Две обнаженные женщины, Пабло Пикассо:
Анализ читать ~4 мин.

Две обнажённые фигуры, Пабло Пикассо: Анализ Описание

Название: Две обнажённые фигуры (1906) Художник: Пабло Пикассо (1881-1973) Средство: Масляная живопись на холсте Жанр: Фигуративная живопись женских обнажённых фигур Направление: Классицизм Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк

Для понимания значения других картин XIX и XX веков, см.: Анализ современной живописи (1800-2000).

ОЦЕНКА ИСКУССТВА Для анализа работ художников-неоклассиков, таких как Пикассо, см.: Как оценить картины.

Классицизм Пикассо

Один из лучших художников всех времен, величие Пикассо во многом заключалось в его способности менять стили в соответствии с требованиями сюжета. Одним из стилей, который всегда присутствовал в его арсенале, был классицизм – имитация спокойствия и монументальности, изображенных в искусстве античности, особенно в греческой скульптуре – известной главным образом по римским копиям. Для понимания предыстории современной формы неоклассической живописи и объяснения того, как ее можно примирить с его абстрактным кубизмом, см.: Классическое возрождение в современном искусстве (ок. 1900–30). Для понимания развития его использования классицизма см.: Неоклассические картины Пикассо (1906–30).

Для ознакомления с его лучшими работами, пожалуйста, посетите: Седящая женщина (Пикассо) (1920, Париж) и Большая банющаяся (1921, Париж); Две женщины бегущие по пляжу («Гонка») (1922, Париж); и Женщина в белом (1923, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Две обнажённые фигуры, написанная осенью-зимой 1906 года, является кульминацией целой серии рисунков и картин на тему пары женщин, которая начала увлекать Пикассо во время его поездки в Гозоль ранее в этом году. В La Toilette (1906, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало) их отношения, по-видимому, были отношениями госпожи и служанки; в Две обнажённые женщины (1906, Частная коллекция, Цюрих), отношений друзей или сестер. Здесь, и во многих связанных этюдах, включая Седящая обнаженная и стоящая обнаженная (1906, Музей искусств Филадельфии), значение жестов и невозмутимых, но значительно наклоненных лиц остается неоднозначным, хотя есть легкий намек на повествование – своего рода диалог между ними, возможно, предложение. Две из этих этюдов изображают двух женщин в занавешенном интерьере, сопровождаемых, в одном случае, сидящей обнаженной, а в другом – сидящей и стоящей обнаженной. Обе они более выразительны (чем Две обнажённые фигуры сама по себе) и указывают на замкнутое и драпированное помещение харема или борделя. Пикассо набросал большую картину харема тем летом (Музей Кливленда искусств), а в его печально известной Les Demoiselles d’Avignon (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) на следующий год он изобразил бордель. Но хотя Две обнажённые фигуры явно тесно связана с Les Demoiselles d’Avignon и может быть описана задним числом как своего рода «исследование» для нее, она более обобщена по своему значению, менее является картиной-сюжетом, а скорее простым упражнением в традиционном жанре академического искусства – живопись или рисунок с натуры, который был основой обучения каждого студента художественной школы.

Источники Пикассо для этой внушительной фигурной картины подчеркивают ее связь с Французской академией, а не с какой-либо повествовательной традицией живописи. В то время как Les Demoiselles d’Avignon имеет источники в религиозных, мифологических и натуралистических картинах на тему демонстрации обнаженных женщин, Две обнажённые фигуры более тесно связана с традициями скульптуры – как иберийской, так и архаической греческой скульптуры – монументальным циклом Bather (банющаяся) Пауля Кезана и с фигурами стоящих обнаженных, пропорционально приземистыми, скульптурами Аристида Майоля (1861–1944). Таким образом, хотя картину можно интерпретировать как изображение одной женщины, проводящей другую через занавес в невидимую комнату (или на сцену), Пикассо также приглашает нас интерпретировать ее как изучение одной и той же модели с двух разных углов и рассматривать ее как скульптурный рельеф без какого-либо конкретного значения.

Его использование монохромности усиливает наше ощущение того, что все изображенное вылеплено из одного грубого, тактильного вещества, будь то терракота или камень, поскольку, как и несколько других его современных картин, это было заменой резьбе, которую он жаждал сделать. (В Гозоле Пикассо надеялся иметь возможность вырезать вместе со своим другом скульптором Касановасом, но в итоге они не встретились там).