Средневековая живопись:
готическое искусство средневековья читать ~11 мин.

Хотя средневековое искусство, созданное между XIII и XV веками (ок. 1180–1420 гг.), было преимущественно готическим, для изобразительных искусств, таких как живопись и скульптура, этот период стал по своей сути переходным. В течение этих столетий цели художников радикально сместились: от строгих канонов романской живописи, испытавшей сильное влияние византийского искусства, к реалистичному изображению мира. Мастера стремились овладеть эффектом трёхмерности в живописи в соответствии с новыми идеями итальянского Проторенессанса (1300–1400) и, позднее, флорентийского Возрождения (1400–1512).

Общие факторы

Искусство этого периода, несмотря на стилистическое разнообразие, объединяло несколько общих черт. Важнейшей из них оставалось господство христианской тематики, поскольку большинство произведений средневекового искусства, как и в раннехристианские времена, по-прежнему выполняло религиозную функцию. Большинство станковых картин изображали религиозные сюжеты и предназначались для церквей — например, алтарные образы, включая диптихи, триптихи и полиптихи. Примером может служить Дижонский алтарь (1390-е годы, Музей изящных искусств, Дижон), созданный фламандским художником Мельхиором Брудерламом (ок. 1350–1411), придворным живописцем Филиппа Смелого. Почти все фрески также создавались для украшения церковных интерьеров. Действительно, готическую живопись лучше всего охарактеризовать как библейское искусство, поскольку её сюжеты по-прежнему были заимствованы из Ветхого и Нового Заветов, а также из житий святых.

Для более широкого взгляда на религиозный характер средневековой живописи см.: Раннехристианское искусство (150–1100) и Средневековое христианское искусство (600–1200), а также Русская средневековая живопись (ок. 950–1100).

Большинство иллюминированных рукописей также содержали библейские тексты, предназначенные либо для публичных чтений, либо для частных молитв. Однако светские мотивы всё чаще переплетались с религиозными. Причудливые и забавные фигурки (так называемые «дролери») нередко изображались на полях псалтырей. Сцены, демонстрирующие элегантность и изысканность придворной жизни, украшали страницы «Великолепного часослова герцога Беррийского» (создан братьями Лимбург около 1413 года, Музей Конде, Шантийи). В этих светских деталях проявлялось желание выразить весь спектр человеческих эмоций, а не только религиозные чувства, и реалистично воспеть многообразие современной жизни и смену времён года. Среди художников крепло убеждение, что все виды деятельности созданы Богом и являются частью Его замысла, а потому все они достойны изображения. (См. также: Создание иллюминированных рукописей.)

Вторым объединяющим принципом была непреходящая значимость декоративного искусства. Фоном для религиозных картин часто служило сусальное золото, на котором узоры наносились горячими инструментами — этот процесс известен как «тиснение». Иногда для заполнения фона использовался многоцветный орнамент или тесселяция (узоры из правильных ромбов или квадратов). Чувство изысканного дизайна находило выражение в плавных изгибах драпировок и грациозных позах человеческих фигур. Тела перестали изображать скованными и кукольными; жесты и движения стали более плавными. (См., например, работы таких миниатюристов, как Жан Пюсель и Жакмар де Эсден, а также мастера станковой живописи Ангерана Картона.)

К этим факторам добавлялась важность архитектурного обрамления. Готический художник часто вписывал свои картины в арку, через которую зритель как бы смотрел на сцену, словно через окно. (Эта техника стала очень популярной во фламандской и французской живописи XIV и XV веков). Включение архитектурных элементов в картину стало таким же неотъемлемым приёмом, как ниши и балдахины, обрамляющие готическую скульптуру.

Новые покровители искусства

Изменения в искусстве в период высокого и позднего Средневековья были вызваны быстрыми социальными сдвигами. Росла торговля, а вместе с ней процветали и города. В результате не только королевские дворы становились богаче — зажиточные горожане и купцы также получили возможность заказывать произведения искусства. К началу XV века каждый состоятельный бюргер мог позволить себе собственный Часослов.

Города и сами становились заказчиками. Например, в 1308 году городской совет Сиены заказал большой алтарный образ итальянскому мастеру Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255–1319), самому известному представителю сиенской школы живописи (1250–1550). Этот алтарь, известный как «Маэста» (1311), был завершён три года спустя. Под звуки труб и колоколов, в сопровождении высших лиц города и церкви, его торжественно перенесли из мастерской художника в собор и установили на главный алтарь.

Симоне Мартини (1284–1344) создал для Сиенского собора другой изысканный алтарный образ — триптих «Благовещение» (1333). Все эти произведения религиозного искусства были выражением гражданской гордости, однако она стала проявляться и в чисто светских работах. Так, городской совет Сиены заказал Амброджо Лоренцетти (ок. 1285–1348) серию из шести фресок под названием «Аллегория доброго и дурного правления» (1338–1339) для ратуши.

Книги пользовались большим спросом, и самые популярные из них — произведения о куртуазной любви, такие как «Роман о Розе», а также труды классических авторов Теренция и Овидия — иллюминировались. (Подробнее об этом см. наши статьи: Готические иллюминированные рукописи и Интернациональная готика в книжной миниатюре. О более ранних работах см.: Средневековая книжная миниатюра). Мастерские художников росли благодаря увеличению спроса на все виды искусства и обычно располагались в крупных торговых центрах. В целом жизнь во многих городах XIV века становилась всё более зажиточной, безопасной и изысканной.

Для нового типа мецената, стремившегося продемонстрировать своё богатство и высокое положение, важнейшими аспектами искусства были стоимость материалов, количество изображённых фигур и виртуозность исполнения. Об этих приоритетах свидетельствует следующее письмо, отправленное из Авиньона во Флоренцию купцом, действовавшим от имени богатого покровителя:

“Пришлите панно с изображением Богоматери на фоне из чистого золота…, чтобы оно представляло собой прекрасное зрелище, с хорошими и красивыми фигурами, выполненное лучшим художником, и со многими фигурами. Пусть в центре будет Господь на кресте или Богоматерь, что найдёте, мне всё равно, лишь бы фигуры были красивыми и большими, самыми лучшими и прекрасными, какие только сможете достать, и стоимостью не более пяти с половиной флоринов”.

Ремесленники, а не художники

Из этого ясно, что средневековые художники, как правило, не имели того статуса, который позже обрели живописцы и скульпторы эпохи Возрождения. Представление о художнике, который творит по наитию и выбирает сюжеты по своему усмотрению, в этот период почти не встречается. Лишь в XVI веке — благодаря усилиям Леонардо да Винчи (1452–1519), Микеланджело (1475–1564) и других мастеров — этот взгляд на творца получил признание. Акцент делался на произведении, а не на художнике, который с романских времён считался ремесленником довольно низкого ранга — гораздо ниже, например, ювелира или архитектора. (Подробнее см.: Ювелирное дело и Искусство обработки металла, а также Готическая архитектура).

За исключением некоторых итальянских работ — например, произведений таких художников, как Симоне Мартини, Амброджо Лоренцетти и Джотто, — большинство картин оставались неподписанными. Обычно их приписывают определённой школе, а не отдельным мастерам. Иногда, если работы художника становились известны, его мастерская продолжала работать в его стиле и после его смерти. Но даже такие мастера часто оставались безымянными, как, например, Мастер из Флемаля, который лишь сравнительно недавно был идентифицирован как Робер Кампен (1378–1444).

Тем не менее статус художника менялся. В раннем Средневековье художники чаще всего были монахами, но к концу периода большинство из них уже были мирянами. Некоторые прославленные мастера были осыпаны милостями знати. Например, братья Лимбурги, иллюстрировавшие «Великолепный часослов герцога Беррийского», ценились так высоко, что герцог сделал их своими камердинерами. Джотто, великий итальянский живописец (ок. 1267–1337), пользовался таким уважением отцов города, что был назначен руководителем работ во Флорентийском соборе и городским архитектором. Эти примеры не были типичными, но такое признание было бы немыслимо в раннем Средневековье.

Движение к большему реализму

Невозможно проследить единую и плавную линию развития реализма в искусстве этих веков. Новаторские достижения в одних частях Европы могли не приниматься в других странах в течение долгого времени, а то и вовсе оставаться незамеченными. Хотя к началу XIII века несколько итальянских художников добились успехов, которые впоследствии ознаменовали начало новой эры в европейском искусстве, известной как Итальянское Возрождение, их идеи были полностью приняты лишь много позже.

В работах итальянского художника Чимабуэ (ок. 1240–1302) уже наметились попытки достичь реализма, однако в картинах сиенского мастера Дуччо наблюдается бо́льшая гибкость стиля и эмоциональная глубина. Его тонкий подход проявляется в плавных движениях фигур, намёке на глубину пространства и тени, а также в насыщенных цветовых пигментах, которые он использовал. Декоративный элемент сохраняется в неизменном использовании золотого фона, но его живопись, достигшая расцвета в алтарном образе «Маэста», открывает совершенно новый выразительный и драматический диапазон.

Новый стиль реалистической живописи Джотто

Новое драматическое качество достигает своей вершины во фресках самого известного из ранних итальянских художников, Джотто ди Бондоне (ок. 1267–1337). Джотто для итальянской живописи — то же, что Чосер для английской литературы: «отец-основатель» и ведущий художник эпохи треченто (1300–1400). Огромный прогресс, достигнутый им в передаче пространства и объёма фигур, сочетается с эмоциональной силой, которую они излучают. Здесь наиболее отчётливо виден разрыв с предыдущими стилями: Джотто стремится сделать фигуры максимально человечными, чтобы зритель мог им сопереживать.

В его фресках капеллы Скровеньи (Арена) в Падуе, выполненных между 1305 и 1310 годами, вся драма жизни Христа выражена через человеческие образы, их жесты и мимику. См., например, картины Джотто «Предательство Христа (Поцелуй Иуды)» (1305) и «Оплакивание Христа» (1305). Используя простые, незагромождённые формы, Джотто добивается подлинной монументальности. Именно эти фрески во многом определили эпоху Проторенессанса (1300–1400) и создали Джотто репутацию ключевого пионера искусства Ренессанса.

Интернациональный готический стиль

Влияние столь революционных изменений, однако, проявилось не сразу. До конца XIV века готическая живопись в остальной Европе впитала лишь некоторые аспекты итальянских достижений, соединив их с собственной стилизованной и декоративной традицией. Из этого слияния развилась элегантная и утончённая манера живописи, характерными чертами которой стали мягкость красок, нежность выражений лиц, плавные линии и удлинённые, изогнутые фигуры. Этот изысканный, куртуазный стиль искусства особенно ценился при королевских дворах.

Многие книги иллюминировались в этом стиле, с очаровательно украшенными полями и живыми сценками в нижней части страниц. Благодаря торговым и династическим связям европейских монархов, а также постоянному обмену художниками и произведениями искусства между странами, этот стиль широко распространился. Из-за этого он стал известен как интернациональная готика. Его практиковали в таких удалённых друг от друга центрах, как Лондон, Авиньон, Рейнская область и даже Богемия. В Северной Европе интернациональный стиль оставался доминирующим на протяжении второй половины XIV века.

Важно отметить, что братья Лимбурги, работавшие при бургундском дворе во Франции и достигшие необычайного для французских художников реализма в сюжетах и эффектах перспективы, не имели прямых последователей. Искусство французского двора было слишком привержено стилизации, чтобы воспринять эти новшества. (Подробнее о технике книжной живописи см.: Миниатюрная живопись, с 600 г.).

Возрождение

В начале XV века некоторые художники в Италии начали двигаться в сторону большего реализма. (См.: Раннее Возрождение). Это проявилось, в частности, в создании иллюстрированных трактатов, которые требовали реалистичных и точных изображений, чтобы быть полезными для читателя. Например, в XIV веке было выпущено несколько иллюстрированных изданий трактата по гигиене авторства Альбукасима. В них растения должны были изображаться с ботанической точностью, чтобы их можно было легко опознать, и возникла традиция помещать их в пейзажный контекст. Так зародилась реалистичная пейзажная живопись, которая, вероятно, вдохновила братьев Лимбургов на создание замечательных пейзажей в их «Часослове».

Другая тенденция к реализму развилась в Часословах и псалтырях, создававшихся для горожан Харлема и Утрехта. Эти города находились достаточно далеко от дворов, чтобы на них не влиял придворный стиль. Местные заказчики хотели, чтобы искусство отражало их комфортный быт. Иллюстрации в этих книгах отличались не сложным декором из сусального золота, а часто представляли собой простые рисунки пером и тушью с цветной подкраской, компенсируя отсутствие дорогих материалов обилием бытовых деталей.

Этот стиль достоверного изображения повседневной жизни перенял великий художник Рогир ван дер Вейден (1400–1464). Его живопись отличается той же точностью в передаче цвета и формы, что и у его знаменитого современника Яна ван Эйка, но, по сравнению с ван Эйком, Рогир всё ещё остаётся готическим мастером в использовании линий, стилизации и традиционной религиозной символики. Тем не менее, его внимание к бытовым деталям оказало огромное влияние, способствуя развитию реалистической школы фламандской живописи (ок. 1400–1800). См. также Величайшие фламандские живописцы (ок. 1400–1750).

ЭВОЛЮЦИЯ ИСКУССТВА
Об истории живописи см: История искусства (с 800 г. до н.э. по настоящее время).
Более подробно см.: Хронология истории искусства.
О конкретных стилях см.: Художественные направления.

Статьи по теме

Романский стиль (ок. 1000–1200). Живопись, витражи, резьба по слоновой кости, работы по металлу и эмаль.

Романская скульптура (1000–1200). Истоки, характеристики.

Готический архитектурный стиль (ок. 1120–1500). Аркбутаны, стрельчатые арки, огромные витражи.

Готические соборы (ок. 1140–1500). Сокровища средневекового декоративно-прикладного искусства.

Маасская школа (ок. 1050–1250). Центр средневекового искусства обработки металла в долине реки Маас.