Живопись:
история, материалы, стили и жанры читать ~26 мин.

Определение: форма двумерного визуального выражения

Искусство живописи — это создание эстетического образа путём расположения форм, линий, цветов, тонов и текстур на двухмерной поверхности. При этом разнообразие подходов не отменяет возможности дать более точное определение. Готовая картина может быть полностью фигуративной (репрезентативной) и натуралистической, как у фотореалистов (например, у Ричарда Эстеса), или полностью абстрактной, состоящей только из геометрических фигур (как в работах Пита Мондриана или Бриджит Райли), или находиться где-то между этими двумя крайностями. С точки зрения жанра это может быть историческое полотно, портрет, бытовая сцена, пейзаж или натюрморт. Картина может быть написана с использованием воска (энкаустика), темперы, масла, акрила, акварели или любого из современных красителей. Как свидетельствуют искусствоведы и историки, существует множество теорий о функции, композиции, иерархии стилей и эстетике живописи. Поэтому, вероятно, самое безопасное определение будет таким: живопись — это создание двухмерных произведений визуального выражения, независимо от того, как сами художники их воспринимают.

Композиция и дизайн

«Дизеньо» (итал. «рисунок, замысел») — этот термин из искусства эпохи Возрождения описывает как замысел художника, так и его воплощение — формальную структуру, объединяющую различные элементы в единое целое.

Эти формальные элементы включают в себя: линию, форму и массу, цвет, объём и пространство, время и движение.

Линия описывает всё: от основных контуров до границ тона и цвета. Работа с линией определяет взаимосвязь между соседними и удалёнными элементами на поверхности картины, а также их относительную динамику или статичность.

Форма и масса подчёркиваются различными областями цвета, тона и текстуры, а также любыми конкретными деталями. Композиции многих известнейших картин (например, «Тайной вечери» Леонардо да Винчи) оптически выстроены вокруг геометрических фигур (или их сочетаний). Негативное пространство также может использоваться, чтобы подчеркнуть определённые особенности композиции.

Учитывая, что человеческий глаз способен различать до 10 миллионов различных оттенков, цвет имеет множество применений (см. Colorito). Цвет может использоваться в описательных целях: например, египтяне с помощью разных цветов отличали богов и фараонов, а также мужчин от женщин (мужчин изображали более смуглыми). Цвет также служит для передачи моральных идей, эмоционального настроения или для обозначения перспективы (более бледные тона для дальних планов). Смотрите также: Тициан и венецианский колоризм (1500–1576). Прежде всего, цвет используется для изображения эффектов света (см. серии «Стога сена» или «Руанский собор» Клода Моне). Многие великие художники, такие как Караваджо и Рембрандт, использовали цветовой контраст для создания драматического эффекта, особенно в технике кьяроскуро (см. «Ночной дозор» Рембрандта). Более подробно: Цвет в живописи.

Элементы объёма и пространства определяют то, как художник создаёт глубину и пространственные отношения на плоской поверхности картины. Художники классической школы делают это, используя концепцию линейной перспективы, разработанную в эпоху флорентийского Ренессанса Пьеро делла Франческа и другими (см. также иллюзионистские приёмы квадратуры и ракурса). В то же время кубисты, такие как Пикассо, Брак и Хуан Грис, передавали пространство и объём, изображая объект как совокупность пересекающихся «кадров», увиденных одновременно с разных точек зрения. Другие художники, например примитивисты, изображают объекты не в натуралистических отношениях друг с другом, а по отдельности, выбирая для каждого тот ракурс, который лучше всего раскрывает его характерные черты. Примером могут служить уплощённые стилизованные фигуры в искусстве Древнего Египта.

Элементы времени и движения определяют, как глаз зрителя воспринимает картину с точки зрения скорости и направления. Это касается как развития сюжета (например, в масштабных исторических фресках), так и ощущения внутренней динамики произведения.

Интерпретация живописи

Кроме создания визуального объекта, художник часто стремится наполнить его интеллектуальным содержанием: символизмом, моральным или социальным посылом или иным значимым смыслом. Так, известный американский критик Клемент Гринберг (1909–1994) однажды заявил, что всё великое искусство должно создавать напряжение между визуальной привлекательностью и глубиной содержания. История искусства полна примеров произведений с богатым интерпретационным потенциалом.

Например, египетское искусство славится своей иконографией, как и византийская и доренессансная стенная живопись. Картины эпохи Возрождения, в том числе работы старых мастеров, таких как Боттичелли, Леонардо и Рафаэль, часто представляли собой сложные аллегорические произведения. Эта традиция сохранялась и в последующие эпохи — барокко и неоклассицизм XVII – XVIII веков. Даже натюрморты, особенно в жанре ванитас, были пронизаны моралистической аллегорией. Однако в XIX веке под влиянием романтизма, импрессионизма и, в меньшей степени, экспрессионизма эта традиция ослабла. Она возродилась в XX веке, когда кубизм и сюрреализм начали активно использовать символическое содержание. Подробнее см.: Анализ современной живописи (1800–2000).

Техники и материалы

Энкаустика

Одна из основных техник живописи древнего мира, энкаустика, использует горячий пчелиный воск в качестве связующего вещества, которое удерживает цветные пигменты и позволяет наносить их на поверхность — обычно на деревянные доски или стены. Она широко использовалась в египетском, греческом, римском и византийском искусстве.

Фреска

Слово «фреска» в переводе с итальянского означает «свежий». Это метод росписи, при котором пигменты смешиваются только с водой (без связующего вещества), а затем наносятся непосредственно на свежую штукатурку, как правило, на стене или потолке. Штукатурка впитывает краску, и при высыхании пигменты закрепляются на её поверхности и в её толще. Для создания дополнительных эффектов использовались такие техники, как сграффито. Величайшими примерами фресковой живописи, вероятно, являются фрески Сикстинской капеллы Микеланджело — «Сотворение мира» и «Страшный суд», а также росписи в Станцах Рафаэля, такие как «Афинская школа».

Темпера

В отличие от энкаустики, в темперной живописи в качестве связующего вещества для пигментов используется эмульсия из воды и яичного желтка (иногда с добавлением клея, мёда или молока). Со временем темпера была вытеснена масляными красками, хотя как техника живописи на досках она использовалась веками. Она также широко применялась в средневековой живописи при создании иллюминированных рукописей. Для получения более подробной информации об этом жанре см.: Готические иллюминированные рукописи (1150–1350).

Масло

Доминирующая техника с 1500-х годов. В масляной живописи в качестве связующего и высыхающего вещества используются масла, такие как льняное, ореховое или маковое. Популярность масляных красок обусловлена их способностью придавать цветным пигментам большую насыщенность и сияние. Масло также облегчает прорисовку тонких деталей с применением таких техник, как сфумато, и позволяет накладывать густые, пастозные мазки в технике импасто. Важными пионерами масляной живописи были фламандские художники Ян и Хуберт ван Эйк (в Нидерландах), а также Антонелло да Мессина, Леонардо да Винчи и особенно члены школы венецианской живописи, в том числе Джованни Беллини и Тициан (в Италии).

Акварель и гуашь

Акварельная живопись — динамичная техника, получившая развитие в Англии. В ней используются водорастворимые пигменты, смешанные со связующим веществом, обычно с гуммиарабиком. Когда в акварельные краски добавляют белила, делая их более плотными и непрозрачными, такая техника называется гуашью. Пионерами акварельной живописи были Томас Гёртин и Дж. М. У. Тёрнер. Гуашь была важной техникой для многих выдающихся миниатюристов, занимавшихся ранней портретной миниатюрой, до того, как её вытеснила эмаль.

Акрил

Самый современный из всех материалов, акрил, — это синтетическая краска на основе смолы из акриловой кислоты, сочетающая в себе свойства акварели и масляных красок. Этот очень универсальный материал можно наносить практически на любую поверхность, варьируя толщину слоя — от тонких лессировок до густых, пастозных мазков. Акрил может давать как матовое, так и глянцевое покрытие и очень быстро сохнет. Акриловые краски популярны у многих известных художников, включая Дэвида Хокни, и, возможно, заменят масляные в XXI веке.

Формы живописи

Настенная живопись

Настенная живопись, восходящая к палеолитическим наскальным рисункам, была широко распространена в гробницах, храмах, святилищах и катакомбах по всему Древнему миру, включая Этрурию, Египет, Крит и Грецию. Первоначально лишённые глубины, фрески в полной мере раскрыли свой потенциал как техника для создания произведений библейского искусства в эпоху Раннего Возрождения благодаря таким мастерам, как Джотто (см.: фрески капеллы Скровеньи), а затем Мазаччо, Фра Анджелико, Рафаэль и Микеланджело. По мере того как в отделке интерьеров стали преобладать витражи и гобелены, фресковая роспись теряла популярность, хотя в XIX и XX веках появились новые способы её использования.

Живопись на деревянных досках

Деревянные доски (панели) — древнейшая основа для переносной (станковой) живописи. Они широко использовались (например, в египетском и греческом искусстве, хотя сохранилось лишь немного образцов того времени), а затем византийскими художниками начиная с 400-х годов н.э. Как и фрески, живопись на досках пережила второе рождение в период поздней готики и раннего Ренессанса, в основном в виде декоративного религиозного искусства. Примерами могут служить такие шедевры, как Гентский алтарь (1432) Хуберта и Яна ван Эйков и «Распятие» (ок. 1440) Рогира ван дер Вейдена. Подробнее о живописи на досках в Венеции XVI века — периоде, который иллюстрирует колористический подход венецианской школы, — см. в статьях: Венецианские алтари (1500–1600); Венецианская портретная живопись (1400–1600); Наследие венецианской живописи.

Живопись по деревянным панелям была особенно популярна во фламандской живописи и других северных школах из-за климата, который не был благоприятен для фресок. Эта популярность сохранялась до конца XVII века.

Живопись на холсте

Эта форма станковой живописи, как и живопись на досках, была студийным искусством, но в качестве основы использовался холст, а не дерево. Холст был легче и дешевле досок, хотя и требовал специальной подготовки и грунтовки. Начиная с эпохи барокко (1600-е годы), холст и масло стали предпочтительной основой для живописи по всей Европе. Живопись на холсте стала особенно популярна среди новых покровителей искусства из буржуазной среды в голландской живописи XVII века (1600–1680), особенно в жанрах портрета, натюрморта и бытовых сцен.

Иллюминированные рукописи

Этот вид книжной живописи, восходящий к знаменитым образцам Древнего Египта, таким как «Книга мёртвых», достиг своего расцвета в Средние века (ок. 500–1000 гг. н.э.) в виде ирландских и европейских иллюминированных (иллюстрированных) манускриптов. Ранние примеры: Катах святого Колумбы (начало VII в., ок. 610–620), Книга из Дарроу (ок. 670), Линдисфарнское Евангелие (ок. 698–700), Евангелие из Эхтернаха (или Виллибрордское Евангелие) (ок. 700), Личфилдское Евангелие (730), Евангелие Годескалька (781–783), Золотой Псалтырь (783–789), Лоршское Евангелие (778–820), Келлская книга (ок. 800), Евангелие святого Медарда Суассонского (810), Утрехтская псалтырь (830), Евангелие Эббона (835), Библия из Мутье-Гранваль (840), Библия Вивиана (845).

Более поздние примеры средневековых иллюминированных рукописей включают романские произведения, такие как: Псалтырь Эгберта, Псалтырь из Сент-Олбанса, Винчестерская Библия, Вигиланский кодекс и Моралии на Книгу Иова; готические произведения, такие как: Псалтырь Людовика Святого, Морализованная Библия, Псалтырь из Эймсбери, Манесский кодекс, Псалтырь королевы Марии, а также другие готические шедевры: Миссал канцлера Яна из Стршеды (1360, Прага, Библиотека Национального музея); Великолепный часослов герцога Беррийского (1416, Музей Конде, Шантийи), исполненный братьями Лимбург; «Благовещение» Жакмара де Эсдена (ок. 1400, Национальная библиотека, Париж); «Брюссельский часослов» (Брюссель, Королевская библиотека Бельгии); «Часослов маршала Бусико» (Музей Жакмар-Андре, Париж); «Книга о пленённом любовью сердце» (1457, Австрийская национальная библиотека, Вена).

Как правило, эти раскрашенные рукописи, выполненные яичной темперой на пергаменте и велени, отличались чрезвычайно богатым и сложным графическим дизайном, украшенные кельтскими орнаментами: узорами-плетёнками, спиралями и зооморфными мотивами, а также изображениями святых и апостолов. К сожалению, появление в XV веке в Германии печатного станка привело к упадку этого вида искусства. Впоследствии он сохранился только на Востоке, в частности в форме исламской каллиграфии и иллюстрированных текстов, а также индийских миниатюр.

Свитки

Живопись на свитках — это форма азиатского искусства, датируемая примерно 350 годом н.э. и распространённая в китайской и японской живописи. На бумажных или шёлковых свитках разной длины изображались разнообразные сюжеты, выполненные тушью: пейзажи, буддийские мотивы, исторические и мифологические сцены. Руководство по эстетическим принципам восточного декоративно-прикладного искусства см. в разделе Традиционное китайское искусство: характеристики.

Роспись складных ширм и вееров

Существует два основных типа расписных ширм. Первый — традиционные китайские и японские складные ширмы, расписанные тушью на бумаге или шёлке, известные с XII века; позже появилась и лаковая роспись ширм. Второй тип — иконостасные преграды, встречающиеся в византийских, греческих и русских православных храмах. Ширма-иконостас отделяет алтарь от нефа и традиционно украшена религиозными иконами и другими образами, написанными энкаустикой или темперой. Расписные веера, как правило, украшенные тушью и цветными пигментами на бумаге, картоне или шёлке, иногда с использованием сусального золота или серебра, возникли в Китае и Японии, хотя, как ни странно, многие из них производились в Индии. В Европе роспись вееров стала практиковаться только с XVII века, достигнув расцвета во Франции и Италии примерно с 1750 года.

Современные формы живописи

Художники XX века экспериментировали с огромным диапазоном основ и материалов, включая сталь, бетон, полиэстер, неоновые лампы, а также с бесконечным разнообразием «найденных» предметов. Примером последнего служат работы Ива Кляйна (1928–1962), который покрывал тела обнажённых натурщиц синей краской, а затем делал их отпечатки на холсте. Другой пример — работа Роберта Раушенберга (1925–2008) «Кровать» (1955), представляющая собой стёганое одеяло с его собственной кровати, покрытое краской, зубной пастой и лаком для ногтей.

Жанры живописи

Существует пять традиционных жанров живописи. Они ранжируются следующим образом:

историческая живопись (включая мифологическую живопись),
портрет,
бытовой жанр,
пейзаж и 
натюрморт. Эта система ранжирования, известная как «иерархия жанров», была провозглашена европейскими академиями изящных искусств, которые оценивали картины в соответствии с их моральным содержанием или посылом. Таким образом, считалось, что натюрморты, лишённые человеческого присутствия, содержат наименьшее повествовательное начало. Напротив, исторические картины, изображающие сцены нравственного выбора или драматической борьбы, обладали наибольшим повествовательным потенциалом и поэтому считались высшим жанром живописи.

История и стили живописи

Происхождение

История искусства знает множество стилей живописи. Она начинается с доисторических наскальных рисунков (например, в пещерах Альтамира, Шове и Ласко) и включает фрески и росписи на досках египетской, минойской, микенской и этрусской цивилизаций, а также живопись классической античности — греческую и римскую. Прекрасным примером искусства классической античности является серия фаюмских портретов, обнаруженных в основном в районе оазиса Эль-Файюм недалеко от Каира.

Распад Римской империи (ок. 450 г. н.э.) привёл к господству византийского искусства с центром в Константинополе. Тем временем Западная Европа переживала четыре века культурного застоя — Тёмные века — до тех пор, пока папа Лев III не короновал Карла Великого императором Священной Римской империи. Двор Карла Великого положил начало небольшому культурному возрождению, известному как Каролингское искусство (750–900). Эта традиция была продолжена при Оттоне I, II и III в эпоху Оттоновского искусства, после чего возрождённая римская церковь последовательно развивала романский (1000–1200) и готический (1150–1375) стили. Основными видами живописи в эти периоды были иконы на досках, религиозные фрески и книжная иллюминация.

Проторенессанс

Средневековая западноевропейская живопись строго подчинялась канонам. Сюжеты были ограничены почти исключительно библейскими сценами, причём существовали строгие правила, какие именно сюжеты из Ветхого и Нового Заветов могут быть изображены и как их следует трактовать. Структура картины подчинялась «иерархической перспективе», в которой важные фигуры изображались крупнее, а второстепенные — в меньшем масштабе. Художники были обязаны следовать формальным правилам композиции, касающимся цвета, пространства и фона. Таким образом, натурализм практически не допускался. Божественный мир — мир Бога, Иисуса, Девы Марии, пророков, святых и апостолов, который был доминирующей темой, — рассматривался как трансцендентный, и его великолепие и слава обычно символизировались сияющим золотым фоном.

Первыми художниками, бросившими вызов этим строгим правилам, были Чимабуэ и его ученик Джотто (1270–1337), чей цикл фресок в капелле Скровеньи (капелла дель Арена) в Падуе привнёс новый реализм и был выполнен в гораздо более натуралистической манере. В результате Джорджо Вазари (1511–1574) в своих «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» («Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori») (1550) называет Джотто «отцом живописи». Другим новатором эпохи Проторенессанса (1300–1400) был Амброджо Лоренцетти (активен в 1319–1348) из Сиенской школы живописи.

Раннее Возрождение

В то время как в Сиене (Италия) и при феодальных дворах по всей Европе постепенно сходили на нет стили византийского искусства и интернациональной готики, творческие идеи Джотто изучались и развивались во Флоренции в эпоху Раннего Возрождения (1400–1490). В этот период произошли четыре ключевых изменения:
возрождение форм и стилей классического греческого и римского искусства;
рост веры в благородство человека (гуманизм);
овладение линейной перспективой (создание глубины в картине); и 
больший реализм в религиозной живописи. Среди главных художников Раннего Возрождения: Томмазо Мазаччо (ок. 1401–1428), написавший серию фресок в капелле Бранкаччи во Флоренции, и Пьеро делла Франческа (1420–1492), чей глубокий интерес к геометрии сделал его пионером в использовании линейной перспективы с геометрически точным пространством и строгими пропорциями (см. его «Бичевание Христа», 1450-е гг.). Реализм, линейная перспектива и новые композиционные формы были усовершенствованы художниками кватроченто, такими как флорентийцы Антонио дель Поллайоло (1432–1498) и Алессандро Боттичелли (1445–1510), а также североитальянский мастер Андреа Мантенья (1431–1506).

Высокое и Позднее Возрождение

Живопись Высокого Возрождения (ок. 1490–1530), сосредоточенная в Риме и развивавшаяся под патронажем папы Юлия II (понтификат 1503–1513) и папы Льва X (понтификат 1513–1521), стала зенитом идеологии итальянского Ренессанса и эстетического идеализма. В это время были созданы некоторые из величайших картин эпохи Возрождения. Всё это прекрасно иллюстрируют работы Леонардо да Винчи (1452–1519) («Тайная вечеря», «Мона Лиза»), Рафаэля (1483–1520) («Афинская школа») и Микеланджело (1475–1564) (фреска «Сотворение мира» в Сикстинской капелле в Ватикане). Наряду с этим трио мастеров Высокого Возрождения в Венеции творили другие великие художники, в том числе Якопо (1400–1470), Джентиле Беллини (ок. 1429–1507) и Джованни Беллини (ок. 1430–1516), Джорджоне (ок. 1476–1510), Тициан (Тициано Вечеллио) (ок. 1487–1576), Паоло Веронезе (1528–1588) и Тинторетто (Якопо Робусти) (1518–1594).

Северное Возрождение

Тем временем в Северной Европе (Фландрия, Голландия, Англия и Германия) Северное Возрождение развивалось несколько иначе. Отличительными чертами были предпочтение масляной живописи (фреска была менее приспособлена к влажному климату), а также интерес к гравюре. Великими художниками эпохи были Ян ван Эйк (1390–1441), Рогир ван дер Вейден (1400–1464), Иероним Босх (1450–1516), Альбрехт Дюрер (1471–1528) и Ганс Гольбейн Младший (1497–1543).

Маньеризм

Искусство бурного чинквеченто (XVI век) характеризовалось менее гармоничным, более напряжённым и изломанным стилем, получившим название маньеризм. Вторая фреска Микеланджело в Сикстинской капелле, «Страшный суд», является образцом этого подхода, как и «Погребение графа Оргаса» Эль Греко (ок. 1541–1614).

Барокко

В конце XVI века, в ответ на Реформацию, начатую Мартином Лютером (с 1520-х годов), Римско-католическая церковь развернула Контрреформацию, используя все доступные средства для восстановления своего авторитета, включая искусство. Это совпало с появлением нового европейского стиля, известного как живопись барокко, который процветал в XVII веке. Искусство барокко характеризовалось крупномасштабной, экстравагантной театральностью как в форме, так и в содержании. Рубенс (1577–1640) был выдающимся художником католической Контрреформации. В Испании, другом оплоте католицизма, ведущими художниками были Диего Веласкес (1599–1660) и Франсиско де Сурбаран (1598–1664). В Италии Караваджо (1571–1610) стал ведущим живописцем Контрреформации, известным своим натурализмом и реалистичными образами. Он был важным пионером тенебризма и кьяроскуро — живописного использования света и тени, которое стало популярным под названием караваджизм. Ключевым центром итальянского барокко и караваджизма был Неаполь — в то время второй по величине город в Европе после Парижа. Для получения дополнительной информации см.: Живопись в Неаполе (1600–1700).

Голландская школа реализма

Некатолическое искусство голландского барокко и некоторые произведения фламандского барокко развивались иначе, поскольку протестантские церковные власти не были заинтересованы в заказе религиозных произведений. Однако рост благосостояния среди купечества и профессиональных классов привёл к появлению нового типа коллекционеров, чья гордость за свой быт вызвала спрос на станковую живопись: в частности, на бытовые сцены, пейзажи и натюрморты. Так возникли великие голландские реалистические школы в Делфте, Утрехте, Харлеме и Лейдене, к которым принадлежали такие гении, как Рембрандт (1606–1669) и Ян Вермеер (1632–1675).

Рококо

К 1700 году монументальный стиль барокко сменился более лёгким и менее серьёзным стилем, который в конечном итоге оформился в движение, известное как рококо. Этот изящный декоративный стиль зародился во Франции, но в течение XVIII века распространился по всей Европе. Его величайшими представителями были французские художники Жан-Антуан Ватто (1684–1721), Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806), Франсуа Буше (1703–1770), а также венецианский мастер Джамбаттиста Тьеполо (1696–1770), прославившийся своими великолепными настенными и потолочными фресками. Рококо стало тесно ассоциироваться с аристократическими дворами Старого порядка в Европе, в частности с двором французского короля Людовика XV и его фаворитки мадам де Помпадур.

Неоклассицизм и романтизм (расцвет в 1789–1830 гг.)

Французская революция 1789 года совпала с появлением двух разных художественных стилей: неоклассицизма и романтизма. Сторонники неоклассической живописи черпали вдохновение в классической античности; их картины характеризуются героизмом, темами гражданского долга и строгой морали. Ведущим представителем этого направления был французский художник и политический деятель Жак-Луи Давид (1748–1825). Среди других известных художников-неоклассиков — немецкий портретист и исторический живописец Антон Рафаэль Менгс (1728–1779) и французский мастер академического стиля Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780–1867). Однако самым большим вкладом движения была его архитектура, которая занимает почётное место и в наши дни.

В отличие от строгости и общечеловеческих ценностей, пропагандируемых неоклассицизмом, художники-романтики стремились к возвращению к природе, примером чего является их увлечение пленэрной живописью (например, в барбизонской, понт-авенской и норвичской школах). Они полагались на чувства и эмоции, а не на разум и рассудок. Художники-романтики стремились выразить личное, эмоциональное отношение к жизни. Среди знаменитых романтиков были Джон Констебл (1776–1837) и Дж. М. У. Тёрнер (1775–1851) — важные представители английской пейзажной живописи XIX века, Каспар Давид Фридрих (1774–1840) и Камиль Коро (1796–1875); а также исторические живописцы и портретисты Франсиско Гойя (1746–1828), Иоганн Генрих Фюсли (1741–1825), Джеймс Барри (1741–1806), Теодор Жерико (1791–1824) и Эжен Делакруа (1798–1863). Почитайте также про английскую фигуративную живопись (1700–1900).

Более поздние проявления романтизма включают: ориентализм, американскую пейзажную школу реки Гудзон, мистические произведения символизма и братства прерафаэлитов, а также фантастические сказочные картины в духе магического реализма.

Реализм

Вплоть до XIX века, за исключением нидерландского искусства XVII века, живопись была сосредоточена в основном на «важных» сюжетах, как это определялось традициями академий изящных искусств и парижского Салона. Даже когда художники обращались к менее возвышенным темам (например, к жизни простолюдинов), они обычно изображали их в идеализированной манере. Но в соответствии с новыми идеями «Свободы, равенства и братства», провозглашёнными Французской революцией, художники стали уделять равное внимание повседневным сюжетам, которые стали изображаться в их реальном, натуралистическом виде. Этот новый стиль, известный как реализм, возник в основном во Франции и привлёк художников всех жанров, в частности Гюстава Курбе (1819–1877), Жана-Франсуа Милле (1814–1875), Оноре Домье (1808–1879), Илью Репина (1844–1930) и Томаса Икинса (1844–1916). Влияние французского реализма XIX века распространилось и на XX век, породив многочисленные подстили, такие как школа «Мусорных вёдер» (Нью-Йорк), социальный реализм (поддержанный Федеральным художественным проектом), прецизионизм (индустриальные сцены) и социалистический реализм. Течения, основанные на реализме, продолжают существовать и сегодня.

Известные реалисты XX века — это, например, американский художник Норман Роквелл (1894–1978) и английский портретист Люсьен Фрейд (1922–2011). Последний на сегодняшний день стиль реализма — фотореализм, также известный как гиперреализм и суперреализм.

Импрессионизм

Ко второй половине XIX века Париж стал бесспорным центром мирового искусства. Он упрочил свои позиции, породив одно из величайших направлений в современном искусстве всех времён — импрессионизм, основными представителями которого были Клод Моне (1840–1926), Камиль Писсарро (1830–1903), Альфред Сислей (1839–1899), Пьер Огюст Ренуар (1841–1919), Эдгар Дега (1834–1917), Эдуар Мане (1832–1883), Поль Сезанн (1839–1906) и Берта Моризо (1841–1895). Среди других художников, связанных с импрессионизмом, были Жорж Сёра (1859–1891), Поль Гоген (1848–1903), Джон Сингер Сарджент (1856–1925), Джеймс Макнил Уистлер (1834–1903) и Уолтер Сикерт (1860–1942). Смотрите также: Лучшие картины импрессионистов.

Хотя импрессионисты как «группа» распались в начале 1880-х годов, этот стиль породил целый ряд родственных течений, объединяемых под общими названиями неоимпрессионизм и постимпрессионизм. В их число входит пуантилизм, выросший из дивизионизма, интимизм, американские школы пейзажа и марины, а также группы художников, такие как английская Ньюлинская школа и Кэмден-Таунская группа. Во Франции возникли декоративные стили синтетизм (Гоген) и клуазонизм (Бернар, Анкетен), которые вдохновили группу «Наби» и немецкое объединение Worpswede.

Живопись начала XX века

В период с 1882 по 1925 год в мире искусства появилось множество новых стилей. Двумя главными движениями этого взрыва модернизма были:

Экспрессионизм — направление, в котором цвет играет ключевую роль (в этом оно перекликалось с фовизмом, недолговечным парижским движением во главе с Анри Матиссом). К нему относятся группы немецкого экспрессионизма, такие как «Синий всадник», «Мост» и «Новая вещественность». Экспрессионизм представлен картинами Василия Кандинского (1866–1944), Эдварда Мунка (1863–1944), Алексея фон Явленского (1864–1941), Жоржа Руо (1871–1958), Эрнста Людвига Кирхнера (1880–1938), Франца Марка (1880–1916) и Эгона Шиле (1890–1918). См. также: История экспрессионистской живописи (ок. 1880–1930).

Кубизм — более интеллектуальный стиль, который принято делить на аналитический и синтетический. Его основоположниками были Жорж Брак (1882–1963) и Пабло Пикассо (1881–1973). Эксперименты кубизма с двухмерной плоскостью изображения привели к появлению таких стилей, как футуризм — итальянское художественное движение, основанное в 1909 году Филиппо Маринетти (1876–1944); орфизм (симультанизм) Робера Делоне (1885–1941); лучизм, разработанный русскими художниками Михаилом Ларионовым (1881–1964) и Натальей Гончаровой (1881–1962); русское движение абстрактного искусства 1913–1915 годов, известное как супрематизм, во главе с Казимиром Малевичем (1878–1935); и голландское движение «Де Стейл», основанное в 1917 году Тео ван Дусбургом (1883–1931) и Питом Мондрианом (1872–1944), которое позже развилось в неопластицизм. Для получения дополнительной информации см.: Абстрактная живопись.

На живопись начала XX века также повлияли декоративные элементы стилей модерн (югендстиль в Германии) и ар-деко.

Европейская авангардная живопись была впервые представлена в Америке на Арсенальной выставке (1913) в Нью-Йорке.

Живопись после Первой мировой войны: сюрреализм

После антихудожественных акций дадаизма первым международным движением в межвоенные годы стал сюрреализм, чей демократичный и эпатажный стиль оказал большое влияние на более поздний поп-арт. После новаторской метафизической живописи Джорджо де Кирико, главного предшественника сюрреализма, в число ведущих художников этого направления вошли Макс Эрнст (1891–1976), Ман Рэй (1890–1976), Жан Арп (1886–1966), Жоан Миро (1893–1983), Рене Магритт (1898–1967) и Сальвадор Дали (1904–1989).

Послевоенное искусство: абстрактный экспрессионизм (1945–1965)

К 1940 году, когда Европа была охвачена войной, центр мира искусства переместился в Нью-Йорк. Там росло число местных художников, к которым присоединялись эмигранты из Франции, Испании и Германии, находившие покровительство и поддержку, в частности, у семьи Гуггенхайм. Атмосфера была пронизана тревогой из-за войны, от которой многие художники бежали за океан. Они искали утешение и смысл в абстракции, а не в фигуративном искусстве, которое фактически пришло в упадок после заката американской бытовой живописи и её варианта под названием риджионализм.

Под влиянием европейских эмигрантов — таких как Макс Эрнст (который был женат на Пегги Гуггенхайм), бывший преподаватель Баухауса Джозеф Альберс (1888–1976) и армянин Аршиль Горки (1904–1948) — и уникальных американских художников, таких как Марк Ротко (1903–1970) и Джексон Поллок (1912–1956), из этого тесного взаимодействия вырос абстрактный экспрессионизм с его вариантами: живописью действия (Поллок и Ли Краснер), живописью цветового поля (Ротко, Стилл, Ньюман, Франкенталер, Кеннет Ноланд), живописью жёстких контуров (Фрэнк Стелла) и постживописной абстракцией (Эллсворт Келли).

В Европе абстрактный экспрессионизм развивался под общим названием информель (Альфред Отто Вольфганг Шульце, известный как Вольс), чьи подстили включали лирическую абстракцию (например, Николя де Сталь), ташизм (Сэм Фрэнсис), материальную живопись (Антони Тапьес) и группу «КОБРА» (например, Асгер Йорн, Карел Аппель).

Абстрактный экспрессионизм, будучи очень влиятельным движением, в конечном счёте привёл к минимализму — одному из первых движений современного искусства — через такие подстили, как оп-арт, который отстаивала Бриджит Райли (р. 1931).

Поп-арт (1960-е)

По мере того как абстрактный стиль становился всё более интеллектуальным, другие американские художники искали альтернативы — если не в абстракции, то в повседневной реальности. В конце 1950-х годов Джаспер Джонс (р. 1930) и Роберт Раушенберг (1925–2008) начали исследовать использование массовой культуры в качестве источника вдохновения. Это быстро привело к антиинтеллектуальному движению поп-арт, примером которого являются работы Роя Лихтенштейна (1923–1997), Энди Уорхола (1928–1987) и Дэвида Хокни (р. 1937) и многих других. После спада в начале 1970-х поп-арт возродился как нео-поп в 1980-х.

Современная живопись

Современная фигуративная живопись с 1970 года представлена работами Фрэнсиса Бэкона (1909–1992) и Фернандо Ботеро (р. 1932), неоэкспрессионизмом китайских художников, таких как Чжан Сяоган (р. 1958) и Юэ Миньцзюнь (р. 1962), пейзажами Питера Дойга (р. 1959), а также многочисленными портретами молодых художников, в том числе ирландцев Дэвида Нолана (р. 1966) и Конора Уолтона (р. 1970). Несмотря на это, фигуративная живопись пока не заняла центральное место в современном искусстве. То же самое относится и к абстрактной живописи, которая продолжает привлекать множество молодых художников-абстракционистов и порождает многочисленные локальные течения, но пока не привела к формированию крупных международных движений.

Возможно, это впечатление обманчиво. Например, отсутствие крупных международных движений может создавать иллюзию незначительного прогресса, несмотря на яркие события на местном уровне. Кроме того, художники-постмодернисты по-прежнему способны создавать выдающиеся образцы абстракции, например, отличительный текстовый арт, созданный Кристофером Вулом (р. 1955) в его чёрно-белых эмалевых картинах.

Можно утверждать, что в искусстве живописи после 1970-х годов, несмотря на появление ярких индивидуальностей, было создано не так много общепризнанных шедевров, как в предыдущие эпохи. Художники-постмодернисты столкнулись с тремя ключевыми вопросами:
Насколько актуальна фигуративная живопись в эпоху, где доминируют фотожурналистика и видео?
Что ещё может предложить абстрактная живопись с точки зрения эстетической оригинальности?
В какой степени живопись может конкурировать за внимание публики с более «современными» формами искусства, такими как инсталляция, в художественных музеях и других общественных пространствах?

Возможно, традиционные навыки рисования и живописи, которым художественные колледжи и академии больше не уделяют прежнего внимания, находятся в упадке. Однако по крайней мере в России, Восточной Европе и Китае современные видео- и фототехнологии оказывают меньшее влияние на искусство. С другой стороны, новые технологии, такие как графические планшеты со стилусами, а также цифровая графика, сделали рисование доступным для более широкого круга людей, что можно считать только позитивным явлением.