Средневековая живопись: готическое искусство средневековья читать ~12 мин.

Хотя средневековое искусство, созданное приблизительно между тринадцатым и пятнадцатым веками (ок. 1180-1420), было в основном готическим по стилю, по существу это был переходный период для таких видов изобразительного искусства, как живопись и скульптура. В течение этих веков цели художников претерпели радикальный сдвиг от жёстких формул, навязанных им романской живописью, на которую сильно повлияло византийское искусство, в сторону реалистичного изображения мира и желания овладеть трёхмерным эффектом в живописи, в соответствии с новыми идеями, привнесёнными итальянской предренессансной живописью (1300-1400) и позднее флорентийским Возрождением (1400-1512).

Общие факторы

Искусство этого периода, хотя и разнообразное по стилю, было объединено несколькими общими факторами. Наиболее важным из них было продолжающееся господство христианского искусства, поскольку большинство произведений средневекового искусства по-прежнему выполняло в основном религиозную функцию, как это было с раннехристианских времён. Большинство панельных картин по-прежнему изображали религиозные сюжеты и предназначались для религиозной обстановки – например, церковные алтари, включая как диптих и триптих, так и полиптих алтари: например, Дижонский алтарь (1390-е годы, Музей изящных искусств, Дижон) работы фламандского художника Мельхиора Бродерлама (ок. 1350-1411), официального художника Филиппа Смелого. Кроме того, почти все фрески по-прежнему создавались для церковных интерьеров. Действительно, готическая живопись лучше всего характеризуется как библейское искусство, поскольку в ней по-прежнему присутствуют сюжеты, взятые из Ветхого и Нового Заветов и Календаря святых.

Более широкий взгляд на религиозный характер средневековой живописи см: Раннехристианское искусство (150-1100) и Средневековое христианское искусство (600-1200), а также Русская средневековая живопись (ок. 950-1100).

Большинство иллюминированных рукописей тоже состояли из библейских текстов, предназначенных либо для публичного чтения, либо для частного посвящения. Но все чаще аспекты светской жизни переплетались с религиозной. Причудливые и забавные фигурки («drolleries») часто изображались бегающими по полям псалтырей. Сцены, показывающие элегантность и изысканность придворной жизни, использовались для украшения Часослова герцога Беррийского . (См.: Великолепный часослов герцога Беррийского в Музее Конде в Шатильи, написанный братьями Лимбург в 1413 году). В этих светских деталях по-разному проявляется желание выразить все виды эмоций, а не только религиозные, и реалистично воспеть разнообразие современной жизни и времён года. Среди художников росло убеждение, что все виды деятельности созданы Богом и являются частью его схемы вещей. Поэтому все они достойны записи. (См. также: Изготовление иллюминированных рукописей.)

Вторым объединяющим принципом было непреходящее значение декоративного искусства во всех его возможностях. Фоны религиозных картин часто были из золота, на которых узоры отпечатывались нагретыми инструментами – процесс, известный как «инструментальная обработка». Иногда для заполнения фона использовалась многоцветная пелена или тесселяция (узоры из правильных ромбов или чёток). Чувство элегантного дизайна удовлетворялось изгибами драпировок и покачиванием человеческого тела. Тела больше не изображались жёсткими и кукольными; конечности и движения стали более плавными. (См., например, работы таких иллюминаторов, как Жан Пюсель и Жакемар де Хесдин, а также художника-панно Энгеррана де Шарантон (Квартон).)

К этим факторам добавлялась важность архитектурного дизайна. Готический художник часто обрамлял свои картины аркой, через которую зритель должен был смотреть, как через окно. (Эта техника стала очень популярной во фламандской и французской живописи в XIV и XV веках). Включение архитектурных элементов в картину стало таким же необходимым, как ниши и навесы, обрамляющие готическую скульптуру.

Новые покровители искусства

Изменения в искусстве в период высокого и позднего Средневековья были вызваны быстро меняющимися социальными условиями. Торговля росла, и города, связанные с торговлей, процветали. В результате не только королевские дворы стали более состоятельными, но и более богатые горожане и купцы смогли приобретать собственные произведения искусства. К началу пятнадцатого века каждый мещанин мог рассчитывать иметь собственную Часослов.

Города сами начинали покровительствовать искусству. Например, городской совет Сиены заказал в 1308 году большой алтарный образ итальянского мастера Дуччо ди Буонинсегна (ок. 1255-1319), самого известного представителя сиенской школы живописи (1250-1550). Известный как «Алтарь Маэсты» (1311), он был закончен три года спустя, и под звуки труб и колоколов, в сопровождении высокопоставленных лиц города и церкви, его торжественно перенесли из мастерской художника в собор, где он был помещён на главный алтарь.

Симоне Мартини (1284-1344) создал ещё один изысканный алтарный образ для Сиенского собора, его Триптих Благовещения (1333). Всё это религиозное искусство было выражением гражданской гордости, но гражданская гордость стала выражаться и в чисто светских произведениях. Например, городской совет Сиены заказал Амброджо Лоренцетти (ок. 1285-1348) серию из шести фресок, озаглавленных «Аллегория хорошего и плохого правления» (1338-9), для ратуши.

Книги были востребованы, и самые популярные из них, книги о придворной любви, такие как Роман о Розе, а также произведения классических писателей Теренция и Овидия, были иллюминированы. (Подробнее об этом, в частности, см. нашу статью: Готические иллюминированные рукописи и Международные готические иллюминации. О более ранних работах см: Средневековое иллюминирование рукописей). Мастерские художников становились всё больше в результате роста спроса на все виды искусства и обычно располагались в крупных торговых центрах. В целом, жизнь во многих городах в четырнадцатом веке становилась всё более зажиточной, обеспеченной и изысканной.

Для нового типа мецената, стремящегося продемонстрировать своё богатство и высокое положение в обществе, наиболее важными аспектами искусства были стоимость использованных материалов, количество имеющихся картин и техническая виртуозность, которую они демонстрировали. Об этих заботах свидетельствует следующее письмо, отправленное из Авиньона во Флоренцию купцом, действующим от имени богатого покровителя:

“Пришлите панно с изображением Богоматери на фоне тонкого золота…., представляющее собой прекрасное зрелище с хорошими и красивыми фигурами, выполненное лучшим художником и со многими фигурами. Пусть в центре будет Господь на кресте или Богоматерь, кого бы вы ни нашли, мне все равно, лишь бы фигуры были красивыми и большими, самыми лучшими и прекрасными, какие вы только можете достать, и стоимостью не более пяти с половиной флоринов”.

Ремесленники, а не художники

Из этого ясно, что, вообще говоря, средневековые художники имели мало того статуса, который позже приобрели художники и скульпторы эпохи Возрождения. Действительно, идея о том, что художник Средневековья действует по вдохновению и пишет сюжеты, чтобы доставить себе удовольствие, почти не встречается в этот период. Только в XVI веке – благодаря усилиям Леонардо да Винчи (1452-1519) и Микеланджело (1475-1564) и других – этот взгляд на художника получил признание. Акцент был сделан на картине, а не на художнике, который с романских времён считался довольно низким в иерархии ремесленников – гораздо ниже, например, чем ювелир или архитектор. (Подробнее см: Ювелирное дело и Искусство обработки металла, а также Готическая архитектура).

За исключением некоторых итальянских работ – например, таких художников, как Симоне Мартини, Амброджо Лоренцетти и Джотто – большинство картин остались без подписи. Обычно картины приписываются определённой школе, а не отдельным художникам. Иногда, если работы мастера становились известными, его мастерская продолжала писать в его стиле после его смерти. Но даже такие мастера часто оставались безымянными, как, например, мастер из Флемалле, который лишь сравнительно недавно был идентифицирован как Робер Кампен (1378-1444).

Статус художника, однако, менялся. В Средние века подавляющее большинство художников были священниками; к концу периода большинство из них были мирянами. Некоторые художники, добившиеся славы, были осыпаны милостями со стороны знати. Например, братья Лимбурги , иллюстрировавшие Часослов герцога Беррийского , были настолько высоко оценены, что герцог назначил их господами своей опочивальни. Джотто, великий итальянский живописец, живший примерно с 1267 по 1337 год, был настолько восхищён отцами города, что его назначили руководителем соборных работ во Флоренции и городским архитектором. Эти примеры не типичны для всех художников, но такое признание никогда бы не случилось в раннем Средневековье.

Движение к большему реализму

Невозможно проследить плавную линию развития к реализму в искусстве этих веков. Нововведения, сделанные в одних частях Европы, могли быть не приняты другими странами в течение некоторого времени, если вообще были приняты. Хотя к началу тринадцатого века несколько итальянских художников добились успехов, которые впоследствии были признаны началом нового века европейского искусства, известного как Итальянское Возрождение, их идеи были полностью приняты лишь много позже.

В работах итальянского художника Чимабуэ (ок. 1240-1302) уже начали проявляться попытки реализма, но в картинах сиенского художника Дуччо наблюдается большая гибкость стиля и эмоциональный диапазон. Его чувствительный подход проявляется в гибких движениях его фигур, предположении глубины и тени и насыщенных цветовых пигментах, которые он использует. Декоративный элемент остаётся в неизменном использовании золота в качестве фона, но в его живописи, которая достигла своего расцвета в алтарном образе «Маэста», открывается совершенно новый выразительный и драматический диапазон.

Новый стиль реалистической живописи Джотто

Новое драматическое качество достигает вершины во фресках самого известного из ранних итальянских художников, Джотто ди Бондоне (ок. 1267-1337). Джотто является для итальянской живописи тем же, чем Чосер является для английской литературы – «отцом-фигурой» и ведущим художником треченто (1300-1400). Огромный прогресс, достигнутый им в освоении эффекта пространства и массивности его фигур, сочетается с эмоциональной силой, которую демонстрируют его фигуры. Здесь наиболее отчётливо виден разрыв с предыдущими стилями – Джотто стремится сделать свои фигуры как можно более человечными, чтобы мы могли им сочувствовать.

В его фресках капеллы Скровеньи (Арена) в Падуе, выполненных между 1305 и 1310 годами, вся драма жизни Христа выражена исключительно человеческими существами, их жестами и мимикой. См., например, картины Джотто Предательство Христа (Поцелуй Иуды) (1305) и Оплакивание Христа (1305). Используя простые, незагроможденные формы, Джотто добивается монументальности, которая действительно запоминается. Именно эти фрески во многом определили эпоху Проторенессанса (1300-1400) и создали Джотто репутацию ключевого пионера собственно искусства Ренессанса.

Международный готический стиль

Влияние таких революционных изменений, однако, ощущалось не сразу. До конца XIV века готическая живопись в остальной Европе впитала лишь некоторые аспекты итальянских достижений, соединив их со своей собственной стилизованной и декоративной традицией. Из этого слияния развилась элегантная и утончённая манера живописи, характерными чертами которой стали мягкость красок и нежность выражения лица, плавные линии и удлинённые, изогнутые тела. Этот изысканный, тонкий стиль искусства особенно пришёлся по вкусу придворным.

Многие книги были иллюминированы в этом стиле, с очаровательно украшенными полями и живыми сценами у основания страницы. Благодаря торговым связям, династическим связям европейских королевских особ и потоку художников и произведений искусства из страны в страну, этот стиль широко распространился. Из-за этого он стал известен как международная готика. Его практиковали в таких отдалённых центрах, как Лондон, Авиньон, Рейнская область и даже Богемия. В Северной Европе интернациональный стиль оставался статичным в течение второй половины четырнадцатого века.

Важно отметить, что братья Лимбурги, работавшие при бургундском дворе во Франции и отличавшиеся необычайной для французских художников реалистичностью в своих сюжетах и эффектах перспективы, не имели ближайших последователей. Искусство французского двора было слишком укоренено в стилизации, чтобы реагировать на него. (Подробнее о технике, используемой в книжной живописи, см: Миниатюрная живопись, с 600 г.).

Возрождение

В начале пятнадцатого века некоторые художники в Италии начали продвигаться в сторону большего реализма. (См.: Раннее Возрождение) Это проявилось в создании некоторых трактатов, которые требовали реалистичных и точных иллюстраций, чтобы книга была полезной для читателя. Например, в XIV веке было выпущено несколько иллюстрированных изданий трактата по гигиене, написанного человеком по имени Альбукасем. Они должны были точно изображать растения, чтобы их можно было легко узнать, и возникла традиция изображать их в контексте ландшафта. Это было рождением реалистической пейзажной живописи и, вероятно, вдохновило братьев Лимбургов на создание замечательных пейзажей в их «Часослове».

Другая тенденция к реализму развилась в ряде Часословов и псалтырей, выполненных для горожан Харлема и Утрехта. Эти места были достаточно далеки от дворов, чтобы на них не повлиял принятый стиль. Эти люди хотели, чтобы искусство отражало их комфортный уровень жизни. Эти книжные иллюстрации состояли не из сложных украшений из сусального золота, а часто из простых рисунков пером и чернилами с цветной смывкой, компенсируя недостаток тонких материалов обилием домашних деталей.

Этот стиль достоверного изображения повседневной жизни перенял великий художник Рогир ван дер Вейден (1400-1464). Его живопись обладает некоторой точностью цвета и формы, которая присутствует в работах его знаменитого современника Яна ван Эйка, но, по сравнению с ван Эйком, Рогир всё ещё готичен в использовании линий, стилизации и традиционной религиозной символики. Тем не менее, его использование бытовых деталей оказало большое влияние, способствуя развитию реалистической школы фламандской живописи (ок. 1400-1800). См. также Величайшие фламандские живописцы (ок. 1400-1750).

ЭВОЛЮЦИЯ ИСКУССТВА
Об истории живописи см: История искусства (800 г. до н.э. – настоящее время). Более подробно см:
Хронология истории искусства. О конкретных стилях см: Художественные направления.

Статьи по Теме

Романский стиль (c.1000-1200) Живопись, витражи, резьба по слоновой кости, работы по металлу и эмаль.

Романская скульптура (1000-1200) Истоки, характеристики.

Готический архитектурный стиль (ок. 1120-1500) Gfhzobt контрфорсы, остроконечные арки, огромные витражи.

Готические соборы (ок. 1140-1500) Сокровища средневекового декоративно-прикладного искусства.

Маасская школа (ок. 1050–1250) Бельгийская школа средневековой обработки металлов и пластики.