Ювелирное искусство читать ~29 мин.

Считаясь декоративным искусством, ювелирное дело – одна из старейших категорий изделий из драгоценных металлов. Существует множество различных видов ювелирных изделий, включая: короны, диадемы, ожерелья, серьги, амулеты, браслеты, кольца, шпильки, броши, торки, цепочки, заколки для галстуков, заколки для шляп, заколки для волос, пряжки для ремней и обуви, браслеты для лодыжек и кольца для пальцев ног.

Ювелирные изделия изготавливаются ювелирами, а также другими мастерами, такими как серебряники, геммологи, огранщики алмазов и гранильщики, и ценятся как за эстетику, так и за ценность своих компонентов, которые обычно включают золото или серебро, а также различные драгоценные и полудрагоценные камни.

Такие декоративные украшения впервые появились в доисторические времена – что подтверждают наскальные рисунки, на которых изображены фигуры в ожерельях и браслетах, – и с тех пор стали привычным элементом большинства культур на протяжении веков. Являясь важным видом египетского искусства, а также более кочевой кельтской культуры, украшения были характерны для византийского искусства в средневековом Киеве, африканского искусства на всем Тёмном континенте, океанического искусства в Тихом океане и культуры ацтеков и инков в Америке.

Украшения, как и роспись тела и роспись лица, были фундаментальным элементом племенного искусства на протяжении тысячелетий. Драгоценности также использовались для украшения оружия, а также церемониальных и религиозных предметов. В эпоху современного искусства такие направления, как модерн и более поздний ар-деко, вдохновили на создание новых серий декоративных украшений, а ряд известных художников занялись ювелирным дизайном, в том числе: Пикассо, скульптор Александр Колдер, сюрреалисты Мерет Оппенгейм и Сальвадор Дали, а также художница-ассамбляжистка Луиза Невельсон. Среди самых известных ювелиров – российский Фаберже, нью-йоркский Tiffany & Co, парижские Рене Лалик и Картье.

Ювелирные материалы

Это один из самых дорогих видов искусства, основные компоненты ювелирных изделий включают металлический лист, металл, отлитый в форме, и проволоку. Наиболее широко используемым металлом является золото, благодаря его ковкости, пластичности, цвету и стоимости. Золотые листы можно тиснить в форме, прессовать или прокалывать в декоративных формах, а золотая проволока часто используется для соединения драгоценностей между собой или для изготовления цепочек. Менее дорогие драгоценные металлы, используемые в ювелирном деле – серебро и платина, а также сплавы, такие как бронза, и недрагоценные металлы, такие как медь и сталь.

Кроме металлов, в ювелирном искусстве используются драгоценные и полудрагоценные камни. Бриллианты традиционно являются самыми высоко ценимыми драгоценными камнями, их цвет варьируется от жёлтого до голубовато-белого. Другие драгоценные камни – рубин (красный), изумруд (зелёный) и сапфир (синий), а также менее дорогие хризоберилл (жёлтый или зелёный), топаз (жёлтый или синий) и циркон (коричневый или прозрачный).

Жемчуг, хотя и имеет животное происхождение, а не минеральное, также считается драгоценным камнем. Популярные полудрагоценные камни, используемые ювелирами: аметист (фиолетовый, пурпурный), гранат (темно-красный), опал (молочно-белый), аквамарин (голубовато-зелёный), нефрит (зелёный), лазурит (синий), малахит (ярко-зелёный).

Ещё один важный материал, используемый для создания покрытий, – плавленое стекло или эмаль.

Все эти компоненты формируются в желаемую форму с помощью техники, выполняемой с помощью инструментов.

Ювелирные техники

Наиболее распространённые техники обработки металла, используемые ювелирами, серебряниками и гранильщиками для создания ювелирных изделий, включают литье, резку, сварку или пайку, а также холодное соединение (использование скоб и заклёпок для сборки деталей). Более сложные декоративные техники включают тиснение, репу, гравировку, работу с эмалью (такие виды, как шамплеве, клуазоне, basse taille, plique-à-jour), грануляцию и филигранную отделку.

Когда речь идёт о камнерезном деле, драгоценные камни могут быть огранены для создания резных и гравированных узоров на самих камнях, или они могут быть огранены (из разноцветных камней, таких как оникс или агат) для изготовления камеи.

Тиснение

Это процесс, используемый для создания рельефных или утопленных рисунков на листе металла. Одним из популярных видов тиснения является репуссе – техника, при которой податливому металлическому листу придают форму ударами молотка с обратной стороны, чтобы создать рельефный рисунок. Другая родственная техника тиснения известна как чеканка. Эта техника противоположна репуссе, поскольку в то время как репуссе работает на обратной стороне металлического листа для создания рельефного рисунка на лицевой стороне, чеканка используется для создания рисунка на лицевой стороне листа путём продавливания поверхности металла.

Эмалирование

Традиционная техника ювелиров эмалирования, восходящая к позднеримскому и ранневизантийскому искусству, предполагает покрытие металла стекловидной эмалью (фарфоровой), материалом, изготовленным из расплавленного стекла, которое затвердевает, образуя гладкое, прочное покрытие. Эмаль может быть прозрачной, непрозрачной или полупрозрачной, а в расплавленное стекло может быть добавлен широкий спектр различных цветов и оттенков путём смешивания с различными минералами, такими как оксиды металлов – кобальта, железа, неодима, празеодима и других.

Шамплеве

Названная в честь французского слова, означающего «поднятое поле», эмалировка шамплеве – это древняя техника, предназначенная для придания цвета и блеска металлическим украшениям, при которой впадины погружаются в поверхность металлического предмета, заполняются стекловидной эмалью и обжигаются. После остывания поверхность предмета полируется для придания дополнительного блеска. Впервые этот метод был в полной мере использован ювелирами романской эпохи для орнамента дощечек, шкатулок и сосудов, примером чему может служить триптих Ставелота.

Перегородчатая эмаль

Более сложная, чем шамплеве, перегородчатая эмаль – это ещё один вид эмалирования. Если при шамплеве создаются утопленные отделения декоративной эмали, то при перегородчатой эмали на поверхность металлического предмета припаиваются плоские металлические полоски (например серебряная или золотая проволока), создавая мини-отделения (cloisons, по-французски), которые затем заполняются эмалью и обжигаются.

Basse-Taille

Ещё один метод работы с эмалью, он похож на перегородчатую эмаль, за исключением того, что на дне «отсеков» гравируется низкорельефный рисунок. Затем отсеки заполняются полупрозрачной эмалью, сквозь которую виден рисунок. Прекрасным примером этой техники является французский королевский золотой кубок (XIV век), изготовленный в эпоху интернационального готического искусства.

Плик-а-жур

Эта техника ювелирного искусства также похожа на перегородчатую, но созданные отделения не имеют подложки. (Временная подложка удаляется после того, как эмаль остынет после обжига). Это позволяет свету просвечивать сквозь прозрачную эмаль, как в витражах. Plique-à-jour – печально известная сложная и трудоёмкая техника с высоким процентом неудач.

Чернь

Изобретённая египтянами и использованная римлянами, чернь – это декоративная техника, используемая ювелирами и серебряниками, в которой чёрная смесь серы, меди, серебра или свинца выступает в качестве инкрустации для рисунков, выгравированных на поверхности металлического предмета (обычно серебряного). Предметы, украшенные таким образом, известны как ниэли. Эта техника достигла своего зенита в искусстве Раннего Возрождения, в руках флорентийского ювелира Мазо Финигуэрра (1426-1464).

История ювелирного дела
См. также История искусства

Ранняя история

Хотя первые ювелирные изделия появились ещё во времена палеолита, самые древние из сохранившихся образцов – те, что были извлечены из царской гробницы царицы Пу-аби в Уре, в Шумерии, датируемые третьим тысячелетием до нашей эры. (См. также: Месопотамское искусство и Месопотамская скульптура)

Среди других ранних произведений – изделия из гробницы царя Тутанхамона (ок. 1320 г. до н.э.). Украшения были важным элементом минойской культуры и более позднего греческого искусства, чьё влияние и стили проникали во все восточное Средиземноморье – особенно в эпоху эллинистической культуры – вдохновляя ювелирный дизайн в этрусском искусстве (материковая часть современной Италии), а также в регионе Чёрного моря. На эллинистических художников, достигших полного мастерства в миниатюре, в свою очередь повлияло древнеперсидское искусство, после поражения императора Дария от Александра Македонского.

По мере ослабления политической власти Греции (300-200 гг. до н.э.), кельтская латенская культура – в частности, предметы личного украшения – начала проникать из центральной Европы во Францию, Италию и на территорию современной России.

Во время Pax Romana использование драгоценностей стало более распространённым, так как Рим стал центром ювелирных мастерских. В римских провинциях Западной Европы произошло возрождение кельтского ремесла, примером которого является корона Петри, созданная методом репуссе в период 200-100 гг. до н.э., и изысканный золотое ожерелье Бройтера (торк), созданное в I веке до н.э.

Кельтское искусство обычно относится к произведениям древних кельтов, созданным в период гальштатской культуры (ок. 800-450 гг. до н.э.) или латенской культуры (ок. 450-50 гг. до н.э.) Более позднее кельтское искусство обработки металла, включая прекрасную брошь Тара (позолоченное серебро с вязаной серебряной проволокой, украшенной по всей поверхности сложным кельтским переплетением), относится к категории «инсулярного искусства» из раннесредневековой Британии и Ирландии. Другие украшенные бисером произведения искусства этой гиберно-саксонской эпохи включают церковные иллюминированные рукописи, а также такие сокровища, как пряжка пояса из Саттон-Ху, изготовленная в VII веке, которая отмечена своим родством с украшениями и узорами в кельтском стиле. (См. также: Кельтское ювелирное искусство) Другие примеры средневековой иллюминации рукописей, требующей ювелирного орнамента, см: Романские иллюминированные рукописи (1000-1150) и Готические иллюминированные рукописи (1150-1350).

Во времена Тёмных веков в Европе изготавливалось очень мало ювелирных изделий, за исключением тех, что были созданы в эпоху византийского искусства (ок. 500-1450), центром которого был Константинополь. В отличие от римлян и таких племён, как кельты и франки, византийские дизайнеры использовали сусальное золото, а не чистое, и уделяли больше внимания камням и драгоценным камням.

На Руси в период ок. 950-1237 гг. ювелирное дело в целом и перегородчатое и чернёное искусство в частности были подняты византийскими ювелирами на новую высоту. Большую коллекцию ювелирных изделий и других драгоценных предметов можно увидеть в московских музеях, например в Царицыно.

Другой влиятельной региональной школой романской обработки металла была школа мосанского искусства, выросшая в долине реки Мёз в Бельгии в 11, 12 и 13 веках. В центре епископства Льеж мозанские ювелиры, такие как Николай Верденский (ок. 1156-1232) и Годфройд де Клер (ок. 1100-1173), продемонстрировали абсолютное мастерство эмалирования, включая шамплеве, а также клуазоне.

К эпохе итальянского Возрождения ювелирное дело в Европе приобрело статус высокого искусства.

Италия, возрождение (ок. 1400-1600)

Богатство вдохновения, которое искусство Возрождения принесло в Европу в конце кватроченто (15 век) и начале чинквеченто (16 век), оказало глубокое влияние на ювелирное искусство. Новая эстетика пришла из Италии, истинной родины любви к античности. Это точно отражено в драгоценностях того периода; а если вспомнить, что мастерские (botteghe), ювелиров были школами, где обучались некоторые из величайших практиков искусства Возрождения, то легко объяснить красоту и качество производимых драгоценностей.

Лоренцо Гиберти (1380-1455) начал свою карьеру в качестве ювелира ещё до конца XIV века; после него пришли Сандро Боттичелли (1445-1510), Антонио Поллайоло (1432-1598), Лука Делла Роббиа (1400-1482) и Андреа дель Верроккьо (1435-1488), все они обучались как ювелиры. В Германии Альбрехт Дюрер (1471-1528) был сыном ювелира. Таким образом, в портретном искусстве того времени драгоценности изображаются с большой тщательностью, с любовью и пониманием.

Мода распространилась из Италии по Европе с большой скоростью, и в течение нескольких лет основные предметы украшения полностью изменились; нимфы, сатиры и олимпийские богини вторглись в дворы и особняки великих князей со своей языческой соблазнительностью.

Гравированные дощечки занимают важное место среди этой бурной деятельности. Такой художник, как Ганс Гольбейн (1497-1543), и архитектор такого уровня, как Жак Андруэ дю Серсо, не гнушались создавать проекты ювелирных изделий; их примеру последовали и другие художники по орнаменту, некоторые из которых были также ювелирами. Рисунки Вергилия Солиса (ок.1540) из Нюрнбурга, Ганса Милиха (ок.1570) из Мюнхена, Этьена Делона (ок.1560) из Франции, Эразма Хорника (1562) из Нюрнберга свидетельствуют о существовании того, что можно назвать интернациональным стилем, и действительно, между украшениями этого периода существует такое сильное сходство, что иногда почти невозможно точно определить их происхождение. Проблема становится ещё более сложной, когда речь идёт об идентификации ювелира, который их изготовил.

В современных документах упоминаются многие ювелиры, но в большинстве случаев для нас это не более чем имена. В этом контексте следует отметить, что ни одно ювелирное изделие не может быть определённо идентифицировано как работа Бенвенуто Челлини (1500-1571), который сегодня считается самым известным художником своего времени в этой области. Мы располагаем лишь теми описаниями, которые мастер оставил в своих трудах и автобиографии. Они показывают, что Челлини придавал гораздо большее значение своим работам по миниатюре, для алтарей или княжеских столов из золота, чем драгоценностям в строгом смысле этого слова.

Один момент, который чётко выделяется в дошедших до нас документах, заключается в том, что драгоценные камни играли вспомогательную роль по отношению к использованию эмалированного золота. Кроме того, камни не отличаются большим разнообразием в огранке; цветные камни часто имеют плоскую или округлую огранку, без граней и полированную. Бриллианты обычно гранили в виде пирамидок, плоской огранки, или округлой формы. В таком виде они вряд ли могли продемонстрировать огонь, которым славились.

Среди украшений, сохранившихся с этого времени, наиболее многочисленными являются медальоны (enseignes, это тип медальона, который носили мужчины на шляпе) и подвески, которые носили на груди или как центральное украшение цепочек и ожерелий. «Портрет неизвестной женщины» великого венецианского художника Тинторетто (1518-1594) даёт нам некоторое представление о том, как их носили.

Портрет Элеоноры Толедской, жены Козимо Медичи, выполненный Аньоло Бронзино (1503-1572), демонстрирует вкус, который, будучи строгим в своё время, сегодня кажется элегантным. На роскошной парче платья парюра (это набор драгоценностей, предназначенных для ношения вместе) состоит почти исключительно из жемчуга, окаймляющего прозрачную вуаль на плечах, а две нитки очень крупного жемчуга окружают шею и ниспадают по лифу. Эта изысканная, но дорогостоящая простота, похоже, не получила широкого распространения.

Самые разнообразные и поражающие воображение формы можно найти среди подвесок. Часто встречаются подвески, изображающие корабли, а ближе к концу XV века появился вкус к подвескам в форме букв алфавита, обычно инициалов их владельца. Мода достигла своего апогея в XVI веке. В списке драгоценностей французской короны, составленном во времена Франциска I, упоминается подвеска в форме латинской буквы «А», несомненно, принадлежавшая Анне Бретанской. Генрих VIII также обладал несколькими подвесками такого рода, на которых его инициалы были соединены с инициалами жены. Эти изделия, вероятно, из-за их сугубо личного характера, в основном исчезли, но две подвески, сделанные для Анны Саксонской, сохранились.

Франция

Во Франции Франциск I в 1530 году официально учредил список драгоценностей короны, чтобы они стали неотъемлемым сокровищем, которое каждый король был обязан передать своим преемникам в неизменном или дополненном виде; вплоть до революции закон соблюдался лишь за некоторыми редкими исключениями.

Список, составленный по приказу Франциска I, показывает коллекцию, находящуюся ещё в зачаточном состоянии, из которой самые красивые экземпляры поступили от первой жены короля, Клод де Франс, которая получила их от своей матери, Анны Бретанской. Особо выделяются несколько важных камней, среди них большой рубин под названием Кот де Бретань, единственный экземпляр, который сегодня можно найти в Лувре, хотя в XVIII веке он был переделан в виде дракона.

При юридическом учреждении драгоценностей короны в качестве собственности королевского двора, Франциск I, возможно, руководствовался желанием сохранить сказочное наследие, но экономический фактор нельзя сбрасывать со счетов. Во время правления его преемников, в частности, в связи с расходами на религиозные войны, некоторые камни служили гарантией иностранных займов, особенно из Италии.

Англия

В Англии двор Генриха VIII был не менее роскошным, чем двор Франциска I, поскольку конфискация монастырей обеспечила его огромным имуществом, землями и большим количеством золота и драгоценных камней. Только из святилища святого Томаса Бекета вынесли два сундука с сокровищами, которые едва смогли унести шесть или восемь человек.

На большинстве портретов, например, на портрете Ганса Гольбейна, король одет в роскошный воротник из кованого золота, украшенный жемчугом и рубинами – попеременно овальными и квадратными. Его шляпа, рукава и передняя часть дублета с разрезами украшены огромными рубинами в такой же оправе. Самые лучшие камни из королевских коллекций, похоже, хранились для него, несмотря на то, что его последующие жены получали великолепные парюры.

Это великолепие исчезло, но некоторые более простые драгоценности его времени, которые всё ещё сохранились, показывают значительное разнообразие в дизайне. Примером тому служат помандеры, которые носили на поясе и которые предназначались для хранения ароматических веществ. Согласно описи драгоценностей короны, составленной в 1500 году, эти мускусные шары были также модны во Франции.

Более того, некоторые парюры почти полностью состояли из полых шариков, содержащих либо духи в виде пасты, либо амбру. Эти парфюмерные украшения были в моде во Франции, но, похоже, возникли в Средние века. Они многое говорят о той эпохе, когда самыми элементарными правилами гигиены пренебрегали. Кстати, см: Изучаем миф о «Немытой Европе»

Обложки для книг изготавливались из золота или серебра с византийских времён – см. Изготовление иллюминированных рукописей – но начиная с эпохи Возрождения их вешают на талию; на одной из них, слегка потёртой, на одной стороне изображён Медный Змей, а на обратной – Суд Соломона. Библейские сюжеты очень ценились в Англии, хотя они не ограничивались только этой страной.

Портрет леди Фрэнсис Сидни, написанный во второй половине века, демонстрирует, как далеко можно зайти в изучении костюма. Фигура держит соболя, голова которого украшена драгоценностями. Эразм Хорник из Нюрнберга опубликовал в 1562 году несколько образцов украшений этого типа и несколько образцов богато украшенных ручек веера.

Среди самых роскошных приобретений Елизаветы I были жемчужины Марии, королевы Шотландии, приобретённые по дешёвке после смерти последней, которые можно увидеть на портрете Елизаветы работы Исаака Оливера, ещё одного из лучших английских художников-миниатюристов.

Император Карл V

Солнце никогда не заходило над владениями Карла V, императора Германии, эрцгерцога Австрии, короля Испании и всех её колоний; эти земли пользовались богатством Нового Света, поставками золота и серебра из Индии, которые жадно поглощала Европа. Великие немецкие города, такие как Аугсбург и, ближе к концу века, Прага, пользовались приятной репутацией центров золотых дел мастеров, как мы можем видеть из списка драгоценностей, принадлежавших Клод, жене Франциска I, где упоминается золотой патенотр «немецкой работы». Тем не менее, стиль этих изделий принадлежит мастерским Флоренции и Венеции.

Императорская корона, изготовленная в Праге голландским ювелиром Яном Вермейеном, возможно, является вершиной работы центральноевропейских ювелиров. Она была изготовлена для Рудольфа II в 1602 году и по стилю относится к позднему Возрождению. Великолепие изделия подчёркивается важностью камней, которыми оно украшено, что даёт представление о парюрах, которые сейчас исчезли, но когда-то заказывались пышными государями того времени. Корона увенчана сапфиром, а в центре ободка находится большой красный камень, который скорее похож на гранат, чем на рубин.

Чётко различимые характеристики можно отнести к целой группе драгоценностей, датируемых второй половиной XVI века; морские чудовища, драконы и сирены, выполненные с использованием крупного барочного жемчуга, закреплённого в эмалированном золоте, повторяют рисунок Эразма Хорника, появившийся в 1562 году.

Тема пользовалась заметным успехом. Не все они немецкого производства, но самый известный из них, драгоценный камень Каннинга, является таковым. Резной рубин на корпусе и рубин на подвеске, должно быть, были добавлены, когда драгоценность находилась в Индии, откуда её привёз лорд Каннинг.

Испания была важным центром для ювелиров в XVI веке, поскольку она обогатилась больше других стран благодаря открытию Америки. Медальон, который можно отнести к испанской мастерской, изображает Святого Георгия и Дракона; по традиции считается, что он принадлежал Генриху VIII, и является одним из группы изделий с такими же характеристиками. Композиция выполнена в глубоком рельефе, покрыта эмалью живого цвета и окольцована по кругу рифлёным золотом.

Хотя строгость костюма была продолжением независимости испанского характера, это не мешало принцессам двора следовать некоторым французским модам в том, что касается драгоценностей; портрет Елизаветы Валуа, жены Филиппа II, написанный около 1560 года Алонзо Санчесом Коэльо, показывает королеву, украшенную карканетом, рукавами, головным убором и поясом, похожими на те, что носила её невестка Елизавета, жена Карла IX.

Эпоха короля Людовика XIV (правил в 1643-1715 гг.)

Ювелиры эпохи Возрождения были в основном чеканщиками и эмальерами; даже в самых роскошных драгоценностях камни были закреплены и изолированы золотыми оправами, которые, как правило, занимали почётное место. Примерно в 1610-1620 годах подход к драгоценностям изменился, камень стали ценить за его внутреннюю красоту, значительный прогресс произошёл в огранке, особенно бриллиантов.

Искусство эмалирования не было полностью вытеснено новым, возросшим значением камней, и оно достигло степени совершенства, равной которой никогда не было.

Эмаль сохранилась как украшение задних стенок ювелирных изделий, более того, она достигла своего триумфа в двух областях, которые, впервые появившись в 16 веке, достигли моды в 17 – часы и миниатюрные футляры. У французских часов обратная сторона украшена большим сапфиром – кабошоном; крышка состоит из другого сапфира, окружённого более мелкими камнями, и при поднятии открывается внутренняя часть, украшенная цветами, переплетающейся листвой и птицами.

В Англии король Карл I отказался от роскошных драгоценностей своих предшественников. На портретах Энтони Ван Дейка он изображён только с одной большой грушевидной жемчужиной в ухе, которую, согласно традиции, он носил на эшафоте; после Мария II подарила её первому графу Портлендскому, чьи потомки до сих пор владеют этой драгоценностью.

Мазарин, всесильный кардинал, был заядлым коллекционером живописи, мелкой бронзовой скульптуры, крупной мраморной скульптуры, предметов искусства и драгоценностей. Он собрал замечательный набор бриллиантов, некоторые из которых ранее принадлежали королеве Швеции Кристине. Он приобрёл этот набор, покупая их в ходе последовательных сделок, используя средства, собранные зачастую нечестным путем.

На протяжении большей части своего правления Людовик XIV проводил политику престижа, и влияние драгоценных камней играло важную роль для сердца человека, которого любили сравнивать с солнцем. Драгоценности короны, которые он получил в доверительное управление от своих предков, теперь увеличивались. Король последовательно приобрёл бриллиант «Гиз» и великолепный голубой бриллиант «Надежда», который был привезён из Индии Тавернье. Позже, будучи украденным во время революции, он приобрёл злобную репутацию, поскольку все его последующие владельцы, включая Хоупа, погибли трагической смертью.

Король также приобрёл большой сапфир в 132 карата, хранящийся в Музее истории природы , и алмаз «Гортензия» в 20 каратов, хранящийся в Лувре.

У короля было не менее четырёх полных парюр, две из которых состояли из бриллиантов, одна – из жемчуга и бриллиантов, а одна, для дневного ношения, состояла из камней разных цветов. Самая важная из них состояла из ста двадцати трёх пуговиц, трёхсот отверстий для пуговиц, девятнадцати цветочных орнаментов, сорока восьми пуговиц и девяноста шести отверстий для пуговиц – для жилет,ае, к которым, конечно, следует добавить застёжку шляпы, подвязки, пряжки для обуви, пояс с крестом, шпагу и крест Святого Духа.

Эта демонстрация великолепия, очевидно, вызвала подражание среди придворных, которые постоянно меняли свои наряды в соответствии с модой. Портреты показывают, что мужские наряды были не менее роскошными, чем женские. Для мужчин главные украшения состояли из драгоценных камней, уложенных в длинные, преувеличенные отверстия для пуговиц с брандебургами (это застёжки из кручёной верёвки) или лягушками.

Вскоре бриллиантовые лягушки распространились на женские наряды, и брандебурги стали украшать лиф, дополняя броши на рукавах и юбке, серьги и единственную нитку жемчуга на шее, настолько большую, что кажется, что художники, возможно, специально преувеличили её размер.

Ювелирные изделия XVIII века

С начала XVIII века история ювелирных изделий становится главным образом историей составляющих украшение драгоценных камней. Красота украшений обусловлена выбором камней, огранкой и их расположением. Они теряют свой объективный характер, столь очевидный в XVI веке и чуть менее очевидный в XVII, и становятся украшением в современном смысле слова, абсолютно необходимым элементом одежды, тесно связанным с изменениями моды. Кроме того, появляется различие между украшениями для дневного и вечернего ношения. Эта идея укоренилась в последние годы XVII века на приёмах Людовика XIV, где дневные украшения в основном были с цветными камнями, а вечерние – с бриллиантами и жемчугом, которые лучше всего смотрелись на балах, освещённых люстрами.

Эксплуатация рудников Голконды (Индия), открытых в XVII веке, а затем и бразильских рудников привела к появлению на рынке более красивых, крупных, более многочисленных и менее дорогих бриллиантов. Венецианец Перуцци изобрёл бриллиантовую огранку около 1700 года, и эта разработка дополнила прогресс, уже достигнутый при огранке камней в форме розы. Отныне искусство ювелира заключалось в оправе драгоценных камней таким образом, чтобы добиться максимального эффекта от них.

Жан Бурже в своей книге рисунков (1712) приводит очень мало рисунков для ювелирных изделий, потому что, по его словам, “это бесполезно, потому что мода постоянно меняется, и, кроме того, рисунки зависят скорее от количества и размера камней, с которыми приходится работать”.

Золотое руно, сделанное для Людовика XV в 1749 году, является роскошным примером смелого смешения цветов и должно было завершить парюру из цветных камней, которую король унаследовал от Людовика XIV. Сегодня изделие разбито и известно только по гравюре.

Имя Марии Антуанетты навсегда связано с делом об «ожерелье королевы», ожерелье, которого на самом деле у неё никогда не было. Оно состояло из очень крупных камней, усыпанных фестонами, ниспадающими на грудь. Ювелиры Бессенгер и Бомер получили первоначальный заказ на его выполнение для мадам дю Барри, но оно не было закончено после смерти Людовика XV. Поэтому оно было предложено Марии Антуанетте, которая отказалась от него, так как Людовик XVI счёл его слишком дорогим.

Есть много драгоценностей, которые, как говорят, принадлежали Марии Антуанетте, и наиболее подлинной её собственностью является бриллиантовое колье, отправленное королевой в Брюссель в 1791 году и возвращённое герцогиней Ангулемской в 1798-м. Впоследствии оно принадлежало графу Шамборскому и принцессе Массимо, а позже было продано в Лондоне в 1937 году, вывезено в Индию, где было разбито.

Очарованные блеском Версаля, большой и малый дворы Германии вступили во взаимное соперничество в великолепии и изысканности. В восхитительных дворцах в стиле рококо, построенных королём, ландграфом и курфюрстом, празднества следовали за празднествами и давали повод для парюр, которые едва ли были менее великолепны, чем французские королевские драгоценности. Тщеславие принцев заставляло их придавать большое значение обладанию каким-либо выдающимся камнем, который должен был стать звездой их коллекции, и он должен был быть установлен в оправе, явно продиктованной парижской модой.

Однако даже это великолепие было подавлено всепоглощающей роскошью петербургского двора. Цесаревна Елизавета заказала застёжку для императорской мантии около 1750 года, а также три других прекрасных изделия во французском стиле. Для своей коронации (1762 год) Екатерина II заказала императорскую корону у золотых дел мастера Позье, французского происхождения. Она не была готова вовремя, но её преемники носили её вплоть до времён Николая II. В 1772 году императрица приобрела у графа Орлова, своего любовника, великолепный бриллиант, который был вставлен в императорский скипетр и остался одним из величайших сокровищ России.

Ювелирные изделия 19 века

Французская революция ознаменовала начало неблагоприятного периода для ювелирного искусства. Новая идеология породила во Франции ювелирные изделия, соответствующие событиям, но их качество настолько посредственно, что, кажется, они никогда не были рассчитаны на долгое существование.

Что касается драгоценностей короны, то результаты оказались трагическими. В 1791 году король поместил их в полном составе в хранилище королевской мебели (ныне Министерство морского флота), где они были закрыты на ключ, но оттуда они были украдены между 11 и 17 сентября 1792 года. Грабители проникли в хранилище через окно, так что пломбы на дверях не были сорваны. Таким образом, у них было шесть дней, чтобы скрыться, и пропажа была обнаружена слишком поздно. Без всякого реального основания об ограблении распространилось множество слухов, среди которых был и такой, что жирондисты с помощью драгоценностей заручились поддержкой герцога Брауншвейгского, предводителя вражеских войск, и таким образом выиграли битву при Вальми.

После многочисленных доносов, расследований и долгих поисков большинство камней было найдено. Республика, которая никогда не придерживалась церемоний, когда на карту были поставлены её интересы, отправила на эшафот пятерых злоумышленников за это преступление.

Казна, однако, обогатилась за счёт камней, конфискованных у эмигрантов, а также камней короля Сардинии, конфискованных в Голландии как вражеская собственность (они были отправлены туда в качестве гарантии займа).

Кроме церемониальных изделий, украшения, которые использовались для повседневного использования, были явно проще. Вкус к античности вернул моду на камеи, у Марии-Луизы была целая парюра такого типа. Важность, придаваемая камеям, подчёркивается парюрой, которую носила королева Мария-Каролина Неаполитанская, поскольку на портрете работы Виже Лебрена мы видим, что они окружены огромными жемчужинами.

Портреты мадам Ривьер и мадам де Сенонн, выполненные Жаном Энгром, дают нам довольно точное представление о довольно непритязательных украшениях, которые были чисто декоративными, эквивалентными, более или менее, современной бижутерии. Берлинские чугунные украшения с медальонами, ажурной чеканкой и пристрастием к неоклассическим сюжетам относятся к той же категории.

Аметисты и топазы, до сих пор игравшие лишь вспомогательную роль, внезапно вошли в моду в 1800 году, когда газета Morning Post объявила их предпочтительнее всех других камней для ожерелий и серёг, и вся эта мода, по-видимому, возникла в Англии. Во Франции мода распространилась примерно в 1820 году.

Эклектизм, отличительная черта 19 века, вскоре дал о себе знать в ювелирном деле, которое в этот период имело тенденцию искать вдохновение в разнообразных источниках прошлого. В целом, первые годы века оставались верными античному стилю, но вскоре появились новинки: к 1820 году появилась сильная тенденция к подражанию природе, которая не более чем продлила тенденцию 18 века в последующий – букеты цветов в украшениях, которые всегда стремились более реалистично имитировать реальность. Чтобы сделать иллюзию более полной, некоторые веточки крепились на «трепетатели», чтобы они дрожали при малейшем движении человека, носящего их. Шедевром в этой области стал «букет сирени», представленный на международной выставке 1867 года и купленный императрицей Евгенией. Примерно в 1840 году появилась мода на пампильоны – цветы, окружённые россыпью крошечных бриллиантов.

Завоевание Алжира сделало популярными мавританские драгоценности, часто украшенные арабскими иероглифами, мода на которые зародилась во Франции и которым вскоре стали подражать в других странах, особенно популярными в период с 1840 по 1860 год. Полотна Делакруа и менее известных Фроментина и Зиема с гениальностью отвечали вкусу к восточному, кульминацией которого стали тускло-турецкие курительные комнаты, которые большие отели и даже частные дома стали считать необходимыми.

Алмаз Кох-и-Нор, принадлежавший Великому Моголу, был очень неуклюже перегранен, и его первоначальный вес в 800 каратов был уменьшен до 279. Рубин Тимура, на котором по-персидски были написаны имена его последовательных владельцев: Тамерлана, шаха Персии, императора Джехангира, Надер-шаха и махараджи Рангит Сингха, был вмонтирован в ожерелье.

Международные выставки не меньше, чем роскошь императорского двора, продемонстрировали превосходство парижских ювелирных изделий. Наряду со старыми, уже зарекомендовавшими себя фирмами, такими как Меллерио и Бапст (которые объединились с Люсьеном Фализом в 1879 году), появились новые, такие как Картье и Бушерон, с перспективой прекрасного будущего.

Первые камни из недавно открытых южноафриканских шахт были выставлены на рынок в Париже в 1869 году, обеспечив ювелиров более крупными и обильными камнями. С тех пор оправы становились все легче, поэтому идеалом стало сделать оправу как можно более незаметной – укоренилась иллюзия «monture», ставшая общепринятой к последней четверти века, когда оправы стали совершенно невидимыми.

Для достижения этого результата для оправы камней использовались новые металлы. С XVII века традиционной оправой стало серебро, но с середины XIX века предпочтение стали отдавать золоту – не без некоторого сопротивления.

Самый крупный из известных на сегодняшний день алмазов, «Куллинан», был подарен правительством Трансвааля Эдуарду VII, и из него произошли первая и вторая африканские звезды, украшающие государственную корону и королевский скипетр Англии.

Коллекции

Коллекции ювелирных изделий можно увидеть во многих лучших художественных музеях по всему миру, в частности: Лувр в Париже, Британская королевская коллекция в Виндзоре, Музей Виктории и Альберта в Лондоне, Государственный Эрмитаж в Санкт-Петербурге, Музей Метрополитен в Нью-Йорке, Музей изящных искусств в Бостоне, Художественный институт Чикаго и Институт искусств Детройта.