Рисунок читать ~32 мин.

В изобразительном искусстве рисунок — это вид графики, способ изображения объектов, передачи концепций, эмоций и фантазий преимущественно с помощью линий и штрихов. В отличие от живописи, в рисунке акцент делается на форму, а не на цвет. Рисунок также отличается от техник печатной графики: гравюра изначально создаётся для тиражирования, в то время как рисунок по своей природе уникален.

Рисунок лежит в основе большинства видов изобразительного искусства. И хотя не каждой картине, мозаике или гобелену предшествует предварительный эскиз, рисунок по сути является фундаментом всего визуального творчества.

Например, архитектурный чертёж служит основой для строительных конструкций, а разметка на необработанном камне — для будущей скульптуры. Большинство картин также начинаются с эскизов, и лишь в процессе работы цвет закрепляет композицию. Многочисленные исследования показывают, что рисунки составляют материальную основу фресок, панно, книжных иллюстраций, статуй, офортов, гравюр, мозаик, витражей и многих других форм декоративно-прикладного искусства. Такие подготовительные эскизы могут задавать лишь общие контуры или определять всю работу вплоть до мельчайших деталей.

Рисунок как самостоятельный вид искусства
Как отдельный вид искусства, рисунок предлагает широчайшие возможности для творческого самовыражения. С его помощью можно передать объём, пространство, глубину, трёхмерность и даже движение. Кроме того, в характере линии спонтанно проявляется личность художника, что делает рисунок одной из самых личных форм художественного выражения.

Материалы для рисования
Рисунки создаются с помощью самых разных инструментов: пера и туши, угля, мела, пастели, металлического и серебряного штифтов, графита, цветных мелков, а также резца, штихеля или офортной иглы для техник гравировки. Также используются восковые карандаши, карандаши конте, маркеры, графитные палочки и различные виды ручек. Самой распространённой основой (материалом, на который наносится изображение) является бумага, но возможны и другие варианты: картон, папирус, пергамент (телячья кожа), холст, кожа, дерево, текстиль и даже пластик или металл. Рисунки, выполненные с использованием комбинации этих материалов, создаются в смешанной технике.

Рисунок и живопись
Грань между рисунком и живописью не всегда очевидна. Например, традиционная китайская живопись кистью на шёлке или бумаге так же близка к рисунку, как и к живописи (взять хотя бы каллиграфию). В некоторых средневековых иллюминированных рукописях, таких как Утрехтская псалтырь, встречаются рисунки пером и тушью, настолько свободные по линии, что напоминают современные карикатуры и выполняют ту же функцию, что и живопись. Тем не менее как самостоятельный вид искусства рисунок утвердился только в эпоху Ренессанса кватроченто (XV век). До этого времени рисунок (disegno) считался искусством менее значимым, чем живопись (colorito). См. также: Оценка искусства: Как оценивать искусство.

Мастера рисунка
Художника, который занимается рисунком, называют рисовальщиком или графиком. Примерами высочайшего мастерства в рисунке, особенно в изображении фигуры человека, служат работы старых мастеров — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Альбрехта Дюрера, Питера Пауля Рубенса, Рембрандта, Жака-Луи Давида, а также других знаменитых художников, таких как Оноре Домье, Эдгар Дега, Эгон Шиле, Макс Бекманн, Дэвид Хокни, Люсьен Фрейд и многих других.

Категории рисунка
В общем смысле рисунок можно разделить на три основные категории: Беглый рисунок (наброски, эскизы, каракули): это незаконченные и, как правило, непроработанные композиции, которые не имеют самостоятельного значения. Подготовительный рисунок: создание изображения или серии изображений, составляющих часть или всю композицию, которую художник планирует завершить с помощью цвета (красок, цветных чернил и т.д.). Завершённый рисунок: законченное самостоятельное произведение, такое как иллюстрация, карикатура, шарж или графический дизайн.

Тематика
В своих работах рисовальщики обращаются ко всем видам изображений, изображая людей и животных в рамках всех жанров: повествовательные исторические сцены, портреты, карикатуры, бытовые зарисовки, а также пейзажи и натюрморты. Некоторые художники специализируются на точном воспроизведении существующих или проектируемых зданий (архитектурный рисунок), кораблей (морской рисунок), цветов (ботаническая иллюстрация) или животных (анималистика), а также на абстрактных композициях — от кубизма до типографики и каллиграфии.

Техники рисунка

Для рисования существует огромное количество инструментов и приспособлений, включая грифельные карандаши, металлические штифты, уголь и мел, а также традиционные ручки, карандаши и кисти, перьевые ручки, шариковые ручки и фломастеры. Более того, для создания рисунка используются даже долото и алмаз. См. также Автоматизм в искусстве и его метод автоматического рисования.

Древесный уголь

Обугленные куски дерева использовались ещё во времена доисторического искусства: художники эпохи палеолита создавали удивительные наскальные рисунки в пещерах Шове, Ласко и Альтамира. Эту традицию поддерживали и старые мастера, чьи подготовительные рисунки углём для фресок, панно и даже миниатюр иногда до сих пор можно увидеть под слоем краски. Рисование углём обычно даёт пористый штрих, который слабо сцепляется с поверхностью. Заострённым углём можно проводить очень тонкие линии, а при работе плашмя он создаёт участки ровного тона. Растирание и растушёвка угольных линий позволяют добиться мягких полутонов и плавных переходов. Из-за слабой адгезии уголь идеально подходит для эскизов, в которые легко вносить исправления, но для сохранности готовый рисунок необходимо закреплять фиксативом.

Как материал для быстрых зарисовок с натуры уголь широко использовался в художественных академиях и мастерских. Сложные позы моделей, которые Тинторетто требовал от своих натурщиков, можно было быстро и легко запечатлеть с помощью податливого угля. (Подробнее о рисунках Тинторетто см.: Венецианский рисунок 1500-1600 гг.) Уголь также широко применялся в подготовительных эскизах для портретной живописи. В своём рисунке углём «Портрет дамы» французский художник Эдуар Мане (1832 – 1883) сумел передать фактуру дерева кресла, меховую оторочку платья, строгую причёску и мягкость тела. Голландский художник XVII века Паулюс Поттер (1625-1654) был ещё одним выдающимся мастером этой техники, как и великие рисовальщики XIX – XX веков: Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901), Эдгар Дега (1834-1917), Кете Кольвиц (1867-1945) и Эрнст Барлах (1870-1938).

С появлением масляного угля, то есть угольных палочек, пропитанных льняным маслом, художники получили материал с лучшей адгезией и более глубоким чёрным цветом. Эту технику, которую в XVI веке использовал Тинторетто, особенно ценили голландские художники-реалисты XVII века для создания акцентов насыщенного чёрного цвета. Однако, несмотря на лучшее сцепление с бумагой, исправлять такие рисунки сложнее. Кроме того, уголь, глубоко пропитанный маслом, может оставлять вдоль линий коричневатый оттенок.

Мел

Мел — не менее важный материал для рисования. Если уголь — это прежде всего инструмент для быстрых эскизов, то мел позволяет достичь гораздо большего. С начала XVI века природный мел становится всё более популярным в художественном рисовании. Будучи природным материалом, глинозёмный мел имеет разную степень твёрдости, поэтому штрих может быть как слегка зернистым, так и однородно плотным и гладким. Стремление к единому качеству привело к производству специальных художественных мелков: измельчённый, промытый и сформованный в удобные палочки мел даёт более мягкий и ровный штрих без песчаных частиц. Добавление пигментов позволяет получить различные оттенки — от насыщенного чёрного до серовато-коричневого. По сравнению с широко используемым чёрным мелом, коричневый распространён гораздо меньше. Белый мел, также встречающийся в природе, почти никогда не используется как самостоятельный материал, но его часто применяют в сочетании с другими для создания световых акцентов и бликов.

Начиная с XV века мел всё чаще используется для этюдов и эскизов. Его способность проводить точные линии заданной ширины и создавать тонкие тональные переходы делает его особенно подходящим для моделирования формы. Благодаря этим свойствам мел является прекрасным материалом для самостоятельных рисунков, и вряд ли найдётся художник, который не работал бы с ним, часто в сочетании с другими техниками. Кроме портретов, основной темой рисунков мелом стали пейзажи, особенно у голландских мастеров. С тех пор как был изобретён искусственный мел из тонкой чёрной сажи, известной как ламповая копоть — изобретение, приписываемое Леонардо да Винчи (1452-1519), — живописные качества мела были раскрыты в полной мере. Ассортимент мелков простирается от сухих, похожих на уголь, до жирных, используемых в литографии.

Сангина — карандаш для рисования, изготовленный из мела и оксида железа, — была популярным средством в XV веке благодаря своему богатому и тёплому оттенку. Её любили Микеланджело, Рафаэль и Андреа дель Сарто (1486-1531), а Леонардо да Винчи использовал её в своих набросках к «Тайной вечере». См. также «Профиль в восточном головном уборе» Микеланджело (1522, Музей Ашмола, Оксфорд). Среди других художников, использовавших сангину, были портретисты Жан Клуэ и Ганс Гольбейн, мастера фламандской школы, такие как Питер Пауль Рубенс, и, прежде всего, французские художники XVIII века: Антуан Ватто, Никола Ланкре, Жан-Этьен Лиотар, Жак-Андре Порталь и Франсуа Буше. Шотландский портретист XVIII века Аллан Рэмзи активно использовал мел для подготовительных рисунков к своим портретам. Сангина в сочетании с чёрным и белым мелом на цветной бумаге позволяла достичь ещё большей цветовой дифференциации.

Рисунки мелом ассоциируются и с современными художниками, такими как Эдгар Дега, Одилон Редон, Гюстав Моро, Жан-Эдуар Вюйар и Пьер Боннар, а также с экспрессионистами, такими как Эдвард Мунк и Эрнст Людвиг Кирхнер.

Пастель

Ещё большего цветового разнообразия можно достичь с помощью пастельных мелков, изготовленных из порошковых пигментов, смешанных с минимальным количеством нежирного связующего. Краски, нанесённые на бумагу, выглядят свежими и яркими, но их необходимо защищать от осыпания, помещая работу под стекло. Пастелью можно работать как линейно, так и растушёвывая пигмент пальцами для создания мягких переходов. Пастель возникла в Северной Италии в XVI веке; её использовали Якопо Бассано (1515-1592) и Федерико Бароччи (1526-1612). Рисунок пастелью был известен в Академии дельи Инкамминати уже в XVII веке, но своего расцвета как вид искусства он достиг в XVIII веке, особенно во Франции (с Жаном-Марком Натье, Морисом Кантеном де Латуром, Жаном-Батистом Перронно и Жаном Шарденом) и в Венеции (с Розальбой Каррьерой). Пастельные мелки особенно любили портретисты.

Металлический штифт

Техника металлического штифта использовалась для письма и разметки с античных времён, поэтому её применение в рисовании было естественным шагом. Художники используют тонкий стержень (стилус) из мягкого металла, такого как свинец, серебро, олово, медь, а также из различных сплавов. Наиболее распространённым материалом был свинец, который на гладкой поверхности оставляет бледную серую линию; она не очень насыщенна по цвету и легко стирается, что делает её идеальной для подготовительных набросков.

Для того чтобы линия была видна, требовалась специальная подготовка бумаги. Во времена Ренессанса бумагу обычно покрывали жидкой смесью из мелко измельчённого мела, костяной муки или свинцовых белил, подкрашенных пигментом и скреплённых животным клеем или желатином. Все металлические штифты, кроме свинцового, требуют такой загрунтованной поверхности. Одним из лучших ранних примеров искусства металлического штифта является альбом эскизов венецианского художника XV века Якопо Беллини (1400-1470), в котором содержится ряд рисунков, выполненных свинцовым штифтом на тонированной бумаге. Флорентийский художник Боттичелли использовал свинцовый штифт для набросков контуров своих знаменитых иллюстраций к «Божественной комедии» Данте, после чего обводил их пером.

Постоянный, нестираемый рисунок лучше всего получается с помощью серебряного штифта. Работа в этой технике требует чёткого представления о форме и твёрдой руки, так как любые исправления остаются видимыми. Трёхмерность и светотень передаются либо плотной штриховкой, либо пробелами в ней, либо с помощью других материалов. Несмотря на эти трудности, серебряный штифт был очень популярен в XV и XVI веках. Альбрехт Дюрер использовал его для зарисовок пейзажей, портретов и различных объектов во время своего путешествия в Голландию. Серебряный штифт также был популярен среди портретистов с XV по XVII век. Позже он пережил возрождение в эпоху романтизма и до сих пор иногда используется современными художниками. Металлические штифты продолжали применяться и в XVIII веке, в частности, в архитектурных чертёжах.

Графитный штифт

В конце XVI века появился новый материал для рисования, который быстро вытеснил металлический штифт из практики создания набросков и предварительных рисунков. Этот материал, известный как графитный штифт — или «испанский грифель» по месту его происхождения, — получил широкую популярность. Однако из-за своей мягкой консистенции он использовался в основном для подготовительных эскизов, а не для самостоятельных работ. Графитный штифт стал прародителем графитного карандаша после того, как в 1790 году Николя Жак Конте открыл производственный процесс, аналогичный тому, который используется для изготовления искусственного мела. С этого момента очищенный и промытый графит можно было производить практически любой степени твёрдости. Твёрдые карандаши с их прочными, чёткими и тонкими штрихами особенно подходили для целей художников-неоклассиков. Одним из величайших мастеров карандашного рисунка был художник-академист Жан Огюст Доминик Энгр, который использовал систематические карандашные рисунки как основу для своих живописных работ.

Со временем появилось множество техник рисования карандашом. Художники конца XIX века, такие как Эжен Делакруа (1798-1863), предпочитали более мягкие карандаши, чтобы усилить глубину и трёхмерный эффект. Жорж Сёра (1859 – 1891) использовал графит в своих рисунках (например, «В концерт-кафе», Музей современного искусства, Нью-Йорк), перенося свою пуантилистскую технику в монохромный рисунок. Другой инновационной техникой стал карандашный фроттаж (протирание бумаги, положенной на рельефную поверхность), впервые исследованный художником-сюрреалистом Максом Эрнстом (1891-1976).

Рисование пером

Из множества способов нанесения жидких красителей на плоскую поверхность для художественного рисунка особенно важны два: кисть и перо. Хотя кисть — более древний инструмент, восходящий к искусству палеолита, перо стало излюбленным инструментом для письма и рисования со времён античности.

Принцип действия пера остаётся практически неизменным на протяжении тысячелетий. Капиллярный эффект раздвоенного кончика позволяет наносить жидкость на поверхность (изначально пергамент или папирус, а с позднего Средневековья — почти исключительно бумагу) в разном количестве, в зависимости от наполненности пера и давления руки. Самым древним типом является тростниковое перо. Вырезанное из папируса, бамбука или камыша, оно использует свой полый ствол в качестве резервуара для чернил. Его штрих обычно мощный, твёрдый, иногда раздваивается от сильного нажима. Рембрандт был выдающимся мастером сильных, пластичных акцентов тростникового пера, часто дополняя его другими перьями или кистью. В XIX веке, начиная с Винсента Ван Гога, рисунки тростниковым пером в экспрессионистском стиле создавали несколько художников, включая дадаиста и сатирического немецкого экспрессиониста Георга Гроса (1893-1959). См. также: Иллюстративное искусство.

Гусиное перо предлагает широкий спектр художественных возможностей. Со времён позднего Средневековья оно было самым распространённым инструментом для рисования жидкими красителями. Эластичный кончик пера, прижимаемый с разной силой, позволяет создавать штрихи разной толщины — от мягких, тонких линий, например, в подготовительных набросках для книжных иллюстраций, до энергичных, широких. В XX веке на смену гусиным перьям пришли металлические, которые сегодня изготавливаются из высококачественной стали и имеют различную прочность.

Чернила — наиболее распространённый вид жидкого красителя, используемого в рисовании. Галловые чернила были популярны в монастырских скрипториях в средневековую эпоху иллюминированных рукописей. Другим популярным видом был бистр — легко растворимый прозрачный пигмент от светло- до тёмно-коричневого цвета, получаемый из древесной сажи. Оттенок зависит от концентрации и породы дерева: лиственные (например, дуб) дают более тёмный тон, чем хвойные (например, сосна). В эпоху барокко, когда искусство было ориентировано на живописность, тёплый тон бистра, который можно было разбавлять водой, сделал его популярным материалом для рисования пером.

Индийская тушь, получаемая из сажи твёрдых пород дерева (оливы, виноградной лозы) или из жирной ламповой копоти, с добавлением гуммиарабика в качестве связующего, также широко использовалась. Эта густая чёрная жидкость долго сохраняет свой цвет и может быть разбавлена водой до светло-серого. Спрессованная в палочки или бруски, она продавалась под названием «китайская тушь» или «индийская тушь». Эту тушь особенно ценили немецкие и голландские рисовальщики за её насыщенный цвет, который хорошо смотрелся на тонированной бумаге. С XIX века индийская тушь стала самым популярным видом чернил для рисования пером, вытеснив все остальные в технических чертёжах.

Другие жидкости для рисования включали сепию (изготавливаемую из пигмента каракатицы) и сурик (красный свинец), который использовался, в частности, для украшения инициалов и для иллюстраций пером.

Наряду с рукописными текстами, рисунки пером являются одними из древнейших художественных документов. Античные тексты иллюстрировались рисунками с сильными контурами и редкой детализацией; средневековые маргинальные рисунки и книжные иллюстрации обычно набрасывались, а иногда и полностью выполнялись пером.

В книжной миниатюре появились стили, в которых кисть использовалась в манере пера: например, в Реймсской школе каролингского искусства, известной созданием Утрехтской псалтыри IX века, а также в Южной Германии, где жанр линейного рисунка был тесно связан с Biblia Pauperum — недорогими иллюстрированными библиями для наставления в христианской вере. Тонкий контурный набросок также характерен для самых ранних самостоятельных рисунков раннего Возрождения.

В XVI веке рисунок пером достиг своего апогея. Леонардо был силён в точном штрихе своих научных рисунков; Рафаэль создавал более ровные, изящные наброски; Микеланджело рисовал короткими штрихами, напоминающими работу резцом; Тициан использовал сложную штриховку для передачи света и тени, а среди художников Северного Возрождения Дюрер освоил все возможности рисунка пером — от чисто графического, контурного подхода до техники пространственного и пластического моделирования.

В XVII веке рисунок пером стал менее популярным, уступив место комбинированным техникам, таким как отмывка (нанесение цвета кистью). Открытый стиль рисования, который лишь намечал контуры, в сочетании с контрастными тонкими и сильными штрихами, наделял саму линию выразительными качествами. В своих рисунках Рембрандт, в частности, достиг полного мастерства в рисовании тушью с отмывкой, демонстрируя тончайшие трёхмерные эффекты благодаря использованию различных слоёв штрихов, полученных с помощью комбинации перьев и кистей.

Тонколинейный метод рисования раннего Возрождения вновь обрёл популярность в эпоху неоклассицизма и романтизма в конце XVIII и начале XIX века. И назарейцы, и романтики добивались исключительных пластических эффектов чисто графическими средствами.

Затем последовал другой, более живописный этап, кульминацией которого стали работы таких художников конца XIX века, как Обри Бёрдслей (1872-1898), с их прямым контрастом чёрных и белых плоскостей. В XX веке французские мастера Анри Матисс (1869-1954) и Пабло Пикассо свели объект к простой линии, лишённой глубины или пространственной иллюзии. Многие иллюстраторы и карикатуристы также отдают предпочтение чёткому штриху пера. Среди других новаторов рисования пером в XX веке — американский художник Марк Тоби (1890-1976), известный своим каллиграфическим стилем «белого письма»; немецкий художник Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце) (1913-1951), известный своими тонкими графическими «сейсмограммами»; и Агнес Мартин (1912-2004), известная своими минималистичными сетками, нарисованными от руки.

Рисование кистью

Кисть идеально подходит для нанесения пигментов, но с доисторических времён её также использовали в рисовании. Кроме уже упомянутых чернил и туши, рисунки кистью создавались с использованием различных жидких материалов. Одним из наиболее распространённых приёмов, от античности до барокко, была синопия — предварительный набросок для монументальной росписи, выполнявшийся кистью и имеющий все характеристики подготовительного рисунка.

В целом, однако, лишь немногие рисунки выполнялись исключительно кистью. При этом она играла важную роль в пейзажах, где тонирование различной интенсивности позволяло передать пространственную глубину и силу освещения. Венецианцы Витторе Карпаччо (ок. 1465-1525/6) и Пальма иль Джоване (1544-1628), а также Пармиджанино (1503-1540), великий пионер маньеризма, были выдающимися мастерами этой техники. Некоторые голландские художники-жанристы, такие как Адриан Брауэр (1605-1638), Адриан ван Остаде (1610-1684) и Ян Стен (1625-1679), использовали кисть для создания рисунков в акварельной манере. В XVIII веке рисунки кистью Жана-Оноре Фрагонара (1732-1806) и испанца Франсиско Гойи (1746-1828) подняли это искусство на новую высоту, а в Англии такие художники, как Александр Козенс (1717-1786), Джон Констебл (1776-1837) и Уильям Тёрнер (1775-1851), использовали кисть для создания пейзажей.

Сочетание пера и кисти

Популярной является комбинация пера и кисти, где перо задаёт контуры объекта, а кисть обеспечивает пространственные и цветовые решения. Самым простым применением этого метода была иллюминация рукописей, где фигуры рисовались пером и раскрашивались кистью. Другие примеры включают нанесение белил на рисунки на тонированной бумаге для усиления освещения и, конечно же, технику отмывки. Метод комбинированного рисования пером и кистью был особенно популярен среди художников Германии и Нидерландов, особенно в кругу Дюрера и южногерманской Дунайской школы.

Вспомогательные средства

Механические вспомогательные средства, как правило, менее важны для художественного рисования, чем для других видов искусства. Среди тех, что использовались, — линейка, треугольник и циркуль, особенно в конструктивистских и перспективных работах эпохи раннего и Высокого Возрождения. Решётчатая рама помогала в построении правильной перспективы, а зеркала с уменьшающими выпуклыми поверхностями или вогнутыми линзами также использовались (особенно в XVII и XVIII веках) как вспомогательные средства, равно как и камера-обскура. (См. Глоссарий по художественной фотографии). Для уменьшения или увеличения масштаба применялся копировальный инструмент, известный как пантограф. Более специализированные задачи могли решаться с помощью эллиптических циркулей, лекал и трафаретов.

Типы рисунка

Безусловно, самое большое количество художественных рисунков в западном мире посвящено человеческой фигуре.

Портреты
Портретные рисунки обычно представляют модель в чистый профиль или в три четверти. Примерами могут служить портреты XV века работы Пизанелло или Яна ван Эйка, а также рисунок Дюрера, изображающий императора Максимилиана. Работы Жана и Франсуа Клуэ во Франции и Ганса Гольбейна Младшего в Швейцарии, а затем и в Англии, придали портретному рисунку особую самостоятельность, особенно когда он выполнялся мелом разных цветов. В XVIII веке Квентин де Латур, Франсуа Буше и Жан-Батист Шарден были выдающимися мастерами мелового портрета. Портретисты конца XIX и XX веков, более тяготевшие к психологическим аспектам портретного искусства, предпочитали более мягкие материалы, которые лучше отражали их художественные порывы. Лев Бакст, знаменитый художник по декорациям и костюмам для «Русских сезонов» Дягилева (Ballets Russes), был ещё одним превосходным рисовальщиком.

Пейзажи
К XV веку пейзаж также стал самостоятельным жанром в рисунке, о чём свидетельствуют этюдники Якопо Беллини. Однако только с появлением Дюрера в конце века пейзаж стал полностью почитаться как отдельная тема, не связанная с другими произведениями. Его рисунки, сделанные во время двух итальянских путешествий, в окрестностях Нюрнберга и во время поездки в Нидерланды, представляют собой самые ранние чисто пейзажные работы. Прошли столетия, прежде чем такие «чистые пейзажи» появились вновь.

Элементы пейзажа также появлялись в немецких и голландских рисунках и иллюстрациях XVI века, особенно в работах представителей Дунайской школы, таких как Альбрехт Альтдорфер и Вольф Хубер. Нидерландский художник эпохи Возрождения Питер Брейгель Старший также рисовал топографические виды и свободные пейзажные композиции как самостоятельные произведения.

В XVII веке пейзажные рисунки Академии дельи Инкамминати (например, работы Доменикино) смешивали классические и мифологические темы с героическими пейзажами. Французские классицисты Клод Лоррен и Никола Пуссен, жившие в Риме, также создавали идеализированные аркадские пейзажные рисунки. В Италии XVIII века топографически точный пейзажный рисунок достиг вершины с появлением ведутистов, «художников-видописцев», таких как венецианцы Каналетто (1697-1768) и Бернардо Беллотто (1720-1780), а также римлянин Джамбаттиста Пиранези (1720-1778). Пейзажные рисунки достигли второго расцвета в Англии в начале XIX века благодаря работам Уильяма Тёрнера и Александра Козенса, а во Франции эту традицию продолжили Камиль Коро и, позднее, Ван Гог.

Жанровые сцены
Имея меньшее значение для самостоятельного рисунка, чем портрет и пейзаж, фигурные композиции обычно были тесно связаны с тенденциями в живописи. Так, например, рисунки жанровых сцен были распространены в голландской реалистической школе XVII века, во Франции и Англии XVIII века, а также во Франции XIX века (Оноре Домье).

Натюрморты
Рисунки натюрмортов, особенно изображения цветов, как у амстердамского художника Яна ван Хёйсума (1682-1749), были популярны с XVII века. В некоторых из этих работ сходство с живописью очень велико; например, пастели французского художника XIX века Одилона Редона (1840-1916) или работы немецкого экспрессиониста XX века Эмиля Нольде (1867-1956) находятся на границе между рисунком и живописью.

Фантастические рисунки
Рисунки, изображающие воображаемые, сюрреалистические или визионерские темы, были популярны с давних времён, как, например, фантастические композиции Иеронима Босха. Вспомним гротески Рафаэля XVI века, аллегорические крестьянские сцены Питера Брейгеля и карнавальные офорты французского художника XVII века Жака Калло. Среди других художников, чьи рисунки выходили за рамки пейзажа и портрета: итальянский гравёр XVIII века Джамбаттиста Пиранези, англо-швейцарский художник Генри Фюзели (1741-1825), английский иллюстратор XIX века Уолтер Крейн (1845-1915), влиятельный французский художник-символист Гюстав Моро (1826-1898) и сюрреалисты XX века.

Иллюстрации
Иллюстративный рисунок может не выходить за рамки простого живописного пояснения к тексту, но даже в этом случае он может соответствовать высочайшим художественным требованиям. Великие художники снова и снова иллюстрировали библейские тексты и литературу всех видов. Известными примерами являются иллюстрации Боттичелли к «Божественной комедии» Данте и маргинальные рисунки Дюрера к молитвеннику императора Максимилиана. Некоторые художники добились большего успеха как иллюстраторы, чем как самостоятельные рисовальщики. К ним относятся немецкий гравёр XVIII века Даниэль Николаус Ходовецкий (1726-1801), карикатурист XIX века Оноре Домье (1808-1879), художник-график XIX века Вильгельм Буш (1832-1908), наиболее известный своими рифмованными сказками («Макс и Мориц»), и австрийский художник и иллюстратор Альфред Кубин (1877-1959).

Карикатуры и гротеск
С иллюстративным рисунком тесно связано искусство карикатуры, которое, преувеличивая черты человека или ситуации, создаёт мощный и выразительный образ. Примерами этого типа рисунка являются работы таких мастеров, как Аннибале Карраччи (1560-1609), который впервые ввёл слово «карикатура», Леонардо да Винчи, Дюрер и художник эпохи барокко Бернини, а также таких социальных критиков, как итальянский художник XVIII века Пьер Леоне Гецци (1674-1755), английский художник XVIII века Уильям Хогарт (1697-1764), английский карикатурист Томас Роулендсон (1756-1827), работавший в основном тушью и акварелью, француз XIX века Жан-Иньяс-Изидор Жерар, известный как Гранвиль (1803-1847), и, возможно, величайший карикатурист из всех, Оноре Домье.

Виды основы

Рисовать можно практически на любой плоской поверхности — ровной или нет, — включая папирус и пергамент, ткань, кожу животных, дерево, металл и стекло. Однако с середины XV века бумага стала самой распространённой и популярной основой.

Метод изготовления бумаги практически не изменился за последние 2000 лет. Волокнистые остатки тутовой коры, луба, конопли и льняных тряпок прессуют и сушат в плоских формах. Введение древесной целлюлозы в середине XIX века не было направлено на производство художественной бумаги, поскольку бумага с большим содержанием древесины быстро желтеет и поэтому плохо подходит для рисования.

Изначально, чтобы придать бумаге гладкую и ровную поверхность, её натирали костяной мукой или гипсовым мелом в очень тонком растворе клея и гуммиарабика. Но с конца XV века тот же эффект достигается путём погружения бумаги в клеевую или квасцовую ванну.

В бумажную массу также добавляли пигменты и красители; особенно популярной была синяя «венецианская бумага». В XVII веке предпочитали полутона синего, а также серые, коричневые и зелёные оттенки; в XVIII веке наряду с синим стали популярны тёплые цвета, такие как бежевый или слоновая кость. С XVIII века художественная бумага выпускается практически всех мыслимых цветов и оттенков, а её качество значительно возросло.

Зернистые и более мягкие материалы для рисования, такие как мел, уголь и графит, не так зависят от конкретного типа бумаги (как, например, акварель, пастель или перо и тушь), но из-за их слабой клейкости им часто требуется более прочное сцепление с основой, а также определённая защита поверхности.

Краткая история рисунка

Рисование зародилось в пещерах и скальных укрытиях в эпоху каменного века, когда острые камни использовались для создания доисторических гравюр, а древесный уголь применялся для таких произведений, как рисунок углём Наварла Габарнманг (26 000 лет до н.э.). В западном искусстве история рисунка как самостоятельного художественного произведения, а не просто предварительного наброска, началась в конце XIV века. Неудивительно, что величайшие рисовальщики были также выдающимися живописцами, иллюстраторами или гравёрами, поэтому центры и периоды наибольшей активности в рисовании обычно совпадали с центрами и эпохами других видов изобразительного искусства.

К северу от Альп наиболее выдающимися ранними рисовальщиками считаются неизвестный в других отношениях немецкий Мастер Домовой книги конца XV века (названный так по серии рисунков, содержащихся в домовой книге, обнаруженной в замке Вольфегг) и его современник Мартин Шонгауэр (1430-1491). Дюрер стал образцом творческой точности и методичности, характерных для немецкого Возрождения. Неутомимый рисовальщик, он овладел всеми техниками и оказал огромное и долгосрочное влияние. Пейзажные рисунки Дюрера, а также Альтдорфера и Губера демонстрируют удивительное чувство природы, которое можно назвать романтическим. Гуманистические портреты Ганса Гольбейна Младшего также оказали значительное влияние на современников, как и более строгие по линии портреты французских художников, отца и сына, Жана (1485-1540) и Франсуа (1510-1572) Клуэ.

Тем временем, к югу от Альп, рисунок переживал ещё более революционную фазу в рамках итальянского Возрождения.

Как итальянский Ренессанс повлиял на рисунок

До XIV века рисунок редко ценился как самостоятельный вид искусства. Он рассматривался лишь как подготовительный этап для создания картины или скульптуры. Итальянский художник Ченнино Ченнини (ок. 1369-1440 гг.) отдал ему должное, назвав вратами к успешной живописи, но только после итальянского Возрождения и появления таких художников, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, столетие спустя (наряду с большей доступностью бумаги), он стал самостоятельным видом искусства. Подробнее см: Лучшие рисунки эпохи Возрождения.

Раннее итальянское Возрождение стало свидетелем значительного развития мастерства в передаче перспективы как в рисунке, так и в живописи.

Любое натуралистическое искусство с изображением пространства нуждается в передаче глубины. То есть фон должен казаться отдалённым по отношению к переднему плану. Термин линейная перспектива обозначает способ создания глубины, при котором объекты на плоском рисунке кажутся более далёкими. Решающее значение имеет контроль «точки схода», в которой сходятся линии с точки зрения художника. Среди итальянских художников эпохи Возрождения, которые впервые применили правила линейной перспективы, можно назвать: Андреа Мантенью (1431-1506), Пьеро делла Франческу (1420-1492) в его картине «Бичевание Христа» (ок. 1470) и Рафаэля (1483-1520) в его работе «Афинская школа» (ок. 1509).

Художники раннего Возрождения (ок. 1400-90)

Итальянское Возрождение XV века стало свидетелем огромного количества экспериментов с различными материалами и основами. Вот краткий список итальянских рисовальщиков и их работ.

Фра Анджелико использовал перо и чернила с размывкой в работе «Пророк Давид, играющий на псалтири» (1430), которая сейчас находится в Британском музее, Лондон; Антонио Пизанелло использовал перо, тушь и акварель для его «Дикого кабана» (1434, Лувр); Якопо Беллини использовал свинцовый штифт для «Видения святого Евстафия» (1445, Британский музей, Лондон); Фра Филиппо Липпи использовал металлический штифт и коричневую отмывку поверх чёрного мела, усиленную белилами на подготовленной бумаге лососёвого цвета для «Стоящей святой» (ок. 1440, Британский музей); Беноццо Гоццоли использовал белила и коричневую гуашь поверх металлического штифта на бумаге цвета охры для своей «Головы монаха» (1447, Музей Конде, Шантийи); Андреа Мантенья использовал перо и тушь поверх следов чёрного мела для создания «Человека, лежащего на каменной плите» (1470-е годы, Британский музей); Андреа дель Верроккьо использовал перо и тушь для создания «Пяти этюдов младенцев» (1470-е годы, Лувр); Сандро Боттичелли использовал перо, тушь и слабую коричневую отмывку поверх чёрного мела на бумаге с розовым оттенком, усиленную белилами, для создания «Изобилия» или «Осени» (1480-е годы, Британский музей). См. также: Возрождение во Флоренции.

Художники Высокого Возрождения (ок. 1490-1530 гг.)

Лука Синьорелли использовал чёрный, красный и белый мел, а также коричневые чернила для своего «Этюда к „Ростовщику в проповеди Антихриста из Орвието“» (1500, Лувр); Леонардо да Винчи использовал кисть с серой темперой и белилами на льне для создания «Этюда драпировки для сидящей фигуры» (1470-е годы, Лувр); он использовал перо и тушь для «Поклонения волхвов» (1481) и чёрный, красный и охристый мел с белилами для «Портрета Изабеллы д’Эсте» (1499); Микеланджело использовал красный мел для своих рисунков «Этюд торса Амана» (1511, Британский музей) и «Этюд Адама» (ок. 1511, Британский музей), а также чёрный мел со следами белил для его рисунка «Иньюдо» (ок. 1511 г.); Рафаэль использовал красный мел для «Этюдов для Мадонны Альбы» (1509), чёрный мел для «Этюдов для алтаря Николая Толентинского» (1500) и металлический штифт для «Голов Мадонны и младенца» (1504). См. также: Ренессанс в Риме.

XVI век

Рисунок позднего Возрождения периода маньеризма (ок. 1520-1600) нашёл отражение в работах Якопо Понтормо (1494-1556) во Флоренции, Пармиджанино (1503-1540) в северной Италии и Тинторетто (1518-1594) в Венеции — все они использовали металлический штифт и перо как основные средства выражения. Их рисунки были тесно связаны с их живописью как по содержанию, так и по графическому методу чувствительных контуров и смелых ракурсов.

XVI-XVII века

Важным центром искусства конца XVI века была Болонья, где Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино Карраччи и двоюродным братом Лодовико Карраччи основал «Академию дельи Дезидерози» (позже переименованную в «Академию дельи Инкамминати»), которая стала ядром болонской школы живописи (ок. 1590-1630). Академия Карраччи отстаивала классический стиль искусства, в котором большое значение придавалось тщательному, прочному рисунку. См: Классицизм и натурализм в итальянской живописи.

XVII век

В начале XVII века Жак Калло (1592-1635) приобрёл известность во французском искусстве не в последнюю очередь благодаря своим графическим иллюстрациям Тридцатилетней войны. Во фламандском Антверпене Питер Пауль Рубенс (1577-1640) создал множество этюдов и набросков, которые составляют неотъемлемую часть его творчества. Для распространения своих живописных тем он содержал собственную школу рисовальщиков и гравёров, учениками которой были Якоб Йорданс и Антонис Ван Дейк. Голландский художник Геркулес Сегерс (1590-1633) отличался огромной изобретательностью в интерпретации ветхозаветных мотивов и широким владением всеми техниками рисования.

Большинство живописцев золотого века Голландии XVII века, включая Брауэра, Ван Остаде, Питера Санредама (1597-1665), Паулюса Поттера (1625-54) и несравненного Рембрандта (1606-1669), были также заядлыми рисовальщиками, фиксировавшими свои тематические идеи в рисунках, которые в основном были завершёнными работами. В Италии XVII века рисунок был полностью включён в учебные программы академий изящных искусств, в частности, в Болонье, Флоренции и Риме. Также значительным было развитие пейзажного рисунка, начатое братьями Карраччи, Доменикино и Сальватором Розой (1615-1673). Французский художник из Рима Клод Лоррен пошёл дальше и практически создал свой собственный жанр итальянского пейзажа под открытым небом. Рисованием на пленэре занимались также французский классицист Никола Пуссен, голландские художники Ян Асселин (1610-1652), Клас Берхем (1620-1683), Карел Дюжарден (1622-1678) и другие.

XVIII век

Во Франции Жан-Антуан Ватто, как и многие другие, делал рисунки, чтобы «держать руку на пульсе» для своей живописи: большинство фигур на его картинах были основаны на более ранних набросках. Более энергичными были художники XVIII века Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Юбер Робер и Габриэль де Сент-Обен, чьи рисунки охватывали пейзажи, фигуративные этюды и жанровые работы.

В Венеции XVIII века за исключительными архитектурными рисунками Каналетто последовал ряд ярких рисунков пером и кистью Джамбаттисты Тьеполо (1692-1770) и его семьи. Затем архитектор Джамбаттиста Пиранези создал свои мощные рисунки интерьеров зданий и жутких сводов («Темницы»). В конце XVIII века испанский художник Гойя создал свои новаторские рисунки кистью и сангиной, сочетающие световые эффекты рисунков Тьеполо с драматизмом кьяроскуро в стиле Рембрандта.

XIX век

В начале XIX века сформировался стиль рисунка, в котором вновь подчёркивался линейный элемент. Одним из его великих мастеров был художник-академист Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780-1867). Немецкие назарейцы, а также романтики, такие как Филипп Отто Рунге (1777-1810) и Каспар Давид Фридрих (1774-1840), были лишь немного менее строги в использовании твёрдых материалов. Среди других рисовальщиков с линейным уклоном были английский прерафаэлит Джон Эверетт Милле (1829-1896), американский реалист Томас Икинс (1844-1916), а также такие парижские мастера, как Пикассо, Матисс и Модильяни. Тем временем в рисунках Домье использовались живописные эффекты кьяроскуро для создания ярких произведений социальной критики.

Франция в целом и Париж в частности продолжали оставаться ведущим центром искусства рисунка, примером чего служат выдающиеся и новаторские работы Дега (1834-1917), Тулуз-Лотрека (1864-1901), Ван Гога (1853-1890) и Сезанна (1839-1906). Идиома модерна с её извилистыми линиями и негеометрическими кривыми была ярко представлена в рисунках Обри Бёрдслея.

XX век

Немецкие художники-экспрессионисты развивали особенно экспрессивные стили рисования с сильными контурами и преувеличенными формами. Яркие примеры можно найти в работах Эрнста Барлаха (1870-1938), Кете Кольвиц (1867-1945), Альфреда Кубина, Эрнста Людвига Кирхнера (1880-1938), Карла Шмидта-Ротлуфа (1884-1976), Макса Бекмана (1884-1950), Оскара Кокошки (1886-1980) и Георга Гроса. Среди других выдающихся рисовальщиков — Василий Кандинский (1866-1944) с его абстрактными композициями, Пауль Клее (1879-1940) с его возвышенными рисунками пером и тушью, и австрийский виртуоз Эгон Шиле (1890-1918) с его смелыми работами, а также наш современник Люсьен Фрейд (1922-2011).

Рисунок был особенно важен в творчестве художников Парижской школы, таких как Пьер Сулаж (р. 1919) и Ханс Хартунг (1904-1989). Конечно, самым плодовитым рисовальщиком Парижской школы был Пабло Пикассо — художник, который в совершенстве владел всеми техническими возможностями рисунка. Он, возможно, величайший рисовальщик XX века и один из величайших в истории искусства.