Рисование фигур читать ~12 мин.

Термин «рисунок фигуры» (или «рисование с натуры») обычно относится к учебной дисциплине, которую преподают во многих художественных академиях и школах, таких как Школа изящных искусств в Париже. Во время занятий студенты изучают и зарисовывают живую модель, позирующую перед ними.

Этот классический метод изобразительного искусства считается одним из лучших способов для начинающих художников и скульпторов развить навык рисования человеческого тела, научиться передавать его линии, форму и объём. Для сравнения, большинство преподавателей традиционно считают копирование человеческой фигуры с фотографий или по памяти менее эффективным методом обучения. (См. также: Карандашные рисунки, рисунки углём и рисунки пером и тушью).

Рисунок остаётся основой для всех видов изобразительного искусства, включая живопись и скульптуру, а также архитектуру. Умение хорошо рисовать фигуру человека также полезно в таких областях, как иллюстрация, создание иллюминированных рукописей, карикатура и шарж.

Техники рисования фигур: ракурс

Большинство студентов художественных вузов и даже профессиональные художники, как правило, стараются избегать рисования фигур в движении. Фигура в движении — это фигура, запечатлённая в процессе действия, например, при беге, толкании или хватании. Изображение вращающихся и сгибающихся торсов, вытянутых конечностей часто вызывает трудности у студентов. Это связано с тем, что передача тела в движении представляет гораздо больше технических сложностей, чем изображение статичной, неподвижной позы.

Чтобы рисунок был убедительным, художник должен умело передать правильное распределение веса (на какую ногу приходится опора в движении?) и работу мышц (какие мышцы напряжены, а какие расслаблены?). Ему также необходимо верно определить положение конечностей относительно друг друга. Кроме того, возникает проблема ракурса: искажения размеров части тела, которая находится ближе к зрителю. Например, одна конечность может быть вытянута в сторону зрителя, в то время как другая отведена назад.

Подробнее о рисовании мелом, карандашом, углём, пастелью, пером и тушью см. в разделах, посвящённых искусству рисунка и наброска.

Ещё более сложной задачей является рисование фигуры в движении с использованием глубокого ракурса, то есть когда фигура изображена сверху или снизу. Например, при виде снизу доминирующими формами становятся подбородок и нос; при виде сверху — куполообразная форма черепа. При зарисовке фигуры в движении ключевое значение имеет торс, ведь любое его движение меняет взаимное расположение головы, рук и ног. Малейшее смещение в области рёбер немедленно приводит к изменению положения головы и рук.

Важным подспорьем в рисовании является так называемая средняя линия — воображаемая линия, проходящая через тело. Она помогает художнику сохранять правильное соотношение различных частей тела. После торса по значимости следуют ноги (в большей степени, чем руки), поскольку они выражают вес и напряжение. Если они изображены неточно, рисунок выглядит неустойчивым и неубедительным.

Правильное положение стоп и лодыжек, поддерживающих ноги, также очень важно. Третье место по важности занимают руки. Хотя движения рук не вызывают сильного смещения туловища или ног, они способны на широкий диапазон уникальных жестов. Руки всегда следует рассматривать как единое целое. Художников учат визуализировать воображаемую линию, проходящую от одной руки через ключицы к другой.

Точное изображение фигуры в движении — это высокотехничный навык, который оттачивали величайшие старые мастера, включая Микеланджело, Тинторетто и Леонардо да Винчи.

Что происходит на занятиях по рисованию с натуры?

Большинство занятий по рисованию фигуры, также называемых рисованием с натуры, предполагают работу с обнажённой моделью. Отсутствие одежды позволяет изобразить модель вне времени. (См. также Женская обнажённая натура). Если отбросить культурные особенности и исторический контекст, то нет никакой разницы между фигурами, которые рисуют сегодня, и теми, которые создавались в мастерской эпохи Возрождения. Обнажённая фигура, в зависимости от позы и мастерства художника, может отражать любой аспект человеческой натуры — от жалкого до самовлюблённого или героического.

Посещая занятия по рисованию фигуры, вы становитесь частью традиции, которой сотни, а возможно, и тысячи лет. Структура занятия зависит от учебного заведения и преподавателя. Некоторые педагоги предоставляют студентам свободу делать наброски самостоятельно, предлагая советы по ходу работы. Другие придерживаются более инструктивного подхода: сначала показывают сами, а затем предлагают ученикам повторить. Последний метод больше подходит для начинающих.

Типичный курс рисования фигуры

Ниже приводится схема типичного шестиэтапного курса рисования фигуры. Для изображения тела модели могут использоваться различные материалы: карандаш, перо и тушь, уголь, мелки, пастель, мел или смешанные техники. Однако классическим инструментом остаётся карандаш. (См. также: Карандашные рисунки, рисунки углём и рисунки пером и тушью).

Этап 1. Основные пропорции человеческого тела и соотношение его частей.

Этап 2. Рисование живой модели в трёхмерном пространстве, понимание измерений и центральной линии.

Этап 3. Создание убедительного силуэта и обучение точному изображению головы, туловища, ног и рук.

Этап 4. Дальнейшая практика в рисовании человеческой фигуры, добавление тона и оттенков для более убедительной моделировки и передачи теней.

Этап 5. Практика в рисовании рук и ног под разными углами, работа над навыками моделирования и визуализации.

Этап 6. Создание законченных рисунков, готовых для групповой выставки или портфолио.

История рисунка

Самые ранние известные рисунки человеческих фигур были созданы в рамках доисторической традиции наскальной живописи, зародившейся примерно в 17 000 году до н.э. во Франции и Австралии. Во Франции древнейший рисунок человека — палочкообразную фигуру — можно увидеть в так называемом «Колодце мертвеца» (15 000 лет до н.э.) в пещере Ласко в Дордони. На другом конце света, в районе Кимберли в Западной Австралии, также были обнаружены изображения людей. Известные как «рисунки Брэдшоу», эти уникальные произведения искусства аборигенов, возраст которых составляет не менее 17 000 лет, представляют собой схематичные фигуры (до 2 метров в высоту), нарисованные с мелкими деталями и точными анатомическими пропорциями. Несмотря на то, что животных палеолитические художники изображали довольно реалистично, рисунки людей оставались подчёркнуто ненатуралистичными. Лишь в эпоху позднего мезолита (ок. 6000 лет до н.э.) мы видим более естественные изображения человека. Тем не менее, сам факт сохранности этих схематичных изображений — настоящее чудо, во многом обязанное тому, что художники того времени создавали рисунки на камне.

Древнее искусство ранних цивилизаций (Месопотамия, Древний Египет, Греция, Персия, Рим) также включало изображения людей, но обычно они создавались на менее долговечных носителях, таких как папирус или деревянные панели, поэтому лишь немногие из них сохранились. Единственным видом фигуративного искусства античности, дошедшим до нас в значительном количестве, стала скульптура — статуи и рельефы. Древнегреческие скульпторы вдохновили последующие поколения каменотёсов, живописцев и рисовальщиков. (См. также: Греческое искусство). В частности, они утвердили идею о том, что человеческое тело является идеальным объектом для произведения искусства. Эту точку зрения подхватили и развили мастера итальянского Возрождения, в особенности Леонардо, Микеланджело и Рафаэль. Об их влиянии см. также статью Классическое возрождение в современном искусстве (1900–1930).

Итальянское Возрождение: золотой век рисунка

Именно эти три художника сделали рисунок — или disegno — самостоятельным и уважаемым видом изобразительного искусства. До этого он считался лишь подготовительной работой или способом копирования готовых произведений, таких как картины и статуи.

Распространение бумаги после 1550 года также способствовало тому, что рисунки стало легче создавать и коллекционировать. Леопольдо Медичи и Джорджо Вазари собрали крупные коллекции набросков (к 1689 году собрание Медичи насчитывало 12 000 рисунков). Эпоха Возрождения (ок. 1400–1600 гг.), несомненно, является вершиной развития рисунка как вида искусства. Подмастерья, работавшие у живописцев, скульпторов и ювелиров, осваивали основы рисунка, используя сухой и металлический штифты на восковых табличках, а затем переходили к более дорогим материалам, таким как мел или уголь.

Леонардо да Винчи (1452–1519)
Леонардо был мастером топографической анатомии человека. Он выполнил множество детальных зарисовок мышц, сухожилий и других анатомических структур. Художник намеревался опубликовать свои рисунки в трактате по анатомии, но после его смерти в 1519 году они остались неопубликованными среди его личных бумаг. Их значение было утрачено для мира на 400 лет. Сегодня эти работы можно увидеть в Британской королевской художественной коллекции в Галерее королевы Букингемского дворца. Леонардо стремился изобразить универсальную природу человека.

В своих заметках к рисункам он перечислял «радость, с различными способами смеха», а также «причину смеха». Он стремился запечатлеть различные проявления аффектов: «бегство, страх, свирепость, смелость», а также «плач в различных формах». Не довольствуясь внешним изображением человека, Леонардо хотел понять, что движет им изнутри. Во времена Леонардо санитарные условия в Европе были низкими, а вспышки эпидемий — частыми. Это, наряду с практикой публичных казней, давало художнику возможность изучать анатомию, препарируя тела умерших.

Вероятно, он был одним из первых художников, кто в точности зарисовал репродуктивную систему человека. К другим шедеврам Леонардо в графике относятся: «Голова девушки» (этюд для картины «Мадонна в скалах», 1483), выполненный серебряным штифтом на светло-коричневой бумаге; «Пять гротескных голов» (1494), рисунок пером и тушью.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564)
Микеланджело также был выдающимся рисовальщиком и мастером фигуративного искусства. После смерти Рафаэля в 1520 году он ещё 40 лет доминировал в искусстве Возрождения. Его главный интерес заключался в изображении мужской обнажённой натуры. Он неустанно зарисовывал фигуры в различных позах, пытаясь раскрыть сущность человеческого духа. Он выполнил многочисленные подготовительные этюды для двух своих скульптурных шедевров, «Пьеты» и «Давида», а также эскизы для своих знаковых фресок «Бытие» (1508–1512) и «Страшный суд» (1536–1541) на потолке и алтарной стене Сикстинской капеллы. (См. также: «Сотворение Адама»).

Микеланджело работал пером, тушью, углём, а также красным и чёрным мелом. Он не предназначал большинство своих рисунков для публичного показа и, как считается, был бы шокирован такой идеей. Биографы предполагают, что это могло быть связано с его желанием скрыть объём подготовительной работы, которую он проводил для своих крупных произведений. Незадолго до смерти он сжёг множество своих рисунков. Исключением, возможно, был его рисунок «Титий» (1533, Королевская коллекция, Виндзорский замок). Этот рисунок был подарком и стал одним из первых, который начали рассматривать как самостоятельное произведение искусства.

Рафаэль (Раффаэлло Санти) (1483–1520)
Рафаэль, ещё один мастер анатомии человека, часто начинал свои наброски с предварительного рисунка стилусом. Острый кончик этого инструмента оставлял слабые вдавленные следы на поверхности бумаги. Затем, когда контур его удовлетворял, он прорисовывал его красным мелом. Примером может служить его этюд для «Фригийской сивиллы» (1511, Британский музей).

Эта женская фигура одета в классическую драпировку, но её руки и ноги прорисованы очень мужественно (вероятно, моделью служил мужчина). Многие рисунки Рафаэля отличаются высокой степенью завершённости, с использованием белых бликов и штриховки. Он часто использовал рисунки для уточнения поз в своих картинах и, судя по большому количеству сохранившихся эскизов, был более плодовит в этой области, чем Микеланджело и Леонардо.

Величайшие мастера фигурного рисунка эпохи Возрождения

Пизанелло (1394–1455)
Фра Анджелико (ок. 1395–1455)
Якопо Беллини (1400–1470)
Фра Филиппо Липпи (1406–1469)
Беноццо Гоццоли (1420–1497)
Джентиле Беллини (1429–1507)
Джованни Беллини (1430–1516)
Андреа Мантенья (1431–1506)
Боттичелли (1445–1510)
Лука Синьорелли (1445–1523)
Пьетро Перуджино (1445–1523)
Леонардо да Винчи (1452–1519)
Филиппино Липпи (1457–1504)
Витторе Карпаччо (ок. 1465–1525/26)
Фра Бартоломео (1472–1517)
Микеланджело (1475–1564)
Лоренцо Лотто (1480–1556)
Рафаэль (1483–1520)
Себастьяно дель Пьомбо (1485–1547)
Андреа дель Сарто (1486–1530)
Тициан (1485–1576)
Корреджо (Антонио Аллегри) (1489–1534)
Джулио Романо (ок. 1492–1546)
Баччо Бандинелли (1493–1560)
Понтормо (Якопо Карруччи) (1494–1556)
Россо Фьорентино (1494–1540)
Пармиджанино (Франческо Маццола) (1503–1540)

Материалы для рисования, использовавшиеся художниками Возрождения

Вот несколько примеров материалов и техник, которые использовались в рисунках и набросках эпохи Возрождения для достижения различных эффектов:

Металлический штифт и коричневая размывка поверх чёрного мела, с усилением белилами на лососево-розовой бумаге.
Металлический штифт, усиленный белой гуашью на сиренево-серой бумаге.
Кисть и коричневая размывка тушью, следы красной размывки, на пергаменте.
Перо и коричневая размывка, усиленная белилами поверх следов чёрного мела, на сине-зелёной бумаге.
Рисунок кистью серо-коричневой и белой темперой на льне, тонированном в тёмно-серый цвет.
Белила и коричневая гуашь поверх металлического штифта на охристой бумаге.
Чёрный мел, перо и тушь с коричневой размывкой и белилами.
Чёрный мел с белилами, перо и серые чернила на серо-бежевой бумаге.
Перо, чернила и слабая коричневая размывка поверх чёрного мела на бумаге с розовым оттенком.

Красный мел был ещё одним популярным материалом для рисования в эпоху Возрождения. Он был предпочтительным средством для набросков обнажённой натуры из-за его податливости и способности хорошо передавать оттенок человеческой кожи.

Современные рисунки человеческой фигуры

Начиная с эпохи Возрождения, почти в каждом художественном направлении, включая барокко, рококо, неоклассицизм, реализм, импрессионизм и экспрессионизм, были художники, которые в совершенстве владели рисунком и работали в самых разных техниках. Вот лишь некоторые из великих мастеров рисунка и примеры их работ.

Альбрехт Дюрер: «Мадонна со множеством животных» (1503, Альбертина, Вена)
Рембрандт: «Художник в мастерской» (1632, Рейксмюсеум)
Николя Пуссен: «Похищение сабинянок» (1634, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)
Ватто: Этюд для картины «Равнодушный» (1710, Роттердам)
Франсуа Буше: «Вертумн и Помона» (1760–1770, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)
Жак-Луи Давид: «Обнажённая женщина» (1764, Лувр)
Жак-Луи Давид: «Клятва Горациев» (1785, Музей Бонна)
Пьер-Поль Прюдон: «Сидящая обнажённая женщина» (ок. 1795–1800, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)
Гойя: «Трое копающих мужчин» (ок. 1800, Прадо)
Эдуар Мане: «Два религиозных деятеля» (1857, Музей Орсе)
Оноре Домье: «Литературные дебаты в вагоне второго класса» (1864, Le Charivari)
Оноре Домье: «Вагон третьего класса» (1864, Художественный музей Уолтерса)
Эдгар Дега: «Танцовщица, поправляющая туфельку» (1873, Метрополитен-музей, Нью-Йорк)
Эдгар Дега: «Женщина, купающаяся в неглубокой ванне» (1885, Музей Орсе)
Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы» (1899, ГМИИ им. Пушкина)
Эдгар Дега: «Танцовщицы» (1899, Музей искусств Толидо)
Генри Мур: «Женщины, сидящие в метро» (1941, Галерея Тейт)
Фрэнсис Бэкон: «Поворачивающаяся фигура» (1959–1962, Коллекция Тейт)

Сколько стоит рисунок?

Казалось бы, это всего лишь набросок на бумаге. Сколько он может стоить на самом деле? В 2012 году набросок мужской головы под названием «Голова молодого апостола» (1519) работы Рафаэля был продан на аукционе за рекордные 29,7 миллиона фунтов стерлингов, превысив предпродажную оценку в 10–15 миллионов фунтов стерлингов.

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ
См.: Хронология истории искусства.