Испанское Барокко читать ~9 мин.

Как и в Нидерландах, эпоха барокко XVII века стала золотым веком испанской живописи. Этот период спонсировался католической церковью при поддержке набожных императоров из династии Габсбургов. Испанские художники барокко, освободившись от итальянского влияния, выработали суровый и благородный стиль католического искусства Контрреформации. В нём сочетались линия и цвет, а острота наблюдения достигала высочайшего уровня правдивости в христианском искусстве. Именно испанская школа, наряду с мастерами голландского барокко, внесла значительный вклад в развитие натуралистического реализма в европейской живописи.

Подобно фламандским и голландским живописцам, испанские мастера, особенно Рибера, испытали сильное влияние Караваджо. Они активно использовали тенебризм и кьяроскуро не столько для театральности, сколько для создания драматического напряжения. Среди них были выдающиеся мастера религиозных сцен, портрета и жанровой живописи, такие как Мурильо, а также тонкие интерпретаторы аскетизма и духовности, как Сурбаран. И конечно, этот период явил миру несравненного Веласкеса.

В тематике преобладало библейское искусство, однако покровительство Габсбургов также способствовало созданию многочисленных королевских портретов, исторических полотен и жанровых сцен. Основными центрами живописи барокко в Испании были Мадрид и Севилья, причём мадридская школа пользовалась поддержкой королевского двора. Другие важные школы действовали в Валенсии и Толедо.

Раннее испанское барокко

Одним из первых представителей нового испанского реализма был каталонский художник Франсиско Рибальта (1565–1628), работавший в Мадриде и Валенсии. Он был значимым мастером тенебризма и последователем Караваджо. Его творчество, известное смелыми мазками и контрастами света и тени, подчёркивало скульптурную объёмность форм. Среди художников, испытавших его влияние, был и Сурбаран.

Хусепе де Рибера

Хусепе де Рибера (1591–1652) стал первым крупным испанским художником, воспринявшим натуралистический стиль религиозного искусства, который развивал Караваджо. Он прославился религиозными картинами, отличавшимися высокой реалистичностью, особенно в передаче телесных оттенков фигур святых, и предпочтением драматических сюжетов. Примерами могут служить его работы «Святой Андрей» (1630–1632, Прадо, Мадрид) и «Мученичество святого Варфоломея» (1630, Прадо).

Его стиль эволюционировал от раннего увлечения караваджизмом через эксперименты с серебристым светом к зрелому периоду, отмеченному тёплыми, золотистыми тонами. Одной из его прекраснейших картин считается «Святое семейство со святой Екатериной» (1648, Музей Метрополитен, Нью-Йорк).

Примечание: В начале XVII века Неаполь, находившийся под властью Испании, был вторым по величине городом Европы после Парижа с населением 450 000 человек, что значительно превышало население Рима, Милана или Флоренции. С более чем 3 000 церквями и монастырями он был важным центром религиозного искусства. Неаполитанская школа живописи была основана (и в значительной степени контролировалась) Риберой и его кругом. Подробнее см: Живопись в Неаполе (1600-1700). О влиянии караваджизма на Риберу см: Караваджо в Неаполе (1607, 1609-1610).

Художественные центры: Севилья и Толедо

В Севилье живопись быстро развивалась от классицизма Возрождения к натурализму барокко, что видно в работах Франсиско Пачеко (1564–1644), Хуана де лас Роэласа (ок. 1570–1625) и Франсиско де Эрреры Старшего (1590–1654). В то же время в Толедо на рубеже веков доминирующее влияние оказывал Эль Греко (1541–1614). Его ближайшим последователем был Луис Тристан (1585–1624), который подчёркивал тенебристские аспекты творчества учителя. Среди других толедских художников выделяются Педро Орренте (1580–1645), последователь Рибальты, и Хуан Баутиста Майно (1581–1649), ставший учителем рисования Филиппа IV.

Диего Веласкес

Вершиной живописи барокко в Испании стало творчество Диего Веласкеса (1599–1660). Для него манера Караваджо была лишь отправной точкой. В своих картинах он управлял светом для воссоздания «оптического реализма» — передачи общего впечатления, которое получает глаз, а не скрупулёзного воспроизведения деталей, к которому стремились художники Возрождения.

В работах Веласкеса свет используется так же, как двумя веками ранее художники использовали перспективу, чтобы сделать пространство осязаемым. Чередование областей света и тени создаёт иллюзию объёма, в котором фигуры не просто нарисованы, а действительно «находятся». Эти фигуры написаны широкими, свободными мазками, чётко очерчивающими формы без излишней детализации. Похожий приём два века спустя использовали французские импрессионисты. Всё внимание художника было сосредоточено на живописных задачах и мастерстве, а не на повествовательной стороне сюжета, что имело первостепенное значение для многих его современников.

Самые ранние работы Веласкеса, известного своими рисунками с натуры, отличаются плотным импасто, сдержанным колоритом с преобладанием охристых и коричневых тонов, и простой, естественной композицией. Его первый шедевр в этом стиле — «Севильский водонос» (1618–1622, Эпсли-хаус, Лондон). К этому же раннему периоду относятся «Старуха, жарящая яйца» (1618, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург), «Христос в доме Марфы и Марии» (1620, Национальная галерея, Лондон) и «Ужин в Эммаусе» (1620, Музей Метрополитен, Нью-Йорк).

В 1623 году Веласкес стал официальным портретистом короля Филиппа IV и высшей знати. Между 1623 и 1629 годами он создал ряд работ с серым фоном, что свидетельствует о его отходе от тенебризма. К этому периоду относится картина «Триумф Вакха» (или «Пьяницы», 1629, Прадо). В 1632 году он написал «Распятого Христа» (1632, Прадо), произведение, отличающееся простотой и безмятежностью.

По мере совершенствования мастерства он достиг большей точности контуров и ещё более тонкого смешения тонов и цвета. Одной из лучших его картин в стиле барокко этого времени является «Сдача Бреды» (1634–1635, Прадо), созданная для Зала Королевств во дворце Буэн-Ретиро в Мадриде.

В последующие годы Веласкес сосредоточился в основном на портретном искусстве. См. его «Конный портрет Филиппа IV» (1634–1635, Прадо) и «Конный портрет принца Бальтазара Карлоса» (1635–1636, Прадо), а также картины с изображением придворных карликов, например «Портрет Франсиско Лескано» («Мальчик из Вальекаса») (1643–1645, Прадо). Он также создал несколько религиозных работ, включая великолепное «Коронование Богоматери» (1645, Прадо). Во время поездки в Италию он написал свой шедевр «Портрет папы Иннокентия X» (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим). В последний период творчества (1651–1660) были созданы «Венера с зеркалом» (1649–1651, Национальная галерея, Лондон) и «Менины», или «Семья Филиппа IV» (1656–1657, Прадо).

Если сравнить «Венеру с зеркалом» Веласкеса с аналогичными полотнами Высокого Возрождения, становится очевидно, как сильно изменилось художественное восприятие за столетие. На картине красавица бесстрастно поворачивается спиной к зрителю, а Купидон держит перед ней зеркало. Зеркало было уже знакомым приёмом, но его двусмысленное освещение и преломление усиливают живописный эффект. Вместо мраморного спокойствия «Спящей Венеры» Джорджоне (ок. 1510) или «Венеры Урбинской» Тициана (1538), «Венера с зеркалом» представляет нам очаровательное, но совершенно человеческое и не божественное изображение наготы. В этом отношении Веласкес был сыном своей эпохи — эпохи барокко.

Неудивительно, что Веласкес оказался художником, которому было трудно подражать. Кроме таких последователей, как Хуан де Пареха (1610–1670) и Хуан Баутиста Мартинес дель Масо (1612–1667), художники мадридской школы предпочитали более лёгкий стиль барокко в духе Рубенса.

Франсиско де Сурбаран

Творчество Франсиско де Сурбарана (1598–1664) — это сплав эстремадурского аскетизма и андалузской элегантности. Он использовал натурализм и резкое кьяроскуро, что сделало его стиль одним из самых сдержанных и чистых в испанской живописи барокко. В 1620–1630-х годах он создал ряд композиций для монашеских орденов, примером которых служит «Дом в Назарете» (ок. 1630, Музей искусств, Кливленд).

В процессе работы он стал мастером изображения одиноких фигур, включая святых с глазами, обращёнными к небу. Несомненно, его искусству способствовала глубокая личная набожность, что, возможно, иллюстрирует картина «Святой Лука как художник перед Христом на кресте» (ок. 1660, Прадо), для которой, как предполагают, он сам послужил моделью.

Бартоломе Эстебан Мурильо

В севильской школе творчество Бартоломе Эстебана Мурильо (1618–1682) представляет собой вершину элегантности и деликатности, а также наибольшую уступчивость народным вкусам. Вначале он находился под сильным влиянием старых мастеров, таких как Рибера и Сурбаран, а позже заимствовал приёмы у Ван Дейка, Рубенса и Рафаэля.

Он разработал собственный лёгкий, воздушный стиль — estilo vaporiso — с мягкими контурами, нежными цветами и золотисто-серебристой световой дымкой. Этот стиль вдохновил множество подражателей. Наряду с религиозными работами он специализировался на жанровой живописи, изображая уличных детей и нищих. Примерами служат «Молодой нищий» (1645, Лувр, Париж) и «Мальчики, едящие виноград и дыню» (1645–1646, Старая пинакотека, Мюнхен). Другая важная ранняя работа — «Кухня ангелов» (1646, Лувр, Париж). С 1660 года, став одним из основателей Севильской академии изящных искусств, он активно преподавал. Примером его позднего творчества является «Непорочное зачатие» (1678, Прадо).

Хуан де Вальдес Леаль

После смерти Мурильо ведущим художником Севильи стал Хуан де Вальдес Леаль (1622–1690). Хотя он, как и Мурильо, был преимущественно религиозным живописцем, его стиль был более драматичным, театральным, жутким и экспрессивным. Его работы отличает яркое ощущение движения и блестящие краски. Во многом он был предтечей романтизма.

Самыми известными его работами являются две аллегории смерти в Госпитале Милосердия в Севилье — «В мгновение ока» (1671) и «Конец мирской славы» (1672). Среди других крупных работ — «Вознесение Девы Марии» (1659, Национальная галерея искусств, Вашингтон) и «Христос, несущий крест» (1660, Испанское общество Америки, Нью-Йорк). В последние годы жизни Вальдес Леаль создал многочисленные циклы картин для церквей и монастырей, включая серию сцен из жизни святого Игнатия (1674–1676) для иезуитов.

Позднее барокко в Мадриде

В XVII веке живопись барокко в Мадриде развивалась под влиянием Веласкеса и многогранного скульптора, художника и архитектора Алонсо Кано (1601–1667), прозванного «испанским Микеланджело». (См. также скульптор Хуан Мартинес Монтаньес, 1568–1649).

Среди других интересных представителей мадридского барокко можно назвать монументалиста фра Хуана Риччи (1600–1681), сына художника болонской школы, приехавшего в Испанию для работы над украшением Эскориала, и Антонио де Переду (1611–1678), создателя элегантных религиозных и аллегорических картин. Более высокого качества были работы портретиста Хуана Карреньо де Миранды (1614–1685), официального художника Карла II. Его ученик Матео Сересо (1637–1666) был особенно талантливым колористом, как и Хосе Антолинес (1635–1675).

Произведения испанского барокко можно увидеть в некоторых лучших художественных музеях мира. Подробную информацию о европейских коллекциях, содержащих значительные собрания испанской живописи XVII века, см: Художественные музеи Европы. Коллекции современного и новейшего испанского искусства см. в: Центр искусств королевы Софии в Мадриде.