Ювелирное искусство читать ~29 мин.

Ювелирное дело, которое относится к декоративному искусству, — это одна из древнейших форм работы с драгоценными металлами. Существует множество различных видов ювелирных изделий: короны, диадемы, ожерелья, серьги, амулеты, браслеты, кольца, шпильки, броши, торки, цепочки, заколки для галстуков, шляп и волос, пряжки для ремней и обуви, а также браслеты для лодыжек и кольца для пальцев ног.

Ювелирные изделия создаются ювелирами и другими мастерами: серебряниками, геммологами, огранщиками алмазов и гранильщиками. Они ценятся как за свою эстетику, так и за стоимость материалов, которые обычно включают золото или серебро, а также различные драгоценные и полудрагоценные камни.

Декоративные украшения впервые появились ещё в доисторические времена, что подтверждается наскальными рисунками с изображениями людей в ожерельях и браслетах, и с тех пор стали неотъемлемым элементом большинства культур. Украшения были важной частью египетского искусства и кочевой кельтской культуры. Они также занимали заметное место в византийском искусстве средневекового Киева, в африканском искусстве, в океаническом искусстве народов Тихого океана и в культурах ацтеков и инков в Америке.

На протяжении тысячелетий украшения, наряду с росписью тела и лица, были фундаментальным элементом племенного искусства. Драгоценности также использовались для украшения оружия, церемониальных и религиозных предметов. В эпоху современного искусства такие направления, как модерн и более поздний ар-деко, вдохновили на создание новых линеек декоративных украшений. Ряд известных художников, включая Пабло Пикассо, скульптора Александра Колдера, сюрреалистов Мерет Оппенгейм и Сальвадора Дали, а также художницу-ассамбляжистку Луизу Невельсон, пробовали себя в ювелирном дизайне. Среди самых известных ювелиров — российский мастер Карл Фаберже, нью-йоркская компания Tiffany & Co, а также парижские ювелиры Рене Лалик и Луи-Франсуа Картье.

Ювелирные материалы

Ювелирное дело — один из самых дорогих видов искусства. Основные материалы включают листовой металл, металлическое литьё и проволоку. Самым распространённым металлом является золото, которое ценится за его ковкость, пластичность, цвет и стоимость. Золотым листам можно придавать форму тиснением, прессованием или прокалыванием, а золотая проволока часто используется для соединения элементов украшений или изготовления цепочек. Менее дорогие драгоценные металлы, используемые в ювелирном деле, — это серебро и платина, а также сплавы, такие как бронза, и недрагоценные металлы, например, медь и сталь.

Кроме металлов, в ювелирном искусстве используются драгоценные и полудрагоценные камни. Бриллианты традиционно считаются самыми ценными драгоценными камнями, их цвет варьируется от жёлтого до голубовато-белого. Другие драгоценные камни — это рубин (красный), изумруд (зелёный) и сапфир (синий), а также менее дорогие хризоберилл (жёлтый или зелёный), топаз (жёлтый или синий) и циркон (коричневый или прозрачный).

Жемчуг, хотя и имеет животное, а не минеральное происхождение, также считается драгоценным камнем. Популярные полудрагоценные камни, используемые ювелирами: аметист (фиолетовый, пурпурный), гранат (тёмно-красный), опал (молочно-белый), аквамарин (голубовато-зелёный), нефрит (зелёный), лазурит (синий) и малахит (ярко-зелёный).

Ещё один важный материал, используемый для создания покрытий, — эмаль, представляющая собой плавленое стекло.

Все эти компоненты обрабатываются с помощью специальных инструментов и техник для придания им желаемой формы.

Ювелирные техники

Наиболее распространённые техники обработки металла, используемые ювелирами, серебряниками и гранильщиками, включают литьё, резку, сварку или пайку, а также холодное соединение (использование скоб и заклёпок для сборки деталей). К более сложным декоративным техникам относятся тиснение, чеканка, гравировка, эмалирование (например, шамплеве, клуазоне, бас-тай и плик-а-жур), а также грануляция и филигрань.

В камнерезном деле драгоценные камни могут быть огранены для создания резных узоров или инталий. Из разноцветных камней, таких как оникс или агат, могут изготавливаться камеи.

Тиснение

Это процесс создания рельефных или углублённых рисунков на листе металла. Одним из популярных видов тиснения является репуссе — техника, при которой податливому металлическому листу придают форму ударами молотка с обратной стороны, чтобы создать выпуклый рельеф. Другая родственная техника — чеканка. Она противоположна репуссе: если репуссе создаёт рельефный рисунок на лицевой стороне, работая с изнанкой, то чеканка формирует узор на лицевой стороне листа путём вдавливания металла.

Эмалирование

Традиционная техника эмалирования, восходящая к позднеримскому и ранневизантийскому искусству, предполагает покрытие металла стекловидной эмалью (фарфоровой). Этот материал изготавливается из расплавленного стекла, которое после застывания образует гладкое и прочное покрытие. Эмаль может быть прозрачной, непрозрачной или полупрозрачной. Для получения широкого спектра цветов и оттенков в расплавленное стекло добавляют различные минералы, например, оксиды металлов — кобальта, железа, празеодима и других.

Шамплеве

Названная в честь французского слова, означающего «поднятое поле», техника эмалирования шамплеве — это древний метод, позволяющий придать цвет и блеск металлическим украшениям. В поверхности металлического предмета создаются углубления, которые заполняются стекловидной эмалью и обжигаются. После остывания поверхность предмета полируется для придания дополнительного блеска. Этот метод активно использовали ювелиры романской эпохи для украшения дощечек, шкатулок и сосудов, ярким примером чего является Триптих Ставелота.

Перегородчатая эмаль

Более сложная, чем шамплеве, перегородчатая эмаль (клуазоне) — это ещё один вид эмалирования. Если при технике шамплеве создаются углублённые ячейки для эмали, то при клуазоне на поверхность металлического предмета напаиваются тонкие металлические полоски (например, из серебряной или золотой проволоки), образуя мини-отделения (cloisons по-французски). Эти отделения затем заполняются эмалью и обжигаются.

Бас-тай (Basse-Taille)

Этот метод работы с эмалью похож на клуазоне, но на дне «отсеков» гравируется низкорельефный рисунок. Затем отсеки заполняются полупрозрачной эмалью, сквозь которую виден узор. Прекрасным примером этой техники является французский Королевский золотой кубок (XIV век), изготовленный в эпоху интернациональной готики.

Плик-а-жур (Plique-à-jour)

Эта ювелирная техника также похожа на перегородчатую эмаль, но у созданных отделений нет подложки (временная подложка удаляется после остывания эмали). Это позволяет свету проникать сквозь прозрачную эмаль, создавая эффект, похожий на витраж. Плик-а-жур — чрезвычайно сложная и трудоёмкая техника с высоким процентом неудач.

Чернь (Niello)

Изобретённая египтянами и использованная римлянами, чернь — это декоративная техника, в которой чёрная смесь серы, меди, серебра или свинца служит инкрустацией для узоров, выгравированных на поверхности металлического предмета (обычно серебряного). Предметы, украшенные таким образом, известны как ниелло. Эта техника достигла своего расцвета в искусстве Раннего Возрождения благодаря флорентийскому ювелиру Мазо Финигуэрре (1426–1464).

История ювелирного дела
См. также История искусства

Ранняя история

Хотя первые ювелирные изделия появились ещё во времена палеолита, древнейшие сохранившиеся образцы были найдены в царской гробнице царицы Пу-аби в Уре (Шумер) и датируются третьим тысячелетием до нашей эры. (См. также: Месопотамское искусство и Месопотамская скульптура)

Среди других ранних произведений выделяются изделия из гробницы фараона Тутанхамона (ок. 1320 г. до н.э.). Украшения были важным элементом минойской культуры и более позднего греческого искусства. Влияние и стили греков проникали во всё восточное Средиземноморье, особенно в эпоху эллинистической культуры, вдохновляя ювелирный дизайн в этрусском искусстве (на территории современной Италии) и в регионе Чёрного моря. На эллинистических художников, достигших мастерства в миниатюре, в свою очередь повлияло древнеперсидское искусство после поражения императора Дария III от Александра Македонского.

По мере ослабления политической власти Греции (300–200 гг. до н.э.) из центральной Европы во Францию, Италию и на территорию современной России начала проникать кельтская латенская культура, в частности её предметы личного убранства.

Во времена Pax Romana (римского мира) использование драгоценностей стало более распространённым, так как Рим превратился в центр ювелирного мастерства. В римских провинциях Западной Европы произошло возрождение кельтского ремесла, примерами которого являются корона Петри (II – I вв. до н.э.), созданная методом репуссе, и изысканное золотое ожерелье из Бройтера (торк), созданное в I веке до н.э.

Кельтское искусство обычно относится к произведениям древних кельтов, созданным в период гальштатской (ок. 800–450 гг. до н.э.) или латенской культуры (ок. 450–50 гг. до н.э.). Более позднее кельтское искусство обработки металла относится к категории «островного искусства» раннесредневековой Британии и Ирландии. Ярким примером этого периода является брошь из Тары (VIII в.) — позолоченное серебро с филигранью, украшенное сложным кельтским переплетением. Другие произведения этой гиберно-саксонской эпохи включают церковные иллюминированные рукописи, а также такие сокровища, как пряжка пояса из Саттон-Ху (VII в.), которая отличается родством с кельтскими узорами. (См. также: Кельтское ювелирное искусство). Примеры средневековых иллюминированных рукописей, требующих ювелирного орнамента: Романские иллюминированные рукописи (1000–1150) и Готические иллюминированные рукописи (1150–1350).

В Тёмные века в Европе производилось очень мало ювелирных изделий, за исключением тех, что создавались в Византийской империи (ок. 500–1450) с центром в Константинополе. В отличие от римлян и таких племён, как кельты и франки, византийские мастера использовали сусальное золото, а не массивное, и уделяли больше внимания камням и драгоценным самоцветам.

На Руси в период примерно с 950 по 1237 год ювелирное дело, в частности искусство перегородчатой эмали и черни, было поднято на новую высоту благодаря византийским мастерам. Большую коллекцию ювелирных изделий и других драгоценных предметов этого периода можно увидеть в музеях Московского Кремля.

Другой влиятельной региональной школой романского периода была мозанская школа искусства, возникшая в долине реки Мёз (современная Бельгия) в XI – XIII веках. Мозанские ювелиры из епископства Льеж, такие как Николай Верденский (ок. 1156–1232) и Годфруа де Клер (ок. 1100–1173), демонстрировали виртуозное мастерство эмалирования, включая техники шамплеве и клуазоне.

К эпохе итальянского Возрождения ювелирное дело в Европе приобрело статус высокого искусства.

Италия: Возрождение (ок. 1400–1600)

Богатство идей, которое искусство Возрождения принесло в Европу в конце кватроченто (XV век) и начале чинквеченто (XVI век), оказало глубокое влияние на ювелирное искусство. Новая эстетика пришла из Италии, где зародился интерес к античности. Это нашло точное отражение в драгоценностях того периода. Мастерские (botteghe) ювелиров были школами, где обучались некоторые из величайших художников Возрождения, что объясняет красоту и качество производимых украшений.

Лоренцо Гиберти (1378–1455) начал свою карьеру как ювелир; за ним последовали Сандро Боттичелли (1445–1510), Антонио дель Поллайоло (1432–1498), Лука Делла Роббиа (1400–1482) и Андреа дель Верроккьо (1435–1488), все они также обучались ювелирному делу. В Германии Альбрехт Дюрер (1471–1528) был сыном ювелира. Благодаря этому в портретном искусстве того времени драгоценности изображались с большой тщательностью и пониманием.

Мода стремительно распространялась из Италии по всей Европе, и за несколько лет основные виды украшений полностью изменились. Нимфы, сатиры и олимпийские богини с их языческой соблазнительностью «проникли» во дворы и особняки знати.

Важное место в этой бурной деятельности занимали гравированные эскизы. Такие художники, как Ганс Гольбейн Младший (1497–1543), и архитекторы уровня Жака Андруэ дю Серсо не гнушались создавать проекты ювелирных изделий. Их примеру последовали и другие художники-орнаменталисты, некоторые из которых также были ювелирами. Рисунки Вергилия Солиса (Нюрнберг, ок. 1540), Ганса Милиха (Мюнхен, ок. 1570), Этьена Делона (Франция, ок. 1560) и Эразма Хорника (Нюрнберг, 1562) свидетельствуют о существовании так называемого интернационального стиля. Действительно, между украшениями этого периода наблюдается такое сильное сходство, что порой почти невозможно точно определить их происхождение. Задача усложняется, когда речь заходит об идентификации создавшего их ювелира.

В документах того времени упоминаются многие ювелиры, но в большинстве случаев для нас это просто имена. В этом контексте следует отметить, что ни одно ювелирное изделие не может быть с уверенностью идентифицировано как работа Бенвенуто Челлини (1500–1571), который сегодня считается самым известным ювелиром своего времени. Мы располагаем лишь теми описаниями, которые мастер оставил в своих трудах и автобиографии. Они показывают, что Челлини придавал гораздо большее значение своим работам по миниатюре из золота для алтарей или княжеских столов, чем драгоценностям в строгом смысле этого слова.

Один момент, который чётко прослеживается в дошедших до нас документах, заключается в том, что драгоценные камни играли второстепенную роль по отношению к эмалированному золоту. Кроме того, огранка камней не отличалась большим разнообразием: цветные камни часто имели плоскую или округлую форму (кабошон) и были просто отполированы. Бриллианты обычно гранили в виде пирамидок или плоских табличек. В таком виде они вряд ли могли продемонстрировать тот «огонь», которым славятся.

Среди сохранившихся украшений того времени наиболее многочисленны медальоны (enseignes — тип медальона, который мужчины носили на шляпе) и подвески, которые носили на груди или как центральный элемент цепочек и ожерелий. «Портрет неизвестной дамы» великого венецианского художника Тинторетто (1518–1594) даёт нам представление о том, как их носили.

Для наших современников эти изделия кажутся скорее предметами коллекционирования, чем украшениями для ношения. Тем не менее, они прекрасно сочетались с роскошными платьями, вошедшими в моду при итальянских дворах в XVI веке.

Портрет Элеоноры Толедской, жены Козимо I Медичи, написанный Аньоло Бронзино (1503–1572), демонстрирует вкус, который, будучи строгим для своего времени, сегодня кажется элегантным. На роскошной парче платья парюра (набор драгоценностей для ношения вместе) состоит почти исключительно из жемчуга, который окаймляет прозрачную вуаль на плечах, а две нити очень крупного жемчуга окружают шею и ниспадают на лиф. Эта изысканная, но дорогостоящая простота, похоже, не получила широкого распространения.

Самые разнообразные и поражающие воображение формы можно найти среди подвесок. Часто встречаются подвески, изображающие корабли, а ближе к концу XV века возникла мода на подвески в форме букв алфавита, обычно инициалов их владельца. Эта мода достигла своего апогея в XVI веке. В списке драгоценностей французской короны, составленном во времена Франциска I, упоминается подвеска в форме латинской буквы «А», несомненно, принадлежавшая Анне Бретонской. Генрих VIII также обладал несколькими подвесками такого рода, на которых его инициалы были соединены с инициалами жены. Из-за их сугубо личного характера большинство таких изделий исчезло, но сохранились две подвески, сделанные для Анны Саксонской.

Франция

Во Франции Франциск I в 1530 году официально учредил фонд драгоценностей короны. Они стали неотчуждаемым сокровищем, которое каждый король был обязан передавать своим преемникам в неизменном или дополненном виде. Этот закон, за редкими исключениями, соблюдался вплоть до революции.

Список, составленный по приказу Франциска I, показывает, что коллекция на тот момент была ещё в зачаточном состоянии. Самые красивые экземпляры поступили от первой жены короля, Клод Французской, которая унаследовала их от своей матери, Анны Бретонской. Особо выделяются несколько важных камней, среди них большой рубин под названием «Кот-де-Бретань» — единственный экземпляр, который сегодня можно найти в Лувре, хотя в XVIII веке он был переогранён в форме дракона.

Учреждая драгоценности короны как собственность двора, Франциск I, возможно, руководствовался желанием сохранить сказочное наследие, но нельзя сбрасывать со счетов и экономический фактор. Во времена правления его преемников, особенно в связи с расходами на религиозные войны, некоторые камни служили залогом для получения иностранных займов, в частности из Италии.

Англия

В Англии двор Генриха VIII (правил в 1509–1547 гг.) был не менее роскошным, чем двор Франциска I. Конфискация монастырского имущества обеспечила его огромными землями, а также большим количеством золота и драгоценных камней. Только из усыпальницы святого Томаса Бекета в Кентербери вынесли два сундука с сокровищами, которые с трудом смогли унести шесть или восемь человек.

На большинстве портретов, например, на полотне кисти Ганса Гольбейна, король изображён в роскошном воротнике из кованого золота, украшенном жемчугом и рубинами овальной и квадратной огранки. Его шляпа, рукава и передняя часть дублета украшены огромными рубинами в такой же оправе. Похоже, что лучшие камни из королевских коллекций предназначались для него самого, несмотря на то, что его последующие жёны также получали великолепные парюры.

Это великолепие исчезло, но некоторые сохранившиеся более простые драгоценности того времени демонстрируют значительное разнообразие в дизайне. Примером тому служат помандеры — небольшие ажурные контейнеры, которые носили на поясе и которые предназначались для хранения ароматических веществ. Согласно описи драгоценностей короны, составленной в 1500 году, эти «мускусные шары» были также модны во Франции.

Более того, некоторые парюры почти полностью состояли из полых шариков, содержащих духи в виде пасты или амбру. Эти парфюмерные украшения были в моде и во Франции, но, похоже, зародились ещё в Средние века. Они многое говорят о той эпохе, когда элементарными правилами гигиены часто пренебрегали. Кстати, см: Изучаем миф о «Немытой Европе»

Обложки для книг изготавливались из золота или серебра с византийских времён (см. Изготовление иллюминированных рукописей), но начиная с эпохи Возрождения их стали носить подвешенными к поясу. На одной из таких обложек, слегка потёртой, с одной стороны изображён Медный Змей, а с другой — Суд Соломона. Библейские сюжеты высоко ценились в Англии, хотя их популярность не ограничивалась только этой страной.

Портрет леди Фрэнсис Сидни, написанный во второй половине XVI века, демонстрирует, как далеко могло зайти увлечение роскошью в костюме. Дама держит соболиную шкурку, голова которой украшена драгоценностями. Эразм Хорник из Нюрнберга опубликовал в 1562 году несколько эскизов украшений этого типа, а также несколько образцов богато украшенных ручек для вееров.

Николас Хиллиард (1547–1619), великий мастер миниатюрной портретной живописи, был придворным художником королевы Елизаветы I. Он был искусным потомственным ювелиром, и в его обязанности входила помощь в создании парюр, предназначенных для государыни или подаренных ею. Примером может служить «Драгоценность Хениджа», подаренная сэру Томасу Хениджу в благодарность за его усилия по сбору войск для отражения испанской Армады.

Среди самых роскошных приобретений Елизаветы I были жемчужины Марии Стюарт, королевы Шотландии, купленные по низкой цене после её казни. Их можно увидеть на портрете Елизаветы работы Исаака Оливера, ещё одного из лучших английских художников-миниатюристов.

Император Карл V

Солнце никогда не заходило над владениями Карла V (1500–1558), императора Священной Римской империи, эрцгерцога Австрии, короля Испании и всех её колоний. Эти земли пользовались богатствами Нового Света, а поставки золота и серебра из Америки жадно поглощались Европой. Великие немецкие города, такие как Аугсбург и, ближе к концу века, Прага, славились как центры ювелирного мастерства, о чём свидетельствует опись драгоценностей Клод, жены Франциска I, где упоминается золотой патенотр (вид чёток) «немецкой работы». Тем не менее, стиль этих изделий во многом следовал моде мастерских Флоренции и Венеции.

Императорская корона Австрии, изготовленная в Праге голландским ювелиром Яном Вермейеном, возможно, является вершиной творчества центральноевропейских ювелиров. Она была создана для императора Рудольфа II в 1602 году и по стилю относится к позднему Возрождению. Великолепие изделия подчёркивается крупными камнями, которыми оно украшено, что даёт представление о парюрах, которые когда-то заказывались пышными монархами того времени. Корона увенчана сапфиром, а в центре обода находится большой красный камень, который, вероятно, является гранатом, а не рубином.

Отличительные характеристики можно отнести к целой группе драгоценностей второй половины XVI века: морские чудовища, драконы и сирены, выполненные с использованием крупного жемчуга барочной формы, закреплённого в эмалированном золоте, повторяют рисунки Эразма Хорника, появившиеся в 1562 году.

Эта тема пользовалась заметным успехом. Не все подобные изделия были немецкого производства, но самое известное из них, «Драгоценность Каннинга», является таковым. Резной рубин на корпусе и рубин-подвеска, должно быть, были добавлены, когда драгоценность находилась в Индии, откуда её привёз лорд Каннинг.

Испания была важным центром для ювелиров в XVI веке, поскольку она обогатилась больше других стран благодаря открытию Америки. Медальон, который приписывают испанской мастерской, изображает Святого Георгия и Дракона; по традиции считается, что он принадлежал Генриху VIII. Композиция выполнена в высоком рельефе, покрыта эмалью живых цветов и обрамлена рифлёным золотом.

Хотя строгость костюма была отражением независимого испанского характера, это не мешало принцессам двора следовать некоторым французским модам в драгоценностях. Портрет Елизаветы Валуа, жены Филиппа II, написанный около 1560 года Алонсо Санчесом Коэльо, показывает королеву, украшенную карканом (ожерельем), браслетами, головным убором и поясом, похожими на те, что носила её невестка Елизавета Австрийская, жена Карла IX.

Эпоха короля Людовика XIV (правил в 1643–1715 гг.)

Ювелиры эпохи Возрождения были в основном чеканщиками и эмальерами; даже в самых роскошных драгоценностях камни были закреплены и изолированы золотыми оправами, которые, как правило, занимали центральное место. Примерно в 1610–1620 годах подход к ювелирным изделиям изменился: камень стали ценить за его внутреннюю красоту, а в технике огранки, особенно бриллиантов, произошёл значительный прогресс.

О других формах декоративного искусства во Франции в период правления Людовика XIV, Людовика XV и Людовика XVI см: Декоративное искусство Франции (1640–1792), Французская мебель (1640–1792) и Французские дизайнеры.

Искусство эмалирования не было полностью вытеснено новым, возросшим значением камней. Напротив, оно достигло невиданной степени совершенства.

Эмаль сохранилась как украшение задних стенок ювелирных изделий и, более того, достигла своего триумфа в двух областях, которые, впервые появившись в XVI веке, стали особенно модными в XVII — часы и миниатюрные футляры. У французских часов того времени обратная сторона часто украшена большим сапфиром-кабошоном; крышка могла состоять из другого сапфира, окружённого мелкими камнями, а при открытии взгляду представала внутренняя часть, расписанная цветами, переплетающейся листвой и птицами.

Эта же традиция продолжалась в Мадриде на протяжении всего XVII века. Диего Веласкес около 1650 года изобразил королеву Марианну Австрийскую, племянницу и жену Филиппа IV, в огромных юбках на каркасе, всё ещё модных в Испании, хотя и устаревших во Франции и Англии примерно на двадцать лет. Драгоценностей на ней немного, но они массивные и очень крупные. Они прекрасно сочетаются с её чёрным платьем и пышной, тугой причёской, создавая впечатление величественной строгости и сдержанной элегантности.

В Англии король Карл I отказался от показной роскоши своих предшественников. На портретах кисти Антониса ван Дейка он изображён лишь с одной большой грушевидной жемчужиной в ухе, которую, согласно традиции, он носил и на эшафоте. Позже Мария II подарила её первому графу Портлендскому, чьи потомки владеют этой драгоценностью до сих пор.

Кардинал Мазарини, всесильный первый министр Франции, был заядлым коллекционером живописи, мелкой бронзовой скульптуры, крупной мраморной скульптуры, предметов искусства и драгоценностей. Он собрал замечательную коллекцию бриллиантов, некоторые из которых ранее принадлежали шведской королеве Кристине. Он приобретал их в ходе последовательных сделок, используя средства, собранные зачастую нечестным путём.

На протяжении большей части своего правления Людовик XIV проводил политику демонстрации престижа, и блеск драгоценных камней играл важную роль для монарха, которого любили сравнивать с солнцем. Драгоценности короны, полученные им от предков, постоянно пополнялись. Король последовательно приобрёл бриллиант «Гиз» и великолепный голубой бриллиант, привезённый из Индии путешественником Тавернье. Позже этот камень, известный как «Голубой бриллиант французской короны», был украден во время революции, переогранён и получил название «Надежда» (Hope), а вместе с ним и зловещую репутацию, поскольку многие его последующие владельцы погибли трагической смертью.

Король также приобрёл большой сапфир в 132 карата, хранящийся в Музее естественной истории, и алмаз «Гортензия» в 20 каратов, который находится в Лувре.

У короля было не менее четырёх полных парюр: две из бриллиантов, одна из жемчуга и бриллиантов, и одна для дневного ношения из разноцветных камней. Самая важная из них состояла из ста двадцати трёх пуговиц, трёхсот петель для них, девятнадцати цветочных орнаментов, сорока восьми пуговиц и девяноста шести петель для жилета. К этому, конечно, следует добавить застёжку для шляпы, подвязки, пряжки для обуви, пояс с эфесом, шпагу и крест ордена Святого Духа.

Эта демонстрация великолепия, очевидно, вызывала подражание среди придворных, которые постоянно меняли свои наряды в соответствии с модой. Портреты показывают, что мужские наряды были не менее роскошными, чем женские. Для мужчин главные украшения состояли из драгоценных камней, украшавших длинные, преувеличенные петлицы с бранденбурами (застёжки из витого шнура).

Вскоре бриллиантовые застёжки-«лягушки» и бранденбуры распространились и на женские наряды, украшая лиф и дополняя броши на рукавах и юбке, серьги и единственную нитку жемчуга на шее, настолько крупного, что кажется, будто художники могли намеренно преувеличивать его размер.

Ювелирные изделия XVIII века

С начала XVIII века история ювелирных изделий становится главным образом историей драгоценных камней, из которых они состоят. Красота украшений теперь зависела от выбора камней, их огранки и расположения. Они утратили свой объективный характер, столь очевидный в XVI и, в меньшей степени, в XVII веке, и стали украшением в современном смысле слова — абсолютно необходимым элементом одежды, тесно связанным с изменениями моды. Кроме того, появилось различие между украшениями для дневного и вечернего ношения. Эта идея зародилась в последние годы XVII века на приёмах Людовика XIV, где днём носили украшения с цветными камнями, а вечером — с бриллиантами и жемчугом, которые лучше всего смотрелись при свете люстр.

Эксплуатация рудников Голконды в Индии, а затем и бразильских рудников, привела к появлению на рынке более красивых, крупных, многочисленных и менее дорогих бриллиантов. Около 1700 года венецианец Винченцо Перуцци изобрёл бриллиантовую огранку, что дополнило уже достигнутый прогресс в огранке камней в форме «розы». Отныне искусство ювелира заключалось в том, чтобы оправить драгоценные камни так, чтобы добиться от них максимального эффекта.

Жан Бурже в своей книге эскизов (1712) приводит очень мало рисунков ювелирных изделий, потому что, по его словам, “это бесполезно, так как мода постоянно меняется, и, кроме того, рисунки зависят скорее от количества и размера камней, с которыми приходится работать”.

Орден Золотого руна, сделанный для Людовика XV в 1749 году, является роскошным примером смелого сочетания цветов. Он должен был дополнить парюру из цветных камней, унаследованную королём от Людовика XIV. Сегодня это изделие утрачено и известно только по гравюре.

Имя Марии-Антуанетты навсегда связано с «делом об ожерелье королевы» — ожерелье, которого у неё на самом деле никогда не было. Оно состояло из очень крупных камней, усыпанных фестонами, ниспадающими на грудь. Ювелиры Бёмер и Бессанж получили заказ на его изготовление для мадам дю Барри, но оно не было закончено к моменту смерти Людовика XV. Поэтому его предложили Марии-Антуанетте, которая отказалась от покупки, так как Людовик XVI счёл его слишком дорогим.

Существует много драгоценностей, которые, как утверждается, принадлежали Марии-Антуанетте. Наиболее подлинной её собственностью считается бриллиантовое колье, отправленное королевой в Брюссель в 1791 году и возвращённое её дочерью, герцогиней Ангулемской, в 1798 году. Впоследствии оно принадлежало графу де Шамбору и принцессе Массимо, а позже было продано в Лондоне в 1937 году и вывезено в Индию, где было разобрано.

Очарованные блеском Версаля, большие и малые дворы Германии соревновались друг с другом в великолепии и изысканности. В восхитительных дворцах в стиле рококо, построенных королями, ландграфами и курфюрстами, празднества следовали одно за другим, давая повод для демонстрации парюр, которые едва ли уступали французским королевским драгоценностям. Тщеславие правителей заставляло их придавать большое значение обладанию каким-либо выдающимся камнем, который становился звездой их коллекции и устанавливался в оправу, продиктованную парижской модой.

Однако даже это великолепие было превзойдено всепоглощающей роскошью петербургского двора. Цесаревна Елизавета Петровна около 1750 года заказала застёжку для императорской мантии и три других прекрасных изделия во французском стиле. Для своей коронации в 1762 году Екатерина II заказала Большую императорскую корону у придворного ювелира Жереми Позье. Хотя она не была готова вовремя для самой церемонии, её носили все последующие российские монархи вплоть до Николая II. В 1774 году императрица приобрела у графа Орлова, своего фаворита, великолепный бриллиант, который был вставлен в императорский скипетр и остаётся одним из величайших сокровищ России.

Ювелирные изделия XIX века

Французская революция ознаменовала начало неблагоприятного периода для ювелирного искусства. Новая идеология породила во Франции украшения, соответствующие духу времени, но их качество было настолько посредственным, что, кажется, они и не были рассчитаны на долгое существование.

Для драгоценностей короны последствия оказались трагическими. В 1791 году Людовик XVI поместил их в полном составе в хранилище королевской мебели (ныне Министерство морского флота), где они были заперты. Однако между 11 и 17 сентября 1792 года они были украдены. Грабители проникли в хранилище через окно, не повредив пломбы на дверях, поэтому у них было шесть дней, чтобы скрыться, и пропажа была обнаружена слишком поздно. Это событие породило множество слухов, в том числе о том, что жирондисты с помощью этих драгоценностей заручились поддержкой герцога Брауншвейгского, предводителя вражеских войск, и таким образом выиграли битву при Вальми.

После многочисленных доносов, расследований и долгих поисков большинство камней было найдено. Республика, не привыкшая к церемониям, когда на карту были поставлены её интересы, отправила пятерых злоумышленников на эшафот.

Тем не менее, казна обогатилась за счёт камней, конфискованных у эмигрантов, а также драгоценностей короля Сардинии, которые были отправлены в Голландию в качестве залога по займу и там конфискованы как вражеская собственность.

Кроме церемониальных изделий, повседневные украшения были заметно проще. Вкус к античности вернул моду на камеи; у императрицы Марии-Луизы была целая парюра такого типа. Важность, придававшаяся камеям, подчёркивается парюрой, которую носила королева Неаполя Мария Каролина: на портрете работы Элизабет Виже-Лебрен мы видим, что камеи окружены огромными жемчужинами.

Портреты мадам Ривьер и мадам де Сенонн, выполненные Жаном Огюстом Домиником Энгром, дают довольно точное представление о непритязательных украшениях того времени. Они были чисто декоративными, более или менее эквивалентными современной бижутерии. Берлинские чугунные украшения с медальонами, ажурной чеканкой и неоклассическими сюжетами относятся к той же категории.

Аметисты и топазы, до сих пор игравшие лишь второстепенную роль, внезапно вошли в моду в 1800 году, когда газета «Morning Post» объявила их самыми желанными камнями для ожерелий и серёг. Эта мода, по-видимому, зародилась в Англии, а во Франции распространилась около 1820 года.

Эклектизм, отличительная черта XIX века, вскоре проявился и в ювелирном деле, которое в этот период искало вдохновение в разнообразных источниках прошлого. В целом, первые годы века оставались верны античному стилю, но вскоре появились новшества. К 1820 году возникла сильная тенденция к подражанию природе, которая продлила тенденцию XVIII века, — букеты цветов в украшениях, которые стремились к максимальной реалистичности. Чтобы сделать иллюзию более полной, некоторые веточки крепились на пружинки-«тремблеры» (en tremblant), чтобы они дрожали при малейшем движении. Шедевром в этой области стал «букет сирени», представленный на Всемирной выставке 1867 года и купленный императрицей Евгенией. Примерно в 1840 году появилась мода на «пампиль» — цветы, окружённые россыпью крошечных бриллиантов.

Завоевание Алжира сделало популярными украшения в мавританском стиле, часто с арабскими надписями. Эта мода зародилась во Франции и вскоре распространилась на другие страны, став особенно популярной в период с 1840 по 1860 год. Полотна Эжена Делакруа и менее известных Эжена Фромантена и Феликса Зима гениально отвечали вкусу к восточному, кульминацией которого стали турецкие курительные комнаты, которые крупные отели и даже частные дома стали считать необходимым атрибутом.

Алмаз «Кохинур», принадлежавший Великим Моголам, был очень неуклюже переогранён, и его первоначальный вес был уменьшен с почти 800 до 108 карат. Рубин Тимура, на котором на персидском языке были выгравированы имена его последовательных владельцев (Тамерлана, шаха Персии, императора Джахангира, Надир-шаха и махараджи Ранджита Сингха), был вмонтирован в ожерелье.

Международные выставки, не меньше чем роскошь императорского двора, демонстрировали превосходство парижских ювелиров. Наряду со старыми, уже зарекомендовавшими себя фирмами, такими как Mellerio и Bapst (которая объединилась с Люсьеном Фализом в 1879 году), появились новые, такие как Cartier и Boucheron, с блестящим будущим.

Первые камни из недавно открытых южноафриканских рудников появились на рынке в Париже в 1869 году, обеспечив ювелиров более крупными и обильными алмазами. С тех пор оправы становились всё легче, и идеалом стало сделать их как можно более незаметными. Так укоренилась концепция невидимой оправы (monture invisible), ставшая общепринятой к последней четверти века.

Для достижения этого результата для оправы камней начали использовать новые металлы. С XVII века традиционной оправой было серебро, но с середины XIX века предпочтение стали отдавать золоту, а позже и платине, которая позволяла создавать лёгкие и прочные конструкции.

Самый крупный из известных на сегодняшний день алмазов, «Куллинан», был подарен правительством Трансвааля королю Эдуарду VII. Из него были получены «Звезда Африки I» и «Звезда Африки II», которые сегодня украшают королевский скипетр и корону Британской империи.

Коллекции

Коллекции ювелирных изделий можно увидеть во многих лучших художественных музеях мира, в частности: в Лувре в Париже, Британской королевской коллекции в Лондоне, Музее Виктории и Альберта в Лондоне, Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Музее Метрополитен в Нью-Йорке, Музее изящных искусств в Бостоне, Художественном институте Чикаго и Институте искусств Детройта.