Как понимать картины

Живопись – это изобразительное искусство, а значит, величайшие картины обычно имеют наибольшее визуальное воздействие, а самые популярные направления живописи – это, как правило, те, которые легче всего воспринимаются глазом. Но это не означает, что живопись тривиальна или поверхностна; напротив, многие картины могут быть чрезвычайно сложными. Такая сложность обусловлена художественными приёмами, использованными при написании картины (colorito), и/или её повествовательным содержанием и сообщением (disegno).

Используемые живописные приёмы могут сильно различаться. Ян ван Эйк прославился виртуозной техникой масляной живописи, позволяющей добиться характерного свечения; Мантенья и Тьеполо – ракурсами; Леонардо – sfumato; Микеланджело – техникой фресковой живописи, анатомическим мастерством и мужскими обнажёнными телами; Тициан, Веронезе, Матисс и Явленский – за колористику; Караваджо – за тенебризм; Рембрандт – за кьяроскуро; Мазаччо, Рафаэль и Каналетто – за линейную перспективу; Дега – за рисунки пастелью; Жорж Сёра и Поль Синьяк – за пуантилизм; Франк Ауэрбах – за импасто. Все эти и многие другие техники являются важными элементами, которые могут быть использованы для увеличения сложности и глубины картины. Поэтому для того, чтобы оценить картину, необходимо проанализировать наличие этих элементов и их влияние.

Цвет всегда был важным элементом, и его использование часто подчинялось определённым правилам. Например, египетские художники использовали только шесть цветов: красный, зелёный, синий, жёлтый, белый и чёрный. Красный цвет был цветом силы и власти. Зелёный символизировал новую жизнь и плодородие. Синий символизировал возрождение, а жёлтый – вечное, например, качества солнца и золота. Белый цвет символизировал чистоту, а чёрный – смерть.

Мужские тела всегда окрашивались в более тёмные цвета, чем женские. Понимание этих цветовых правил очень важно для понимания египетской живописи. Византийские иконописцы придерживались аналогичных правил в использовании цвета. Синий цвет отводился для человеческой жизни, белый – для воскресения и преображения Христа. Если проанализировать иконы Христа и Девы Марии, то можно заметить, что Иисус обычно одет в красную нижнюю одежду с синей верхней одеждой (Бог становится человеком), а Мария – в синюю нижнюю одежду с красной верхней одеждой (она начинала как человек, но становится ближе к Богу).

После эпохи Возрождения зарождающиеся европейские художественные академии установили правила, ограничивающие использование ярких цветов, за исключением случаев, когда это было уместно по контексту. По этому поводу возникло несколько споров, в которых такие колористы, как Рубенс (а позднее Делакруа), выступали против Пуссена (а затем Энгра). Только с приходом французских импрессионистов и фовистов цвет стал свободно использоваться как самостоятельный элемент. Конечно, разработка новых красящих пигментов время от времени оказывала существенное влияние на тональный диапазон, доступный художникам. Так, цвета на палитре эпохи Возрождения выглядели совсем иначе, чем на палитре XIX века.

Повествовательное содержание картины включает в себя, по крайней мере, четыре основных типа содержания:
основное сообщение.
Вспомогательные сообщения.
Символика.
Отсылки и аналогии. Все эти элементы требуют интерпретации и анализа, прежде чем мы сможем по-настоящему оценить картину.

«Сад земных наслаждений» (1500-05) Иеронима Босха, одна из величайших картин эпохи Возрождения, может служить иллюстрацией к этим элементам повествования.
Основная идея триптиха заключается в том, что человечество по своей природе греховно и должно следовать слову Божьему, чтобы избежать адского огня и проклятия.
Вспомогательные идеи включают:
Предоставленные сами себе, мужчины и женщины поддаются искушениям плоти (иллюстрация – вся центральная панель триптиха).
Наслаждение хрупко, как стекло (иллюстрация – пара влюблённых в стеклянном пузыре).
Обжоры, тщеславные люди и другие смертные грешники будут наказаны в будущем (иллюстрация на правой панели).
Босх использует символику на протяжении всего произведения. В «Райском саду» (левая панель) длинноносая фигура, читающая книгу, символизирует зло. В «Саду наслаждений» (центральная панель) фрукты, например, являются символом физического соблазна, поэтому срывание фруктов – метафора соблазна, а кожура, которая так восхищает влюблённых, символизирует никчемность.
Ссылки изобилуют. Например, в «Аду» он изображает человека, в полом туловище которого находится нечто вроде адской таверны, посещаемой отдыхающими «дьяволами». Два огромных уха пронзены стрелой и отрезаны лезвием ножа. Этот объект символизирует глухоту человека к увещеванию из Нового Завета: “Имеющий уши, да услышит”.

Другие размышления и рекомендации по прочтению картин см: Оценка искусства: Как понимать искусство.

Иератические стили живописи, такие как византийское искусство (ок. 500-1430 гг.) – в частности, его иконы, западная готика (ок. 1150-1375 гг.) и её высшее проявление интернациональная готика (ок. 1375-1450 гг.), как правило, были наполнены повествовательным символизмом. Однако, поскольку большинство этих стилей связано с христианским искусством, используемая символика подчинялась строгим условностям, что значительно облегчало её расшифровку.

Алтарное искусство эпохи Возрождения (1400-1600 гг.), как и фантастические образы нидерландских художников, таких как Иероним Босх и Питер Брейгель Старший, зачастую представляли собой более сложный для интерпретации тип живописи. Высокое Возрождение с его публичными произведениями Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэля (1483-1520) стало, пожалуй, зенитом подобной эстетики.

Для сравнения, живопись барокко была (в целом) менее сложной, поскольку в значительной степени была ориентирована на передачу идей католической Контрреформации с целью преодоления привлекательности протестантизма. Лучшими произведениями барокко были потолочные фрески с тромпами и масштабные религиозные произведения. Большим исключением было голландское барокко, в частности, реалистическая школа, натюрморты которой были наполнены загадочными образами.

Биографии профессиональных критиков, таких как Джон Рёскин и другие, см: Художественная критика: Критика изобразительного искусства (с 1750 г. по настоящее время).

Голландский реализм (ок. 1630-90): Сложные для восприятия картины

В период (1600-90 гг.) в протестантских голландских провинциях возникло несколько исключительных школ голландского реализма, в том числе в Амстердаме, Харлеме, Дордрехте, Лейдене, Делфте и Утрехте. Этот подъем голландской живописи XVII века был отчасти обусловлен ростом коммерческого благосостояния фламандских и голландских портов и появлением нового типа покупателя голландского искусства – меркантильного купца. Как бы то ни было, голландское реалистическое направление создало одни из самых великих жанровых картин, а также одни из самых тщательных и сложных натюрмортов, многие из которых чрезвычайно трудно анализировать и интерпретировать.

В качестве примера можно привести следующие работы голландских художников-реалистов: Девушка в красной шляпе (1665-6), Мастерская художника (1665-6) и Письмо (1668) Яна Вермеера; Ночной дозор (1642), Вирсавия (1654) и Синдикат гильдии суконщиков (De Staalmeesters) (1662) Рембрандта; Натюрморт с китайским фарфоровым кувшином (1662) и Натюрморт с чашкой наутилуса (1662) работы Виллема Кальфа; Стол с десертами (1640) и Фестон из фруктов и цветов (ок. 1660) Яна Давидса де Хима; Вид в коридоре (1662) Самуэля ван Хоогстратена и многие другие.

Упадок религиозной живописи (1700 и далее)

Именно в последние годы эпохи барокко религиозное искусство впервые пережило значительный спад, связанный с сокращением числа церковных меценатов. На их месте вырос новый класс индивидуальных, часто светских меценатов. Более того, эти новые покупатели, принадлежавшие, как правило, к формирующимся профессиональным и средним классам, стремились к новому типу искусства.

Вместо масштабных произведений, предназначенных для больших общественных зданий (церквей, институтов и т.д.), им нужны были небольшие переносные станковые картины, которые можно было бы повесить у себя дома. Кроме того, за некоторыми исключениями, эти покупатели из среднего класса не интересовались сложными религиозными картинами, такими как, например, «Тайная вечеря» Леонардо (1495-1498), или аллегорическими произведениями, такими как «Примавера» Боттичелли (1478). Вместо этого им нужны были портреты, пейзажи или жанровые картины, демонстрирующие их богатство, статус и мирскую власть.

Другими словами, с этого момента (ок. 1700 г.) всё большая часть произведений изобразительного искусства была относительно материалистична (с меньшим количеством арканических ссылок) и, следовательно, легче поддавалась анализу и интерпретации.

Интерпретация различных типов живописи (с 1700 г.)

С точки зрения анализа и интерпретации живопись, начиная с 1700 г., лучше всего разделить на типы (жанры). Основными типами являются:
Историческая живопись.
Портретное искусство – индивидуальные, групповые или автопортреты.
Жанровая живопись (изображения любых бытовых сцен, сцен из жизни людей).
Пейзажная живопись.
Натюрморт.

Историческая живопись: Наиболее трудные для восприятия и интерпретации

В эту категорию входят все «повествовательные произведения», такие как мифологическая живопись, а также исторические и религиозные картины. Как правило, это наиболее сложный для интерпретации тип картин, поскольку они призваны передать вдохновляющее или философское послание. Однако с 1700 г. как популярность, так и количество их значительно снизились.

Примеры включают: Смерть Марата (1793) Жака-Луи Давида, Третье мая 1808 года Франсиско Гойи, Орфей (1865) Гюстава Моро, Утро казни стрельцов (1881) Василия Сурикова, «Крестный ход в Курской губернии» (1883) Ильи Репина, «Леди Шалотт» (1888) Джона Уильяма Уотерхауса, «Жёлтый Христос» (1889) Поля Гогена, «Герника» (1937) Пабло Пикассо.

Портретная живопись: Лёгкие для оценки и анализа

Эта категория менее сложна и относительно легко поддаётся анализу. Для дворян, господ и богатых людей в период примерно 1700-1900 гг. портрет выполнял функцию современной фотографии, за исключением того, что художник мог манипулировать изображением, чтобы оптимизировать внешность, статус и власть.

Более поздние портреты, как правило, более экспрессивны и, следовательно, более интересны для интерпретации. Современные примеры включают: «Аранжировка в сером и чёрном: Портрет матери художника» (1871) Джеймса Уистлера, Портрет мадам Икс (1883-4) Джона Сингера Сарджента, Портрет Исаака Левитана (1893) Валентина Серова, Портрет журналистки Сильвии фон Харден (1926) Отто Дикса, Портрет Доры Маар (1942) Пабло Пикассо, Мэрилин (1967) Энди Уорхола, Мистер и миссис Кларк (1970) Дэвида Хокни. [Примечание: мощный портрет Уинстона Черчилля, написанный Грэмом Сазерлендом, был признан семьёй Черчилля неприемлемым и уничтожен].

Жанровая живопись: Иногда сложные для прочтения и оценки

Эта категория картин, как правило, наиболее проста для анализа, когда художник сосредоточен на социальной истории сюжета. К этому типу жанровой живописи относятся такие работы, как: День Дерби (1856-8 гг.) Уильяма Пауэлла Фрита, Человек с мотыгой (1862 г.) Жана-Франсуа Милле, Карета третьего класса (1864 г.) Оноре Домье, Баржи на Волге (1870-3) Ильи Репина, Парижская улица в дождливый день (1877) Гюстава Кайлеботта, Обед в лодке (1881) Пьера Огюста Ренуара, Кафе Терраса ночью (1888) Ван Гога, «В Мулен Руж» (1890) Тулуз-Лотрека, «Загородная трактир, Бранненбург, Бавария» (1894) Макса Либермана, «Иду с мельницы» (1930) Л. S. Lowry.

Однако в тех случаях, когда художник использует жанровую картину как средство выражения философской идеи, её интерпретация может быть более проблематичной. К этой категории относятся многие городские жанровые работы Эдварда Хоппера, в частности «Ночные ястребы» (1942); ещё один художник-жанрист, чьи картины трудно прочесть, – польский художник Бальтус (Бальтазар Клоссовски де Рола). К сложным жанровым картинам относятся: «Авиньонские девицы» (1907) Пикассо, «Сцена на берлинской улице» (1913) Эрнста Людвига Кирхнера, «Эннуи» (1914) Вальтера Зикерта, Сутенёр с проститутками (1922) Отто Дикса, Американская готика (1930) Гранта Вуда, Мир Кристины (1948) Эндрю Уайета, Больший всплеск (1967) Дэвида Хокни. О некоторых великих современных жанровых картинах см: Анализ современной живописи (1800-2000).

Пейзажная живопись: Обычно легко оценить и интерпретировать

В 1700-1800 гг. большинство заказанных пейзажных картин были топографическими и финансировались землевладельцами, которые хотели получить живописное описание своих владений: своего рода портрет земли, например «Мистер и миссис Эндрюс» (1750) Томаса Гейнсборо. Этот тип пейзажа часто совершенно скучен и не требует интерпретации.

В конце XVIII века движение романтизма вызвало всплеск натурализма, когда художники выезжали на природу, чтобы запечатлеть её. В 1840-х годах этот вид пленэрной живописи был упрощён благодаря изобретению складного металлического тюбика с краской. К этой категории относятся такие представители импрессионизма, как Клод Моне, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и другие, а также великие русские пейзажисты XIX века – Иван Шишкин и Исаак Левитан. В их картинах много живописных особенностей, требующих анализа, но мало самостоятельного «смысла», поэтому они, как правило, легко читаются.

Наконец, к пейзажу относятся и живописные полотна с философским смыслом. Они требуют более глубокой интерпретации. Примерами могут служить: «Ганнибал и его армия переходят Альпы» (1812) Дж. М. Тёрнера, «Последний из могикан» (серия) (1826) Томаса Коула, «Мужчина и женщина смотрят на луну» (1830-5) Каспара Давида Фридриха, «Великий день его гнева» (1853) Джона Мартина, Остров мёртвых (1880) Арнольда Боклина, Дорога во Владимирку (1892) Исаака Левитана, Пшеничное поле с воронами (1890) Ван Гога и Нигредо (1984) Ансельма Кифера.

Картины-натюрморты: Сложные для интерпретации и оценки

Эти картины могут показаться слишком статичными, но многие из них наполнены символизмом в соответствии с традициями, заложенными ещё в XVII веке. В результате натюрморты могут быть исключительно сложными для восприятия. К выдающимся современным художникам-натюрмортникам относятся Поль Сезанн (Натюрморт с пластиковым купидоном, 1895), Жорж Брак (Натюрморт на столе, 1914), итальянский художник Джорджо Моранди (Натюрморт, 1960).

Как понимать абстрактную живопись

Основная предпосылка абстрактного искусства заключается в том, что формальные качества картины так же важны, как и её изобразительные качества. Например: картина может содержать очень плохой рисунок женской головы, но если (скажем) её цвета прекрасны, мы, тем не менее, можем считать её прекрасной. Это иллюстрирует, как формальное качество (цвет) может преобладать над изобразительным (рисунок). И наоборот, фотореалистический портрет той же женщины может точно передать её лицо, но гиперреалистическая цветовая гамма и общая композиция могут сделать картину безжизненной и скучной. Сравните, например, разные подходы к портрету Люциана Фрейда и Алексея фон Явленского.

Таким образом, абстрактная живопись – это форма, и для её интерпретации необходимо изучить её формальные качества: формы, цвета, фактуры и их взаимоотношения. Являются ли используемые формы натуралистичными (Жан Арп, Жоан Миро), геометрическими (Пит Мондриан) или монументальными (Шон Скалли)? Каков эффект от используемых цветов? (Ротко, Барнетт Ньюман) Уделил ли художник особое внимание фактуре поверхности картины? Как все эти элементы сочетаются между собой? И т.д.

Примечание: Дополнительные советы и рекомендации по прочтению картины см: Оценка искусства: Как понимать искусство.

Как понимать картины читать ~12 мин.