнутым коленом (1917, Народни) Galerie, Прага)
Джорджия О’Киф: Обнажённая серия VII (1917, Музей GO’K, Санта-Фе)
Эмиль Нольде: Красные маки (1920, галереи Леонарда Хаттона, Нью-Йорк)
Джон Марин: Острова Мэн (1922, Коллекция Филлипса), Вашингтон)
Эдвард Хоппер: Мансардная крыша (1923, Бруклинский музей)
Пауль Клее: Часть G (1927, Staatliche Museen, Берлин)
Ксул Солар: Дворец Алми (1932, Museo XS, Буэнос-Айрес)
Эдвард Бурра: Иззи Ортс (1955, Галерея современного искусства, Эдинбург)
Эндрю Уайет: Полевая рука (1985, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия)