Готическое искусство читать ~14 мин.

Термин «готический стиль» относится к стилю европейской архитектуры, скульптуры и малых искусств, который пришёл на смену романскому искусству и предшествовал раннему Возрождению. Этот период принято делить на раннюю готику (1150–1250), высокую готику (1250–1375) и интернациональную готику (1375–1450). Готика, будучи в первую очередь формой христианского искусства, зародилась и достигла расцвета в Иль-де-Франс и прилегающих регионах в 1150–1250-х годах, а затем распространилась по всей Северной Европе.

Основной формой выражения готики стала архитектура, ярчайшими примерами которой являются великие готические соборы Северной Франции. В ней выделяют два основных декоративных стиля: «лучистую готику» (ок. 1200–1350) и более позднюю «пламенеющую готику» (1375–1500). К лучшим образцам готической архитектуры относятся Шартрский собор (1194–1250), собор Парижской Богоматери (1163–1345), Сент-Шапель (1241–1248) и Кёльнский собор (строительство начато в 1248 году), а также соборы в Кентербери и Винчестере и Вестминстерское аббатство.

В готическом стиле на смену плоскостным формам романской архитектуры пришёл акцент на линии. Устремлённые ввысь арки и контрфорсы позволили проделать в стенах огромные оконные проёмы. Их заполняли витражи с вдохновляющими сценами из Священной истории, чьё великолепие превосходило всё, что могли предложить настенная живопись или мозаика. Всё это создавало особую, одухотворённую атмосферу, которая разительно отличалась от романского периода. В конце XIV века возник более светский готический стиль, известный как интернациональная готика, который распространился в Бургундии, Богемии и Северной Италии.

Готическое искусство, будучи преимущественно религиозным, стало мощным материальным воплощением растущего влияния церкви. Оно вдохновляло не только простой народ, но и светских правителей, а также прочно установило связь между религией и искусством, что стало одной из основ итальянского Возрождения (1400–1530). Среди выдающихся мастеров готического стиля — Джованни Пизано и Симоне Мартини из Сиенской школы живописи.

Готическая скульптура

Ранняя готическая скульптура

Как и в романский период, лучшие готические скульпторы занимались в основном архитектурным декором. Самые значимые образцы каменной скульптуры того времени украшают порталы соборов. Примером может служить церковь аббатства Сен-Дени, западные порталы которой (1137–1140) демонстрируют черты, характерные для всей готики: резной тимпан, фигуры в вуссуарах (клиновидных камнях архивольта) и статуи по сторонам от входа. К сожалению, скульптурный декор Сен-Дени дошёл до нас в неполном виде: боковые фигуры порталов утрачены, а остальные части были значительно отреставрированы.

Тенденция к большему реализму

Целостное впечатление об этом этапе развития стиля даёт западный фасад Шартрского собора. Сравнение его порталов (ок. 1140–1150) со скульптурами Реймского собора XIII века показывает, как в ранний период готики рос реализм и преодолевалась скованность, свойственная романской скульптуре. Это движение не было плавным и происходило благодаря нескольким стилистическим импульсам.

Первый импульс заметен в скульптурах западного фасада Шартра. Эти фигуры с их стилизованными жестами и мелкими складками на одежде ещё не выглядят реалистичными, а их формы подчинены архитектурной композиции. Похожие черты можно найти в соборах Анже, Ле-Мана, Буржа и Санлиса. Второй творческий импульс (1181–1210) пришёл из мозанской школы, в частности из работ по металлу ювелира Николая Верденского и его старшего современника Годфруа де Клера. Для их произведений характерны изящные, изогнутые фигуры и мягкие, струящиеся драпировки с U-образными складками (стиль Мульденштиль).

Более сдержанный вариант этого стиля украшает главные порталы трансептов Шартрского собора (ок. 1200–1210); его влияние также заметно в Реймском соборе. Третий импульс к реализму, основанный на византийских образцах X века, зародился в Париже около 1200 года при работах в соборе Парижской Богоматери. Вместо струящихся драпировок и плавных изгибов для этого стиля характерны более массивные, статичные фигуры со сдержанными жестами. Ярким примером этого направления служит западный фасад Амьенского собора (ок. 1220–1230).

Четвёртый стилистический виток реализма связан с Реймсом и творчеством мастера, условно названного по его самой известной работе — мастеру Иосифа. Отвергнув и сдержанность амьенской школы, и драпировки в стиле Мульденштиль, он около 1240 года создал новый тип фигур, определивший развитие скульптуры на следующие 150 лет. Для него характерны изящные позы, выразительные лица и плотные драпировки, ниспадающие длинными V-образными складками и подчёркивающие объём. Готическая соборная скульптура оказала огромное влияние на живописцев и миниатюристов поздней готики, включая великого провансальского художника Энгеррана де Шарантона (Картона) (ок. 1410–1466), автора знаменитой Авиньонской Пьеты (1454–1456, Лувр, Париж).

В Германии развитие шло схожим путём, однако немецкая готическая скульптура, как правило, более экспрессивна — достаточно взглянуть на соборы в Страсбурге и Магдебурге. Яркий пример такой эмоциональности — скульптуры западного хора собора в Наумбурге (ок. 1250). См. также Немецкое готическое искусство (ок. 1200–1450).

Скульптура высокой готики

В этот период архитектурная скульптура постепенно уступает ведущую роль другим видам пластики. В архитектуре высокой готики всё большее значение приобретают геометрические узоры, а скульптурный декор отходит на второй план. Несколько порталов, например, на западном фасаде собора в Бурже, были завершены, но они представляют меньший интерес в сравнении с работами раннего периода. Напротив, в это время начало активно развиваться искусство камерной скульптуры, в первую очередь — надгробий и других погребальных памятников. Их обычно украшали небольшими фигурками в нишах, изображающими плакальщиков — как правило, скорбящих членов семьи. Позже, в начале XIV века, появляются и изображения профессиональных плакальщиков в тяжёлых траурных одеждах.

Начало этой тенденции положил Людовик IX, заказав памятники своим предкам и ближайшим родственникам, которые были установлены в основном в аббатстве Сен-Дени (1260–1270). Хотя многие из них сильно пострадали во время Французской революции, инициатива короля способствовала популяризации идеи династических мавзолеев, и многие знатные вельможи последовали его примеру.

В Англии, как и во Франции, самые виртуозные скульптурные работы также создавались для частных гробниц и памятников. Лучшим из сохранившихся готических мавзолеев является Вестминстерское аббатство. В нём представлены памятники из различных материалов (в частности, из пурбекского мрамора, бронзы, алебастра и камня), дополненные полами и гробницами, выполненными итальянскими мозаичистами по заказу Генриха III. Гробница Эдуарда II (ок. 1330–1335) в Глостерском соборе, примечательная своим сложным резным балдахином, — ещё один выдающийся пример английской готики.

Примером немецкой высокой готики служат элегантные фигуры с изысканными драпировками в хоре Кёльнского собора (освящён в 1322 году), а также впечатляющие статуи на западном фасаде Страсбургского собора (созданы после 1277 года), на которые, очевидно, повлияло творчество мастера Иосифа из Реймса. Как и в ранний период, немецкая скульптура отличается большей экспрессивностью по сравнению с французскими аналогами.

В Италии важнейшими скульпторами XIII века были Никола Пизано (1206–1278) и его сын Джованни Пизано (1250–1314). Оба работали преимущественно в Тоскане, и главными их творениями считаются кафедры: Никола Пизано известен кафедрами для баптистерия в Пизе (1259–1260) и собора в Сиене (1265–1268), а кафедра Джованни Пизано в церкви Сант-Андреа в Пистое (закончена в 1301 году) технически менее изысканна, но гораздо более драматична и эмоциональна.

В Милане гробницу Святого Петра Мученика создал Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290–1349) в стиле, заимствованном у мастерской Пизано. Среди других известных последователей Пизано — Арнольфо ди Камбио (1240–1300/10) и Тино ди Камаино, работавший при неаполитанском дворе (ок. 1323–1337). Скульптура Арнольфо ди Камбио отличается монументальностью и строгостью. Он был мастером торжественных композиций, таких как погребальная капелла и гробница папы Бонифация VIII. Кроме того, он был первым архитектором Флорентийского собора (заложен в 1296 году). Тино ди Камаино прославился как создатель гробниц; крупнейшее собрание его работ находится в Неаполе. Подробнее см.: Флорентийский собор, Брунеллески и Ренессанс (1420–1436).

Другим выдающимся итальянским готическим скульптором был Андреа Пизано (1295–1348), также известный как Андреа да Понтедера. Его самые знаменитые скульптуры были созданы во Флоренции, и важнейшими из них являются три бронзовые двери для баптистерия Флорентийского собора (завершены в 1336 году). На его творчество повлияла как скульптура Джованни Пизано, так и живопись Джотто, что проявилось в массивности и основательности его фигур.

Готическая живопись

Хотя в романский период живопись украшала стены церквей и страницы евангельских рукописей, она ещё не стала ведущей формой монументального искусства. В качестве настенного декора всё ещё были популярны гобелены (которые к тому же лучше сохраняли тепло), а готические соборы с их огромными окнами оставляли меньше места для росписей, чем романские церкви. Вместо этого для создания цветовых акцентов в интерьере готические архитекторы использовали витражи, которые стали значительно больше, чем в предыдущую эпоху.

Тем не менее, в других жанрах живописи новый стиль проявил себя очень ярко: алтарные образы и иллюминированные рукописи получили новое развитие в рамках готической стилистики.

О других важных исторических стилистических направлениях, подобных готике, см. Художественные движения, периоды, школы (начиная примерно со 100 г. до н.э.).

Готическая живопись во Франции

Ранняя готическая живопись отошла от канонов византийского искусства в сторону большего натурализма, выработав более мягкий и реалистичный стиль, который доминировал до середины XIII века. Во Франции он особенно ярко проявился в серии великолепных морализующих Библий — рукописей, содержащих отрывки из Библии с морализаторскими толкованиями и иллюстрациями, которые по своей структуре напоминали витражи. Они создавались для французского королевского двора в 1230–1240-х годах.

В Англии этот стиль прослеживается в многочисленных рукописях, например, в Эймсберийской псалтыри (ок. 1240; Колледж Всех Душ, Оксфорд). В Германии готические художники избегали этого изящного стиля, предпочитая экспрессивную, угловатую манеру, известную как цаккенштиль (Zackenstil, «ломаный стиль»). Например, на Зостском алтаре (1230–1240, Картинная галерея, Берлин) драпировки изображены резкими, ломаными линиями, а их складки часто заострены, как сосульки. Готические иллюминированные рукописи также оказали влияние на развитие станковой живописи и фресок в Северной Европе.

Готическая книжная иллюстрация

Чтобы оценить готическую книжную иллюстрацию, нужно обратиться к иллюминированным рукописям, которые создавались в монастырских скрипториях начиная с XIII века. Это часословы, требники, апокалипсисы, псалтыри и библии. См., например, «Бельвильский бревиарий» (1326) и «Часослов Жанны д’Эврё» (1328) работы Жана Пюселя (1290–1334).

В этих шедеврах готический художник, уже не связанный рамками архитектурного ансамбля, мог дать волю своей фантазии. Фигуры порой удлиняются почти до карикатурности, напоминая современные модные эскизы (см. вторую часть Псалтыри Арундела в Британском музее). Повсюду встречаются гротескные существа, юмористические или зловещие детали. По мере развития стиль миниатюры становился всё более насыщенным деталями, не давая глазу отдохнуть. Страницы украшали замысловатые декоративные фоны, бордюры с листьями плюща, которые выглядели даже более колючими, чем в природе. Позднее, с середины XV века, появляются пейзажные фоны с искусно выписанными цветами на переднем плане. Часто встречаются и сцены из современной жизни: спорт, развлечения, пиры, путешествия, приготовление еды. Подобными миниатюрами, например, изобилует «Псалтырь Латтрелла» (1340, Британский музей).

Можно подумать, что в XIV веке жизнь на северо-западе Европы была восхитительным, но хаотичным нагромождением деталей, по-детски наивной и полной живых игрушек. См. также: История иллюминированных рукописей.

На живопись высокой готики большое влияние оказала современная ей скульптура. Впервые это стало очевидно в Париже, где одним из главных покровителей искусств был король Людовик IX. В Евангелии из его дворцовой капеллы Сент-Шапель (1241–1248) видно, как ранний готический стиль резко сменяется манерой, заимствованной у мастера Иосифа, с крупными, угловатыми складками драпировок (Национальная библиотека Франции). Одновременно росло внимание к деталям, которое порой становилось самоцелью. Так, например, лица зачастую превращались в упражнения в каллиграфическом мастерстве.

Хотя некоторые элементы, такие как лица и руки, по-прежнему изображались в основном с помощью линии, драпировки и другие объёмы уже моделировались светом и тенью. Это «открытие света» началось примерно в 1270–1280-х годах, но особенно ярко проявилось в творчестве знаменитого парижского миниатюриста, известного как мастер Оноре, который был активен примерно в 1288–1300 годах. Возможно, этому процессу способствовало и развитие живописи в Италии.

Французский стиль быстро распространился в Англии. Хотя Генрих III не был библиофилом, ряд рукописей, созданных для его семьи, украшен иллюстрациями в том же изящном и утончённом стиле, что и у художников Людовика IX. В Вестминстерском аббатстве также сохранились некоторые образцы монументальной живописи, в частности «Вестминстерский ретабль». Позднейшие изменения в английской живописи, примером которых служит Псалтырь королевы Марии (ок. 1330, Британский музей), включали всё более пышное и сложное украшение бордюров. См. также: Создание иллюминированных рукописей.

Подробнее о международной готической книжной миниатюре XIV – XV веков см. статьи о Жане Пюселе (1290–1334), братьях Лимбург (ум. в 1416; см. их «Великолепный часослов герцога Беррийского») и Жане Фуке (1420–1481; см. его выдающийся «Меленский диптих»).

Итальянская готическая живопись

В XIII веке и в Риме, и в Тоскане существовали процветающие живописные школы, и обе находились под сильным влиянием средневекового искусства Византийской империи. К сожалению, поскольку большая часть римских произведений была впоследствии уничтожена, свидетельства о столичной живописи того времени приходится искать за пределами города — в частности, в Ассизи. Там верхняя церковь Сан-Франческо была украшена фресками работавших в Риме художников между 1280 и 1300 годами, в первую очередь Чимабуэ (Ченни ди Пеппи, 1240–1302).

Как и во всём готическом искусстве, стилистические изменения в Италии шли в сторону большего реализма. К концу XIII века итальянские художники начали использовать свет для моделирования фигур. Они также достигли значительных успехов в работе с линейной перспективой для создания иллюзии пространства в своих композициях. Более того, лучшие живописцы научились изображать фигуры, которые, казалось, действительно общались друг с другом с помощью жестов и мимики. Хорошим примером этого является работа мастера Исаака в верхней церкви в Ассизи.

В отличие от Северной Европы, в Италии сохранилась сильная традиция монументальной фресковой живописи, обычно выполнявшейся в технике «буон фреско», при которой пигмент наносится на свежую известковую штукатурку. Основными темами фресок были библейские сюжеты и жития святых. Величайшим представителем готической живописи стал художник Джотто ди Бондоне (1267–1337), чьей классической работой являются фрески капеллы Скровеньи в Падуе, включая знаменитые «Поцелуй Иуды» (1305) и «Оплакивание Христа» (1305). Однако, несмотря на значительно возросший реализм работ Джотто, он не смог полностью избежать влияния своих византийских предшественников, которое отчётливо прослеживается в композиционных решениях.

В Тоскане развитие готического стиля лучше всего иллюстрирует творчество Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255–1319), самого известного художника сиенской школы проторенессансного периода. Он является создателем алтарного образа «Маэста» (1308–1311), который был главным алтарём Сиенского собора, и «Мадонны Строганова» (1300). Последняя была одной из великих готических станковых картин, написанных темперой на дереве. Однако мастерство Дуччо в создании реалистичного пространства было слабее, чем у Джотто, и его работам не свойственна та же драматическая сила.

Из последующих флорентийских и сиенских художников, вероятно, наиболее известен Симоне Мартини (1285–1344), работавший при папском дворе в Авиньоне. Примером его творчества может служить Триптих «Благовещение» (1333) для Сиенского собора. Среди других важных художников — братья Пьетро и Амброджо Лоренцетти. См. работу последнего «Аллегория доброго и дурного правления» (1338–1339, Палаццо Пубблико, Сиена).

Примерно к 1350 году итальянские художники заняли уникальное положение в Европе. Их особый стиль живописи Предвозрождения, с его достижениями в искусстве повествовательной композиции, отличал их от художников остальной Европы. Их успехи в изображении реальности нельзя было игнорировать, и северные мастера прилагали усилия, чтобы адаптировать итальянский натурализм к своим художественным задачам. С появлением масляной краски фламандская и нидерландская школы вскоре догнали, а порой и превзошли своих южных коллег. Но это уже другая история.

Список готических художников

К ведущим представителям готического стиля относятся:

Скульпторы
– Николай Верденский (ок. 1181–1210)
– Никола Пизано (1206–1278)
– Мастер Иосифа из Реймса (работал ок. 1240–1277)
– Джованни Пизано (1250–1314)
– Арнольфо ди Камбио (1240–1300/10)
– Джованни ди Бальдуччо (ок. 1290–1349)
– Андреа Пизано (1295–1348)
– Тино ди Камаино (работал ок. 1323–1337)
– Филиппо Календарио (до 1315–1355)

Скульпторы поздней готики
– Фейт Штосс (ок. 1447–1533)
– Адам Крафт (ок. 1455–1509)
– Тильман Рименшнайдер (ок. 1460–1531)
– Грегор Эрхарт (ок. 1460–1540)

Художники
– Мастер Оноре (работал ок. 1288–1300)
– Чимабуэ (Ченни ди Пеппи) (1240–1302)
– Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255–1319)
– Джотто ди Бондоне (1267–1337)
– Симоне Мартини (1285–1344)
– Пьетро Лоренцетти (работал ок. 1320–1345)
– Амброджо Лоренцетти (работал ок. 1319–1348)