Рисунок читать ~34 мин.

В изобразительном искусстве термин «рисунок» можно определить как линейную реализацию визуальных объектов, концепций, эмоций и фантазий, включая символы и даже абстрактные формы. Рисование – это графическое искусство, в котором упор делается на форму, а не цвет, как в живописи. Рисование сильно отличается от процессов создания графической гравюры, потому что, хотя рисунок может служить основой для копирования, он по самой своей природе уникален.

От рисунка зависит большинство других видов искусства. Таким образом, хотя не каждой картине, мозаике, гобелену или другому произведению искусства предшествовал рисунок в виде предварительного эскиза, рисунок в действительности является основой всех изобразительных искусств.

Например, архитектурный чертёж является основой для всех строительных конструкций; разметка, нанесённая на необработанный каменный блок, является основой для возникающей скульптуры; первоначально большинство картин вырастает из предварительных эскизов – только по мере продвижения работ они закрепляются в цвете. Кроме того, растущее число исследований показывает, что рисунки составляют материальную основу фресок, панно, книжных иллюстраций, статуй, офортов, гравюр, мозаик, витражей и многих других форм декоративного искусства. Такие подготовительные эскизы могут быть ограничены широкими ориентирами или могут регулировать всю работу вплоть до мельчайших деталей.

Рисунок также является самостоятельным видом искусства
Кроме того, как самостоятельный отдельный вид искусства, рисунок предлагает широчайшие возможности для творческого самовыражения. Тела, пространство, глубина, трёхмерность и даже движение могут быть показаны с помощью рисунка. Кроме того, рисунок выражает личность рисовальщика спонтанно в потоке линии, что делает его одним из самых личных художественных высказываний.

Средства рисования
Рисунки могут быть выполнены с использованием широкого спектра инструментов для рисования, включая перо и тушь, уголь, мелки, пастель, металлическую и серебряную точки, графит, цветные мелки, а также гравёр, буравчик или офортную иглу для резаных видов рисунка. Другими альтернативами являются восковые или карандаши конте, маркеры, графитовые палочки и различные виды чернильных ручек. Самой обычной основой (материал, на котором нарисовано изображение), очевидно, является бумага, но другие варианты включают деревянные панели, картон, папирус, холст, кожу, пергамент (телячью кожу), текстиль – даже пластик или металл. Рисунки из смешанных материалов – это рисунки, выполненные с использованием комбинации этих материалов.

Рисунок против живописи
Граница между рисунком и живописью всегда была несколько размыта. Например, китайское искусство, выполняемое кистью на шёлке или бумаге, так же близко к рисунку, как и к живописи (например, Каллиграфия). В некоторых иллюминированных рукописях Средневековья, таких как Утрехтская псалтырь, есть рисунки пером и тушью такой свободы линий, что они напоминают современные карикатуры и фактически выполняют ту же функцию, что и живопись. Тем не менее, рисунок как самостоятельный вид искусства появился только в искусстве Ренессанса кватроченто (XV век). До этого времени рисунок (disegno) считался ниже живописи (colorito). См. также: Оценка искусства: Как оценивать искусство.

Эксперты по рисованию
Слово рисовальщик (или чертёжник) является обычным термином для обозначения художника, занимающегося рисованием. Примерами высочайшего мастерства рисования, особенно фигуративного рисования, являются работы старых мастеров, таких как Леонардо да Винчи, Микеланджело, Альбрехт Дюрер, Питер Пауль Рубенс, Рембрандт, Жак Луи Давид, и других знаменитых художников, таких как: Оноре Дюмье, Эдгар Дега, Эгон Шиле, Макс Бекман, Дэвид Хокни, Люсьен Фрейд и др.

Категории рисунка
В общем смысле рисунок включает в себя 3 основные категории: Случайный рисунок, (каракули, наброски): это незаконченные и обычно нерафинированные композиции. Эти рисунки не имеют постоянной функции. Подготовительный рисунок: обозначает создание конкретного изображения или серии изображений, составляющих всю или часть композиции, которую художник намерен завершить добавлением пигментного цвета (краски, цветные чернила и т.д.). Законченный рисунок: обозначает законченное самостоятельное произведение, такое как иллюстрация, карикатура, шарж или графический дизайн.

Тематика
Рисовальщики включают в свои композиции все типы изображений, в том числе изображения людей и животных во всех жанрах, таких как повествовательные исторические изображения, портреты, карикатуры и жанровые сцены, а также пейзажи или композиции натюрмортов. Некоторые рисовальщики специализируются на точном воспроизведении существующих или предлагаемых зданий (архитектурный рисунок), кораблей (морской рисунок), цветов (ботаническая иллюстрация), лошадей (конный рисунок), или животных, а также абстрактных композиций от кубизма до типографских или каллиграфических композиций.

Методы рисования

Для рисования можно использовать огромное количество инструментов и приспособлений, включая грифельные карандаши, металлические щупы, уголь и мелки, а также традиционные ручки, карандаши и кисти, перьевые ручки, шариковые ручки и фломастеры; более того, для рисования используются даже зубила и алмазы. См. также Автоматизм в искусстве о его автоматическом рисовании.

Древесный уголь

Частично использованные куски дерева использовались ещё со времён доисторического искусства, когда художники палеолита создали удивительную наскальную живопись, которую можно было найти в Шове, Ласко и Альтамире. Традицию поддерживали старые мастера, чьи подготовительные рисунки углём для фрески, панно и даже миниатюрной живописи всё ещё иногда можно увидеть под пигментом. Рисование углём обычно даёт пористый и не очень липкий штрих. Заострённый угольный карандаш может чертить исключительно тонкие линии; при использовании борта на поверхности он создаёт плоскости с равномерным тоном. Растирание и растушёвывание линии древесного угля приводит к получению неярких промежуточных оттенков и нежных переходов. Уголь из-за своей небольшой адгезии идеально подходит для корректирующих эскизов, но для сохранения рисунка его необходимо защитить фиксатором.

В качестве средства для быстрых зарисовок с натуры уголь широко использовался в художественных академиях и мастерских. Сложные позы, которые Тинторетто требовал от своих моделей, можно было быстро и легко запечатлеть с помощью адаптируемого угольного карандаша. (Подробнее о рисунках Тинторетто см.: Венецианский рисунок 1500-1600 гг.) Уголь также широко использовался в подготовительных эскизах для портретной живописи. На его рисунке углём Портрет дамы, французскому художнику Эдуару Мане (1832–1883) удалось запечатлеть фактуру дерева на кресле, меховую оторочку на платье, компактность причёски и мягкость тела. Голландский художник 17-го века Паулюс Поттер (1625-1654) был ещё одним выдающимся представителем, равно как и великие рисовальщики XIX-XX веков, такие как Тулуз-Лотрек (1864-1901), Эдгар Дега (1834-1917), Кэте Коллвиц (1867-1945) и Эрнст Барлах (1870-1938).

С промасленным углём, то есть угольными карандашами, смоченными в льняном масле, художники получили лучшую адгезию и более глубокий чёрный цвет. Используемая в 16 веке Тинторетто, эта техника была особенно популярна среди голландских художников-реалистов 17 века, чтобы расставить акценты глубокого чёрного цвета. Однако в обмен на лучшее сцепление углублений на бумаге исправление становится более трудным. Кроме того, угольные мелки, которые были глубоко пропитаны маслом, оставляют коричневатые полосы вдоль линий.

Мелки

Мел – не менее важное средство рисования. Если уголь – это прежде всего средство для быстрого исправления эскизов, рисование мелом может добиться и многого другого. С начала 16 века каменный мел, встречающийся в природе, становится всё более популярным в художественном рисовании. Как природный материал, мел глинозёма имеет разную степень твёрдости, поэтому ход может быть от слегка зернистого до однородно плотного и гладкого. Стремление к однородному качеству привело к производству специальных мелков для рисования – мел, который после измельчения, промывания и формования в виде удобных палочек обеспечивает более мягкий и регулярный ход, а также не содержит песчаных частиц. Добавление пигментов создаёт различные оттенки от насыщенного чёрного до коричневато-серого. По сравнению с широко используемым чёрным мелом коричневый цвет не имеет большого распространения. Белый мел, который также встречается в природе, почти никогда не используется в качестве самостоятельного средства для рисования, хотя он часто используется в сочетании с другими средами для достижения отдельных акцентов отражённого света.

Начиная с 15 века мел все чаще используется для этюдов и зарисовок. Его пригодность для черчения точных линий заданной ширины и создания тонких оттенков делает его особенно подходящим для моделирования набросков. Из-за этих свойств мел является особенно хорошим средством для автономных рисунков, и вряд ли найдётся рисовальщик, который не работал бы с мелом, часто в сочетании с другими средствами. Кроме портретных рисунков, пейзажи стали основной темой рисунков мелом, особенно у голландцев. С тех пор, как был изобретён искусственный мел, сделанный из тонкой, тускло-чёрной сажи, известной как ламповая чернь – изобретение, приписываемое Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописные качества мела были полностью изучены. Диапазон мелов простирается от сухих углеподобных до жирных, используемых литографами.

Сангина, карандаш для рисования, изготовленный из мела и окиси железа, был популярным средством рисования в XV веке благодаря своим богатым красочным возможностям. Он был популярен у Микеланджело, Рафаэля и Андреа дель Сарто (1486-1531), а Леонардо да Винчи использовал его в своих набросках для Тайной вечери: см. также «Профиль с восточным головным убором» Микеланджело (1522, Музей Ашмолеан, Оксфорд). Среди других художников, использовавших сангину, были портретисты Жан Клуэ и Ганс Гольбейн, представители фламандской школы Питера Пауля Рубенса и, прежде всего, французские художники XVIII века, такие как Ватто, Николя Ланкре, Жан-Этьен Лиотар, Жак-Андре Понаи и Франсуа Буше. Шотландский портретист XVIII века Аллан Рамси был заядлым пользователем подготовительных меловых рисунков для своих портретов. Сангина обеспечивала ещё большую дифференциацию цветов при использовании в сочетании с чёрными и белыми мелками на цветной бумаге.

Рисунки мелом также ассоциируются с современными рисовальщиками, такими как Эдгар Дега, Одилон Редон, Гюстав Моро, Жан-Эдуард Вюйар и Пьер Боннар, а также с художниками-экспрессионистами, такими как Эдвард Мунк и Эрнст Людвиг Кирхнер.

Пастель

Ещё большее улучшение цвета возможно с пастельными мелками, сделанными из порошковых пигментов, смешанных с минимальным количеством нежирного связующего. Когда краски наносятся на бумагу, они неизменно выглядят свежими и яркими, хотя их необходимо предохранять от рассеивания, храня под стеклом. Пастельные тона можно наносить линейной техникой непосредственно мелками или пальцами на участок бумаги. Пастель возникла на севере Италии в 16 веке и использовалась Якопо Бассано (1515-1592) и Федерико Бароччи (1526-1612). Рисунок пастелью был известен Академии дельи Инкамминати не позднее 17-го века, хотя как вид искусства он не достиг своего апогея до 18-го века, особенно во Франции (с Жаном Марком Наттье, Морисом Кантеном де Латуром, Жаном-Батистом Перронно и Жаном Шарденом) и в Венеции (с Розальбой Каррьерой). Пастельные мелки особенно любили портретисты.

Металлические точки

Техника металлического острия использовалась для письма и очерчивания с древних времён, поэтому требовалось немного воображения, чтобы использовать её также и в рисовании. Художники используют тонкий инструмент (стержень или стилус) из чистого мягкого металла, такого как свинец, серебро, олово, медь, а также из различных сплавов свинца и олова. Наиболее часто используемым материалом был мягкий свинец, который при использовании на гладкой поверхности даёт бледно-серую линию; он не очень насыщенный по цвету, легко стирается, поэтому идеально подходит для подготовительных зарисовок.

Подготовка бумаги была жизненно важна для видимости линии. Во времена Ренессанса чистый лист обычно покрывали слоями жидкой смеси из мелко истолчённого мела, костяного гессо или свинцовых белил, подкрашенных пигментом и скреплённых шкурным клеем и желатином. И все металлические острия, кроме свинцового острия, требуют грубой рабочей поверхности. Одним из лучших ранних источников по искусству металлопластики является книга эскизов венецианского художника XV века Якопо Беллини (1400-1470), в которой содержится ряд рисунков, выполненных свинцовыми точками на тонированной бумаге. Флорентийский художник Боттичелли использовал свинцовую точку для набросков контуров своих знаменитых иллюстраций к «Божественной комедии» Данте, после чего повторил их пером.

Постоянный рисунок лучше всего получается с помощью серебряного острия, так как после нанесения его невозможно стереть. Таким образом, рисунки серебряным карандашом требуют более чёткого представления о форме и твёрдой руки, так как все исправления остаются видимыми. Трёхмерность и изображение света должны быть представлены либо плотной штриховкой, либо пробелами, либо дополнены другими средствами. Несмотря на эти трудности, серебряная точка была очень популярна в 15 и 16 веках. Альбрехт Дюрер использовал серебряную точку для зарисовок пейзажей, портретов и различных предметов, которые привлекли его внимание во время одного путешествия в Голландию. Серебряное острие также было популярно среди художников-портретистов с XV по XVII век. Позже оно возродилось в эпоху романтизма, и до сих пор иногда используется современными художниками. Металлические точки продолжали использоваться и в XVIII веке, в частности, в архитектурных рисунках.

Графитовая точка

В конце 16 века появился новый способ рисования, который быстро заменил металлическое перо для набросков и предварительного рисования. Этот носитель для рисования, известный как графитовая точка – или «испанский грифель» по месту его происхождения, получил широкую популярность, хотя из-за своей мягкой консистенции он использовался в основном для подготовительных эскизов, а не для автономных рисунков. Графитовая точка породила графитовый карандаш после открытия Николя-Жаком в 1790 году производственного процесса, аналогичного тому, который используется при производстве искусственного мела. Очищенный и промытый графит отныне можно было производить практически любой степени твёрдости. Твёрдые кончики карандашей с их прочными, чёткими и тонкими штрихами особенно подходили для целей художников-неоклассиков. Среди величайших представителей рисовальщиков карандашом был академический художник Жан Доминик Энгр, который использовал систематические карандашные рисунки в качестве основы для своих картин маслом.

Со временем появилось множество техник рисования карандашом. Художники конца 19 века, такие как Эжен Делакруа (1798-1863), предпочитали более мягкие карандаши, чтобы усилить глубину и трёхмерный эффект определённых областей рисунка. Жорж Сёра (1859–1891) использовал графит в своих рисунках (например, «На европейском концерте», Музей современного искусства, Нью-Йорк), в которых он перевёл свою пуантилистскую технику в монохромный рисунок. Другой инновационной техникой был карандашный фроттаж (растирание по бумаге, которое затем накладывается на шероховатую поверхность), впервые исследованный художником-сюрреалистом Максом Эрнстом (1891-1976).

Рисование пером

Из множества способов переноса жидких красителей на плоскую поверхность для художественного рисунка особенно важны два: кисть и перо. Если кисть представляет собой более древний способ, восходящий к палеолитическому искусству, то перо является излюбленным инструментом для письма и рисования со времён классической античности.

Функциональность пера остаётся практически неизменной на протяжении нескольких тысячелетий. Капиллярный эффект раздвоенного наконечника наносит жидкость на поверхность грунта (первоначально пергамента или папируса, а с позднего средневековья – почти исключительно бумаги) в различном количестве в зависимости от насыщенности пера и давления, оказываемого рисующей рукой. Самым древним типом пера является тростниковое перо. Вырезанное из папируса, бамбука или осоки, оно использует как резервуар с жидкостью свою полую внутреннюю часть. Его штрих обычно мощный, твёрдый, иногда вильчатый в результате сильного давления на раздвоенный кончик. Рембрандт был выдающимся мастером сильных, пластичных акцентов тростникового пера, обычно дополняя его другими перьями или кистями. В течение 19 века, начиная с голландского художника Винсента Ван Гога, чистые рисунки тростниковой ручкой в экспрессионистском стиле были созданы несколькими художниками, включая дадаиста и сатирического немецкого экспрессиониста Георга Гроша (1893-1959). См. также: Иллюстративное искусство.

Перо предлагает широкий спектр художественных возможностей. Со времён позднего Средневековья перо было самым распространённым инструментом для нанесения жидких красителей на поверхность рисунка. Эластичный кончик пера, прижатый с разной силой, позволяет делать относительно широкую шкалу отдельных штрихов – от мягких, тонких линий, например, используемых в подготовительных набросках для иллюстраций в иллюминированных книгах, до энергичных, широких линий. В 20 веке на смену перьям пришли металлические ручки, которые сегодня изготавливаются из высококачественной стали и имеют различную прочность.

Чернила являются наиболее распространённой формой жидкого красителя, используемого в рисовании. Галловые чернила были популярны в монастырских скрипториях в средневековую эпоху иллюминированных рукописей. Другими чернилами, ставшими популярными, был бистр – легко растворимый прозрачный пигмент от светло- до тёмно-коричневого цвета, получаемый из сажи, которой покрывают трубы для сжигания древесины. Оттенок его цвета зависит от концентрации и породы древесины, из которой он получен. Лиственные породы (например, дуб) дают более тёмный оттенок, чем хвойные, такие как сосна. В период барокко, когда искусство было ориентировано на живопись, тёплый тон, который можно произвольно утончать, сделал бистр популярным средством для рисования пером.

Также индийские чернила, получают из сажи исключительно твёрдых пород дерева, таких как оливковая или виноградная лоза, или из жирной лампадной черноты нефтяного пламени, с добавлением камеди арабика в качестве связующего вещества. Эта густая чёрная жидкость долго сохраняет свой тёмный цвет и может быть разбавлена водой до светло-серого цвета. Спрессованная в палочки или бруски, она продавалась под названием «китайская тушь» или «индийская тушь». Эта тушь для рисования особенно нравилась немецким и голландским рисовальщикам из-за своего насыщенного цвета, который делал её особенно пригодной для использования на тонированной бумаге. Начиная с 19 века, индийские чернила стали самым популярным видом чернил для рисования пером, вытеснив все другие альтернативы в технических эскизах.

Другие жидкости для рисования включали сепию, изготовленную из пигмента каракатицы, сурик (красный свинец) – использовался, в частности, для украшения начальных букв, а также для иллюстрации пером.

Наряду с письменными рукописными текстами, рисунки пером являются одними из древнейших художественных документов. Классические тексты иллюстрировались сильными контурами и редкими деталями; средневековые маргинальные рисунки и книжные иллюстрации обычно предварительно набрасывались, а то и финишно выполнялись пером.

В книжной живописи появились стили, в которых кисть также использовалась в манере рисунка пером: например, в Реймсской школе каролингского искусства, отмеченной созданием Утрехтской псалтыри IX века , а также в Южной Германии, где отдельный иллюстративный жанр с использованием линейных рисунков был тесно связан с Biblia Pauperum – недорогими библейскими книгами с картинками, использовавшимися для наставления большого количества людей в христианской вере. Тонкий контурный набросок также характерен для самых ранних автономных рисунков раннего Возрождения.

В 16 веке рисунок пером достиг своего апогея. Леонардо был силён особенно точным штрихом своих научных рисунков; Рафаэль делал более регулярные, изящные наброски, а Микеланджело рисовал короткими штрихами, напоминающими работу резцом; Тициан использовал сложную штриховку для обозначения светлого и тёмного, а среди художников Северного Возрождения Дюрер освоил все возможности рисунка пером, от чисто графического, очеркового подхода до техники пространственного и пластического моделирования.

В XVII веке рисунок пером стал менее популярным, чем другие комбинированные техники, такие как отмывка (мазок или брызги цвета), наносимые кистью. Открытый стиль рисования, который лишь намекал на контуры, в сочетании с контрастными тонкими и сильными штрихами, наделял саму линию выразительными качествами. В своих рисунках Рембрандт, в частности, достиг полного мастерства в рисовании тушью и смывкой, демонстрируя тончайшие трёхмерные эффекты благодаря использованию различных слоёв штрихов, полученных с помощью комбинации различных перьев и кистей.

Тонколинейный метод рисования раннего Возрождения вновь обрёл популярность в эпоху неоклассического искусства и романтизма в конце 18-го и начале 19-го века. И назарейцы, и романтики, например, добивались исключительных трёхмерных пластических эффектов чисто графическими средствами.

Затем последовал другой, более живописно ориентированный этап, кульминацией которого стали работы таких художников конца XIX века, как Обри Бердсли (1872-1898), применявших прямой черно-белый контраст плоскостей, а в XX веке французские мастера Анри Матисс (1869-1954) и Пикассо свели объект к простой линии без какой-либо глубины или другой пространственной иллюзии. Многие иллюстраторы, а также карикатуристы отдают предпочтение чёткому штриху пера. Среди других новаторов рисования пером в 20 веке – американский художник-востоковед Марк Тоби (1890-1976), известный своим каллиграфическим стилем «белого письма»; немецкий художник Вольс (Альфред Отто Вольфганг Шульце) (1913-1951), известный своими тонкими графическими сейсмограммами; и Агнес Мартин (1912-2004), известная своими тонкими минималистскими сетками, нарисованными от руки.

Рисование кистью

Кисть идеально подходит для нанесения пигментов на плоскую поверхность, но с доисторических времён её также использовали в рисовании. В дополнение к вышеупомянутым чернилам для рисования, которые использовались вместе с кистью и пером, рисунки кистью также создавались с использованием сочетаний жидкостей. Одним из наиболее распространённых художественных приёмов, используемых от классического греческого искусства до барокко, была Синопия, обычный предварительный набросок для монументальной росписи. Выполненный кистью, он имеет все характеристики подготовительного рисунка.

В целом, однако, лишь немногие рисунки выполнялись исключительно кистью, хотя она играла важную роль в пейзажах, в которых с помощью тонирования различной интенсивности она давала полный спектр пространственной глубины и силы освещения. Венецианцы Витторе Карпаччо (ок. 1465-1525/6) и Пальма иль Джоване (1544-1628), а также Пармиджанино (1503-1540), великий пионер маньеризма, были известными выразителями этой техники. Некоторые голландские художники-жанристы, такие как Адриан Брувер (1605-1638), Адриан ван Остаде (1610-1684) и Ян Стен (1625-1679), использовали кисть для создания ряда рисунков в стиле акварели. В XVIII веке рисунки кистью Фрагонара (1732-1806) и испанца Франсиско Гойи (1746-1728) подняли это искусство на новую высоту, а в Англии такие художники, как Александр Козенс (1717-1786), Джон Констебл (1776-1837) и Уильям Тёрнер (1775-1851), использовали кисть для создания пейзажей.

Сочетание пера и кисти

Популярной комбинацией является комбинация пера и кисти, когда перо очерчивает контуры, обозначающие объект, а кисть обеспечивает пространственные и цветовые значения. Самым простым комбинированным применением этого метода было иллюминация рукописей, когда фигуры рисовались пером и должным образом заполнялись цветом с помощью кисти. Другие примеры сочетания кисти и пера включают нанесение белого пигмента на рисунки на тонированной бумаге, усиление освещения (изображения как свет падает на предметы) и, конечно же, смывка. Метод комбинированного рисования пером и кистью был особенно популярен среди рисовальщиков Германии и Нидерландов, особенно в среде Дюрера и южногерманской Дунайской школы.

Вспомогательные средства для рисования

Механические вспомогательные средства, как правило, гораздо менее важны для художественного рисования, чем для других видов искусства. Среди тех, которые использовались, – линейка, треугольник и компас, особенно в конструктивистских и перспективных работах раннего и высокого Возрождения. Решётчатая рама использовалась для помощи в создании правильной перспективы, а зеркала с уменьшающими выпуклыми поверхностями или вогнутыми линзами также использовались (особенно в XVII и XVIII веках) как вспомогательные средства для рисования, как и камера-обскура. (См. Глоссарий по художественной фотографии) Уменьшение или увеличение масштаба может быть сделано с помощью кальки, известной как пантограф. Более специализированные задачи могут быть решены с помощью эллиптических компасов, кривых линеек и трафаретов.

Типы рисования

Безусловно, самое большое количество художественных рисунков в западном мире связано с человеческой фигурой.

Портреты
Портретные рисунки обычно включают чистый профиль и профиль в три четверти. Примерами могут служить портреты XV века, выполненные Пизанелло или Яном ван Эйком, а также рисунок Дюрера, изображающий императора Максимилиана. Работы Жана и Франсуа Клуэ во Франции и Ганса Гольбейна Младшего в Швейцарии, а затем и в Англии, придали особую самостоятельность портретному рисунку, особенно когда он выполнялся мелом различных цветов. В 18 веке Квентин де ЛаТур, Франсуа Буше и Жан-Батист Шарден были известными выразителями мелового портрета. Портретисты конца XIX и XX веков, более тяготевшие к психологическим аспектам портретного искусства, предпочитали более мягкие мелки, которые легче отражали их художественные порывы. Леон Бакст, знаменитый художник по декорациям и костюмам Дягилева и Русского балета, был ещё одним превосходным рисовальщиком.

Пейзажи
К 15 веку пейзаж также стал приемлемым предметом для отдельного рисунка, о чем свидетельствуют этюдники Якопо Беллини 15 века. Однако только после появления Дюрера в конце века пейзаж стал полностью почитаться как самостоятельная тема без отсылки к другим произведениям. Его рисунки двух итальянских путешествий, Нюрнбергского региона и путешествия в Нидерланды представляют собой самые ранние чисто пейзажные рисунки. Должны были пройти столетия, прежде чем такие «чисто пейзажные» рисунки появились вновь.

Элементы пейзажа также появлялись в немецких и голландских рисунках и иллюстрациях XVI века, особенно в работах представителей Дунайской школы, таких как Альбрехт Альтдорфер и Вольф Хубер. Нидерландский художник эпохи Возрождения Питер Брейгель Старший также рисовал топографические виды, а также свободные пейзажные композиции, в обоих случаях как самостоятельные произведения.

В XVII веке пейзажные рисунки Академии дельи Инкамминати (например, рисунки Доменикино) смешивали классические и мифологические темы с героическими пейзажами. Кроме того, французские классицисты Клод Лоррен и Николя Пуссен, жившие в Риме, также создавали идеализированные аркадские пейзажные рисунки. В Италии XVIII века топографически точный пейзажный рисунок достиг вершины с появлением Ведутисти, «художников-видоискателей», таких как венецианцы Каналетто (1697-1768) и Бернардо Беллотто (1720-1780), а также римлянин Джамбаттиста Пиранези (1720-1778). Пейзажные рисунки достигли второго расцвета в Англии в начале XIX века благодаря работам Уильяма Тёрнера и Александра Козенса, а во Франции примером этой традиции стали Камиль Коро и, позднее, Ван Гог.

Фигурные жанровые работы
Имея гораздо меньшее значение для автономного рисунка, чем портрет и пейзаж, фигурные рисунки обычно тесно связаны с тем, что происходило с живописью в целом. Так, например, рисунки жанровых сцен были относительно распространены в голландской реалистической школе XVII века, во Франции и Англии XVIII века, а также во Франции XIX века (Оноре Дюмье).

Натюрморты
Рисунки натюрмортов, особенно изображения цветов, как у амстердамского художника Яна ван Гюйсума (1682-1749), были популярны с XVII века. В некоторых из этих работ сходство с живописью очень близко; возьмём, например, пастели французского художника XIX века Одилона Редона (1840-1916) или работы немецкого экспрессиониста XX века Эмиля Нольде (1867-1956), которые пересекают границу между рисунком и живописью.

Фантастические рисунки
Рисунки, изображающие воображаемые, сюрреалистические или визионерские темы, такие как фантастические композиции Иеронима Босха, были популярны уже давно. Вспомним гротески Рафаэля XVI века, аллегорические крестьянские сцены Питера Брейгеля и карнавальные офорты французского художника XVII века Жака Калло. Другие художники, чьи рисунки не относятся к пейзажу и портрету: итальянский гравёр XVIII века Джамбаттиста Пиранези, англо-швейцарский художник Генри Фюзели (1841-1925), английский иллюстратор XIX века Уолтер Крейн (1845-1915), влиятельный французский художник-символист Гюстав Моро (1826-1898) и сюрреалисты XX века.

Иллюстрации
Иллюстративный рисунок, возможно, не выходит за рамки простого живописного пояснения к тексту, но даже в этом случае он может удовлетворять самым высоким художественным требованиям. Великие художники снова и снова иллюстрировали библейские тексты, а также литературу всех видов. Известными примерами являются иллюстративные рисунки Боттичелли к «Божественной комедии» Данте и маргинальные иллюстрации Дюрера к молитвеннику императора Максимилиана. Некоторые художники добились бо́льших успехов как иллюстраторы, чем как самостоятельные рисовальщики. К таким людям относятся немецкий гравёр XVIII века Даниэль Николас Ходовецкий (1726-1801), карикатурист XIX века Оноре Домье (1808-1879), художник-график XIX века Вильгельм Буш (1832-1908), наиболее известный своими рифмованными сказками («Макс и Мориц»), и австрийский художник и иллюстратор Альфред Кубин (1877-1959) .

Карикатуры и гротеск
С иллюстративным рисунком связано искусство карикатуры, которое, преувеличивая визуальные черты человека или ситуации, создаёт мощную наводящую на размышления картину. Примерами этого типа фигуративного рисунка являются такие светила, как Аннибале Карраччи (1560-1609), который впервые ввёл слово «карикатура», Леонардо да Винчи, Дюрер и художник эпохи барокко Бернини, а также такие социальные комментаторы, как итальянский художник XVIII века Пьер Леоне Гецци (1674-1755), английский художник XVIII века Уильям Хогарт (1697-1764), английский карикатурист Томас Роуландсон (1756-1827), который работал в основном тушью и акварелью, француз XIX века Жан-Игнас-Исидор Жерар, известный как Гранвиль (1803-1847), и, возможно, величайший карикатурист из всех, Оноре Домье.

Виды грунта

Рисовать можно практически на всём, что имеет плоскую поверхность – ровную или нет – включая папирус и пергамент, ткань, кожу животных, дерево, металлы и стекло. Однако с середины XV века бумага стала самым распространённым и самым популярным грунтом.

Метод изготовления бумаги практически не изменился за последние 2 000 лет. Волокнистые остатки тутовой коры, лубяных, конопляных и льняных тряпок прессуют и сушат в плоских формах. Введение древесной целлюлозы в середине 19 века не было направлено на производство художественной бумаги, поскольку бумага с большим содержанием древесины быстро желтеет и поэтому плохо подходит для рисования.

Первоначально, чтобы придать бумаге достаточно гладкую и ровную поверхность для письма или рисования, её натирали костяной мукой или гипсовым мелом в очень тонком растворе клея и арабика. Но с конца XV века тот же эффект достигается путём погружения бумаги в клеевую или квасцовую ванну.

Пигменты и красители также добавлялись в целлюлозу, особенно популярна была синяя «венецианская бумага». В 17 веке предпочитали полутона синего цвета – или серые, коричневые и зелёные разновидности; в 18 веке наряду с синим предпочитали тёплые цвета, такие как бежевый или слоновая кость. С XVIII века чертёжная бумага выпускается практически всех мыслимых цветов и оттенков, а качество её также значительно возросло.

Гранулированные и более мягкие средства для рисования, такие как мел, уголь и графит, не так зависят от конкретного типа бумаги (как, например, акварель, пастель или перо и тушь); но из-за их небольшой клейкости им часто требуется более прочное сцепление с основой, а также определённая защита поверхности.

Краткая история рисования

Рисование зародилось в пещерах и скальных укрытиях в эпоху искусства каменного века, когда острые камни использовались для создания доисторических гравюр, а древесный уголь применялся для создания таких произведений, как рисунок углём Наварлы Габарнманга (26 000 лет до н.э.). В западном искусстве история рисунка как самостоятельного художественного документа, а не просто предварительного наброска для чего-то другого, началась в конце XIV века. Неудивительно, что величайшие рисовальщики были также выдающимися живописцами, иллюстраторами, графиками или печатниками, поэтому центры рисования и периоды наибольшей активности обычно совпадали с центрами и эпохами других видов изобразительного искусства.

В рисунках к северу от Альп наиболее выдающимися ранними рисовальщиками являются неизвестный в других отношениях немецкий мастер домовой книги конца XV века (так называемый по ряду рисунков, содержащихся в домовой книге, обнаруженной в замке Вольфегг) и его современник Мартин Шонгауэр (1430-1491). Дюрер стал примером творческой точности и методичности в черчении, характерных для немецкого Возрождения. Неутомимый рисовальщик, он овладел всеми техниками и оказал неизгладимое и широкомасштабное влияние. Пейзажные рисунки Дюрера, а также Альтдорфера и Губера демонстрируют удивительное чувство природы, которое можно назвать романтическим. Гуманистические портретные рисунки Ганса Гольбейна Младшего также оказали значительное влияние на современников, как и более строгая линейность портретов французских отца и сына, Жана (1485-1540) и Франсуа (1510-1572) Клуэ.

Тем временем, к югу от Альп, рисунок переживал ещё более революционную фазу в рамках итальянского Возрождения.

Как итальянский ренессанс повлиял на рисунок

До четырнадцатого века рисунок редко ценился как самостоятельный вид искусства. Вместо этого он рассматривался лишь как предварительный проект для картины или скульптуры. Итальянский художник Ченнини (ок. 1369-1440 гг.) оказал ему определённое уважение, назвав его воротами к успешной живописи, но только после итальянского Возрождения и появления таких художников, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, столетие спустя (наряду с более широкой доступностью бумаги), он стал самостоятельным видом искусства. Подробнее см: Лучшие рисунки эпохи Возрождения.

Раннее итальянское Возрождение стало свидетелем значительного развития мастерства перспективы как в рисунке, так и в живописи.

Всё натуралистическое искусство с любым видом фонового объекта нуждается в глубине. То есть, фон должен казаться отдалённым по отношению к переднему плану. Термин линейная перспектива обозначает такое создание глубины, при котором фоновые изображения на плоском рисунке кажутся более отдалёнными. Контроль «точки схода», схождения линий с точки зрения художника, имеет решающее значение. Среди итальянских рисовальщиков эпохи Возрождения, которые впервые ввели правила линейной перспективы, можно назвать: Андреа Мантенья (1431-1506), Пьеро делла Франческа (1420-1492), в его картине «Бичевание Христа» (ок. 1470), Рафаэль (1483-1520) в его работе «Афинская школа» (ок. 1509).

Художники раннего Возрождения (ок. 1400-90)

Итальянское Возрождение XV века стало свидетелем огромного количества экспериментов с различными средствами и основами. Вот краткий список итальянских рисовальщиков и их рисунков.

Фра Анджелико использовал перо и чернила для размывки «Пророка Давида, играющего на псалтири» (1430), который сейчас находится в Британском музее, Лондон; Антонио Пизанелло использовал перо и чернила для его акварели «Дикий кабан» (1434, Лувр); Якопо Беллини использовал свинцовый карандаш для «Видения святого Юстаса» (1445, Британский музей, Лондон); Фра Филиппо Липпи использовал металлическое остриё и коричневую смывку поверх чёрного мела, усиленную белым на подготовленной бумаге лососёвого цвета для «Стоящей святой женщины» (ок. 1440, Британский музей); Беноццо Гоццоли использовал белое выделение и коричневую гуашь поверх металлического острия на бумаге цвета охры для своей «Головы монаха» (1447, Музей Конде, Шантийи); Андреа Мантенья использовал перо и чернила поверх следов чёрного мела для создания «Человека, лежащего на каменной плите» (1470-е годы, Британский музей); Андреа дель Верроккьо использовал перо и чернила для создания «Пяти изображений младенцев» (1470-е годы, Лувр); Сандро Боттичелли использовал перо и чернила и слабую коричневую смывку поверх чёрного мела на бумаге с розовым оттенком, усиленную белым, для создания «Изобилия» или «Осени» (1480-е годы, Британский музей). См. также: Возрождение во Флоренции.

Художники Высокого Возрождения (ок. 1490-1530 гг.)

Лука Синьорелли использовал чёрные, красные и белые мелки, куски чёрного мела и коричневые чернила для своего Этюда к «Ростовщику в Антихристе из Орвието» (1500, Лувр); Леонардо да Винчи использовал кисть с серой темперой и белым высветлением, следы кисти и чёрные чернила на льне для создания Этюда драпировки для сидящей фигуры (1470-е годы, Лувр); он использовал перо и тушь поверх следов карандаша и свинцового острия для создания «Поклонения волхвов» (1481), и чёрный, красный и охристый мелки с белым выделением для «Портрета Изабеллы д’Эсте» (1499); Микеланджело использовал красный мел для своих рисунков «Этюдторса Хамана» (1511, Британский музей), «ЭтюдАдама» (ок. 1511, Британский музей); и чёрный мел со следами белого поверх карандаша для его рисунков «Игнудо» (ок. 1511 г.) и поверх пера и чернил для создания «Пророка Давида, играющего на псалтири» (1430, Британский музей); Рафаэль использовал красный мел для «Этюдов для Мадонны Альбы» (1509), чёрный мел для «Этюдов для алтаря Николая Толентинского» (1500) и металлическое острие для «Головы Богородицы и младенца» (1504). См. также: Ренессанс в Риме.

16 век

Рисунок позднего Возрождения периода маньеризма (ок. 1520-1600) был примером работ Якопо Понтормо (1494-1556) во Флоренции, Пармиджанино (1503-1540) в северной Италии и Тинторетто (1518-1594) в Венеции – все они использовали металлическое острие и перо как основные средства выражения. Их рисунки были тесно связаны с их живописью, как по содержанию, так и по графическому методу чувствительных контуров и смелых ракурсов.

16/17 век

Важным центром искусства конца 16 века была Болонья, где Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино Карраччи и двоюродным братом Людовико Карраччи, основал «Академию дельи Дезидерози» (позже переименованную в «Академию дельи Инкамминати»), которая стала ядром болонской школы живописи (ок. 1590-1630). Академия Карраччи отстаивала классический стиль искусства, в котором большое значение придавалось тщательному, прочному рисунку. См: Классицизм и натурализм в итальянской живописи.

17ый век

В начале XVII века Жак Калло (1592-1635) приобрёл известность во французском искусстве, не в последнюю очередь благодаря своим графическим иллюстрациям Тридцатилетней войны. Во фламандском Антверпене Питер Пауль Рубенс (1577-1640) создал множество этюдов и набросков, которые составляют неотъемлемую часть его творчества. Для распространения своих живописных тем он содержал собственную школу рисовальщиков и гравёров, учениками которой были Якоб Йорданс и Антонис Ван Дейк. Голландский художник Геркулес Сегерс (1590-1633) отличался огромной изобретательностью в интерпретации ветхозаветных мотивов и широким владением всеми техниками рисования.

Большинство живописцев золотого века Голландии XVII века, включая Брувера, Ван Остаде, Питера Саенредама (1597-1665), Паулюса Поттера (1625-54) и несравненного Рембрандта (1606-1669), были также заядлыми рисовальщиками, фиксировавшими свои тематические идеи в рисунках, которые в основном были завершены. В Италии XVII века рисунок был полностью включён в учебные программы академий изящных искусств, в частности, в Болонье, Флоренции и Риме. Также значительным было развитие пейзажного рисунка, начатое братьями Карраччи, Доменикино и Сальватором Роза (1615-1673). Французский художник из Рима Клод Лоррен пошёл дальше и практически создал свой собственный жанр итальянского пейзажа под открытым небом. Рисованием на пленэре занимались также французский классицист Николя Пуссен, голландские художники Ян Асселин (1610-1652), Клас Берхем (1620-1683), Карел Дюжарден (1622-1678) и другие.

18-ый век

Во Франции Жан-Антуан Ватто, как и многие другие, делал рисунки, чтобы «держать руку на пульсе» своей живописи: большинство фигур на его картинах были основаны на более ранних рисунках. Более энергичными были художники XVIII века Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Юбер Робер и Габриэль де Сент-Обен, чьи рисунки охватывали пейзажи, фигуративные этюды и жанровые работы.

В Венеции XVIII века за исключительными архитектурными рисунками Каналетто последовал ряд ярких рисунков пером и кистью Джамбаттисты Тьеполо (1692-1770) и его семьи. Затем архитектор Джамбаттиста Пиранези создал свои мощные рисунки интерьеров зданий и жутких сводов («Carceri»). В конце XVIII века испанский художник Гойя создал свои новаторские рисунки кистью и сангиной, сочетающие световые эффекты рисунков Тьеполо с драматизмом кьяроскуро в стиле Рембрандта .

19 век

В начале 19 века сформировался стиль рисунка, в котором вновь подчёркивался линейный элемент. Одним из его великих мастеров был академический художник Жан-Доминик Энгр (1780-1867). Немецкие назарейцы, а также романтики, такие как Филипп Отто Рунге (1777-1810) и Каспар Давид Фридрих (1774-1840), были лишь немного менее строги в использовании жёсткой точки. Среди других рисовальщиков с линейным уклоном были английский прерафаэлит Джон Милле (1829-1896), американский реалист Томас Икинс (1844-1916), а также такие парижские мастера, как Пикассо, Матисс и Модильяни. Тем временем в рисунках Домьера использовались живописные эффекты кьяроскуро, чтобы сделать сильные заявления социальной критики.

На самом деле Франция в целом и Париж в частности продолжали оставаться ведущим центром искусства рисунка, примером которого являются выдающиеся изобретательные работы Дега (1834-1917), Тулуз-Лотрека (1864-1901), Ван Гога (1853-1890) и Сезанна (1839-1906). Идиома модерна с его извилистыми линиями и негеометрическими кривыми была показана в рисунках Обри Бердсли.

20 век

Немецкие художники-экспрессионисты развивали особенно эмфатические стили рисования с сильным очерчиванием и преувеличенными формами. Заметные примеры можно найти в работах Эрнста Барлаха (1870-1938), Кате Кольвиц (1867-1945), Альфреда Кубина, Эрнеста Людвига Кирхнера (1880-1938), Карла Шмидта-Роттлуфа (1884-1976), Макса Бекмана (1884-1950), Оскара Кокошки (1886-1980) и Георга Гроша. Среди других ярких работ по рисунку – абстрактные композиции Василия Кандинского (1866-1944), возвышенные рисунки пером и тушью Пауля Клее (1879-1940) и фигуративные дерзкие работы австрийского виртуоза Эгона Шиле (1890-1918), а также его современного коллеги Люсьена Фрейда (р. 1922).

Рисунок был особенно важен в творчестве художников Парижской школы, таких как Пьер Сулаж (р.1919) и Ханс Хартунг (1904-1989). Конечно, самым плодовитым рисовальщиком Парижской школы был Пабло Пикассо, художник, который точно знал, как использовать её разнообразные технические возможности. Он, возможно, величайший рисовальщик 20-го века и один из величайших в истории искусства.