Поп-арт читать ~28 мин.

Термин «поп-арт» ввёл британский куратор и критик Лоуренс Аллоуэй в 1955 году. Так он описал новую форму «популярного» искусства — движение, для которого было характерно обращение к образам общества потребления и массовой культуры. Поп-арт зародился в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х годов и стал доминирующим авангардным стилем к концу 1960-х. Для него были характерны смелые, простые, повседневные образы и яркие, локальные цвета. Поп-арт привлекал внимание и выглядел современно.

Яркие цветовые схемы позволили этой форме авангардного искусства подчеркнуть определённые элементы современной культуры и помогли сократить разрыв между коммерческим и изящным искусством. Это было первое постмодернистское движение (где средство выражения так же важно, как и само сообщение), а также первая школа в искусстве, отразившая силу кино и телевидения, благодаря которым многие её образы стали знаменитыми. Основными источниками иконографии поп-арта были реклама, упаковка потребительских товаров, фотографии кинозвёзд, поп-звёзд и других знаменитостей, а также комиксы.

Ведущие художники поп-арта

В американском искусстве к ведущим представителям поп-арта относят Роберта Раушенберга (1925–2008), Джаспера Джонса (род. 1930), Роя Лихтенштейна (1923–1997) и Энди Уорхола (1928–1987). Среди других американских художников направления: Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (наст. имя Роберт Кларк) (1928–2018), Рэй Джонсон (1927–1995), Алекс Кац (род. 1927), Клас Ольденбург (1929–2022), Эд Рушей (род. 1937), Джеймс Розенквист (1933–2017) и Том Вессельман (1931–2004). Подробнее см. Поп-арт Энди Уорхола шестидесятых и семидесятых годов.

Ведущими британскими художниками поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2005), Ричард Гамильтон (1922–2011), Дэвид Хокни (род. 1937) и Аллен Джонс (род. 1937).

Истоки и влияние

Поп-арт, как и почти все значительные стили в искусстве, был отчасти реакцией на статус-кво. В Америке 1950-х годов основным направлением был абстрактный экспрессионизм — заумный, нефигуративный стиль живописи, который, хотя и восхищал критиков и ценителей искусства, не находил отклика ни у широкой публики, ни у многих художников. Чем более отвлечённым и экспрессивным становился этот стиль, тем больше появлялось предпосылок для нового направления, использующего более предметные и приземлённые образы. Так возник поп-арт — признанный художественный стиль, который, в свою очередь, был вытеснен другими школами после 1970 года.

В некотором смысле, появление поп-арта (и его доминирование над абстрактным экспрессионизмом) было похоже на подъём дадаизма и его преемника, сюрреализма (и их превосходство над кубизмом). Обе вытесненные школы (абстрактный экспрессионизм и кубизм) были в высшей степени интеллектуальными стилями, малопривлекательными для большинства любителей искусства.

Дада, по своей сути, был антиискусством, но его расцвет в 1916–1922 годах был отмечен сильной поляризацией и политическими распрями. Как только обстановка успокоилась, большинство дадаистов стали сюрреалистами. Как объясняется ниже в разделе Цели, философия и методы, поп-арт разделяет многие характеристики дада-сюрреализма и обязан ему несколькими техниками, заимствованными у Курта Швиттерса, «реди-мейдами» Марселя Дюшана, культовыми образами Рене Магритта и дерзкими творениями Сальвадора Дали (например, «Диван-губы Мэй Уэст» и «Телефон-омар»).

И хотя сюрреализм был по своей природе интроспективным и эскапистским, а поп-арт определялся внешними потребительскими силами, оба течения стремились оказать сильное визуальное воздействие на широкую публику.

Ещё одним художником, который мог оказать влияние на поп-арт, был Эдвард Хоппер (1882–1967), художник-реалист, изображавший городскую Америку. Хотя его живописный стиль сильно отличается от большинства работ поп-арта, его простые изображения типично американских бытовых сцен (например, «Полуночники», 1942, и «Бензоколонка», 1940) были хорошо известны поколению художников поп-арта и, возможно, легли в основу некоторых их картин.

О других важных направлениях XX века, схожих с поп-артом, см. Художественные направления и школы (примерно со 100 г. до н.э.).

История

Британский поп-арт зародился в рамках «Независимой группы» — неформального круга художников, в который входили Ричард Гамильтон, куратор и художественный критик Лоуренс Аллоуэй и скульптор Эдуардо Паолоцци. Они встречались в Институте современного искусства в Лондоне.

С первой встречи в 1952 году, когда Паолоцци представил серию коллажей из журнальных вырезок и других «найденных объектов», включая его знаменитый коллаж «Я была игрушкой богача» (созданный ещё в 1947 году), их дискуссии были сосредоточены на художественной ценности и актуальности массовой культуры.

Четыре года спустя, в 1956 году, другой член группы, Ричард Гамильтон, создал собственный коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Вместе с работой Паолоцци 1947 года он считается одним из самых ранних примеров британского поп-арта. В 1961 году на выставке «Молодые современники» были представлены работы Дерека Бошьера, Дэвида Хокни, Аллена Джонса, Р. Б. Китая и Питера Филлипса в стиле поп-арт. В 1962 году британский поп-арт получил дополнительную известность благодаря фильму Кена Рассела «Pop Goes the Easel», который исследовал новое движение в Великобритании.

США

Тем временем в Америке в середине 1950-х годов мир искусства был потрясён появлением художников, связанных с небольшими движениями (например, неодадаизм, фанк-арт, леттризм, бит-арт, полиматериализм, искусство обычных объектов и др.), многие из которых включали в свои работы предметы массовой культуры. Они хотели, чтобы их искусство было более инклюзивным, чем традиционные стили (такие как абстрактный экспрессионизм), поэтому они использовали нехудожественные материалы и фокусировались на обыденных, легко узнаваемых предметах, отражавших популярную культуру того времени.

На фоне этого всплеска инноваций работы Роберта Раушенберга, Рэя Джонсона (1927–1995) и Джаспера Джонса начали оказывать влияние на нью-йоркскую художественную сцену. Они открыли целый ряд новых тем: Джонс — со своими картинами флагов, мишеней и чисел, а также скульптурами из пивных банок; Раушенберг — со своими коллажами, ассамбляжами и «комбинированными картинами». В последних он сочетал живописный холст с различными предметами или фотографическими изображениями. Яркий пример — работа «Монограмма» (1955–1959), где чучело ангорской козы опоясано автомобильной шиной. Джонсон же прославился коллажами со знаменитостями: Джеймсом Дином, Ширли Темпл и Элвисом Пресли. Другими влиятельными пионерами поп-арта были композитор Джон Кейдж (преподаватель в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине) и художник-перформансист Аллан Капроу (1927–2006).

Этот приток новых идей был усилен возобновлением интереса к ранним авангардным движениям, таким как дадаизм и сюрреализм. Их жизнеспособность подкреплялась влиянием, а иногда и присутствием бывших дадаистов и сюрреалистов, таких как Марсель Дюшан и Макс Эрнст, а также их американских последователей, например, Джозефа Корнелла. Важно отметить, что хотя американские авангардисты этого периода (особенно Раушенберг) были в долгу перед европейцами (Дюшаном, Швиттерсом и др.) за создание некоторых техник (например, коллажа), их главной целью было создание искусства, отражавшего реальность современной Америки.

К началу 1960-х годов целая плеяда художников поп-арта начала приобретать известность благодаря персональным выставкам в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Некоторые из них использовали коммерческие печатные техники (например, шелкографию) вместо традиционных методов живописи. Среди этих новых талантов были Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельман и Энди Уорхол. Впервые были показаны работы, ставшие впоследствии культовыми: картины Лихтенштейна с комиксами, шелкографии Уорхола с Мэрилин Монро и банками супа «Кэмпбелл», а также монументальные виниловые гамбургеры и мороженое Ольденбурга.

Интересно, что до конца 1962 или начала 1963 года критики по-прежнему называли этих художников «новыми реалистами» или использовали другие похожие термины. Две важные художественные выставки, состоявшиеся осенью 1962 года — одна под руководством Уолтера Хоппса в Художественном музее Пасадены, другая в галерее Сидни Джениса в Нью-Йорке — назывались «Новая живопись обычных предметов» (Пасадена) и «Новый реализм» (Нью-Йорк). Лишь позже термин «поп-арт» стал официальным названием движения, отчасти из-за неприятия критиками термина «реалист», а отчасти благодаря присутствию в Нью-Йорке Лоуренса Аллоуэя — на тот момент куратора Музея Гуггенхайма, — который выступал за принятие этого термина.

С 1963 года поп-арт распространился по всей Америке и, благодаря британским художникам, утвердился на континенте. Росту движения способствовало развитие и в других областях: в экономике — благодаря росту мировой и американской экономики; в науке — благодаря распространению телевидения; в современной музыке (которая сама стала известна как «поп») — благодаря миниатюризации радио, увеличению производства пластинок, появлению культовых групп, таких как The Beatles, и феномену психоделии; и, наконец, благодаря расширяющемуся рынку искусства.

В конце 1960-х годов Энди Уорхол стал Дэмиеном Хёрстом своего времени, получив славу и скандальную известность в равной мере за свои культовые принты знаменитостей, концептуальные фильмы, новаторские методы производства и саморекламу — по крайней мере, до тех пор, пока 3 июня 1968 года в него не выстрелила и тяжело не ранила Валери Соланас.

Рой Лихтенштейн также стал именем нарицательным благодаря своим картинам-комиксам и нескольким престижным ретроспективам по обе стороны Атлантики. В то же время Раушенберг получил главный приз на Венецианской биеннале 1964 года, а Джонс укрепил свой статус, получив первый приз на биеннале 1967 года в Сан-Паулу. Раушенберг также поддерживал свою авангардную репутацию, помогая основать в 1966 году организацию EAT (Experiments in Art and Technology) для развития сотрудничества между художниками и инженерами.

Пережив конформизм 1950-х и панику Карибского кризиса (1962), американский поп-арт достиг своего пика во второй половине 1960-х. Однако вскоре движение оказалось под влиянием разочарований эпохи Вьетнамской войны и сопутствующего роста антиамериканских настроений.

Британия

Несмотря на то что британский поп-арт в начале и середине 1960-х был менее дерзким, менее китчевым, более романтичным и ностальгическим, чем его американский аналог, он находился под сильным влиянием поп-культуры США, которая считалась более современной и захватывающей. Именно в этот период Британия начала импортировать большое количество американских телепрограмм, а также другие атрибуты американской жизни, такие как бургер-бары и прочие заведения быстрого питания.

В результате британские художники начали черпать вдохновение в американских образах, хотя и часто с британским акцентом. С другой стороны, рекламная и полиграфическая индустрии в Великобритании были менее развиты, что ограничивало художников в использовании техник, уже хорошо зарекомендовавших себя в Нью-Йорке (например, шелкографии), и заставляло их полагаться на более старые методы.

Европа

В Европе распространению американской поп-культуры мешали языковые и политические барьеры. В Париже, всё ещё озабоченном своим подчинённым по отношению к Нью-Йорку статусом центра мирового искусства, американскую поп-культуру скорее терпели, чем прославляли. Кроме того, французский авангард, возможно, из-за влияния коммунистической партии, имел более политический оттенок. Он следовал дадаистской линии, поощряя участие аудитории в перформансах, хэппенингах и концептуальном искусстве под общим названием «Новый реализм» (ок. 1960–1970).

Ведущими французскими «поп-художниками», или «новыми реалистами», были Ив Кляйн (1928–1962), Франсуа Дюфрен (1930–1982), Матиаль Райсс (род. 1936), Жак де ла Виллегль (род. 1926), Жак Монори (род. 1934), Ален Жаке (род. 1939) и Жан Тенгели (1925–1991). Италия, будучи менее политизированной (несмотря на ещё более сильную компартию!), оставалась более открытой для художественных и дизайнерских возможностей поп-арта. Например, итальянская дизайнерская группа в составе Джонатана Де Паса (1932–1991), Паоло Ломацци (род. 1936) и Донато д’Урбино (род. 1935) создала диван «Joe Sofa» (1971), напоминающий гигантскую бейсбольную перчатку.

Цели, философия и методы поп-арта

Ни одно международное художественное движение, которое длилось более 15 лет и охватывало все известные виды искусства, жанры и медиа, а также совершенно новые формы, невозможно описать в нескольких предложениях. Тем не менее, для понимания поп-арта необходимо учитывать следующие концепции.

Искусство, понятное каждому

Основная идея поп-арта заключалась в создании формы искусства с мгновенной узнаваемостью. Это разительно отличалось от сверхинтеллектуального абстрактного экспрессионизма с его эзотерическими полотнами, которые так любили профессионалы. Для достижения этой цели художники поп-арта экспериментировали с новыми коммерческими процессами, такими как акриловая живопись, коллаж на холсте с использованием нетипичных для живописи материалов и шелкография.

Кроме того, образы и цветовые схемы для большинства картин и скульптур в стиле поп-арт были заимствованы из общеизвестных источников: рекламы, потребительских товаров, журналов, телевидения, кино, мультфильмов и комиксов. Люди и предметы изображались в ярких, часто контрастных цветах, а композиции, как правило, были простыми и визуально привлекательными для широкой публики.

Искусство можно создать из чего угодно

До XX века традиционная живопись обычно выполнялась маслом, а скульптура — из бронзы, камня или дерева. Сюжеты также были строго определены: обнажённая натура, человеческое лицо, классический пейзаж, жанровая сцена или натюрморт. Даже кубизм, несмотря на свою революционность, по большей части придерживался этих условностей.

Затем началась Первая мировая война и возникло антихудожественное движение, известное как дадаизм. Оно породило идею, что искусство можно создать из любого материала, включая самые банальные предметы. Художники поп-арта поддержали и развили эту идею. Они изображали современный мир массовой культуры с помощью любых материалов, которые считали подходящими, какими бы «низкими» или тривиальными они ни были.

Идея важнее самого произведения искусства

Кроме того, до дадаизма главной чертой изобразительного искусства было само произведение — картина, скульптура, гравюра. Без «произведения искусства» не было ничего. Поэтому всё внимание было сосредоточено на качестве готового продукта и мастерстве, необходимом для его создания. Дадаизм восстал против этого, прославляя «идею, стоящую за произведением», а не само произведение.

Многие художники поп-арта продолжили эту традицию концептуального искусства. Они придавали большее значение воздействию произведения и меньшее — процессу его создания. Как и использование «низких» материалов, этот акцент на концепции и воздействии интерпретировался как попытка снизить пафос мира искусства. Отчасти это было правдой: некоторые поп-художники разделяли антихудожественное кредо дадаистов. Однако основное русло поп-арта было более позитивным и скорее стремилось к созданию новых форм выражения, чем к очернению традиций. Многие художники поп-арта рассматривали себя как тех, кто вносит вклад в изящное искусство, а не разрушает его.

Более инклюзивный и актуальный стиль

Неважно, насколько изысканно были задуманы и написаны монументальные работы Марка Ротко в стиле абстрактного экспрессионизма и как хорошо их принимали влиятельные критики, такие как Клемент Гринберг (1909–1994) и Гарольд Розенберг (1906–1978), — широкой публике они были практически неизвестны. В то же время почти все узнавали Элвиса, Мэрилин Монро, других знаменитостей, а также популярные продукты и бренды, которые стали основной темой поп-арта. Таким образом, с самого начала поп-арт заявил о своём намерении отказаться от элитарности традиционного искусства в пользу образов, близких и понятных массам.

Для большинства людей в конце 1950-х – начале 1960-х поход в художественный музей означал утомительное блуждание мимо рядов непонятных картин. Как правило, самые известные произведения нельзя было оценить, просто взглянув на них, — требовалось внимательное изучение музейного путеводителя.

Поп-арт сыграл важную роль в открытии мира живописи и скульптуры для обычных людей. Впервые в жизни они могли мгновенно узнать и оценить экспонат перед собой. Он мог им не нравиться, но они с гораздо меньшей вероятностью чувствовали себя запуганными повседневным изображением, которое могли соотнести с собой. В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой публики.

Зеркало для общества

В отличие от дадаизма, чья негативная цель заключалась в подрыве ценностей буржуазного истеблишмента, который они винили в кровавой бойне Первой мировой войны, поп-арт стремился отразить социальные ценности и среду, из которой он возник. Художники фокусировались на увлечениях большинства американских потребителей: еде, автомобилях и романтических отношениях.

Как правило, это достигалось с помощью грубых или сатирических образов с сильным визуальным воздействием. На критику в свой адрес они могли ответить, что просто (перефразируя Шекспира) «держат зеркало перед природой» или, в их случае, «современным обществом». Как бы то ни было, поп-арт был «послевоенным» выражением мира, полностью поглощённого погоней за материализмом.

Постмодернистские тенденции

Поп-арт начинался с живописи и отличался в основном новым набором сюжетов, которые должны были передать более актуальную реальность. Впоследствии он всё больше сосредотачивался не на изображении реальности, а на воздействии, медиуме и стиле.

Такая тенденция, которая почти всегда приводит к стиранию грани между искусством и демонстрацией, между прекрасным и развлечением, является отличительной чертой постмодернистского искусства. По этой причине поп-арт можно считать первым движением, вышедшим за рамки модернизма и перешедшим в эпоху современного искусства.

По сути, художники поп-арта 1960-х годов проложили путь для фотореализма, а позже для «Молодых британских художников» и других современных течений. Они также подготовили почву для постмодернистских проектов зданий, которые значительно переосмыслили американскую архитектуру.

Отношение критиков, публики и коллекционеров

Критики часто презирали поп-арт за его «низменную» направленность. Например, Гарольд Розенберг, один из самых влиятельных художественных критиков, описывал его так: “Как шутка без юмора, которую рассказывают снова и снова, пока она не начинает звучать как угроза… Рекламное искусство, которое рекламирует себя как искусство, ненавидящее рекламу”.

В ответ можно резонно спросить: о чём ещё должно говорить искусство, если не об обществе, из которого оно происходит? В конце концов, достаточно было включить телевизор с его шквалом рекламы, проехать по улицам с рекламными щитами или полистать глянцевые журналы, чтобы оценить, насколько прозаична современная жизнь. Почему искусство должно быть другим?

Что ещё более важно, поп-арт был (и остаётся) одним из самых популярных стилей искусства. Ему удалось достучаться до широкой публики так, как это удавалось немногим современным движениям. И коллекционерам искусства он тоже нравится.

Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) была продана в 2006 году за 80 миллионов долларов, став одним из самых дорогих произведений искусства в истории. (Подробнее см. Топ-10 самых дорогих картин). Работа Энди Уорхола «Авария зелёной машины» (1963) была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в 2007 году за 71,7 миллиона долларов, что сделало её 14-м самым дорогим произведением искусства в истории. (См. Топ-20 самых дорогих картин). Неплохо для «низкого» искусства.

Во время рецессии 2009 года неизвестный покупатель, по сообщениям, приобрёл работу Энди Уорхола «Восемь Элвисов» (1963) за 100 миллионов долларов в рамках частной сделки, что сделало её 5-м самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным.

Знаменитые американские поп-художники

Джим Дайн (род. 1935)

Джим Дайн был представителем неодадаизма и поп-арта, специализировался на коллажах, «реди-мейдах» (или «композициях из найденных предметов») и хэппенингах. Впервые он привлёк к себе внимание в 1959 году своими «хэппенингами», которые устраивал в сотрудничестве с Класом Ольденбургом, Алланом Капроу и авангардным композитором Джоном Кейджем.

В 1962 году он, наряду с Роем Лихтенштейном, Энди Уорхолом и другими, был включён в важную выставку поп-арта в Пасадене. В 1960-е годы Дайн создал ряд работ, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к дадаистской сенсационности, как в его инсталляции «Canticles to the Penis», которая была закрыта полицией в Лондоне за непристойность.

Роберт Индиана (1928–2018)

Урождённый Роберт Кларк, он начинал как художник-абстракционист и скульптор по дереву, а в 1954 году присоединился к движению поп-арта в Нью-Йорке. Выброшенные трафареты привели его к исследованию словесного искусства: он вставлял буквы и слова (например, Love, Eat, Die) в свои картины, вдохновлённые декором автоматов для пинбола. Он называл себя «американским художником знаков».

Он наиболее известен своим графическим изображением «Любовь» 1960-х годов, которое впервые появилось на рождественских открытках и марках. Позже он создал скульптурную версию, которую повторил в разных стилях и на разных языках, включая стальную версию на иврите со словом «Ахава». В 2008 году он создал новое изображение со словом «Надежда», все доходы от которого были переданы в фонд избирательной кампании Барака Обамы.

Джаспер Джонс (род. 1930)

Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х годах. Переехав из Южной Каролины в Нью-Йорк в 1949 году, он прославился своими картинами с изображением американского флага (например, «Флаг», 1954–1955), а также других стандартных графических образов, таких как мишени и цифры. Он также был известен использованием энкаустической краски и гипсового рельефа в своих картинах маслом.

После картин с флагами он начал включать в свои работы реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, «Пивные банки», 1964). Использование им образов и материалов поп-культуры привело к тому, что его стали называть поп-художником, но его художественные высказывания (со значительной долей пародии и парадоксов в духе Дюшана) также позволили отнести его работы к неодадаизму.

Будучи в большей степени классическим художником, чем многие молодые представители поп-арта, опиравшиеся на коммерческие техники, Джонс получил много похвал и признания за свои новаторские работы. Со временем он стал использовать и другие средства, включая шелкографию, интальо и литографию. В 1998 году Метрополитен-музей в Нью-Йорке заплатил за его работу «Белый флаг» 20 миллионов долларов, а в 2006 году его картина «Фальстарт» была куплена за 80 миллионов долларов, что сделало её самой дорогой картиной ныне живущего художника.

Алекс Кац (род. 1927)

Уникальный фигуративный художник, который также работал в гравюре и скульптуре, Кац ассоциируется с поп-артом благодаря своей переработке традиционных тем в поп-идиоме. Он известен своим новаторским переосмыслением идей импрессионистов (особенно Эдуарда Мане, Клода Моне и Жоржа Сёра), таких как эффекты света и сцены буржуазного отдыха, выполненных в технике «алла прима» и свободной манере письма. С другой стороны, некоторые из его работ кажутся отстранёнными, лишёнными эмоций и чувствительности.

Рой Фокс Лихтенштейн (1923–1997)

Ведущий художник поп-арта с мгновенно узнаваемым стилем, чьи работы превратили графику комиксов в международную форму искусства. Он начинал как художник-абстракционист в 1950-х, но преподавание в Ратгерском университете свело его с Алланом Капроу и подтолкнуло к искусству, связанному с поп-культурой.

Он начал с рисования от руки версий кадров комиксов с текстовыми пузырями (например, «Смотри, Микки», 1961) и провёл выставку в нью-йоркской галерее Лео Кастелли в 1961 году, все работы с которой были распроданы ещё до её открытия. В следующем году его работы появились на двух крупных выставках 1962 года в Пасадене и Нью-Йорке.

К концу 1963 года Лихтенштейн привлёк внимание всего мира. К знаковым работам того времени относятся «Тонущая девушка» (1963) и «Whaam!» (1963). В 1989 году на аукционе современного искусства Christie’s в Нью-Йорке картина Лихтенштейна «Торпеда… Огонь!» была продана за 5,5 миллионов долларов — рекорд для художника.

Клас Ольденбург (1929–2022)

Считается главным скульптором поп-арта, известен своими публичными инсталляциями, часто представляющими собой монументальные копии повседневных предметов, особенно продуктов питания, таких как гамбургеры и рожки мороженого.

Живя в Нью-Йорке с 1956 года, Ольденбург познакомился с Алланом Капроу, Джимом Дайном и скульптором Джорджем Сигалом и увлёкся хэппенингами и другими формами перформанса и инсталляционного искусства.

Среди известных работ: «Двойной гамбургер» (1962), а также его гигантская губная помада, установленная в Йельском университете в 1969 году. Его основной вклад в поп-арт, как и у Розенквиста, заключался в превращении обычных предметов в искусство.

Роберт Раушенберг (1925–2008)

Считающийся, наряду со своим бывшим партнёром Джаспером Джонсом, одним из лидеров неодадаизма — раннего направления поп-арта, — Раушенберг учился в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине в 1948 году у бывшего художника Баухауса Йозефа Альберса (известного своей серией «Посвящение квадрату»).

В 1951 году он провёл свою первую, а в 1954 году — вторую персональную выставку. Часто его называют представителем неодадаизма за его приверженность «реди-мейдам» Марселя Дюшана. Он наиболее известен своими «Комбинированными картинами» 1950-х годов, состоящими из нетрадиционных материалов. В то время Раушенберг специализировался на использовании «найденных» материалов, таких как мусор, который он собирал на улицах Нью-Йорка. Однако с 1961 по 1962 год он начал включать в свои работы изображения, а также найденные объекты, перенося фотографии на холст с помощью шелкографии. Таким образом, его работы можно считать современными работам Энди Уорхола. Раушенберг также занимался художественной фотографией, гравюрой, бумагопластикой и перформансом.

Джеймс Розенквист (1933–2017)

Выдающийся художник поп-арта, Розенквист обучался в Школе искусств Миннеаполиса, а затем в Университете Миннесоты. В 1955 году, в возрасте 21 года, он переехал в Нью-Йорк, чтобы учиться в Лиге студентов-художников, а затем работать художником рекламных щитов.

Используя приобретённые им техники рисования вывесок для создания масштабных картин, он сопоставлял рекламные образы с изображениями из романтических журналов, чтобы создать ощущение прерывистости и иррациональности как комментарий к современной жизни. Одной из самых заметных работ этого времени была его картина размером с комнату «F-111» (1965). Как и у Ольденбурга, основной вклад Розенквиста в поп-арт заключался в придании обычным предметам монументальных размеров.

Эдвард Рушей (род. 1937)

Уроженец Оклахомы, перебравшийся в 1956 году в Лос-Анджелес, Рушей учился в Художественном институте Чуинард (ныне Калифорнийский институт искусств) до 1960 года (испытав влияние Марселя Дюшана и Джаспера Джонса), а затем работал художником-макетчиком в рекламном агентстве.

В 1962 году его картины появились рядом с работами Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола и других на новаторской выставке в Художественном музее Пасадены. Среди его ранних работ — «Большой товарный знак с восемью прожекторами» (1961) и картина маслом «Стандартная заправка, Амарилло, Техас» (1963), которая перекликается с картиной Хоппера «Бензоколонка» (1940). С середины 1960-х годов он стал известен своими «словесными картинами» (также известными как «жидкие слова»).

Энди Уорхол (1928–1987)

Многие считают Уорхола первосвященником поп-арта. Он сделал успешную карьеру коммерческого иллюстратора, а затем добился всемирной славы благодаря своей живописи, гравюрам, авангардным фильмам и образу жизни, который включал общение с голливудскими звёздами, интеллектуалами и андеграундными знаменитостями. Его взгляд на влияние телевидения на искусство и жизнь метко выражен в его знаменитой фразе: “В будущем каждый сможет стать всемирно известным на 15 минут”.

В 1960-х годах он начал создавать картины с изображением культовых американских продуктов, таких как банки супа «Кэмпбелл», бутылки Coca-Cola и долларовые купюры, а также изображения мировых звёзд, таких как Мэрилин Монро, Энгрид Бергман, Элизабет Тейлор и Элвис Пресли. Он также основал свою знаменитую нью-йоркскую студию «Фабрика», где он предвосхитил методы массового производства Дэмиена Хёрста более чем на 30 лет.

Прежде всего, искусство Уорхола вращалось вокруг иконографии, ставшей известной благодаря телевидению, новостям и рекламе: атомные грибы, электрические стулья, автомобильные аварии. Поэтому его картины были мгновенно узнаваемы и вызывали массовый интерес.

Статус Уорхола как новаторского художника несомненен, не в последнюю очередь благодаря его превращению обычных изображений в иконы мирового искусства. Кроме того, он был исключительно плодовит, работая в широком диапазоне медиа, включая рисунок, живопись, гравюру, фотографию и кино.

Известные британские поп-художники

Питер Блейк (род. 1932)

Его впервые назвали членом зарождающегося британского движения поп-арта, когда он вместе с Дэвидом Хокни, Р.Б. Китаем и другими участвовал в выставке «Молодые современники» в 1961 году. Блейк привлёк более широкое внимание, снявшись в фильме Кена Рассела «Поп идёт к мольберту», посвящённом британскому поп-арту. Тем не менее, он остаётся наиболее известным за дизайн обложки для альбома The Beatles «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band».

Патрик Колфилд (1936–2005)

Колфилд учился в Школе искусств Челси (1956) и в Королевском колледже искусств (1960–1963), где его сокурсниками были Дэвид Хокни и Р.Б. Китай. В 1964 году его работы были представлены на выставке «Новое поколение» в лондонской галерее Уайтчепел, которая впервые привлекла внимание к его участию в британской поп-арт сцене.

Он специализировался на картинах с обычными предметами, выполненных с помощью бесстрастных линий и цветов, заимствованных из рекламы и дешёвых иллюстраций. Его фигуративные работы, как правило, изображают несколько простых предметов в интерьере, выполненных плоскими участками простого цвета, окаймлёнными чёрным контуром.

Ричард Гамильтон (1922–2011)

Один из основателей «Независимой группы» в Институте современного искусства в Лондоне, которая положила начало поп-арту в Великобритании, он наиболее известен своим коллажем 1956 года «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», который сейчас считается одним из первых примеров британского поп-арта. В середине 1950-х, после нескольких персональных выставок, Гамильтон преподавал в Ньюкасле-апон-Тайн. В это время он занимался исследовательским проектом о Марселе Дюшане, которым очень восхищался.

В начале 1960-х он получил грант от Совета по искусству Великобритании на курирование и сохранение коллекции коллажей дадаиста Курта Швиттерса «Мерцбау» в Камбрии. Гамильтон курировал крупную британскую ретроспективу работ Дюшана в галерее Тейт в 1966 году. Кроме того, его контакты на музыкальной сцене привели к дружбе с Полом Маккартни, в результате которой Гамильтон разработал дизайн обложки и плакатов для «Белого альбома» The Beatles.

Дэвид Хокни (род. 1937)

Внёсший важный вклад в британский поп-арт 1960-х и блестящий рисовальщик, Дэвид Хокни является одним из самых выдающихся британских художников XX века. Он был представлен на выставке «Молодые современники» (1961), ознаменовавшей появление британского поп-арта, хотя его творчество не ограничивается этим стилем. В 1963 году он посетил Нью-Йорк, где познакомился с Энди Уорхолом. После этого он отправился в Лос-Анджелес, который впоследствии стал его домом на долгие годы.

Поездка в Лос-Анджелес вдохновила его на создание серии картин с изображением бассейнов с использованием нового для него материала — акриловых красок. Картины были выполнены в плоском, но очень реалистичном стиле, с использованием ярких цветов. Среди известных работ 1960-х годов — «Питер, вылезающий из бассейна Ника» (1966), которая в следующем году получила премию Джона Мурса в Ливерпуле; «Загорающий» (1966); и «Большой всплеск» (1967), который был куплен в 2006 году за 2,6 миллиона фунтов стерлингов — рекордная цена за картину Хокни.

Аллен Джонс (род. 1937)

Один из основателей британского поп-арта, Джонс использует простые фигуративные образы в сочетании с яркими, смелыми цветами. Он наиболее известен своими эротическими скульптурами (например, гарнитур «Стул, стол и вешалка для шляп», 1969). Другие заметные работы: «Мокрая печать» (1966) и «Что ты имеешь в виду, что я имею в виду?». Он также является графиком и живописцем.

Эдуардо Луиджи Паолоцци (1924–2005)

Основатель британского поп-арта, Паолоцци учился в Эдинбургском колледже искусств (1943), Школе искусств Святого Мартина (1944) и в Школе искусств Слейда (1944–1947). Затем он работал в Париже (1947–1949), где познакомился с рядом известных художников, включая швейцарского скульптора Альберто Джакометти, бывшего дадаиста и сюрреалиста Жана Арпа, румынского скульптора Константина Бранкузи, а также кубистов Жоржа Брака и Фернана Леже. Его основополагающий коллаж «Я был игрушкой богача» (1947) относится к этому парижскому периоду.

Вернувшись в Лондон, он работал со скульптурами, конструкциями, коллажами и литографиями, в основном в сюрреалистическом стиле, включая в свои композиции самые разнообразные предметы. В 1952 году он стал одним из основателей «Независимой группы», дискуссии которой во многом предвосхитили зарождавшуюся школу поп-арта.

Нео-поп

В 1980-х годах произошло возрождение интереса к поп-арту — явление, известное как нео-поп (или «шоковый поп-арт»). Это было не новое художественное направление как таковое, а скорее возрождение произведений, основанных на популярной культуре — на этот раз из 1980-х. В то время как оригинальное движение поп-арта было авангардным, нео-поп-арт — это в большей степени повторение.

Художники нео-попа продолжают использовать в своих работах «реди-мейды» и уже существующие предметы, а также в значительной степени полагаются на иконы знаменитостей, таких как Майкл Джексон, Мадонна, Бритни Спирс, Пэрис Хилтон и так далее. Они также черпают вдохновение из минимализма, концептуального искусства, фотореализма, инсталляции и перформанса. Нео-поп — это просто более экстремальная версия Уорхола, Ольденбурга и Раушенберга.

Ведущим представителем нео-попа является Джефф Кунс (род. 1955), о котором критик Роберт Хьюз написал: “Кунс и вправду считает себя Микеланджело и не стесняется об этом говорить. Важно то, что находятся коллекционеры, особенно в Америке, которые ему верят. Он обладает вязкой самоуверенностью, грубой болтовнёй о трансцендентности через искусство, словно высушенный баптист, продающий гектары болота во Флориде. И в результате вы не можете представить без него развращённую культуру Америки”. Отголоски критики в адрес Энди Уорхола и Дэмиена Хёрста? (В 2005 году Кунс был избран членом Американской академии искусств и наук).

Среди других лидеров — Катарина Фрич, Дэниел Эдвардс и Ясумаса Моримура. Иконические работы нео-попа, обе созданные Джеффом Кунсом, включают «Майкл Джексон и Бабблз» (1988), проданную в 1991 году за 5,6 млн долларов, и «Щенок» (1992).

Известные нео-поп-художники

Эшли Бикертон, Рах Кроуфорд, Дэниел Эдвардс, Катарина Фрич, Кит Харинг, Дэмиен Хёрст, Гэри Хьюм, Джефф Кунс, Марк Костаби, Ингвар Ларсен, Аллан Макколлум, Комар и Меламид, Кэди Ноланд, Чарльз Рэй, Кенни Шарф, Хаим Стейнбах, Гэвин Тёрк.

ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВА
Подробнее о направлениях и стилях в искусстве см.: История искусства.