Общие черты барокко в Италии и Франции читать ~29 мин.

Барокко как художественная система формируется в Европе на рубеже XVI – XVII веков и существует примерно до середины XVIII века. Исследователи связывают его с кризисами религиозной, политической и социальной жизни, а также с ответом католических и светских властей на эти вызовы. Вопрос о том, как именно барокко выглядело в разных странах, особенно остро встаёт при сравнении Италии и Франции.

В Италии барокко рождается в первую очередь как инструмент Католической реформы: церковные иерархи ожидают от художников ясных, эмоционально воздействующих образов, подчинённых задаче укрепления веры. Во Франции того же времени художественная политика ориентируется на королевский двор; искусство служит прославлению монарха и государственности, а не церковной полемике.

Италия задаёт тон европейскому барокко, особенно в архитектуре, скульптуре и живописи. Рим становится лабораторией новых пространственных приёмов и мощной религиозной экспрессии. Франция, восприняв импульс из Италии, выстраивает на его основе более сдержанный, классически организованный вариант стиля, тесно связанный с королевским абсолютизмом и Академией. Этот контраст лежит в центре сопоставления двух национальных вариантов барокко.

Исторический и идеологический контекст

В Италии барокко невозможно понять вне контекста Тридентского собора (1545 – 1563) и более широкого движения Католической реформы. Собор формулирует требования к священным изображениям: ясность сюжета, эмоциональная выразительность, отсутствие двусмысленности и чрезмерной маньерной условности. Эти установки уточняют богословы вроде Иоанна Молануса, настаивающие на понятности и догматической корректности церковной живописи.

В Риме и других итальянских центрах папство и новые ордена — иезуиты, ораторианцы, театинцы — инициируют масштабные строительные и декоративные программы. За одно только XVII столетие число церквей в Риме достигает нескольких сотен, что создаёт огромный спрос на архитекторов, живописцев и скульпторов. Художественный образ становится важнейшим средством воздействия на малограмотную паству, для которой визуальная проповедь понятнее богословских трактатов.

Французский контекст отличается. Здесь решающими оказываются политика кардиналов Ришельё и Мазарини, а затем долгий период правления Людовика XIV. Королевская власть стремится подчинить себе художественную жизнь, сделать искусство выражением величия монарха и государства. Создаются королевские академии живописи, скульптуры и архитектуры, которые формулируют иерархию жанров, каноны композиции, нормы «благородного» стиля.

Во Франции конфессиональный конфликт носит иной характер: гугенотские войны смягчаются Нантским эдиктом, а в XVII веке усиливается политика религиозного единообразия. Однако художественный заказ в меньшей степени связан с полемикой против протестантизма, чем с идеей «короля‑солнце» и прославлением двора. Барокко здесь связывают не столько с церковью, сколько с королевскими резиденциями, официальной городской архитектурой и придворной декоративной программой.

Архитектура барокко в Италии

Архитектура итальянского барокко формируется в Риме силами нескольких поколений мастеров. Переход к новому стилю связывают с поздними работами Карло Мадерно и ранними постройками Джан Лоренцо Бернини и Франческо Борромини. Эти архитекторы экспериментируют с пространством, светом и пластикой фасадов, разрушая чёткую геометрию Высокого Возрождения и сухую утончённость маньеризма.

Бернини, которого современники воспринимали как «универсального художника» — скульптора, архитектора, декоратора и градостроителя, — становится лицом римского барокко. Для собора Святого Петра он создаёт знаменитую колоннаду площади, обнимающую верующих и задающую грандиозный сценический пролог входу в храм. Внутри римских церквей Бернини мастерски соединяет архитектуру, скульптуру, живопись и свет, превращая алтарные зоны в театральные сцены.

Наиболее известный пример — ансамбль капеллы Корнаро с группой «Экстаз святой Терезы» в римской церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Мраморная группа с парящей фигурой ангела и лежащей на облаке святой, подсвеченной скрытым верхним освещением и подчёркнутой позолоченными лучами, образует единое зрелище с архитектурной рамой и боковыми ложами, где в мраморе запечатлены члены семьи заказчика.

Борромини формирует другое направление римского барокко. Его церкви Сан‑Карло алле Куатро Фонтане и Сант’Иво алла Сапиенца отличаются сложной геометрией, волнистыми фасадами, чередованием вогнутых и выпуклых поверхностей и изощрёнными купольными конструкциями. Архитектор свободно обращается с ордером, дробит карнизы, вводит необычные ритмы колонн и ниш. Внутреннее пространство напоминает живую динамическую структуру, где зритель постоянно испытывает изменение масштаба и восприятия.

Позднее, во второй половине XVII века, идеи римских мастеров перерабатывает Гварино Гварини, трудившийся главным образом в Турине на службе герцогов Савойских. Его купола для Сан-Лоренцо и капеллы Святой Плащаницы отличаются «ажурной» конструкцией из пересекающихся арок, пропускающих свет через сложную систему проёмов. Исследователи подчёркивают здесь влияние как готики и мавританской архитектуры, так и опыт Борромини; решения Гварини затем становятся образцом для североитальянских и центральноевропейских зодчих.

Для итальянского барокко характерно органичное соединение архитектуры, скульптуры и живописи. На площадях Рима, таких как Навона, храмы и фонтаны образуют единые ансамбли, где фронтоны, балюстрады, скульптурные группы и перспективы улиц подчинены общей драматургии. Храмовые интерьеры насыщены мраморной облицовкой, лепниной, фресками, создающими иллюзию раздвинутого свода и небесного видения.

Французская архитектура барокко и классицизма

Во Франции термин «барокко» к архитектуре XVII века применяют осторожно. Чаще используют обозначение «французский классицизм», подчёркивая ориентацию на строгий ордер, симметрию и рациональную планировку. Вместе с тем многие исследователи признают, что в этом варианте классики присутствуют барочные черты — масштаб, помпезность, театральность общих эффектов.

Период правления Людовика XIII даёт ранний «стиль Людовика XIII», сочетающий отзвуки маньеризма, североевропейские влияния и первые опыты нового стиля. Постройки Саломона де Бросса и Франсуа Мансара выводят французскую архитектуру на путь классически упорядоченных объёмов и фасадов. Именно Мансар в замке Мезон‑Лаффит формулирует образ французской усадьбы с ясным объёмом, подчёркнутыми ризалитами и упорядоченным декором.

К середине XVII века при Людовике XIV формируется «стиль Людовика XIV», в котором классическая мера сочетается с монументальной репрезентативностью. Король создаёт Королевскую академию архитектуры и подчиняет художественную политику единым задачам прославления монархии. Среди ведущих архитекторов этого периода — Луи Лево, Жюль Ардуэн‑Мансар, Клод Перро, Робер де Котт.

Главный символ французского варианта барокко — дворец Версаль. Исходная охотничья резиденция Людовика XIII перестраивается и многократно расширяется, превращаясь в огромный дворцово‑парковый комплекс, где дворец, парадные дворы, фонтаны и плацы вытянуты вдоль протяжённой оси. Фасады дворца отличаются чёткой горизонтальной членённостью, регулярными ритмами колонн и пилястр, сдержанным скульптурным декором.

Французская архитектура этого периода почти всегда связана с регулярным садом, разработанным Андре Ленотром и его последователями. Так называемый «французский регулярный сад» строится на строгой геометрии аллей, партёров и водных зеркал. Он продолжает ось дворца, подчёркивая контроль над природой и пространством. Эту модель затем перенимают многие европейские дворы — от Пруссии до России.

К концу XVII — началу XVIII века барочные элементы в архитектуре Людовика XIV и Людовика XV смягчаются, появляется больше лёгкости, декоративности, сложного железного орнамента, что приводит к раннему рококо. Но даже в этот период сохраняются симметрия, ясные объёмы и ориентация на ордер, отличающие французское течение от итальянского.

Сопоставление архитектурных подходов Италии и Франции

Сравнение показывает, что итальянский и французский варианты барокко расходятся уже в базовом понимании пространства. Итальянские архитекторы охотно используют овальные планы, диагональные оси, волнистые фасады и сложные сводчатые конструкции, создающие ощущение движения и непредсказуемости.

Французская архитектура того же времени стремится к прямоугольным объёмам, длинным строго симметричным корпусам, подчёркнутой иерархии центральной и боковых осей. Внешние фасады остаются относительно сдержанными, основное богатство переносится в интерьеры, на оформление парадных залов — вроде Зеркальной галереи Версаля и галереи Аполлона в Лувре.

В Италии главные усилия художников сосредоточены на церковной архитектуре. Храмы становятся пространствами, где зодчество, живопись и скульптура сливаются, формируя зрелищную религиозную постановку. Во Франции барочные приёмы чаще используются для монарших дворцов, загородных резиденций, городских площадей и триумфальных ансамблей. Церковное строительство тоже развивается, но не определяет стиль в той же степени, что в Риме или Турине.

Различия затрагивают и градостроительные представления. Рим эпохи барокко сохраняет старую уличную сеть, в которой новые площади, фонтанные ансамбли и фасады внедряются в уже сложившийся городской узор. Париж при Людовике XIV и его преемниках получает регулярные площади — Вандомскую, Людовика Великого (позднее Пляс де Вогез), Пляс де ла Конкорд — с упорядоченными фасадами и монументальными акцентами.

Итальянская живопись барокко

Итальянская живопись барокко складывается в конце XVI века усилиями двух направлений: реформаторской школы Карраччи и более радикального реализма Караваджо. Академия, созданная Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи в Болонье, возвращает обучение к рисованию с натуры и систематическому изучению античной и ренессансной традиции.

Аннибале Карраччи в росписи галереи Палаццо Фарнезе в Риме сочетает мифологические сюжеты с ясной композиционной структурой, создавая новую модель грандиозной декоративной живописи конца XVI — начала XVII веков. Его подход влияет и на последующее церковное искусство, и на придворные росписи.

Караваджо, напротив, отказывается от предварительных рисунков и пишет сразу по живой модели, используя резкие контрасты света и тени (тенebrизм) и предельно будничный облик персонажей, даже в библейских сценах. Такие картины, как «Призвание святого Матфея» или «Положение во гроб», производят сильный эффект непосредственного присутствия и эмоциональной вовлечённости зрителя, что соответствует задачам религиозной проповеди новой эпохи.

Под влиянием этих мастеров формируется целое поколение художников, работающих в Риме, Неаполе, Болонье и других центрах. Для итальянской барочной живописи характерны: динамичные композиции с диагоналями, сложные ракурсы, активное использование световых акцентов, глубокие пространства, часто открывающиеся в небесные видения с ликующими ангельскими сонмами.

Религиозная тематика доминирует, но рядом развиваются и мифологические, и аллегорические сюжеты, а также портрет и бытовая сцена. Тем не менее требования церковных заказчиков о ясности и эмоциональном воздействии определяют общий характер стиля.

Французская живопись XVII века

Во Франции XVII века формируется особая версия барочной живописи, тесно связанная с классической традицией. Центральные фигуры — Никола Пуссен и Клод Лоррен, работавшие значительную часть жизни в Риме, а также Шарль Лебрен, руководивший Королевской академией живописи и скульптуры.

Пуссен разрабатывает строго продуманную композицию, строящуюся на чётком рисунке, логике жестов и выразительных поз, ясном расположении фигур в пространстве. Его исторические и религиозные полотна опираются на античную поэтику и рациональное осмысление сюжета; цвет подчинён линейной структуре и служит для организации общего ритма.

Клод Лоррен разрабатывает жанр идеализированного пейзажа, где мифологические или библейские фигуры помещены в просветлённое пространство, наполненное мягким светом, с классической архитектурой и далёкими горизонтами. Здесь заметно и влияние римской природы, и ориентация на гармонию и ясность.

В Париже и при дворе Людовика XIV ведущую позицию занимает Лебрен. Он разрабатывает официальную систему академической живописи, закрепляющую иерархию жанров: выше всего ставится «большая» историческая картина, затем портрет, жанровая сцена, пейзаж, натюрморт. В оформлении Версаля Лебрен руководит огромной командой художников, создающих сложные аллегорические программы, прославляющие короля.

Во второй половине XVII века в Королевской академии разгорается известный спор между «пуссенистами» и «рубенистами» — сторонниками первенства рисунка и первенства цвета. Пуссенисты, опираясь на пример Пуссена, Раннего Ренессанса и античности, утверждают, что основой живописи является линия и ясный контур, а цвет служит лишь украшением. Рубенисты, вдохновляясь живописью Рубенса и фламандской традицией, считают, что именно цвет и видимая матерьяльность делают картину жизненной и убедительной.

Официально Академия сначала поддерживает пуссенистов, что усиливает классический характер французского стиля. Однако с принятием в Академию «Пути на Китеру» Антуана Ватто (1717) спор фактически завершится признанием ценности цветовой живости, что станет одним из истоков рококо.

Сравнение живописи Италии и Франции

Итальянская барочная живопись развивается прежде всего как средство религиозной проповеди, а французская — как выражение придворной культуры и классической образованности. В Италии художник стремится вовлечь зрителя в драматический эпизод, показать кульминационный момент действия, подчеркнуть внутреннее переживание героев с помощью светотени и резких жестов.

Во Франции приоритетом становится ясность рассказа, уравновешенность композиции, подчёркнутая благородность поз и жестов, рационально организованное пространство. Даже когда французские живописцы используют барочные эффекты — диагональные построения, сложные группы, — они чаще всего подчинены строгому рисунку и архитектурному построению сцены.

В Италии широко распространены фресковые росписи сводов и куполов, где иллюзорная живопись раздвигает реальные архитектурные границы, создавая впечатление открытого небесного пространства. Во Франции крупные плафонные росписи также важны, но они в большей степени сочетаются с обширными позолоченными рамами, резьбой и зеркалами, образуя упорядоченное декоративное единство, как в Зеркальной галерее Версаля.

Тематика тоже расходится. Итальянская церковная живопись постоянно обращается к культу святых, чудесам, мистическим видениям и драматическим моментам страстей Христовых. Французская академическая традиция подчёркивает важность исторических, мифологических и аллегорических сюжетов, связанных с идеей достоинства и разума. Это влияет на общий эмоциональный тон: итальянские произведения более импульсивны и аффектированы, французские — сдержаннее, но не менее тщательно продуманы.

Скульптура и пластика в Италии

В области скульптуры Италия XVII века почти полностью ассоциируется с именем Джан Лоренцо Бернини. Его мраморные группы «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины», статуя «Давид» и множество портретов демонстрируют редкое сочетание виртуозной обработки камня и мощной эмоциональной выразительности.

Статуя «Давид» (около 1623 – 1624) показывает героя в момент броска пращи, с напряжённым телом и сосредоточенным взглядом. В сравнении с статуей Микеланджело, изображающей спокойную сосредоточенность перед боем, берниниевский образ строится на идее мгновенного действия.

В ансамбле «Экстаз святой Терезы» скульптура окончательно перетекает в архитектурное и живописное окружение. Фигуры, облака, ангел, лучи, боковые мраморные ложи с портретами, скрытое освещение — всё взаимодействует, превращая капеллу в сцену, а зрителя — в участника события.

Помимо Бернини, в Риме и других городах работают скульпторы Алесандро Альгарди и ряд его последователей, создающие как монументальные надгробия, так и статуи для фонтанов и фасадов. Для итальянского барокко характерно активное использование скульптуры в городском пространстве и храмовых интерьерах. Мраморные фигуры, аллегорические группы и декоративные рельефы образуют подвижные, сложные композиции, тесно связанные с архитектурой.

Французская барочная скульптура

Во Франции скульпторы работают главным образом на королевский двор и Академию, украшая Версаль, Марли и другие резиденции, а также городские площади и церкви. Двумя наиболее значимыми мастерами считают Франсуа Жирардона и Антуана Куазевокса.

Жирардон участвует в декорировании Версаля с 1660-х годов: его композиция «Аполлон, обслуживаемый нимфами» для грота Тетис, рельеф «Купание нимф» и группа «Похищение Прозерпины» сочетают динамику фигур с классической уравновешенностью. Скульптор создаёт также конный памятник Людовику XIV для площади Вандом в Париже, подчёркивающий монархический характер стиля.

Куазевокс, происходивший из Лиона, с конца 1670-х годов работает при Версале, украшая Лестницу послов, Зеркальную галерею и Военный зал. Он создаёт многочисленные аллегорические рельефы и статуи, в том числе композиции «Победоносный Людовик XIV» и «Триумф Франции», а также портретные бюсты знати. Скульптор использует богатые материалы (в том числе золочёный свинец для садовых фигур), соединяя барочную выразительность с классической нормативностью поз и пропорций.

Скульптура французского «большого века» тесно связана с архитектурной рамой; рельефы и статуи рассчитаны на восприятие с определённых точек, подчёркивают ось дворца или площадь, работают как часть общей композиции Версаля или городского ансамбля. По сравнению с итальянской, французская пластика чаще подчинена государственной и придворной символике, а не религиозной экспрессии.

Сравнение скульптурных традиций

Итальянская скульптура барокко выдвигает на первый план внутреннее движение фигуры, игру света на полированной поверхности мрамора, контакт со зрителем. Бернини в портретах стремится зафиксировать мгновение жеста или мимики, а в аллегорических группах — столкновение сил и аффектов.

Во Франции скульпторы, хотя и используют барочные приёмы — разворот фигур, контрастные силуэты, — чаще придерживаются более устойчивых поз, отсылок к античной пластике и строгих иконографических программ, заданных Академией и придворным протоколом. Итальянская пластика теснее связана с церковным интерьером, французская — с дворцовыми и садовыми ансамблями.

Городская среда и дворцово‑парковые ансамбли

Рим эпохи барокко переживает масштабные преобразования, инициированные папами Сикстом V, Урбаном VIII, Иннокентием X и Александром VII. Проектируются новые прямые магистрали, соединяющие главные святыни, создаются площади перед базиликами, устанавливаются фонтаны и обелиски. Бернини и его коллеги превращают город в своего рода сценическое пространство, где зритель перемещается от одной «картины» к другой.

Площадь Святого Петра с колоннадой Бернини и фонтанами, Пьяцца Навона с фонтаном Четырёх рек, площади у Санта-Мария‑делла‑Паче и церкви Сант’Андреа-делла-Валле формируют череду зрительных акцентов. Важен принцип неожиданного раскрытия перспектив: узкая улица может внезапно вывести к мощному фасаду или фонтану, а купол храма часто появляется в изломах застройки.

Во Франции барокко и классицизм проявляются во всестороннем регулировании городской среды. Площадь Вандом и площадь Людовика Великого в Париже строятся как правильные многоугольники или квадраты с однотипными фасадами, образующими строгую архитектурную раму для монумента в центре. Версальский ансамбль с его осевой планировкой, аллеями и водной перспективой становится образцом придворного градостроительства.

Регулярный сад Ленотра подчиняет рельеф и растительность единому геометрическому замыслу; водные устройства и скульптура распределяются по чёткой схеме, поддерживая аллегорическую программу прославления короля. Этот подход предполагает значительную предварительную инженерную подготовку и централизованный контроль над строительством, что отличает его от более постепенного и частично стихийного развития Рима.

Покровители, академии и художественное образование

В Италии XVII века основными покровителями барочного искусства становятся папы, кардиналы и аристократические семьи (Барберини, Боргезе, Фарнезе и другие). Кардинал Сципионе Боргезе, например, заказывает у Бернини многие из его ранних мраморных групп, помещая их в собственной вилле в Риме.

Система образования опирается как на старые корпорации художников, так и на новые академии вроде болонской школы Карраччи или римской Академии св. Луки. Эти объединения поощряют рисование с натуры, изучение античной скульптуры и живописи Высокого Возрождения. Однако прямого централизованного контроля, сопоставимого с французским, в Италии меньше; города‑государства и дворы разных правителей сохраняют значительную автономию.

Во Франции художественная жизнь постепенно подчиняется короне. В 1648 году создаётся Королевская академия живописи и скульптуры, а позднее — Королевская академия архитектуры. Они определяют учебные программы, иерархию жанров, правила конкурса на Римскую премию, дававшую возможность молодым мастерам учиться в Риме за государственный счёт.

Деятельность Академий сопровождается выработкой теоретических доктрин, трактатов и публичных лекций. Спор пуссенистов и рубенистов о приоритете линии или цвета разворачивается именно в рамках Академии и демонстрирует, как острые эстетические вопросы осмысляются через официальные дискуссии.

Это различие институциональной структуры существенно влияет на характер национальных вариаций барокко. Итальянское искусство, опираясь на сильные местные традиции и личные связи между художниками и покровителями, сохраняет высокую степень индивидуальной свободы и стилистического разнообразия. Французское, напротив, вырабатывает более унифицированный придворный стиль, строго согласованный с интересами короны и Академии.

Музыка и театр как часть барочного контекста

Хотя основной акцент исследования приходится на изобразительное искусство и архитектуру, для понимания барокко в Италии и Франции полезно учитывать и музыкально‑театральную сферу. В Италии зарождается опера, появляются первые публичные оперные театры, усиливается интерес к синтезу музыки, драмы и сценического оформления. Это роднит музыкальную жизнь с визуальными практиками Бернини и его современников, активно работавших над театральными машинами, декорациями и временными триумфальными сооружениями.

Во Франции при Людовике XIV особое значение приобретает придворный балет и опера‑балет, в которых участвует сам монарх. Архитекторы и декораторы проектируют залы, сцены и мобильные декорации, часто перекликаясь по формам и мотивам с убранством дворцов и садов. Сходство художественных языков в музыке, театре и архитектуре усиливает общее впечатление стилевого единства французского варианта барокко и классицизма.

Влияние итальянского и французского барокко на Европу

Итальянские мастера, особенно архитекторы и скульпторы, активно работают за пределами родины или оказывают заметное влияние через свои трактаты и гравюры. Гварини становится одним из источников для центрально‑европейского барокко; его купольные конструкции вдохновляют архитекторов в Австрии, Южной Германии и Чехии. Идеи Борромини и Бернини ощутимо отражаются в позднем барокко Северной Европы.

Французский вариант стиля распространяется прежде всего каналами дипломатических и династических связей. Версаль и французский регулярный сад становятся непосредственными образцами для резиденций правителей Пруссии, Баварии, России и других стран. Архитекторы и садовники, прошедшие обучение в Париже, переносят на чужую почву принципы осевой планировки, симметричных фасадов и монументальных площадей.

Скульптурные и живописные программы французского двора, основанные на аллегорическом прославлении монарха, также оказывают влияние на придворное искусство других европейских стран, хотя нередко там они сочетаются с более свободной, окрашенной местными традициями пластикой.

Итальянское барокко через своих последователей подготавливает переход к рококо и классицизму, а также влияет на формирование художественных академий в разных странах. Французский классицизм, в свою очередь, служит основой для неоклассицистских тенденций XVIII века, особенно в области архитектуры и официальной живописи.

Структурные итоги сравнения

Сравнивая барокко в Италии и Франции, можно выделить несколько устойчивых различий. Во‑первых, различён главный заказчик: в Италии — церковь и связанные с ней ордена и кардиналы, во Франции — король и придворная аристократия. Это определяет тематику, образный строй и функции произведений.

Во‑вторых, архитектурная модель. Итальянские мастера строят в основном храмы и городские ансамбли, вписанные в сложную среду старых улиц, экспериментируя с формой, светом и пространством. Французы создают, прежде всего, дворцово‑парковые комплексы и регулярные площади, где доминируют осевая планировка, симметрия и классическая ордерная система.

В‑третьих, в живописи итальянская линия ориентируется на эмоциональное воздействие, драматизм, резкую светотень и кульминационные моменты действия, а французская — на ясность рассказа, рациональную композицию и классическую гармонию, закреплённую академической теорией.

В‑четвёртых, в скульптуре итальянский центр — это Рим с его мраморными группами Бернини и других мастеров, тесно вплетёнными в храмовую и городскую среду, а французский — Версаль и парижские площади, где пластика подчинена придворным и государственным задачам и часто опирается на классическую уравновешенность Жирардона и Куазевокса.

Наконец, различна и институциональная база: итальянские академии и корпорации формируют традицию, но оставляют больше пространства для разнообразия локальных школ, тогда как французские Королевские академии стремятся выстроить единый нормативный канон, охватывающий все виды искусств. Эти структурные различия позволяют говорить о двух устойчивых, сопоставимых, но не совпадающих вариантах европейского барокко.

Региональные центры итальянского барокко

Хотя Рим часто называют главной лабораторией барокко, картина итальянского искусства XVII века гораздо разнообразнее. Существенные художественные школы формируются в Неаполе, Генуе, Венеции, Турине и ряде других городов. Каждая из этих сред соотносится с римским опытом, но вырабатывает собственные решения в архитектуре, живописи и скульптуре.

Влияние папского двора и крупных орденов в разных регионах неодинаково. Например, в Неаполе сильна испанская администрация и местные аристократические элиты, в то время как Турин ориентируется на дом Савойский и его общеевропейские династические связи. Это отражается и в тематике, и в структуре художественного заказа, а значит, и в вариантах барочного языка.

Рим как образцовый центр

Рим остаётся главным ориентиром как для итальянских, так и для иноземных мастеров. Здесь можно увидеть почти полный спектр барочной архитектуры — от ранних церквей Мадерно до сложнейших пространств Борромини и поздних ансамблей Бернини. Римские заказчики выступают инициаторами многих новшеств, которые затем распространяются к северу и югу Апеннин.

Живописцы и скульпторы из других городов, приезжая в Рим, знакомятся с новейшими решениями, работают в больших папских проектах, а позднее возвращаются домой с новым опытом. Это объясняет, почему римский вариант стиля заметен практически во всех региональных школах Италии, хотя каждая из них его перерабатывает.

Неаполитанское барокко

В Неаполе, находившемся под властью испанской короны, католическая религиозность сочетается с сильным местным культом чудес и почитанием новейших святых. Это создаёт благодатную почву для экспрессивных, иногда почти драматически напряжённых образов. Неаполь становится одним из центров караваджизма: сюда приезжает сам Караваджо, а затем формируется круг его последователей.

Архитектура неаполитанского барокко ориентируется как на римские образцы, так и на традиции местных зодчих. Храмы и дворцы активно используют цветной мрамор, богатую декоративную облицовку интерьеров, сложные алтарные ансамбли. В городском пространстве важную роль играют церкви с фасадами, построенными на контрасте крупного ордера и обильной скульптуры.

Север Италии и Турин

На севере Италии особенно заметен вклад Пьемонта и его столицы Турина. Здесь работает уже упомянутый Гварини, архитектор и теоретик, соединяющий во многих проектах опыт римского барокко с интересом к сложной геометрии и инженерным экспериментам. Туринские купола и башни с ажурной структурой становятся легко узнаваемыми иконографическими знаками города.

Династия Савойских активно привлекает иностранных мастеров и стремится создать резиденции, способные соперничать с ведущими европейскими дворами. В загородных виллах и церквях вокруг Турина барочный стиль получает более светский оттенок: наряду с религиозными сюжетами развиваются монументальные декоративные программы с аллегориями власти и добродетелей правителя.

Венеция и область Венето

В Венеции барокко взаимодействует с давней традицией цветной живописи и сложной готико‑ренессансной архитектуры города. Здесь стиль обновляет церковные фасады и интерьеры, но сохраняет пристрастие к богатому колориту и декоративности. Венецианские художники разрабатывают эффектные росписи для церквей и дворцов, объединяя иллюзорные плафоны с уже существующими пространствами.

В области Венето, за пределами городской лагуны, барокко особенно заметно в виллах и загородных резиденциях местной знати. Эти постройки соединяют наследие Палладио с более свободным, динамичным декором XVII века. В результате возникает особая линия, где классическая ясность переоценивается с учётом новых вкусов.

Региональные особенности французского барокко

Французский вариант стиля также не ограничивается Парижем и Версалем. Архитектура и декоративное искусство распространяются через сеть провинциальных дворов, епископских резиденций и богатых городских семей. В каждом регионе общие принципы осевой планировки и классического фасада сочетаются с местными строительными приёмами и материалами.

В Лионе, Бордо, Тулузе появляются городские дворцы с фасадами, где ордер и скульптура подчинены единой схеме, но камень, цвет и деталировка отличаются от парижских образцов. В Нанте, Руане и Гавре барочная стилистика сочетается с портовой функцией городов, что отражается в типах зданий и масштабе декора.

Париж и Иль‑де‑Франс

Париж остаётся главным центром, где формируется «официальный» язык французского барокко и классицизма. Здесь сосредоточены Академии, королевские мастерские, резиденции знати и крупные монастыри. Городские площади и улицы получают новые фасады, а вдоль Сены вырастают длинные корпуса с регулярным ритмом окон и колонн.

Особую группу составляют парижские особняки — hôtels particuliers, предназначенные для знати и богатой буржуазии. Их планировка строится на контрасте между строгим уличным фасадом и богато оформленным внутренним двором, а интерьеры украшаются плафонами, резьбой и живописью, близкими по духу к придворным ансамблям.

Провинциальные дворы и епископские резиденции

В Нанси, столице Лотарингии, и в других провинциальных центрах строятся дворцы, призванные подчеркнуть статус местных правителей и их связь с французской короной. Планировочные решения и декор в них ориентируются на парижские и версальские образцы, но приспосабливаются к локальным условиям.

Епископские дворцы в городах вроде Авиьона, Безансона или Туля демонстрируют, как барочный язык используется для представительства церковной власти, но с опорой на общегосударственный стиль. Часто в таких резиденциях к собору или старой крепости добавляется новый корпус с классическим фасадом, образующий парадный двор.

Декоративно‑прикладное искусство и интерьер

Барокко в Италии и Франции проявляется не только в крупных архитектурных формах, но и в оформлении интерьера — мебели, металлических изделиях, керамике, текстиле. Здесь особенно заметны различия между более свободной итальянской традицией и строго регламентированным французским придворным стилем.

В Италии мебель и декоративные элементы часто создаются местными мастерами, связанными с определёнными городами и семьями заказчиков. В Риме и Неаполе ценится резное дерево с позолотой, мраморные столешницы, сложные инкрустации, но при этом сохраняется определённая разнородность решений: один и тот же дворец может объединять вещи разных мастеров и периодов.

Французский придворный стиль стремится к унификации. При Людовике XIV действуют королевские мастерские — мануфактуры, производящие мебель, ткани, ковровые изделия и украшения для дворца и дипломатических подарков. Деятельность этих мануфактур координируется придворными художниками, в частности Лебреном, что обеспечивает стилистическое единство интерьеров Версаля и других резиденций.

В итальянских интерьерах нередко наблюдается более тесное слияние росписей, лепнины и мебели. Стены покрываются росписями или обшиваются цветным мрамором, а мебель встроена в общую композицию, почти не отделяясь визуально от архитектуры. Французские интерьеры, напротив, подчёркивают членение стен панелями, зеркалами, живописными вставками в тщательно продуманных рамах; мебель располагается в строгих группах, рассчитанных на парадные церемонии или салонные встречи.

Иконография и религиозные программы

Различия между итальянским и французским барокко особенно заметны в иконографии — наборе сюжетов и образов. В Италии, где католическая церковь является главным заказчиком, на первый план выходят сцены из жизни Христа, Богородицы и многочисленных святых, в том числе местночтимых и относительно недавно канонизированных.

Существенное значение имеют мистические видения, чудеса и образы экстаза, как у святой Терезы Авильской или святого Игана Лойолы. Такие сюжеты напрямую связаны с богословием Католической реформы, подчёркивающим возможность непосредственного внутреннего опыта веры и важность чувств в религиозной жизни.

Во Франции, хотя религиозная живопись и скульптура остаются важными, большее место занимают аллегорические и мифологические программы, связанные с прославлением монарха. В Версале целые циклы росписей и скульптуры посвящены подвигам Людовика XIV, сопоставляемым с деяниями античных героев и богов. В этом контексте библейские сюжеты нередко подаются в виде аллегорий добродетелей или побед короля.

Отличается и набор особо почитаемых святых. В Италии сильнее культ локальных покровителей городов: святого Карло Борромео в Милане, святого Януария в Неаполе и других. Во Франции значительную роль играет культ святой Женевьевы, святого Людовика, а также образ короля как «христианнейшего монарха», которому отводится место в почти сакральной иконографии власти.

Роль теории и художественной критики

Ещё одно важное различие затрагивает уровень теоретического осмысления искусства. В Италии издаются трактаты по архитектуре, перспективе и живописи, но многие новшества распространяются через мастерские и непосредственное ученичество. Римские, болонские и венецианские художники передают принципы стиля ученикам в процессе практической работы, а письменные тексты играют вспомогательную роль.

Во Франции теоретические дискуссии прямо связаны с деятельностью Академий. Публичные лекции, дебаты о достоинствах линии и цвета, трактаты по вопросам композиции и иерархии жанров формируют устойчивый корпус текстов, влияющих на художественную практику. Спор пуссенистов и рубенистов служит примером того, как принципы живописи становятся предметом публичного обсуждения и официальных решений.

Эта разница частично объясняет более строгий характер французской академической живописи и архитектуры. В Италии разнообразие мастерских и локальных школ ведёт к большему многообразию решений, тогда как французский придворный стиль стремится к единству и ясности, подкреплённым авторитетом Академий и короны.

Барокко и политическая репрезентация

Как в Италии, так и во Франции барокко тесно связано с задачами политического представительства, но формы этого представительства различаются. В Италии папы и кардиналы используют архитектуру и искусство для утверждения авторитета Римской курии, подчёркивая преемственность от апостола Петра и духовное первенство над католическим миром.

Фасады, площади, обелиски и фонтаны в Риме служат не только религиозным, но и политическим целям, демонстрируя способность папской власти преобразовывать городскую среду и организовывать большие общественные пространства. Надгробные памятники в соборе Святого Петра и других римских церквях показывают кардиналов и пап в окружении аллегорических фигур, подчёркивая их статус и добродетели.

Во Франции барочные и классицистические формы используются для прославления королевской власти в ещё большей степени. Версальский ансамбль, триумфальные арки, конные статуи Людовика XIV и регулярные площади в Париже и других городах создают визуальный образ государства как устойчивой, могучей силы.

Аллегорические программы росписей и скульптуры часто строятся на сопоставлении короля с античными богами и героями, а военные победы и дипломатические успехи преподносятся как проявления мудрости и мощи монарха. При этом Академии и придворные художники разрабатывают устойчивые иконографические схемы, благодаря которым зритель легко считывает желаемые смыслы.

Барокко и повседневная религиозность

В Италии барочное искусство заметно влияет на формы повседневной религиозности. Иконы, реликварии, небольшие алтари и часовни, изображающие святых покровителей, распространяются не только в церквях, но и в частных домах. Множество культовых образов создаётся в духе караваджизма или болонской школы, адаптируя большие композиционные схемы к меньшему формату.

Процессии, религиозные праздники и театрализованные инсценировки страстей Христовых сопровождаются временными декорациями, фейерверками, иллюминациями, что сближает церковную жизнь с театральной практикой. Многие художники и архитекторы, работавшие над постоянными постройками, участвуют и в создании таких временных сооружений.

Во Франции религиозная повседневность более тесно связана с государственными инициативами, особенно после отмены Нантского эдикта. В строительстве церквей придаётся значение единообразному стилю, соответствующему общегосударственным эстетическим нормам, что видно, например, в ряде приходских храмов Парижа и провинциальных городов.

Однако в повседневной культуре горожан религиозное искусство уступает часть пространства светской декоративной живописи, портрету и жанровым сценам, особенно в жилых интерьерах. Это соотносится с более сильной ролью придворного и светского общения в социальной жизни французской элиты.

Историография термина «барокко» применительно к Италии и Франции

Историки искусства XIX и XX веков по‑разному относились к самому понятию барокко. В отношении Италии термин постепенно закрепился за искусством XVII — начала XVIII века, связанным с папским Римом, хотя и здесь существуют дискуссии о границах периода и оценке его художественной ценности.

Во Франции ситуация сложнее. Для архитектуры и живописи времени Людовика XIII и Людовика XIV долгое время предпочитали использовать понятие «классицизм», подчёркивая ориентацию на античные и ренессансные образцы и рациональную упорядоченность форм. Термин «барокко» чаще применяли к более экспрессивным и «итальянизирующим» явлениям, а также к декоративным тенденциям конца XVII — начала XVIII века.

Современные исследователи нередко говорят о французском барокко и французском классицизме как о взаимосвязанных линиях, существовавших одновременно и иногда пересекавшихся. При этом для удобства анализа архитектуру Версаля и официальную живопись Лебрена продолжают относить к классицизму, признавая при этом барочные черты в масштабах и декоративных эффектах.

Такая двойственность терминологии подчёркивает, что французская версия стиля формируется в сложном диалоге с итальянской и фламандской традициями и не сводится полностью ни к одной из них. Сравнительное изучение Италии и Франции помогает точнее описывать эти различия, не растворяя их в едином панъевропейском обозначении.