Поп-арт читать ~30 мин.

Термин «поп-арт» был придуман британским куратором Лоуренсом Аллоуэем в 1955 году для описания новой формы «популярного» искусства – движения, характеризующегося изображением консюмеризма и популярной культуры. Поп-арт возник в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х годов и стал доминирующим авангардным стилем до конца 1960-х годов. Для него были характерны смелые, простые, повседневные образы и яркие блочные цвета, на него было интересно смотреть, и он имел современный «хипповый» характер.

Яркие цветовые схемы также позволили этой форме авангардного искусства подчеркнуть определённые элементы современной культуры и помогли сократить разрыв между коммерческими и изобразительными искусствами. Это было первое постмодернистское движение (где средство передачи информации так же важно, как и сообщение), а также первая школа искусства, отразившая силу кино и телевидения, благодаря которым многие из её самых известных образов приобрели свою знаменитость. Общими источниками поп-иконографии были реклама, упаковка потребительских товаров, фотографии кинозвёзд, поп-звёзд и других знаменитостей, а также комиксы.

Ведущие художники поп-арта

В американском искусстве знаменитыми представителями поп-арта были Роберт Раушенберг (1925-2008), Джаспер Джонс (р. 1930), Рой Лихтенштейн (1923-1997) и Энди Уорхол (1928-1987). Среди других американских экспонентов: Джим Дайн (р.1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р.1928), Рэй Джонсон (1927-1995), Алекс Кац (р.1927), Клаес Ольденбург (р.1929), Эд Руша (р.1937), Джеймс Розенквист (р.1933) и Том Вессельман (р.1931). Подробнее см. Поп-арт Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых годов.

Среди ведущих британских художников поп-арта были: Сэр Питер Блейк (р.1932), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (р.1922), Дэвид Хокни (р.1937) и Аллен Джонс (р.1937).

Истоки и влияние

Поп-арт, как и почти все значительные стили искусства, был отчасти реакцией против статус-кво. В Америке 1950-х годов основным стилем был Абстрактный экспрессионизм, заумный нефигуративный стиль живописи, который – хотя им восхищались критики, серьёзные любители искусства и опытные посетители музеев – не «соединялся» ни с широкой публикой, ни со многими художниками. Чем более абстрактным и экспрессивным становился живописный стиль, тем больше возможностей для нового стиля, использующего более фигуративные, более приземлённые образы: то есть что-то, во что могло бы вцепиться широкое братство художников и что зрители могли бы воспринять. Так появился поп-арт, который стал признанным художественным стилем, и который, в свою очередь, был вытеснен другими школами после 1970 года.

В некотором смысле, появление поп-арта (и его превосходство над абстрактным экспрессионизмом) было похоже на подъем Дада и его более широкого преемника Сюрреализма (и их превосходство над Кубизмом). Обе вытесненные школы (абстрактный экспрессионизм и кубизм) представляли собой высокоинтеллектуальные стили с ограниченной привлекательностью для основных любителей искусства.

Правда, дада по сути своей было антиискусством, но годы его расцвета 1916-1922 были отмечены большой поляризацией и политическими распрями, и как только все успокоилось, большинство дадаистов стали сюрреалистами. В любом случае, как объясняется ниже в разделе Цели и философия, поп-арт разделяет многие характеристики дада-сюрреализма и обязан ему несколькими техниками, заимствованными у Курта Швиттерса, «редимейдами» Марселя Дюшана, культовыми образами Рене Магритта и дерзкими творениями Сальвадора Дали (например. Диван с губами Мэй Уэст; Телефон-лобстер).

И если сюрреализм был по сути интерналистским и эскапистским по своей природе, в то время как поп-арт определялся внешними потребительскими силами, оба были поглощены необходимостью оказать сильное визуальное воздействие на широкую публику.

Другим художником, который, возможно, оказал влияние на поп-арт, является Эдвард Хоппер (1882-1967), художник-реалист городской Америки. Хотя его живописный стиль сильно отличается от большинства поп-работ, его простые изображения ультраамериканских бытовых сцен (например, «Ночные ястребы», 1942 и «Газ», 1940) были хорошо известны поп-поколению и, возможно, легли в основу их картин.

О других важных направлениях 20-го века, схожих с поп-артом, см. Художественные направления и школы (примерно со 100 г. до н.э.).

История

Британский поп-арт возник в рамках Независимой группы – неформального круга художников, включая художника Ричарда Гамильтона, куратора и художественного критика Лоуренса Аллоуэя и скульптора Эдуардо Паолоцци, которые встречались в Институте современного искусства в Лондоне.

С первой встречи в 1952 году, когда Паолоцци представил ряд коллажей, собранных из журнальных вырезок и других «найденных объектов», включая его (теперь уже) знаменитый коллаж под названием «Я был игрушкой богача» (созданный 5 лет назад в 1947 году), их дискуссии в основном сосредоточились вокруг художественной ценности и актуальности популярной массовой культуры.

Четыре года спустя, в 1956 году, другой член группы, Ричард Гамильтон, создал свой собственный коллаж «Что делает современные дома такими привлекательными?». – который, наряду с коллажем Паолоцци 1947 года, считается одним из самых ранних примеров британского поп-арта. В 1961 году ряд работ Дерека Бошира, Дэвида Хокни, Аллена Джонса, Р. Б. Китаджа и Питера Филлипса в стиле поп-арт был представлен на выставке молодых современников. В 1962 году британский поп получил дополнительную известность, когда BBC показала фильм Кена Рассела «Pop Goes the Easel», который исследовал новое движение в Великобритании.

США

Тем временем в Америке, в середине 1950-х годов, мир искусства был потрясён рядом художников, связанных с небольшими движениями (например. Neo-Dada, Funk Art, Lettrism, Beat Art, Polymaterialism, Common-Object, и др.), многие из которых включали в свои работы предметы массовой культуры. Они хотели, чтобы их искусство было гораздо более широким, чем традиционные стили (например, абстрактный экспрессионизм), поэтому они использовали нехудожественные материалы и фокусировались на обычных, легко узнаваемых предметах, которые выражали популярную культуру того времени.

Среди этого всплеска инноваций, работы Роберта Раушенберга, Рэя Джонсона (1927-1995) и  Джаспера Джонса, начали оказывать влияние на важную нью-йоркскую художественную сцену. Вместе они открыли целый ряд новых тем: Джонс со своими картинами с флагами, мишенями и номерами, а также скульптурами из таких предметов, как пивные банки; Раушенберг со своими коллажами и ассамбляжами, и «комбинированными картинами» (в которых окрашенный холст сочетается с различными предметами или фотографическими изображениями – такими как: «Монограмма» (1955-9), состоящая из чучела козы с шиной посередине) чучел животных, бутылок кока-колы и других предметов, Джонсон с его коллажами знаменитостей – Джеймса Дина, Ширли Темпл и Элвиса. Другими влиятельными пионерами и сторонниками поп-арта были композитор Джон Кейдж (влиятельный преподаватель в колледже Блэк Маунтин в Северной Каролине) и художник-перформансист Аллан Капроу (1927-2006).

Этот прилив нового мышления усилился благодаря возобновлению интереса к более ранним авангардным движениям, таким как дада и сюрреализм, чья непреходящая жизнеспособность была усилена влиянием, если не фактическим присутствием, нескольких бывших дадаистов и сюрреалистов, таких как Марсель Дюшан, Макс Эрнст, и местных новообращённых, таких как Джозеф Корнелл. При этом важно отметить, что хотя американские авангардисты этого периода (особенно Раушенберг) были в долгу перед европейцами (Дюшаном, Швиттерсом и др.) за создание некоторых традиций (например, коллажа), их уникальное внимание было сосредоточено на создании искусства, которое отражало реальность современной Америки.

К началу 1960-х годов когорта художников в стиле поп начала приобретать известность благодаря персональным выставкам в таких местах, как Нью-Йорк и Лос-Анджелес, некоторые из которых использовали коммерческие техники печати (например, трафаретную печать) для создания своего искусства, а не традиционные живописные методы. Среди этих новых талантов были: Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клаес Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельман и Энди Уорхол. Несколько работ, ставших впоследствии иконами, были показаны впервые. Среди них были масла Лихтенштейна с комиксами, шелкография Уорхола с изображением Мэрилин Монро и банок супа «Кэмпбелл», а также монументальные виниловые гамбургеры и мороженое Ольденбурга.

Странно, но до конца 1962 или начала 1963 года эти художники по-прежнему обозначались критиками как Новые реалисты или другими подобными терминами. Так, две важные художественные выставки, состоявшиеся осенью 1962 года – одна под руководством Уолтера Хоппса в Художественном музее Пасадены, другая в галерее Сидни Джениса в Нью-Йорке – назывались «Новая живопись обычных предметов» (Пасадена) и «Новый реализм» (Нью-Йорк). Только впоследствии термин поп-арт стал использоваться в качестве технического названия движения, отчасти из-за дискомфорта критиков от термина реалист, а отчасти из-за присутствия в Нью-Йорке Лоуренса Аллоуэя – ныне куратора Музея Гуггенхайма – который выступал за принятие этого термина.

С 1963 года поп-арт распространился по всей Америке и, благодаря британским поп-художникам, утвердился на континенте. Росту этого движения способствовал параллельный рост в других областях. В экономике, благодаря росту мировой экономики в целом и американской в частности; в науке, благодаря распространению телевидения; в современной музыке (которая сама стала известна как «поп») благодаря миниатюризации радио, увеличению производства пластинок, появлению культовых групп, таких как The Beatles, и феномену пичеделии; и, наконец, благодаря расширяющемуся рынку искусства.

В конце 1960-х годов Энди Уорхол стал Дэмиеном Хёрстом своего времени, получив славу и известность в равных количествах за свои культовые отпечатки знаменитостей, свои концептуалистские работы в кино, свои все более изящные методы производства искусства и свою саморекламу – по крайней мере, до тех пор, пока он не был застрелен и тяжело ранен 3 июня 1968 года.

Рой Лихтенштейн тоже стал именем нарицательным благодаря своим комиксам и нескольким престижным ретроспективам по обе стороны Атлантики. В то же время Раушенберг получил главный приз на Венецианской биеннале 1964 года , и поддерживал свою авангардную репутацию, помогая создать организацию EAT (Experiments in Art and Technology) в 1966 году для развития сотрудничества между художниками и инженерами, а Джонс поддерживал своё высокое положение, получив первый приз на биеннале 1967 года в Сан-Паулу.

Возможно, неизбежно, выдержав конформизм 1950-х годов и панику Кубинского ракетного кризиса (1962), американский поп-арт достиг своего пика во второй половине 1960-х годов, только чтобы оказаться заражённым и подорванным раздражением эпохи войны во Вьетнаме и соответствующим ростом антиамериканизма.

Британия

Несмотря на то, что британский поп-арт в начале и середине 1960-х годов был менее наглым, менее китчевым, более романтичным и более ностальгическим, чем его аналог по ту сторону Атлантики, он находился под сильным влиянием американской поп-культуры, которую он считал более современной и более захватывающей, чем отечественная. Именно в этот период Британия начала импортировать значительное количество американских телевизионных программ, а также другие черты американской жизни, такие как бургер-бары и другие заведения быстрого питания.

В результате художники начали черпать вдохновение в американских образах, хотя часто с очень британским уклоном. С другой стороны, британская рекламная и полиграфическая индустрия была гораздо менее развита, что ограничивало британских художников в использовании техник, уже хорошо зарекомендовавших себя в Нью-Йорке (например, шелкографии), и заставляло их полагаться на старые техники.

Европа

В Европе первенство американской популярной культуры размывалось как языком, так и политикой. В Париже, всё ещё озабоченном своим статусом младшего по отношению к Нью-Йорку центра мирового искусства, американскую поп-культуру скорее терпели, чем прославляли. Более того, французский авангард – возможно, из-за укоренившейся в нём коммунистической партии – имел более политический привкус и поэтому занял более дадаистскую линию, поощряя участие аудитории в предпочитаемых ими перформансах, хэппенингах и концептуальном искусстве под зонтичным термином Nouveau Realisme (ок. 1960-70).

Ведущими французскими «поп-художниками» или нуворишами были: Ив Кляйн (1928-1962), Франсуа Дюфрен (1930-1982), Матиаль Рейсс (р.1936), Жак де ла Виллегль (р.1926), Жак Монори (р.1934), Ален Жаке (р.1939), Жан Тингели (1925-1991). Италия, будучи менее политизированной (несмотря на ещё более многочисленную коммунистическую партию!), оставалась более открытой для художественных и дизайнерских возможностей, присущих поп-арту. Например, итальянская дизайнерская группа в составе Джонатана Де Паса (1932-1991), Паоло Ломацци (р. 1936) и Донато д’Урбино (р. 1935) создала диван «Joe Sofa» (1971), напоминающий гигантскую бейсбольную перчатку.

Цели, философия и методы поп-арта

Ни одно международное художественное движение, длящееся более 15 лет и охватывающее все известные виды искусства, жанры и типы медиа, а также совершенно новые формы, не может быть суммировано в нескольких предложениях. Тем не менее, понимание поп-арта невозможно без учёта следующих понятий, которые помогают охарактеризовать его суть.

Мгновенное значение

Основная идея поп-арта заключалась в создании формы искусства с мгновенным значением. Это резко контрастировало с супер-интеллектуализмом абстрактного экспрессионизма с его эзотерическими полотнами, столь любимыми профессионалами искусства. Для достижения своей цели – мгновенного смысла – поп-художники экспериментировали с новыми коммерческими процессами, такими как акриловая живопись, коллаж на холсте с использованием материалов, которые обычно не ассоциируются с живописью, и шелкография.

Кроме того, образы и цветовые схемы для большинства картин и скульптур в стиле поп-арт были взяты из громких и легко узнаваемых потребительских или медийных источников, таких как: потребительские товары, рекламная графика, журналы, телевидение, кино, мультфильмы и комиксы. Люди и предметы были представлены в ярких, часто очень контрастных цветах, а композиции, как правило, были очень простыми и визуально привлекательными для широкой публики.

Искусство может быть создано из чего угодно

До 20-го века традиционная живопись обычно выполнялась маслом, а скульптура – из бронзы, камня или дерева. Кроме того, сюжетами обычно были те, которые считались достойными эстетической обработки: обнажённая натура, человеческое лицо, классический пейзаж, жанровая сцена или натюрморт. Даже кубизм, несмотря на свою революционную природу, имел тенденцию соблюдать многие из этих художественных условностей.

Затем началась Первая мировая война и возникло антихудожественное движение, известное как Дада. Это движение зародило идею о том, что искусство может быть создано из любого материала, включая самые банальные повседневные обрывки. Поп-художникы поддерживали и развивали эту идею. Они представляли современный мир популярной культуры с помощью любых материалов, которые они считали подходящими, независимо от того, насколько низкопробными или тривиальными они были.

Идея важнее, чем само произведение искусства

Кроме того, вплоть до Дада основной чертой традиционного изобразительного искусства было само произведение – картина, скульптура, гравюра, резьба или что-то ещё. Без «произведения искусства» не было ничего. Поэтому все внимание было сосредоточено на качестве готового продукта и навыках, необходимых для его создания. Дада восстал против этого, прославляя “идею, стоящую за произведением искусства”, а не само произведение.

Многие поп-художникы продолжили эту традицию концептуального искусства. Они придавали большее значение воздействию произведения и меньшее – его созданию. Как и использование низкопробных материалов, этот акцент на концепции и воздействии произведения интерпретировался как попытка развенчать серьёзность мира искусства. Отчасти это было правдой: некоторые поп-художники действительно разделяли антихудожественное и антиэстетическое кредо ранних дадаистов. Однако основной поток поп-арта был более позитивным и больше стремился к созданию новых форм выражения, используя новые методы и новые живописные образы, чем к очернению традиций. Действительно, многие поп-художники рассматривали себя как вклад в изобразительное искусство, а не как его отбросы.

Более инклюзивный и более актуальный стиль искусства

Неважно, насколько изысканно задуман и написан рисунок, и насколько хорошо он принят влиятельными художественными критиками, такими как Клемент Гринберг (1909-1994), Гарольд Розенберг (1906-1978) и другие, монументальные работы Марка Ротко в стиле абстрактного экспрессионизма были практически неизвестны широкой американской (или британской) публике. Напротив, почти все узнавали Элвиса, Мэрилин Монро и других многочисленных знаменитостей, а также популярные продукты питания и другие брендовые марки товаров, которые быстро стали основной темой поп-арта. Таким образом, с самого начала поп-арт заявил о своём намерении отказаться от элитарного характера традиционного или высокохудожественного искусства в пользу популистских изображений известных предметов.

Для большинства людей в конце 1950-х – начале 1960-х годов поход в художественный музей означал утомительное прохождение мимо рядов непонятных картин, большинство из которых не были ни понятны, ни интересны. Как правило, самые известные произведения (и художников, их создавших) нельзя было оценить, просто посмотрев на них, а требовалось внимательное изучение музейного путеводителя.

Поп-арт сыграл важную роль в открытии мира живописи и скульптуры для обычных людей, которые, возможно впервые в жизни, могли мгновенно узнать и оценить экспонат, находящийся перед ними. Он мог им не нравиться, но они с гораздо меньшей вероятностью чувствовали себя запуганными повседневным изображением, которое они могли соотнести с собой. В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой публики.

Зеркало перед обществом

В отличие от Дада, чья полностью негативная цель заключалась в подрыве и разрушении ценностей буржуазного истеблишмента, который они винили в кровавой бойне Первой мировой войны, поп-арт стремился отразить социальные ценности и среду, из которой он возник. Таким образом, они фокусировались на увлечениях большинства американских потребителей: еда, автомобили и романтика.

Как правило, это достигалось с помощью грубых или сатирических образов с сильным визуальным воздействием. И если их критиковали за то, что они занимаются подобной тематикой, они могли просто сказать, что просто (по словам Шекспира) «держат зеркало перед природой», или в их случае «современным обществом». Если не считать ничего другого, поп-арт был «послевоенным» выражением мира, полностью поглощённого погоней за материализмом.

Постмодернистские тенденции

Поп-арт начинался с живописи, отличаясь, главным образом, новым спектром популистских сюжетов, которые, как надеялись авторы, передадут более актуальную и современную реальность. Впоследствии он постепенно становился все более и более озабоченным не изображением реальности (или природы), а воздействием, средством и стилем.

Такая тенденция, которая почти всегда приводит к стиранию грани между искусством и демонстрацией – между чем-то прекрасным и простым развлечением – является отличительной чертой постмодернистского искусства. По этой причине поп-арт можно считать первым движением, которое вышло за рамки модернизма и перешло в эпоху актуального искусства.

По сути, поп-художникы 1960-х годов проложили тропу для фотореализма, а позже бритарта и других подобных современных стилей, появившихся в последующие десятилетия. Они также проложили путь для постмодернистских проектов зданий, которые значительно переосмыслили американскую архитектуру.

Критики против публики и коллекционеров

Критики часто презирали поп-арт за его низкопробную направленность. Например, Гарольд Розенберг, один из самых влиятельных художественных критиков в области современного искусства, описывал его так: “Как шутка без юмора, которую рассказывают снова и снова, пока она не начинает звучать как угроза… Рекламное искусство, которое рекламирует себя как искусство, ненавидящее рекламу”.

В ответ можно резонно спросить: о чем должно беспокоиться искусство, если не об обществе, из которого оно происходит? В конце концов, даже в 1960-е годы достаточно было посмотреть телевизор с его неослабевающим шквалом рекламы, проехать по улицам, завешанным рекламными щитами, или почитать глянцевые журналы с повторяющимися снимками звёзд музыки и кино, чтобы оценить низкопробную направленность современной жизни. Почему искусство должно быть иным?

Что ещё более важно, поп-арт был (и остаётся) одним из самых популярных стилей искусства, которому удалось достучаться до широкой публики так, как это удалось немногим современным художественным движениям – и не удавалось с тех пор. И коллекционерам искусства он тоже нравится.

Например, картина Джаспера Джонса «Ложный старт» (1959) была продана в 2006 году за 80 миллионов долларов: 9-е самое дорогое произведение искусства в истории. (Подробнее см. Топ-10 самых дорогих картин). Работа Энди Уорхола «Авария зелёной машины» (1963) (синтетический полимер, шелкографические чернила и акрил на льне) была продана на аукционе Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71,7 миллиона долларов, что сделало её 14-м самым дорогим произведением искусства в истории. (См. Топ-20 самых дорогих картин). Неплохо для произведения низкопробного искусства.

Во время рецессии 2009 года неизвестный покупатель, по сообщениям, приобрёл гравюру Энди Уорхола «Восемь Элвисов» (1964) за 100 миллионов долларов (£60,5 млн.) на частной распродаже, что сделало её 5-м самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным.

Знаменитые американские поп-художники

Джим Дайн (р.1935)

Джим Дайн был представителем нео-дада и поп-арта, специализировался на коллажах, «readymades» (или «композиции из найденных предметов») и Happenings. Впервые он привлёк к себе внимание в 1959 году своими «Хэппенингами», которые он устраивал в сотрудничестве с Клаесом Ольденбургом, Алланом Капроу и авангардным композитором и концептуалистом Джоном Кейджем.

В 1962 году он, наряду с Роем Лихтенштейном, Энди Уорхолом, Робертом Даудом, Филиппом Хеффертоном, Джо Гудом, Эдвардом Руша и Уэйном Тибо, был включён в важную выставку поп-арта в Пасадене. В 1960-е годы Дайн создал ряд художественных работ, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности дада, как, например, в его инсталляции «Canticles to the Penis», которая была закрыта полицией в Лондоне за непристойность.

Роберт Индиана (р.1928)

Родился Роберт Кларк, начинал как художник-абстракционист и скульптор по дереву, а в 1954 году присоединился к движению поп-арта в Нью-Йорке. Выброшенные трафареты привели его к исследованию ряда словесного искусства, вставляя буквы и слова (например, Love, Eat, Die) в свои картины, которые были основаны на декоре автоматов для пинбола. Он называл себя «американским художником знаков».

Он наиболее известен своим графическим изображением 1960-х годов «Любовь», которое впервые появилось на рождественских открытках и марках. Позже он создал скульптурную версию, которую повторил в разных стилях и на разных языках, включая стальную версию на иврите – с использованием слова «Ахава». В 2008 году он создал новое изображение со словом «Надежда», все доходы от которого были переданы в фонд избирательной кампании Барака Обамы.

Джаспер Джонс (р. 1930)

Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х годах. Переехав из Южной Каролины в Нью-Йорк в 1949 году, он стал известен благодаря своим картинам с изображением американского флага (например, «Флаг», 1954-55), а также других стандартных графических изображений, таких как мишени и цифры. Он также был отмечен за включение энкаустической краски и гипсового рельефа в свои картины маслом.

После картин с флагами он начал включать в свои картины реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, «Банки из-под пива», 1964). Использование им образов и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его стали называть поп-художником, но его художественные высказывания (включая значительную долю пародии, парадокса и противоречий в духе Дюшана) также привели к тому, что его работы стали называть нео-дадаистскими.

Будучи в большей степени классическим, живописным художником, чем многие другие молодые представители поп-арта, опиравшиеся на технику современного коммерческого искусства, умные и новаторские работы Джонса вызвали много похвал и покровительства. Со временем он стал использовать различные другие средства, включая шелкографию и интаглио, а также литографию. В 1998 году Метрополитен-музей в Нью-Йорке заплатил за его работу «Белый флаг» 20 миллионов долларов, а в 2006 году его работа «Фальстарт» была куплена частными коллекционерами за 80 миллионов долларов, что сделало её самой дорогой картиной ныне живущего художника.

Алекс Кац (р. 1927)

Уникальный фигуративный художник, хотя он также работал в гравюре и скульптуре, Кац ассоциировался с поп-артом благодаря своей переработке традиционных тем в поп-идиоме. Он известен своей новаторской переработкой идей импрессионистов (особенно Эдуарда Мане, Клода Моне и Жоржа Сёра), таких как различные эффекты света, и сцен буржуазного отдыха, выполненных с использованием техники «мокрое масло в мокром» и свободной кисти. С другой стороны, некоторые из его работ довольно мрачно представлены, кажется, без эмоций и чувствительности.

Рой Фокс Лихтенштейн (1923-1997)

Ведущий поп-художник с мгновенно узнаваемым стилем, его работы превратили графику комиксов в международную форму искусства. Начинал как абстрактный художник в 1950-х годах, но преподавание в Ратгерском университете привело его к контакту с коллегой-учителем Алланом Капроу и послужило толчком к вовлечению в искусство поп-культуры.

Он начал с рисования свободной рукой версий кадров комиксов, дополненных текстовыми пузырями (например, «Look Mickey», 1961), и устроил распродажную выставку в нью-йоркской галерее Лео Кастелли, в 1961 году. В следующем году его работы появились на обеих крупных выставках 1962 года в Пасадене и Нью-Йорке.

К концу 1963 года Лихтенштейн стал привлекать внимание всего мира. К знаковым работам того времени относятся: «Утопающая девушка» (1963) и «Ваам!». (1963). В 1989 году на аукционе современного искусства Christies в Нью-Йорке картина Лихтенштейна «Торпеда… Лос!» была продана за 5,5 миллионов долларов – рекорд для художника.

Клас Ольденбург (р. 1929)

Считается главным скульптором поп-арта, известен своими публичными художественными инсталляциями, часто представляющими монументальные копии повседневных предметов, особенно продуктов питания, таких как гамбургеры и рожки мороженого.

Активно живя в Нью-Йорке с 1956 года, Ольденбург вступил в контакт с Алланом Капроу, Джимом Дайном и скульптором Джорджем Сигалом, и увлёкся хэппенингами и другими формами перформанса и инсталляционного искусства.

Среди известных работ: «Двойной гамбургер» (1962), а также его гигантская губная помада, установленная в Йельском университете в 1969 году. Его основной вклад в поп-арт, как и у Розенквиста, заключался в превращении обычных предметов в искусство.

Роберт Раушенберг (1925-2008)

Живя в основном в Нью-Йорке, Раушенберг, считающийся, вместе со своим одно время любовником Джаспером Джонсом, одним из лидеров искусства нео-дада – раннего направления поп-арта – учился в колледже Блэк Маунтин в Северной Каролине в 1948 году у бывшего художника Баухауса Йозефа Альберса (известного своей серией «Почитание площади»).

В 1951 году он провёл свою первую индивидуальную выставку в галерее Бетти Парсонс, а в 1954 году – вторую индивидуальную выставку в галерее Чарльза Игана. Часто его называют членом Нео-Дада за его принадлежность к «readymades» Марселя Дюшана, он наиболее известен своими «Painting Combines «1950-х годов, состоящими из нетрадиционных материалов и объектов, представленных в инновационных комбинациях. В это время Раушенберг специализировался на использовании «найденных» материалов, таких как мусор и другие отходы, которые он собирал на улицах Нью-Йорка. Однако с 1961 по 1962 год он начал включать в свои работы изображения, а также найденные объекты, обычно фотографии, перенесённые на холст с помощью шелкографии. Таким образом, его работы можно считать современными работам Энди Уорхола. Раушенберг также занимался художественной фотографией, гравюрой, бумагопластикой и перформансом.

Джеймс Розенквист (р. 1933)

Выдающийся поп-художник, Розенквист обучался в Школе искусств Миннеаполиса, а затем в Университете Миннесоты. В 1955 году, в возрасте 21 года, он переехал в Нью-Йорк, чтобы учиться в Лиге студентов искусств, а затем работать художником на рекламных щитах.

Используя приобретённые им техники рисования вывесок для создания масштабных картин, он сопоставлял то, что казалось рекламой, с изображениями из романтических журналов, чтобы создать ощущение прерывистости и иррациональности как комментарий к современной жизни. Одной из самых заметных работ этого времени была его картина размером с комнату «F-111» (1965). Как и Ольденбург, основным вкладом Розенквиста в поп-арт было превращение обычных предметов в искусство путём придания им монументальных размеров и веса.

Эдвард Руша (р. 1937)

Парень из Оклахомы, который в 1956 году перебрался в Лос-Анджелес, Руша учился в Художественном институте Чуинарда (ныне Калифорнийский институт искусств) до 1960 года (под влиянием искусства Марселя Дюшана и Джаспера Джонса), а затем работал художником-макетчиком в рекламном агентстве Карсон-Робертс в Лос-Анджелесе.

В 1962 году его картины появились рядом с работами Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Роберта Дауда, Филиппа Хеффертона, Джо Гуда, Джима Дайна и Уэйна Тибо на новаторской выставке в Художественном музее Пасадены. Среди его ранних работ, как правило, ледяно совершенных копий рекламных щитов и бензоколонок, можно назвать: «Большой товарный знак с восемью прожекторами» (1961), и картина маслом «Стандартная станция, Амарилло, Техас» (1963), которая перекликается с картиной Хоппера «Газ» (1940). С середины 1960-х годов он стал известен своими Словесными картинами (также известными как Жидкие словесные картины).

Энди Уорхол (1928-1987)

Многие считают Уорхола первосвященником поп-арта, он сделал успешную карьеру в качестве коммерческого иллюстратора, а затем добился всемирной славы благодаря своей живописи в стиле поп, гравюрам, авангардным фильмам и образу жизни, включающему смесь голливудских звёзд, интеллектуалов, авангардных художников и андеграундных знаменитостей. Его взгляд на влияние телевидения – решающего фактора в самобытности и популярности поп-арта – на искусство и жизнь, метко выражен в его знаменитой фразе: “Каждый может стать знаменитым на 15 минут”.

В 1960-х годах он начал создавать картины с изображением культовых американских продуктов, таких как банки супа Campbell’s, бутылки Coca-Cola и долларовые купюры, а также изображения международных звёзд, таких как Мэрилин Монро, Энгрид Бергман, Элизабет Тейлор и Элвис Пресли. Он также основал свою знаменитую нью-йоркскую художественную студию, известную как «Фабрика», где он предвосхитил методы массового производства Дэмиена Хёрста более чем на 30 лет.

Прежде всего, искусство Уорхола вращалось вокруг иконографии, ставшей известной благодаря телевидению, новостным роликам и рекламе, такой как грибовидные облака атомной бомбы, тюремные электрические стулья, автомобильные аварии и гоночные бунты. Поэтому его картины были мгновенно узнаваемы и вызывали массовый интерес.

Отчасти заслонённый вопросами, связанными с его славой и образом жизни, статус Уорхола как новаторского и выдающегося творческого художника несомненен, не в последнюю очередь благодаря его превращению обычных изображений в иконы мирового искусства. Кроме того, он был исключительно плодовит, работая в широком диапазоне средств массовой информации, включая рисунок, живопись, гравюру, фотографию и фильмы.

Известные британские поп-художники

Питер Блейк (р.1932)

Впервые его назвали членом зарождающегося британского движения поп-арта, когда он вместе с Дэвидом Хокни, Р.Б. Китаем и другими участвовал в выставке «Молодые современники» в 1961 году, Блейк привлёк более широкое внимание, когда снялся в фильме Кена Рассела «Поп идёт к мольберту», посвящённом британскому поп-арту. Тем не менее, он остаётся наиболее известным за дизайн обложки для альбома «Битлз» «Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band».

Патрик Колфилд (1936-2006)

Колфилд учился в Школе искусств Челси в 1956 году и в Королевском колледже искусств (1960-1963), где среди его сокурсников были Дэвид Хокни и Р.Б. Китадж. В 1964 году его работы были представлены на выставке «Новое поколение» в лондонской галерее Уайтчепел, которая впервые привлекла внимание к его участию в британской сцене поп-арта.

Он специализировался на картинах, в которых использовал обычные предметы, бесстрастные линии и цвет, взятые из лексикона рекламы и дешёвых иллюстраций, чтобы передать живую интенсивность и юмор. Часто фигуративные, его работы характерно изображают несколько простых предметов в интерьере, выполненных с помощью плоских участков простого цвета (или одного оттенка), окаймлённых чёрным контуром.

Ричард Гамильтон (р.1922)

Один из основателей Независимой группы в Институте современного искусства в Лондоне, дискуссионной группы художников, которая положила начало поп-арту в Великобритании, он наиболее известен своим коллажем 1956 года под названием «Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?», который сейчас считается одним из первых примеров британского поп-арта. В середине 1950-х годов после нескольких персональных выставок Гамильтон занялся преподаванием в Ньюкасле-Упон-Тайн, в это время он занимался исследовательским проектом о французском современном художнике Марселе Дюшане, которым Гамильтон очень восхищался.

В начале 1960-х годов он получил грант от Совета по искусству Великобритании на кураторство и сохранение коллекции коллажей дадаиста Курта Швиттерса «Мерцбау» в Камбрии. Также активно работая в Лондоне как художник, преподаватель и участник кампании CND, Гамильтон курировал крупную британскую ретроспективу работ Дюшана в галерее Тейт в 1966 году. Кроме того, его контакты на сцене современной музыки привели к дружбе с Полом Маккартни, в результате которой Гамильтон разработал дизайн обложки и плакатов для «Белого альбома» «Битлз».

Дэвид Хокни (р.1937)

Важный вклад в британский поп-арт 1960-х годов и блестящий рисовальщик, Дэвид Хокни является одним из самых выдающихся британских художников двадцатого века. Он был представлен на выставке «Молодые современники» (1961), которая ознаменовала появление британского поп-арта – хотя его работы отнюдь не ограничивались этим стилем. В 1963 году он посетил Нью-Йорк, где познакомился с Энди Уорхолом. После этого он посетил Лос-Анджелес в Калифорнии, штат, который впоследствии стал его домом на долгие годы.

Поездка в Лос-Анджелес вдохновила его на создание серии картин, изображающих бассейны, с использованием нового средства – акриловых красок. Картины были выполнены в плоском, но очень реалистичном стиле, с использованием ярких цветов. Среди известных работ 1960-х годов – «Питер, вылезающий из бассейна Ника» (1966), которая в следующем году получила премию Джона Мурса в Художественной галерее Уокера в Ливерпуле; «Загорающий» (1966); и «Больший всплеск» (1967), который был куплен в 2006 году за 2,6 миллиона фунтов стерлингов – рекордная цена за картину Хокни.

Аллен Джонс (р. 1937)

Один из основателей британского поп-арта, Джонс использует простые фигуративные образы в сочетании с яркими, смелыми цветами. Он наиболее известен своими эротическими скульптурами (например, набор «Стул, стол и подставка для шляпы», 1969). Другие заметные работы: «Мокрая печать» (1966) и «Что ты имеешь в виду, что я имею в виду?». Он также является графиком и художником масляной живописи.

Эдуардо Луиджи Паолоцци (1924-2005)

Основатель британского поп-арта, Паолоцци учился в Эдинбургском колледже искусств (1943), Школе искусств Святого Мартина (1944) и в Школе искусств Слейда (1944-1947), а затем работал в Париже, Франция (1947-1949), где познакомился с рядом известных художников и испытал их влияние, включая швейцарского скульптора Альберто Джакометти, бывшего дадаиста и сюрреалиста Жана Арпа, румынского скульптора Константина Бранкузи, а также кубистов Жоржа Брака и Фернана Леже. Его основополагающий коллаж «Я был игрушкой богача « (1947) относится к этому парижскому периоду.

Вернувшись в Лондон, он работал со скульптурами, конструкциями, коллажами и литографиями, в основном в сюрреалистическом стиле, его композиции включали самые разнообразные предметы и материалы. В 1952 году он стал одним из ведущих основателей Независимой группы, дискуссии которой во многом предвосхитили зарождавшуюся вскоре школу поп-арта.

Нео-поп

В 1980-х годах произошло возрождение интереса к поп-арту – явление, известное как Нео-поп (или «шоковый поп-арт»). Это было не новое художественное направление как таковое, а скорее возрождение произведений искусства, основанных на популярной культуре – на этот раз взятой из 1980-х годов. В то время как оригинальное движение поп-арта было абсолютно авангардным, нео-поп-арт – это скорее повторение.

Так, художники нео-поп продолжают использовать в своих работах «readymades» и уже существующие предметы, а также в значительной степени полагаются на иконы знаменитостей, таких как Майкл Джексон, Мадонна, Бритни Спирс, Пэрис Хилтон и так далее. Они также черпают вдохновение из Минимализма, Концептуального искусства, Фотореализма, Инсталляции и Перформанса и др. Нео-поп – это просто более экстремальная версия Уорхола, Ольденбурга и Раушенберга.

Ведущим представителем нео-попа является Джефф Кунс (р.1955), о котором известный критик Роберт Хьюз написал следующее: «Кунс действительно считает себя Микеланджело и не стесняется говорить об этом. Важно то, что есть коллекционеры, особенно в Америке, которые в это верят. Он обладает вязкой уверенностью, грубой болтовнёй о трансценденции через искусство, как высушенный баптист, продающий гектары болота во Флориде. И в результате вы не можете представить без него развращённую культуру Америки». Отголоски критики в адрес Энди Уорхола и Дэмиена Хёрста? (В 2005 году Кунс был избран членом Американской академии искусств и наук).

Среди других лидеров – Катарина Фрич, Дэниел Эдвардс, и Ясумаса Моримура. Иконические работы нео-поп, обе работы Джеффа Кунса, включают «Майкл Джексон и пузыри» (1988) – проданную в 1991 году за 5,6 млн. долларов – и «Щенок» (1992).

Известные нео-поп художники

Эшли Бикертон, Рах Кроуфорд, Дэниел Эдвардс, Катарина Фрич, Кит Харинг, Дэмиен Хёрст, Гари Хьюм, Джефф Кунс, Марк Костаби, Ингвар Ларсен, Аллан Макколлум, Комар и Меламид, Кэди Ноланд, Чарльз Рэй, Кенни Шарф, Хаим Штайнбах, Гэвин Терк.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
Подробнее о направлениях и стилях в искусстве см.: История искусства.