Король живописцев Тициан Вечеллио (1477-1576) читать ~49 мин.

Тициан Вечеллио да Кадоре — один из самых великих художников всех времен и народов, наравне с такими легендами итальянского Возрождения, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Тициана, признанного гения своего времени, называли «королем живописцев и живописцем королей». Открытия этого титана живописи в области изобразительного искусства, так или иначе, оказали влияние на творчество всех последующих художников. Тициан сыграл большую роль в развитии мифологического жанра, пейзажа и портрета. Кстати, быть запечатленным кистью мастера, было высшей наградой для его современников.

Тициан - Галерея картин на Gallerix.ru

Художник прожил долгую жизнь, сохраняя до своего последнего дня ясность мышления, чуткость восприятия, остроту зрения и удивительную трудоспособность. Это позволило Тициану до конца своих дней не выпускать кисть из рук и оставить потомкам обширное художественное наследие. В его творениях удивительным образом сочетались хрупкость и торжественность, одухотворенность и обыденность реальности, трагизм и красота человека и окружающего мира. Недаром, работы живописца копировались бесчисленное множество раз.

Жизнь и творчество художника пришлись на период наивысшего расцвета Венеции, самый блеск её могущества и славы, время глобальных перемен и исторических событий. По разным источникам, Тициан родился в 1477-м или 1480-м году. Его родители принадлежали к старинному роду, жившему в небольшом городишке Пьеве ди Калоре, расположенном в Альпах. Мальчик рано проявил свои способности к рисованию и уже в десять лет родители отправили его в Венецию на обучение. Основы изобразительного искусства юный Тициан постигал в мастерской Джованни Беллини, который сыграл значительную роль в судьбе юного художника, познакомив его с уже получившим известность живописцем Джорджоне. Эта встреча сыграла большую роль в жизни Тициана, благодаря ней он рано нашёл свой стиль и добился признания. И хотя два талантливых художника не стали друзьями – слишком уж разные были привычки, характеры и взгляды на жизнь – нельзя недооценивать роль, которую сыграл Джорджоне в жизни Тициана. Об уважении последнего к своему старшему товарищу можно судить по сохранившимся свидетельствам о том, как тяжело перенес Тициан неожиданную смерть Джорджоне (великий художник неожиданно скончался, когда ему исполнилось всего тридцать пять лет).

Своеобразной данью таланту Джорджоне и тому, какую важную роль он сыграл в судьбе Тициана, стало восстановление художником сгоревшей в огне картины Джорджоне «Спящая Венера». Тициан полностью переписал необратимо испорченное огнем полотно, сохранив лишь позу героини и её нежное лицо. Отличавшийся скромностью живописец не стал подписывать картину своим именем и никогда не упоминал о практически полном авторстве над шедевром, приписываемым кисти Джорджоне. Возможно эта работа стала первой вехой в образовавшейся в дальнейшем путанице, из-за которой на протяжении многих десятилетий, картины Тициана, отличающиеся редким совершенством исполнения, часто приписывались кисти Джорджоне.

Но вернемся немного назад, а именно в 1508 год, в эпоху «золотого века» итальянского Возрождения, когда признанный художник пригласил молодого Тициана помогать ему в работе по оформлению Немецкого подворья в Венеции. Джорджоне приступил к оформлению своей части Немецкого подворья гораздо раньше младшего товарища, выбрав для себя смотрящийся более выигрышно главный фасад здания. Тициану же осталась задняя часть подворья, выходящая на узкую улочку, которая всегда была заполнена людьми. Джорджоне, который был не только талантливым живописцем, но и обаятельным человеком, он всегда был окружен множеством друзей, то и дело приезжавших к месту ведения работ, чтобы похвалить художника и поднять его творческий дух. Тициан же, отличавшийся молчаливостью и замкнутостью, работал преимущественно в уединении. Не удивительно, что состоявшийся и более уверенный в себе Джорджоне закончил работу на много раньше своего юного коллеги.

Когда реставрация Немецкого подворья была, наконец, закончена, вся Венеция сбежалась посмотреть на это чудо. Восторгу зрителей не было предела и, по многочисленным свидетельствам, наибольший фурор произвела живопись Тициана. Для оценки фресковых росписей была создана специальная комиссия, которую возглавил Беллини. Сохранились воспоминания одного из свидетелей, присутствовавших там в этот день — Дольче: «Тициан изобразил великолепнейшую Юдифь, она превыше всех похвал. Колорит и рисунок были настолько совершенны, что как только она предстала перед зрителями, все друзья Джорджоне, единодушно решившие, что это его работа, тут же принялась поздравлять художника, уверяя его, что это лучшее из всех созданных им творений». Мы, к великому сожалению, в настоящее время не можем судить о работе двух мастеров, поскольку спустя всего тридцать-сорок лет фрески были практически полностью утрачены из-за очень влажного, насыщенного морской солью венецианского воздуха, разъевшего краски. Но даже по отдельным сохранившимся фрагментам понятно, что Тициан блестяще выдержал это нелегкое испытание, заявив о себе как о талантливом художнике с глубоко индивидуальным стилем.

И вес же, благодаря участию в этом проекте, о работах Тициана заговорили очень рано, так как уже первые работы мастера отличались редкой реалистичностью и тщательной передачей деталей, что редко удавалось юным живописцам. Не последнюю роль в раннем признании художника сыграла и крайне благоприятная для творческих людей обстановка в стране. В этот период Венеция жила в спокойствии и благополучии, благодаря мощному флоту, развитой торговли и прочному экономическому положению.

Создание неповторимого стиля

Это было время, когда поэты, писатели, музыканты и художники изображали счастливых людей на фоне безмятежной природы, а основными темами для произведений искусства были любовь, красота и поэзия отношений. В такой обстановке начинался творческий путь молодого Тициана.

Изначально, художник увлекся изображением природы, причем, любимым временем суток для него стали волшебные часы перед закатом солнца, когда небо приобретало яркий, насыщенный цвет. Можно догадаться, что любимым временем года Тициана стала осень, с её буйством и многоцветием красок. Правда, любовь к пейзажам продлилась не долго, со временем мастер стал отдавать предпочтение другому жанру, а именно портрету.

Художника стали привлекать люди, с их богатым и сложным внутренним миром. Среди ранних работ художника особым мастерством выделяется «Портрет мужчины в платье с синими рукавами», на котором изображен один из лучших друзей художника – поэт Людовико Ариосто, опирающийся на парапет с инициалами «T.V». Правда, существует версия, что на картине, хранящейся сейчас в Национальной галерее в Лондоне, изображен сам Тициан. Вопрос остается спорным, но не является принципиальным, поскольку главным в этой работе является не её объект, а манера письма молодого художника и то мастерство, с которым она исполнена. Изящный колорит картины, легкость мазков, простая и гармоничная композиция, прекрасно выписанная ткань одежды мужчины, смотрящего на зрителя немного свысока, все это характеризует уже раскрывшийся незаурядный талант Тициана.

С течением времени, работы Тициана стали наполняться все большей повествовательностью, динамикой, напряжением и драматизмом. Природа на них больше не была молчалива и статична, она наполнилась жизнью, а люди на её фоне переполнены чувств и движения. Например, в полотне «Три возраста мужчины» (1512 год, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) отображено течение времени и краткость человеческого века. Сюжет картины, разворачивающийся на фоне солнечного пейзажа, необходимо читать справа налево. Два младенца, спящие сладким сном справа на переднем плане, изображают безмятежное начало жизни, когда человек ещё не знает, какие радости и печали поджидают его в будущем. Маленький ангелок охраняет покой и безопасность малышей, вокруг которых едва пробивается молодая трава. В левой же части композиции на переднем плане под густой кроной дерева расположилась молодая влюбленная пара. Эта часть картины олицетворяет середину жизни, когда мы молоды, полны сил, желаний, здоровья и энергии. А на заднем плане сидит старец с двумя черепами в руках. Черепа символизируют неизбежность смерти, ожидающей каждого человека, когда его жизнь подходит к концу. Голова старца опущена на грудь, выражая печаль и безысходность старости. Смысл картины прост – все мы рождаемся, чтобы потом умереть. Эта тема волновала Тициана на протяжении всего его творчества, находя своё отражение и в других полотнах, например, «Аллегория времени и разума», которую мы рассмотрим позже.

К начальному периоду творчества художника относится и полотно «Сельский концерт» (около 1510 года, Лувр, Париж), на котором Тициану удалось передать удивительно гармоничное слияние человека с природой в прекрасный и тихий предвечерний час. Здесь перед нами два молодых человека в красивых одеждах нежно-зеленых и ярких, красно-оранжевых цветов. Один из них музыкант, он вот-вот коснется струн своей лютни, другой – сельский житель, он готов внимательно слушать. На переднем плане расположилась обнаженная женщина, в её руках флейта, вероятнее всего это Муза. Она обращена спиной к зрителю и внимательно смотрит на музыканта. В левой части композиции изображена ещё одна обнаженная дева, в её руках сосуд с водой, символизирующий идею очищения всего живого через общение с искусством. Нагота дев на фоне природы выглядит весьма гармонично и является важной аллегорией выражения целомудренных чувств.

Композицию завершает задний план, возвращающий нас из этой удивительной и поэтичной атмосферы к прозе жизни, от которой нигде невозможно укрыться. Олицетворением земного на картине стал пастух, бредущий со своим стадом под густыми кронами деревьев. В глубине картины виднеются крыши простых крестьянских домов, люди, живущие в них, даже не подозревают о существовании этого райского уголка природы. Когда смотришь на картину, создается ощущение, что хотя герой ещё не успел начать играть на лютне, чарующие звуки музыки уже успели заполнить все пространство. Изначально, эта картина приписывалась кисти Джорджоне, так как в ней очень сильно влияние его приемов — изображение идеального мира, наполненного мечтами и иллюзиями, существующего вне реального времени и пространства.

Тема противопоставления возвышенного и земного нашла отражение ещё в одной работе Тициана, относящейся к тому же периоду. На картине «Прерванный концерт» (около 1510 года, Палаццо Питти, Флоренция) мы видим молодого монаха, увлеченно играющего на спинете. Позади него стоит пожилой мужчина, который пытается остановить игру молодого человека, прикасаясь к его плечу. Монах неохотно отрывается от своего занятия: его тонкие пальцы продолжают порхать над клавишами, хотя голова уже повернута в сторону. Лицо старшего товарища сурово, причина в стоящем слева юноше, в одежде патриция с надменным и пустым взглядом, обращенным мимо музыкантов, с ироничной улыбкой застывшей на губах.

Основная идея картины состоит в том, что возвышенный мир искусства, гармонии, красоты и любви всегда может быть разрушен грубой действительностью, врывающейся в самом неожиданном образе. Так и на картине, равнодушие патриция, далекого от мира музыки, и по сути, безразличного к ней, заставляет мужчину с лютней в руках остановить своего увлекшегося товарища, дабы не растрачивать силы и вдохновение на человека, не способного это оценить.

Возможно, на сюжет картины повлияли опубликованные в то время в Венеции труды философа Платона, который в своих «Законах» выразил мысль о том, что: «самым прекрасным искусством является то, которое воспринимается лишь избранными».

Одной из первых картин Тициана на библейскую тему является полотно под названием «Не прикасайся ко мне» (около 1512 года, Национальная галерея, Лондон). В основе полотна – эпизод из Евангелия, в котором Иисус Христос является Марии Магдалине, и она, чтобы убедиться, что Он действительно жив и это не сон, протягивает к Нему руку. Но Иисус стыдливо прикрыв свою наготу саваном, произносит: «Не прикасайся ко Мне, ибо Я ещё не восшел к Отцу Моему». Фоном для сюжета служит пейзаж — высокое дерево, изображенное в центре холста, справа на холме возвышаются дома, вдали виднеется море. Фигуры Марии и Христа на переднем плане буквально светятся, мастерски подобранный колорит в золотистых, коричневых и охристых тонах долгое время заставлял искусствоведов думать, что картина принадлежит кисти Джорджоне.

Любовь и зависть властьимущих

Тициану, с ранних лет обласканному властьимущими, множество раз предлагали покинуть любимую Венецию и поселиться под крылом того или иного покровителя. Но художник слишком любил этот город и рассчитывал именно здесь построить свою жизнь и карьеру. Поэтому, добившись определенного признания, живописец написал письмо-обращение к правителям города, в котором предлагал взяться за сложнейшую работу по расписыванию зала Большого совета. Вместе с этим, он попросил рассмотреть его кандидатуру на освободившуюся к тому моменту должность посредника по поставкам соли при Немецком подворье. На первый взгляд это странно, но эту административную должность в Венеции занимали, как правило, именно художники. Обусловлено это было спецификой их работы, требовавшей разбираться в минералах, будь то соль или краска. Должность посредника была лакомым кусочком для любого художника того времени. Она давала право на получение годового жалования и почетное звание официального живописца республики Святого Марка. А это, в свою очередь обеспечивало художника работой – он автоматически получал большую часть государственного заказа, включая написание портретов всех новых дожей для зала Большого совета. Кроме того, казна оплачивала многие расходы художника: аренду мастерской, приобретение холстов и красок, а также некоторые другие нужды.

И вот, в 1513 году Тициану несказанно повезло - Совет правительства принял его предложение. Счастливый художник начал обустраиваться на новом месте. В его мастерскую приходило множество учеников, молодые художники мечтали работать с таким признанным и известным мастером, более зрелые живописцы завидовали его выгодной и почетной должности. Но, к сожалению, радость Тициана длилась недолго. Другого маститого художника Джованни Беллини, в мастерской которого работал молодой Тициан, возмутило такое назначение, и он обратился к своему покровителю – одному из влиятельных венецианских дожей - с просьбой оспорить решение Совета. В результате разразился громкий скандал, и решение о назначении Тициана было быстро отменено. Этому также способствовала смена состава Большого совета, произошедшая так не вовремя для молодого художника. Тициан был в ярости, но не оставил своих честолюбивых замыслов. Итогом его борьбы стало его новое назначение на должность соляного посредника, состоявшееся спустя всего четыре года, в 1517 году.

Свой гнев на властьимущих Тициан частично выразил в своей работе «Динарий кесаря», созданной в 1516 году (сейчас картина находится в Картинной галереи Дрездена). Полотно написано необычайно богатой и сочной палитрой, благодаря которой изображение кажется очень рельефным. Композиция картины проста и выразительна. Две фигуры, изображенные по пояс, как бы сталкиваются на полотне. Это две противоположности – добродетели в образе Христа, стоящего в центре и алчности в образе фарисея, словно вторгающегося на картину с права. Лицемер протягивает Христу динарий, весь облик его вызывающий и неприятный. Христос наоборот, являет собой олицетворение чистоты и искренности, его фигура на темном фоне как бы освещает собой все полотно. Он спокойно смотрит на фарисея, в его взгляде уверенность и немой вопрос: «Зачем ты искушаешь меня?». Смысл картины прост и понятен - Господь знает все наши помыслы, потому что Он Всевидящий, и Его ответ прост, но глубок: «Отдавай кесарю кесарево, а Богу Богово». Взяв традиционный библейский сюжет, художник отразил в нём свои сокровенные размышления о добре и зле. Общая колористка картины вызывает тревожность. Яркие, будто наполненные светом, одежды Христа вкупе с его безупречным просветленным ликом резко контрастируют с коричнево-золотистыми оттенками, которыми изображен фарисей, воплощающий в себе все зло и несправедливость окружающего мира. Его облик колоритен – грубый нос с горбинкой, высокий лоб, серьга в ухе, загорелая кожа, жилистая рука протягивает монету. Не случайно то, что две фигуры, одна из которых олицетворяет добро и благородство, а другая – всю низость и подлость, на которую способен человек, занимают на холсте такое разное пространство. Тициан не случайно урезает фигуру фарисея, теснит его к краю картины, этим он показывает своё отношение к вопросу борьбы добра и зла, свою бесконечную веру в то, что божественное начало, хранящееся в каждом человеке, способно победить все пороки окружающего мира.

Поиски личного счастья

Личная жизнь художника сложилась не сразу. Долгое время он не мог найти возлюбленную себе по душе. Впервые, мысль о браке посетила Тициана когда он познакомился с дочерью своего товарища – совсем юной девушкой по имени Виолана. Свидетельств о том, была ли его любовь взаимной, к сожалению не сохранилось, но судя по тому, что Виолана часто бывала в мастерской художника и позировала ему для целого ряда работ, Тициан не был ей безразличен. Правда, не смотря на это, брак не состоялся. Биографы Тициана могут лишь строить предположения о причинах такого исхода, но вероятнее всего, против союза выступили родители девушки.

Свою любовь и страсть к Виоланте художник увековечил в полотне «Флора», написанном около 1515 года (сейчас работа принадлежит Галерее Уффици во Флоренции). Эта работа стала настоящим шедевром молодого Тициана. Картина пропитана чувственностью и восхищение женской красотой. Прекрасная златовласая девушка держит в правой руке пучок первых весенних цветов, другой рукой она придерживает соскальзывающую с плеча накидку, почти обнажившую её полную грудь. Образ Виоланы позже появлялся во многих работах мастера («Любовь небесная и Любовь земная», «Соломея», «Молодая женщина с зеркалом», «Виолана» и других), как олицетворение истинной красоты и женственности. Но «Флора» стала самой знаменитой из них, полотно множество раз копировалось и переписывалось другими художниками.

Второй значительной работой художника, написанной в этот же период времени стала «Любовь небесная и Любовь земная» (около 1515 года, галерея Боргезе, Рим). Идейным вдохновением картины стали «Азоланские нимфы» Бембо и роман «Любовные битвы во снах Полифила», активно обсуждаемые в венецианских салонах. Корни обоих лежат в римской мифологии, в которой две Венеры олицетворяли единство противоположностей - возвышенных платонических чувств и плотских желаний и страстей.

Холст написан в удивительно ярких и светлых тонах, передающих радостное восприятие жизни и окружающего мира, он полон аллегорий и символов, так как создавался по заказу человека, прекрасно разбирающегося в искусстве. На переднем плане картины изображены фигуры двух прекрасных женщин, которые сидят возле источника. Слева расположилась прекрасная Виолана в образе Любви земной. Ее платье перехвачено поясом с металлической пряжкой, на которой изображен символ супружества, его же эмблемой служит венок из веток миртового дерева на её голове. Любовь небесная в правой части картины торжественно держит в поднятой руке зажженную лампаду, как бы благословляя земную любовь на взаимность. Трудно не заметить, что, не смотря на то, что две женщины на полотне являются как бы противоположностями друг друга – фактически они на одно лицо. Разница лишь в нарядах героинь. Небесная Любовь обнажена, лишь кусок белой ткани прикрывает её бедра – это символ её чистоты и невинности, её красная накидка резко контрастирует со скромными и сдержанными цветами одежды Любви земной.

Как и в любом полотне той эпохи, фон играл не менее важную роль в символическом значении картины, чем её главные героини. Чувственный и в то же время необыкновенно чистый пейзаж поделен на две части могучим деревом. В «земной» половине картины изображен богатый дом и приближающийся к нему всадник, которого очевидно за воротами ждет любящая и верная жена. Зайцы, слева за фигурой Любви земной означают плодовитость. Пейзаж в правой части картины включает церковную колокольню на фоне горных хребтов, озеро и стадо овец с охраняющим их пастухом. Купидон в центре полотна занят вылавливанием из воды опавших лепестков роз.

В этой необыкновенно гармоничной композиции, мастер в очень изящной манере пытается решить актуальную и для себя самого этическую дилемму о соотношении между возвышенным чувством и плотской страстью. Лирическое произведение наполнено множеством очень реалистичных деталей, характеризующих сложившийся авторский стиль Тициана, а также его богатейшей палитрой. Заказчик полотна, влюбленный чиновник из Большого совета, остался очень доволен картиной, даже не подозревая, что она станет великим шедевром мировой живописи.

В это же время было написано полотно «Мадонна с вишнями» (1515 год, Художественно-исторический музей, Вена). Полотно отличает яркость колористического решения и точная детализация всех фигур и предметов, что, несомненно, говорит о большом таланте и мастерстве её автора.

Что же касается истории несостоявшейся любви Тициана и юной Виоланы, то она, встретив противодействие окружающих и родственников, сама по себе сошла на нет. Мастер вернулся домой, даже не подозревая, что именно там его поджидает сама судьба. Старший брат художника привел в его дом новую помощницу по хозяйству – простую девушку Чечилию. С ней дом художника наполнился чистотой и уютом, его очаг ожил, кухня полнилась аппетитными ароматами. Тициан был поражен простотой, непосредственностью, скромностью и благородством Чечилии. Но тогда он ещё не знал, что именно она станет ему спутницей на всю жизнь, верным другом и матерью троих детей.

Официальный живописец республики Святого Марка

В 1517 году, Тициан, наконец утвержденный на посту официального художника республики Святого Марка, во всю работал над созданием алтарного образа «Вознесение Марии» (1516-1518 годы, Церковь Санта Мария Глориоза деи Фрари в Венеции). В день открытия, церковь была переполнена именитыми гостями и простым народом. Когда с алтаря торжественно сняли покров, присутствующие буквально ахнули от ослепительного света, который он источал. Эмоциональный накал достиг своего пика выразившись в криках восторга и негодования, такой ошеломляющий эффект производило новое творение художника. Оно стало новой вехой в истории венецианской и мировой живописи, в которой трудно будет найти произведение, отличающееся таким же мощным эмоциональным воздействием. Искусство прославленных тогда Беллини и Карпаччо никогда не достигало таких высот, а мировая живопись на тот момент не имела других примеров столь масштабной и монументальной картины.

Композиция произведения разделена на три части. В нижней части расположены трехметровые фигуры одиннадцати апостолов, провожающих Богородицу, возносящуюся в небо. Мастер прекрасно передал их эмоции через напряженные, полные волнения выражения их лиц. Апостолы выполнены настолько реалистично, что зрителю кажется, что он сейчас услышит их отчаянные стоны и возгласы. В центре фрески изображена величественная фигура Богоматери, прощающейся с этим миром и провожаемая ангелами к Богу. Выражение её лица спокойно, во взгляде сквозит умиротворение и тихая радость от предстоящей встречи с Небесным Отцом. И, наконец, в верхней части композиции изображен Господь, ожидающий деву Марию с двумя ангелами. К великому сожалению, картина не сохранилась. Время сильно повлияло на нее, краски потускнели и осыпались, кроме того, по множеству причин, огромный холст постоянно перевозили с одного места на другое, что также не могло не повлиять на его сохранность. Однако нет сомнений, что этим шедевром Тициан доказал соотечественникам, насколько заслуженно он получил свою должность главного художника республики Святого Марка.

Шедевры художника рождались один за другим. В 1520 году был написан великолепный «Портрет мужчины с перчатками» (Лувр, Париж), на котором изображен типичный представитель интеллигенции того времени, близкий по духу к самому Тициану. Изображенный мужчина погружен в собственные мысли, он мечтателен и задумчив, в его руках перчатки, но он словно забыл о них. Несмотря на кажущуюся отстраненность, в его лице ярко выражена активная позиция к жизни. Он производит впечатление человека очень самодостаточного, уверенного в себе и знающего жизнь. В этом образе Тициан представил некого героя своего времени, того, кого он так хотел бы встретить в венецианском обществе: человека образованного, тонкого, умного и глубокого, который сохранил достоинство и душевное благородство, несмотря на очень непростое время, когда повсюду царят ложь, лицемерие и злость.

Помимо портретов и религиозной живописи, в период с 1520 по 1523 год Тициан создает несколько картин с мифологическим сюжетом. Мифология и аллегория были бесспорным коньком мастера, однако после создания полотен «Вакх и Ариадна» и «Вакханалия на острове Андрос», художник на долгое время отходит от мифологических сюжетов. Биографы Тициана связывают это с тем, что живописец активно участвовал в жизни общества, проблемы которого волновали его постоянно. Слепая радость и безудержное веселье мифологических героев были слишком далеки от окружающей художника действительности с её пороками и проблемами.

Сюжет картины «Вакх и Ариадна» (1520-1523 гг., Национальная галерея, Лондон) показывает нам победоносное возвращение Вакха (в древнегреческой мифологии Диониса) из Индии на остров Наксос, где в одиночестве тоскует Ариадна. Колесница Вакха, запряженная двумя леопардами, уже спокойно стоит на берегу, а сам бог Стремительно спрыгивает с нее к возлюбленной Ариадне. Сопровождение у Вакха соответствующее – веселая компания сатиров и вакханок. Они бегут вслед за предводителем, кто, подняв над головой телячью ногу, а кто пытаясь вырваться из цепких объятий удава. Внизу маленький сатир, совсем ещё ребёнок, тащит по земле голову теленка, на которую лает собака. Мальчик смотрит на зрителя озорным взглядом с хитрой ухмылкой, словно ждет ответной реакции публики на свою затею.

Пурпурная накидка обнаженного Вакха развевается по ветру, вся его фигура необычайно динамична, она отражает его нетерпение. Фигура же Ариадны, наоборот, отвернута от зрителя, как бы закрыта от него. Создается ощущение, что Вакх, своей стремительностью пугает её. Ариадна, повергнутая в шок всем происходящим, прикрывается рукой, не зная что делать дальше. Фоном для действия служит пейзаж, изображающий могучие деревья, далекое селение, горы на горизонте и море.

Второй мифологической картиной этого периода была «Вакханалия на острове Андрос» (1523 г., Музей Прадо, Мадрид). На полотне изображена оргия жителей острова, их многочисленные тела заполняют почти все пространство картины. Здесь мужчины и женщины, которые пьют, развлекаются и бесчинствуют. На заднем плане справа на холме возлег обнаженный пьяный Селен, в правой передней части полотна изображена обнаженная девушка, она уже изрядно испила вина и уснула прямо здесь, на белом покрывале, видно позабыв о своей наготе. В центре, рядом со спящей, маленький ребёнок справляет нужду.

В конце этого года художник узнал печальную новость – умер талантливый итальянский живописец, представитель классической венецианской школы Витторе Карпаччо. Именно ему Тициан посвятил свою новую картину «Положение во гроб» (1523 год, Лувр, Париж).

Композиция картины насыщенная, выполненная в красно-оранжевых и чёрных тонах, передающих драматизм и тревожность динамического сюжета. Фона почти нет, лишь серое небо и темный, почти чёрный лес в правом углу. Слева скорбные фигуры Богоматери и утешающей её Марии Магдалины, которая поддерживает её за плечи. Обе они с ужасом наблюдают, как трое учеников несут безжизненное тело Христа, чтобы положить его во гроб. Передний план картины наполнен сиянием, исходящим от тела Христа, будто бы светящимся изнутри. Оно словно светится изнутри, наполняя передний план холста сиянием. Картина построена на сочетании красного и черного цветов, передающих драматический эпизод тревожно и динамично.

Большую долю в творчестве Тициана, как придворного художника, занимали портреты дожей для зала Большого совета, но, к сожалению, практически все они сгорели во время многочисленных пожаров. Почетное место в галерее сохранившихся придворных портретов, принадлежащих кисти Тициана, занимает «Портрет Федерико II Гонзага» (около 1525-1529 гг., Музей Прадо, Мадрид), на котором дож запечатлен со своей любимой болонкой. Гонзага изображен почти в полный рост. Его темно-синяя одежда, украшенная изумительным орнаментом, придает образу роскошь и некую торжественность. Лицо дожа с тонкими аристократическими чертами лица и аккуратной ухоженной бородкой исполнено чувства собственного достоинства. Он смотрит на зрителя отрешенным взглядом. Изящные ухоженные пальцы руки Гонзага гладят собачку, которая прижимается к хозяину всем своим телом.

Череда потерь

В период расцвета его общественного признания и востребованности, у художника случилась личная трагедия. Во время рождения их с Тицианом второго сына, у Чечилии вдруг началось сильное кровотечение. Эта новость сильно шокировала живописца и он, опасаясь худшего, решил незамедлительно обвенчаться. Тициан пригласил к Чечилии лучших врачей, чьими усилиями она, наконец, пошла на поправку, но художник не передумал жениться. Эта новость быстро облетела всю Венецию, ведь Тициан был очень известным художником и общественным деятелем. Однако они с Чечилией устроили очень скромную церемонию венчания в домашней обстановке в кругу только самых близких и родных людей.

Это было в 1525 году, Тициан немного побыл с семьей, и когда Чечилия достаточно окрепла, отправился обратно в Венецию, где его ожидали многочисленные незаконченные заказы.

В 1530 году Тициан приступил к новому полотну на религиозную тему, «Ужин в Эммаусе» (Лувр, Париж). Традиционный евангельский сюжет картины изображает воскресшего Христа, сидящего за столом, покрытым белоснежной скатертью. С обеих сторон от него сидят его ученики, рядом стоит хозяин заведения и официант, наблюдающие за этим чудесным явлением. Христос благословляет поданные кушанья жестом руки. Вся композиция очень светлая, лирична, выдержанная в ярких и нежных тонах, она написана легкими свободными мазками.

Время пролетает быстро, и постоянно занятому Тициану вновь сообщают о тяжелом состоянии его жены. Художник бросает все и мчится домой. Он едва успевает застать изменившуюся до неузнаваемости Чечилию. После рождения их третьего ребёнка – дочери, названной Лавинией, у бедной женщины вновь открылось сильное кровотечение. Не смотря на все старания врачей, после бессонной ночи, которую провел Тициан у постели жены, 5 августа 1530 года она умерла.

Художник необычайно тяжело перенес эту утрату. По описанию современников, он жил, как во сне, продолжал чем-то заниматься, встречался с людьми, но как будто ничего не видел и никого не слышал. Все мысли Тициана были заняты любимой Чечилией, долгие годы бывшей ему верным другом, преданной супругой и любящей матерью их детей. Только после того, как он её потерял, художник осознал, как много света принесла в его жизнь эта женщина, бывшая такой благородной и скромной. Чечилия наполняла его дом теплом и уютом, она окружила Тициана бесконечной заботой, чтобы ничто не мешало ему создавать свои шедевры. Однажды, художник бродил по своему дому, думая о своей невосполнимой утрате, как вдруг наткнулся на незаконченное полотно, которое уже давно ожидал заказчик. Это была «Мадонна с кроликом» (около 1530 года, Лувр, Париж). Слезы застили глаза Тициана – с картины на него смотрела Чечилия, воплощенная в образе женщины, стоящей слева от девы Марии.

Время шло, дети подрастали. Двое сыновей Тициана были полными противоположностями друг друга: старший Помпонио был эгоистичен и ленив, а младший Орацио — наоборот, спокоен и покладист. Маленькая Лавиния была очень похожа на свою мать. Тициан с каждым днем все яснее понимал, что у него больше гнет сил находиться в доме, где каждый уголок напоминает ему об умершей жене. Но от Венеции художник тоже устал, он не хотел туда возвращаться. Живописец долго искал себе новое жилище в тихом уединенном уголке. И вот, 1 сентября 1531 года ему это удалось – он арендовал двухэтажный домик с широкой террасой и мезонином на окраине Бири-Гранде.

В 1532 году Тициан приступает к своему первому портрету, написанному в полный рост. Это «Портрет императора Карла V с собакой» (Музей Прадо, Мадрид).

Многочасовые позирования способствовали завязыванию между художником и императором очень дружественных отношений. Император искренне рассказывал Тициану о своей жизни и о себе самом. Карл V был бесконечно уставшим от власти человеком, жизнь которого была заполнена бездушной официальностью и формальностями. Именно поэтому живописец изобразил императора в простой одежде, а не в роскошном парадном костюме, подчеркивая тем самым, что его герой, прежде всего, человек. Единственным преданным существом в его жизни была собака, изображенная рядом с ним. По словам очевидцев, Карл V остался очень доволен картиной и восхищен мастерством художника. Исполненный чувств император на прощание крепко обнял живописца. Свита Карла V, присутствовавшая при всем этом впоследствии завалила художника заказами, обеспечив его работой на долгое время.

Вслед за этим, Тициана настигла ещё одна утрата – умерла его мать. Это событие повергло его в ещё более глубокую депрессию. Только радостный смех детей в его новом доме помогал мастеру держаться и жить дальше. И все же, несколько лет художник жил как затворник, сутками не выходя из своей мастерской. Он необычайно много работал, а свободные часы посвящал общению с детьми.

Вершины мастерства

Вести хозяйство, после утраты Чечилии в доме Тициана стала его сестра Орса, она же занималась и воспитанием детей. Время шло, и вот однажды Орса заметила, что каждый вечер к дому живописца подплывала гондола, в которой сидела молодая женщина, всегда старавшаяся остаться незамеченной. Она быстро поднималась по наружной лестнице прямо в мастерскую художника, расположенную на втором этаже. Конечно, никому в голову не пришло упрекать живописца, наоборот, родные надеялись, что появление новой возлюбленной как-то скрасит уединение Тициана и поможет ему снова обрести радость жизни. Итогом этого увлечения стали такие работы, изображавшие прекрасную незнакомку, как «Портрет молодой женщины в шляпе с пером», «Девушка в меховой накидке», а также великолепная «Венера Урбинская».

«Девушка в меховой накидке», написанная в 1535 году (Художественно - исторический музей, Вена) была заказной работой и являет собой аллегорию брака. Юная девушка, изображена на полотне игриво прикрывая одну грудь меховой накидкой, при этом её вторая грудь остается обнаженной. Робкий взгляд девушки и нежный румянец на её щеках лишь подчеркивает эротический смысл картины, состоящий в противопоставлении женской плоти и пушистого меха. Похожая композиция и в картине «Портрет молодой женщины в шляпе с пером» (1536 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), где у модели также оголены правое плечо, грудь и рука. Под отороченным мехом плащом виднеется полупрозрачная белая сорочка. На голове девушки шляпка с перьями, украшенная камнями. В обеих картинах, художник не скрывает своего любования, на грани откровенного вожделения, красотой молодого женского тела. Белоснежная кожа героини, написанная легкими, невесомыми мазками, резко контрастирует с насыщенным темным фоном, благодаря которому её образ кажется ещё более нежным и хрупким.

А в 1538 году, по заказу правителя Венеции Гвидобальдо делла Ровере, который в дальнейшем будет постоянным заказчиком Тициана, было написано полотно «Венера Урбинская» (Художественная Галерея Уффици, Флоренция). Эта картина была свадебным подарком герцога будущей супруге. Златокудрая Венера, лежащая в грациозной позе на белоснежных простынях, исполнена неги, в её правой руке ветка шиповника. Ее взгляд спокоен и уверен, она не стесняется своей наготы. Прекрасное тело написано так тонко и легко, что кажется, будто от него исходит свечение. В ногах у Венеры вместо традиционных амурчиков расположилась и спит маленькая собачка. На заднем плане картины комната, залитая ярким светом солнечного утра. На окне Венеры стоит горшок с миртом, олицетворяющий супружество и верность. Возле её сундука суетятся две служанки, подбирающие наряд для утреннего туалета хозяйки. Как ни странно, Венера Тициана совсем не небожительница, а вполне реальная земная женщина, предстающая перед нами в откровенно нагой красоте.

Если следовать примерной хронологии, то дальше, из известных нам работ, идет полотно «Коронование терновым венцом». Эта картина существует в двух вариантах: один из них хранится в Лувре (1542 год), а другой в Старой Пинакотеке Мюнхена (1572-1576гг.). Композиция двух картин очень схожа. В центре полотна расположена фигура истязаемого Христа, окруженного пятью мучителями и три ступени, ведущие к месту публичного бичевания. Разница лишь в фоне. На ранней работе, жестокая сцена издевательства над Иисусом происходит на фоне ярко освещенной каменной арки, над которой возвышается бюст императора Тиберия. На более поздней картине в верхней части полотна различима лишь освещенная люстра. В обоих случаях, Христос смиренно терпит издевательства и боль от людей, неистово набросившихся на него с копьями. Ведь Он уже простил их, и это придает Его образу истинное величие.

В 1545 году Тициан создает ещё один выдающийся портрет венецианского дожа «Портрет дожа Андреа Гритти» (Национальная картинная галерея, Вашингтон). На нём запечатлен правитель с суровым взглядом жестоких глаз, выдающих его беспощадный и деспотичный характер. Одежда насыщенного красного цвета лишний раз подчеркивает его харизму и стремление к лидерству. На доже накидка из дорогой, как будто светящейся ткани коричнево-золотистых тонов и такой же головной убор.

Замкнутый и необщительный Тициан имел очень мало близких друзей. Одним из них был поэт и писатель Пьетро Лретино. Это были два очень разных человека: Лретино был очень веселым, любвеобильным, обожал роскошь, пиршества и гуляния, словоохотливый и уверенный в себе, он имел большие связи. Тициану нравились в нём оптимизм, радушие, харизма и то, что поэт очень хорошо разбирался в искусстве и литературе. Тициан даже стал крестным отцом одной из дочерей Лоретино. В 1545 году он написал его портрет. На картине «Портрете Пьетро Лретино» (Палаццо Питти, Флоренция) почти все пространство холста занято фигурой поэта. Полотно написано с использованием многочисленных вариаций красного и золотистого цветов, они наполнят её энергией и мощью духа, раскрывая характер героя. Существуют свидетельства, что Лретино остался недоволен работой, в частности, ему не понравилось, что золотая цепь (полученная в подарок от короля Франциска I) почти не видна на его груди и блестит слишком тускло. Правда, это могло быть и шуткой поэта, неправильно истолкованная очевидцем.

В том же, 1545 году Тициана пишет «Потрет молодого человека» (Палаццо Питти, Флоренция). С полотна на зрителя взирает красивый мужчина с гипнотическим и завораживающим взглядом зеленоватых глаз. Долгое время считалось, что на картине изображен английский герцог Говард, поэтому картину называли «Портрет молодого англичанина». Но в 1928 искусствовед Вентури выдвинул собственную версию, подкрепленную убедительными доказательствами. Он считал, что мужчина на холсте — юрист Ипполито Риминальди, ещё один друг Тициана, с которым он любил встречаться во время своих поездок в Феррару. Что касается композиции полотна, то она предельно проста: перед нами молодой мужчина в строгом черном камзоле, из-под воротничка и рукавов которого выглядывают белые кружевные манжеты. Его левая рука лежит на бедре, а в правой он держит перчатки. Общий колорит холста очень сдержан, он строится на сочетании двух основных цветов: черного и серого. Разбавляют их лишь белые пятна манжет и коричневые перчатки. Поражает, насколько точно и тонко выписано его лицо с задумчивыми умными глазами. Во всем его облике сквозит благородство.

В 1548 году Тициан написал ещё один портрет Карла V. Император признался художнику, с которым сблизился ещё раньше, что он устал от вида проливаемой крови и живет лишь ожиданием предстоящей встречи со своей незабвенной супругой. Исполненный искреннего сострадания, Тициан передал смог передать свои чувства в «Портрете Карла V в кресле» (Старая Пинакотека, Мюнхен). Здесь император изображен сидящим в кресле на фоне безлюдного унылого пейзажа, от которого так и веет холодом и тоской. Карл V сидит в кресле, одетый во все черное, будто позабыв снять одну перчатку. Красный пол резко контрастирует с цветами его одежды и головного убора. Император очень грустен, задумчив и одинок.

Совершенство стиля

Последние пятнадцать лет жизни художника, когда он уже разменял восьмой десяток, принято называть поздним периодом его творчества. Это время, когда Тициан вновь обращается к своей излюбленной мифологической теме, которую он всегда интерпретировал в своем индивидуальном ключе.

К 1533 году относится полотно «Венера и Адонис» (Музей Прадо, Мадрид), сюжет которой показывает нам сцену расставания. Венера пытается удержать любимого, поглощенного жаждой охоты и не слушающего её предостережений о грозящей опасности. Пытаясь удержать Адониса, с силой вырывающегося из её объятий, Венера случайно опрокидывает ногой вазу. На заднем плане картины, под густой кроной дерева, спокойно спит Купидон, призванный охранять их любовь. Динамичный и волнующий характер сюжета резко контрастирует с пейзажем вокруг, наполненным спокойствием и умиротворением, ни что в нём не предвещает беды. В этой охоте, на которой погиб Адонис, Тициан видит метафору человеческой жизни: люди всегда что-то ищут, хотят большего, они готовы рисковать здоровьем и жизнью, идти наперекор судьбе, забыв даже о Боге, который их за это неизбежно покарает. Картина имела небывалый успех у публики. Художнику пришлось делать около двадцати копий полотна с различными вариациями аналогичных сюжетов.

Второй невероятно популярной картиной Тициана, которую ему пришлось многократно копировать, была «Венера с зеркалом», написанная около 1555 года (Национальная галерея, Вашингтон). На ней светловолосая Венера, прикрывающая грудь левой рукой, правой она прячет под ярким покрывалом колени. Два пухлых амура держат перед ней зеркала. Щеки богини горят очаровательным румянцем, который символизирует цветущую молодость и красоту. Шедевр находился в России, однако в 1931 году, по распоряжению правительства СССР и не взирая на мнение дирекции Государственного Эрмитажа, был продан частному лицу. Позже картина оказалась в Национальной галерее Вашингтона.

Ещё одним шедевром позднего периода творчества Тициана является полотно «Похищение Европы» (1559— 1562 гг., Музей Изабеллы Стюарт-Гарднер, Бостон), сюжет которой воспроизводит один из эпизодов «Метаморфоз» Овидия. Технически картина выполнена свободно и смело, это отличало последние работы мастера, написанные широкими небрежными мазками. Если смотреть на картину вблизи, трудно понять, что вообще на ней нарисовано и лишь издали открывается нам великий шедевр Тициана. По сути, эти картины были предвестницами импрессионизма, когда смотришь на них, то кажется, что вся работа написана за один раз, легко, непринужденно, размашисто.

Весной 1559 года Тициан попал в неприятное положение. Его младший сын Орацио отправился в Милан, там он должен был получить из казны очень крупную сумму денег, принадлежащих отцу. По дороге домой, на молодого человека совершили нападение, избив и обокрав его. Как выяснилось позже, грабеж был подстроен скульптором Леоне Леони, тоже работавшим на королевский двор. Тициан сразу заподозрил Леоне и написал письмо Филиппу II, текст которого дошел до нас: «Леоне, знавший о выплате государственного пособия и побуждаемый дьявольским наущением, решил лишить жизни Орацио, дабы присвоить себе деньги… Он пригласил Орацио к себе и предложил ему пожить в его доме. Мой сын отклонил это предложение и сей негодяй, изгнанный из Испании за лютеранство и подстегиваемый врагом Господа Бога, решил совершить убийство с помощью пособников. Подлецы набросились на Орацио со шпагами и кинжалами в руках, предварительно накинув ему на голову сеть. Не ожидавший такого предательства, мой бедный Орацио упал, получив при этом шесть серьёзных ран. Если бы умер Орацио, на коего я возлагаю все мои надежды в надвигающейся старости, то под тяжестью этого горя, клянусь, я лишился бы разума». В конце письма он требовал наказать Леони со всей строгостью закона. Скульптора арестовали, но после того, как он уплатил штраф, выпустили на свободу.

Не успел Тициан прийти в себя после этого потрясения, как скончался его брат Франческо. Биографы художника предполагают, что в этот же период в родах умерла любимая дочь художника Лавиния. Череда этих событий очень сильно ударили по душевному состоянию мастера.

В 1550 году, в возрасте семидесяти трех лет, художник приступил к написанию «Автопортрета» (Государственный музей искусств, Берлин), завершенного лишь спустя одиннадцать лет. На нём Тициан предстает перед зрителем не дряхлым и немощным старцем, которому осталось лишь смиренно ждать своей смерти. Наоборот, мы видим перед собой сильного и уверенного в себе человека. На широкие плечи мастера накинута меховая накидка, под ней белеет рубашка, на которой четко видна золотая цепь. Пальцы его руки барабанят по столу, что характеризует его беспокойный нрав и сосредоточенность. Кажется, что через мгновение художник бодро встанет и широкими шагами пойдет творить сой очередной шедевр. В прищуренном взгляде Тициана мы видим мудрость и неподдельный интерес к жизни. Вероятнее всего, этот автопортрет был создан для детей, так как до самой смерти живописца находился в его доме.

Около 1565 года Тициан получил заказ на картину «Кающаяся Мария Магдалина» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Моделью для полотна стала некая Джулия Фестина, восхитившая мастера копной длинных золотистых волос. Картина очень понравилась герцогу Гонзаго, он сразу же заказал копию полотна, чтобы подарить её некой поэтессе. Работа имела такой оглушительный успех, что Тициан решил сразу сделать несколько копий, изменяя в каждой лишь положение рук героини, наклон головы и окружающий пейзажный фон. Биограф Тициана Ридольфи указывает шесть картин кисти Тициана с кающейся Марией Магдалиной. Один из сохранившихся вариантов холста хранится в Москве в частном собрании. Но, по мнению специалистов, лучшим из них является тот, который представлен в Государственном Эрмитаже Санкт-Петербурга. На ней образ кающейся Марии самый целомудренный. Ее прекрасное тело прикрыто легкой полупрозрачной одеждой и полосатой накидкой, а также рассыпанными по плечам и груди струящимися волосами. Кающаяся Магдалина смотрит на небо взглядом, полным раскаяния, её глаза полны слез и отчаяния. На переднем плане картины христианские символы - череп и раскрытое Писание.

В 1565 году Тициана создает ещё один из своих лучших шедевров - «Портрет антиквара Якопо Страда» (Художественно-исторический музей, Вена). Картина прекрасно передает характер коллекционера, изображенного в «своей стихии» — вокруг него старинные книги, монеты, на стене то ли картина, то ли часть древней рукописи. Якопо показывает незримому собеседнику статуэтку из белого мрамора, его лицо и вся поза наполнены энергией, вдохновением и даже азартом. Полотно обладает необыкновенно гармоничным колоритом. Одежда антиквара и все его окружение выполнено в теплых тонах создающих атмосферу некой торжественности. Эта картина являла собой яркий пример «иной» живописи, открытой Тицианом на склоне лет. Позже, это направление, с его богатством цветов и оттенков, и необычайно искусной передачей светотени, будет развивать такие художники, как Рембрандт и Караваджо. Но это будет уже более 100 лет спустя, а сейчас, Тициан, находящийся уже в очень преклонном возрасте, претерпевший множество невзгод и личных огорчений, продолжает творить.

Последние годы жизни мастера

В последние годы художник часто писал для души. Дом Тициана постоянно был полон – к нему приходило множество учеников, художников, коллекционеров и именитых гостей во всей Италии и из других стран. Тем не менее, склонный к меланхолии и раздумьям Тициан, по сути, оставался одиноким. Он часто вспоминал молодость и любимую Чечилию, предавался мыслям о бренности бытия и тосковал по всем, кого отобрало у него время. Результатом этих печальных рассуждений и душевного одиночества стало полотно «Аллегория времени и разума», написанное около 1565 года (Национальная галерея, Лондон), считающееся своеобразным завещанием мастера потомкам. Согласно традиции, картину следует читать слева направо, то есть против часовой стрелки, и сверху вниз. Старей в красном колпаке символизирует прошлое, чернобородый мужчина – настоящее, а молодой человек - будущее. Животные, нарисованные в нижней части картины также символичны: волк – силы человека, которые отбирает прошлое, лев олицетворяет настоящее, а собака пробуждает своим лаем будущее.

В 1570 году Тициан создает картину «Пастух и нимфа» (Художественно-исторический музей, Вена). Эта легкое, свободно написанное полотно не было ничьим заказом, художник создал её для себя. Обнаженная нимфа лежит на шкуре убитого животного, обращенная спиной к зрителю и слегка повернув голову. Юную деву нисколько не смущает её нагота. Рядом с ней расположился пастух, который вот-вот начнёт играть на музыкальном инструменте, хотя, возможно он только что прервался, увлеченный красотой или словами героини. Общий колорит картины намеренно сгущен автором, это создает некую тайну и недосказанность в отношениях главных героев, усиленную включёнием бурых и пепельных темных тонов. Фоновый пейзаж смазан, там виднеется лишь кусок обломанного дерева, как будто оставшийся после бури. Он не влияет на влюбленных, живущих в собственном мире красоты и неги и ничего не замечающих вокруг. Не смотря на романтическую композицию картины, хаос, царящий в окружающем героев пейзаже и выбор цветов, все же говорят нам о том, что в душе художника не было ни радости на гармонии. В растерянном взгляде нимфы как будто виден его собственный вопрос - что будет с ними дальше, как снова найти радость в разрушенной Вселенной.

Вскоре случилось очередное несчастье, умер отец Тициана. Но художнику нельзя было сдаваться, он продолжал творить. Благодаря его постоянному заказчику, Филиппу II, Тициан всегда был обеспечен работой. Так, около 1570 года мастер приступил к созданию работы «Несение креста» (Музей Прадо, Мадрид), на окончание которой у него ушло пять лет. В основе картины классический евангельский сюжет. Согласно Писанию, Симон Киринеянин был послан к Христу, чтобы помочь ему нести тяжелый крест на Голгофу. Лицо Иисуса исполнено муки и боли, его правое плечо кажется почти прозрачным. Образ Симона, как бы противопоставлен образу Христа. На его пальце дорогой перстень, подчеркивающий его непростое происхождение. Чистое лицо Симона с аккуратной ухоженной бородкой резко контрастирует с ликом Иисуса, покрытым каплями крови. Вся картина разделена нижней частью креста по диагонали, что ещё больше усиливает общий диссонанс.

Религиозная тематика проходит через все творчество Тициана, но по сюжетам самих картин и манере их выполнения, можно проследить, как менялось мировоззрение художника, его отношение к добродетели, порокам и теме мученичества. Это прекрасно отражено в полотнах, посвященных великомученику Себастьяну.

В первых работах Святой Себастьян предстает перед нами смиренным и покорным, зато в последнем произведении художника, он полон решимости и готов биться до конца. Это полотно, названное «Святой Себастьян» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), было написано около 1570 года. Фон на картине размыт, на нём невозможно ничего разобрать, и лишь фигура самого героя, пригвожденного к дереву, выделяется своей чистотой. Его тело исколото стрелами, но его лицо не искажено болью. В его взгляде гордость и спокойствие, лицо слегка приподнято верх, а брови нахмурены. Считается, что Тициан здесь изобразил на картине самого себя, не в прямом смысле, но аллегорически. Таким образом, он выразил своё отношение к собственной судьбе, ко всем предательствам и потерям, которые он, к концу своей жизни, научился выносить стойко и с достоинством. В этой работе заключена вера художника в то, что отдельный герой способен вынести любые удары судьбы, он выстоит, даже если весь мир вокруг него перевернется с ног на голову, он сможет выстоять и не сломаться. Колорит картины кажется размытым и монохромным, но в каждом её сантиметре горят сотни цветов и нюансов. Судьба картины сложилась так, что в 1853 по указу императора Николая I, её поместили в запасники Эрмитажа, где она пролежала до 1892 года. Лишь спустя много лет эта работа заняла достойное место в зале музея.

В том же году Тициан пишет ещё одну работу, со схожей идеей. В основе картины «Наказание Марсия» (Картинная галерея, Кромержиж). лежит миф о сатире Марсии, который посмел вызвать Аполлона на музыкальное состязание. Марсий играл на двойной флейте, а Аполлон на лире. Когда музы не смогли выбрать победителя, Аполлон предложил посоревноваться в вокальном мастерстве. Здесь Марсий проиграл. В наказание за поражение, Аполлон решает содрать с него кожу, этот момент и изображен на картине.

В центре полотна фигура Марсия, подвешенная за ноги к дереву. Вокруг него герои, увлеченные процессом чудовищного истязания сатира. Картина разделена на две части: слева от тела Марсия расположены люди, увлеченные его убиением, она сдирают с него кожу, не скрывая своего удовольствия. В правой части полотна те, кого печалит это жестокое убийство. К ним относится и старец, который, предположительно, изображает самого Тициана. Он с грустью наблюдает гибель Марсия и жестокость его палачей. Лицо же самого сатира сохраняет достоинство перед неминуемой смертью. Искусствоведы считают, что сюжеты последних картин Тициана характеризуют его прощание с идеями гуманизма, в которых он разочаровался. Мир жесток и ничто в нём не может спасти человека, даже искусство.

Одиночество и отчаяние

Картина «Оплакивание Христа» (Галерея дель Академия, Венеция), написанная около 1576 года, стала последним творением мастера. В ней Тициан отразил мучивший его вопрос: что там, за пределами жизни? По обоим краям холста изображены две огромные скульптуры: пророк Моисей и прорицательница Сивилла, они олицетворят собой пророчество самого распятия и последующего Христова Воскресения. На вершине арки с левой стороны — ветки и листья растения, на вершине справа — небольшие сосуды с пылающим огнем. В центре композиции Богоматерь поддерживает бездыханное тело своего убитого Сына. Слева от Христа стоит Мария Магдалина, её поза воинственна, она словно вопрошает: «За что это?!». Справа от девы Марии на коленях стоит старец, поддерживающий безжизненную руку Иисуса. Некоторые считают, то фигура старца также изображает самого Тициана. Общий колорит полотна выдержан в серебристых тонах с отдельными вкраплениями красного, коричневого золотого. Цвета и расположение фигур прекрасно передают безысходность и драматичность сюжета. Есть здесь и загадка. В левом нижнем углу работы изображен маленький человечек с вазой в руках, искусствоведы до сих пор гадают, откуда он там появился, и что должен был символизировать.

Тем временем, в Венеции свирепствовала чума, заразившая и младшего сына Тициана Орацио. Художник сам ухаживал за ним, не страшась заразности болезни. Но однажды, в последних числах августа, живописец будучи в своей спальне, расположенной на втором этаже, услышал в доме шум. Тициан спустился вниз и обнаружил, что санитары, обходившие дома в округе в поисках заболевших или умерших, отплывали на гондолах, увозя последнюю надежду художника – его Орацио. Художник понял, что это конец и ему не удалось выполнить свой священный родительский долг – спасти собственного сына.

В минуту отчаяния Тициан изобразил в нижней части своего последнего шедевра, на подоле платья Сивиллиы почти незаметную руку, устремленную вверх, будто бы взывающую о помощи. Это был конец, долгая жизнь художника, наполненная неустанным трудом, многими радостями и скорбями подошла к концу. Самым ужасным для живописца было то, что последние дни своей жизни ему пришлось провести в полном одиночестве. Лишь его работы, завершенные и только начатые, взирали на него со стен мастерской. 27 августа 1576 года Тициана нашли мертвым на полу его мастерской. В его руке была кисть. Художник не заразился чумой от своего сына, он умер собственной смертью. Будучи почти столетним, Тициан не переставал творить до последнего вздоха, всецело отдавшись самому главному делу своей жизни.

Похороны Тициана прошли очень пышно, не смотря на эпидемию чумы. Решением правительства, художник был погребен в соборе Санта-Мария Глориоза деи Фрари, хотя это противоречило воли покойного. Ещё при жизни Тициан часто говорил, что хотел бы быть похороненным на своей родине в семейной усыпальнице Вечеллио. Но самым трагичным было не это, а то, что в день похорон, радом с телом живописца не было ни одного родного человека. Старший сын художника, Помпонио явился в дом отца лишь за наследством. Но его ждало разочарование – дом был полностью разграблен. Началась долгая и жестокая борьба за наследство между ним, безалаберным бездельником, являвшимся самым большим разочарованием отца, и мужем покойной Лавинии, отцом её шестерых детей — внуков Тициана.

Эпилог

Полотно «Оплакивание Христа» стало последним творением Тициана, которое он писал, уже чувствуя приближение смерти. Это было его обращением к Господу. В нижнем углу картины художник написал: «Тициан сделал». По некоторым источникам, картину, уже после смерти Тициана закончил его ученик, Пальма Младший. Предположительно, он дорисовал летящего ангела с зажженной свечой и часть каменной кладки вверху полотна. Тициану, якобы было сложно дотянуться до верхней части полотна в своем очень преклонном возрасте. Основным доказательством этой версии служит надпись, добавленная Пальмой. Она гласит: «Что не закончил Тициан, с почтением завершил Пальма, посвящая свою работу Господу Богу». По одному этому можно сравнить характеры двух живописцев. Ведь сам Тициан, в своё время с большим мастерством перерисовав сгоревшую картину покойного Джорджоне «Спящая Венера», никогда не упоминал о своем авторстве, а Пальма, добавив незначительные штрихи к шедевру, не преминул написать на нём своё имя. В этом было отличительное свойство Тициана – величайший талант художника не затмил в нём скромного и благородного человека. Имя Тициана навсегда вошло в историю мирового искусства, а его наследие веками служило вдохновением для молодых художников и поэтов.

Журавлева Татьяна