Репрезентативное (изобразительное) искусство читать ~9 мин.

В живописи и скульптуре термин «репрезентативное искусство» (часто используют более распространённый термин «изобразительное») обычно относится к изображениям, которые можно чётко распознать как то, что они призваны изображать, — например, человеческую фигуру, банан или дерево. Такие изображения не обязательно должны быть реалистичными. Так, дерево не обязательно должно быть зелёным или даже вертикальным, но оно должно чётко представлять собой дерево или быть узнаваемым в качестве него. В отличие от этого, нерепрезентативное, или абстрактное искусство, состоит из образов, которые не имеют очевидной идентичности и требуют интерпретации со стороны зрителя.

При этом абсолютного различия между абстракцией и реализмом не существует. Скорее, следует говорить о континууме, на одном конце которого находится чистая абстракция, а на другом — ультрареализм. В определённый момент на этой шкале абстрактные образы становятся достаточно узнаваемыми, чтобы их можно было назвать репрезентативными, однако точно определить эту точку заранее невозможно.

Тем не менее к репрезентативному искусству можно отнести все изображения, представляющие собой идентифицируемый объект или группу объектов. Типичные примеры этого вида искусства — портреты, традиционные пейзажи, картины бытовых сцен, исторические или мифологические полотна, натюрморты, а также различные виды фигуративных и конных статуй.

Картины или скульптуры, изображающие человеческую фигуру, — подкатегория изобразительного искусства — также иногда называют «фигуративным искусством». Экспрессионистские версии человеческих форм (например, работы современного колумбийского художника Фернандо Ботеро) могут быть названы «неофигуративным» искусством.

Наблюдение против интерпретации

Разницу между репрезентативным и нерепрезентативным искусством можно также рассмотреть с точки зрения художника. Художники, работающие в репрезентативном ключе, обычно выступают в роли наблюдателей и стремятся воспроизвести то, что видят. Безусловно, они «интерпретируют» увиденное, поэтому два разных художника никогда не напишут одну и ту же сцену одинаково. Однако их основная цель — наблюдать и воспроизводить находящиеся перед ними объекты. Так, например, живопись на пленэре — подход, популяризированный импрессионистами XIX века, — почти всегда является изобразительной.

В отличие от них, у нерепрезентативных художников иные цели. Они стремятся создать более «интеллектуальный» образ, который не связан напрямую с каким-либо узнаваемым объектом и, как следствие, должен быть интерпретирован зрителем. Этот подход хорошо иллюстрируют абстрактные течения XX века, например, работы Пита Мондриана (1872–1944), Марка Ротко (1903–1970) и Шона Скалли (р. 1945). Их картины лишены какого-либо объективного содержания и поэтому должны интерпретироваться исключительно зрителем.

Истоки

Большинство образцов древнего искусства являются изобразительными. Оно зародилось ещё в эпоху палеолита, одного из периодов каменного века. Примеры включают такие скульптуры, как «Венера из Тан-Тана» (Марокко) и «Венера из Берехат-Рама» (Израиль), хотя их принадлежность к искусству оспаривается некоторыми учёными, а также наскальные рисунки из пещер Ласко (Франция) и Альтамира (Испания).

Традиция западного изобразительного искусства во многом восходит к наследию Древней Греции и Рима (примерно с VIII в. до н.э. по V в. н.э.). Примером может служить греческая скульптура, такая как «Марафонский юноша» (IV в. до н.э., предположительно работы Праксителя), «Умирающий галл» (ок. 232 г. до н.э.) Эпигона, «Лаокоон и его сыновья» (ок. 40 г. до н.э.) Агесандра, Полидора и Афинодора. Одним из лучших образцов изобразительной римской скульптуры является спиральный барельеф на колонне Траяна, созданный в начале II века н.э. Эти произведения классической античности послужили основой для искусства итальянского Возрождения, которое, в свою очередь, оказало огромное влияние на художников вплоть до XX века. Возможно, величайшим примером изобразительного искусства в Древнем мире является китайская Терракотовая армия, созданная в эпоху династии Цинь (221–206 гг. до н.э.).

Стили репрезентативности

Искусство итальянского Возрождения продвигало «идеальный» тип репрезентативности, примером которого служат скульптуры «Давид» работы Донателло и Микеланджело. Обнажённое человеческое тело рассматривалось как высшая форма творческого выражения, и фигуры часто изображались в идеализированном виде. В искусстве Флоренции, Рима и Венеции эпохи Возрождения практически не встречаются «уродливые» лица или тела. В этот период были тщательно изучены и задокументированы техники линейной перспективы.

Ситуация начала меняться в период маньеризма (ок. 1530–1600), отправной точкой которого можно считать фреску Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле. Фигуры стали менее идеализированными и более «реальными». Это было особенно заметно за пределами Италии, где доминировала неидеалистическая масляная живопись. В частности, в Голландии реалистические традиции Яна ван Эйка (1390–1441) и Рогира ван дер Вейдена (1399–1464) привели к формированию уникальной школы голландского реализма. Её ярким примером служат изысканные интерьерные сцены Яна Вермеера (1632–1675).

Однако из-за власти церкви и влияния итальянского Возрождения, поддерживаемого великими европейскими академиями искусств, движение реализма зародилось только после промышленной революции (ок. 1790–1850). Именно тогда художники начали изображать подлинную реальность жизни, а не её идеализированную версию. (См. также Английская школа фигуративной живописи: 18–19 век). Это повлияло как на методы живописи, так и на сюжеты. Художники стремились запечатлеть то, что видели на самом деле, включая мимолётные эффекты света и цвета. Например, если стог сена в лучах заходящего солнца приобретал розоватый оттенок, его так и изображали.

Изобразительное искусство XX века

В последние три десятилетия XIX века в европейской изобразительной живописи доминировала свободная манера импрессионизма. Его представители, тем не менее, придавали большое значение традиционным навыкам рисунка, владения цветом и композицией.

Например, импрессионист Эдгар Дега (1834–1917), достигший больших успехов в жанровой живописи, был одним из величайших рисовальщиков в истории искусства. А портретист-импрессионист Джон Сингер Сарджент (1856–1925) был мастером техники «au premier coup» (один точный мазок, без доработки) и одним из выдающихся мастеров масляной живописи своего времени. Однако творчество Ван Гога (1853–1890) в конце 1880-х годов ознаменовало важные перемены.

Экспрессивная техника импасто Ван Гога и его глубоко личные картины положили начало экспрессионистскому стилю. Позднее его развили норвежец Эдвард Мунк (1863–1944) и, в частности, немецкие группы, такие как «Синий всадник», «Мост», «Новая вещественность», а также художники Василий Кандинский (1866–1944), Пауль Клее (1879–1940), Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938), Отто Дикс (1891–1969), Алексей фон Явленский (1864–1941), Эгон Шиле (1890–1918), Оскар Кокошка (1886–1980) и Макс Бекман (1884–1950). Хотя ранний экспрессионизм в основном придерживался изобразительного подхода, он отвергал академические традиции в пользу более субъективного взгляда на искусство. Со временем это привело к ослаблению традиционных живописных навыков, что, в сочетании с политическими потрясениями начала XX века, способствовало росту абстрактного искусства и появлению различных направлений модернизма. В результате к 1940-м годам в мире искусства, центром которого к тому времени стал Нью-Йорк, возобладала форма над содержанием.

Пикассо, кубизм и привлекательность абстракции

Кроме подъёма немецкого экспрессионизма и его субъективизма, реалистическая живопись испытывала давление и со стороны других художников, которых не устраивала её старомодность и недостаток интеллектуальных возможностей. Однако в попытке «переосмыслить» и «модернизировать» искусство эти художники, по сути, «выплеснули с водой и ребёнка». Это явление, возможно, иллюстрирует творчество испанского художника Пабло Пикассо (1881–1973), который с равным успехом работал как в репрезентативной, так и в нерепрезентативной манере. (Примечание: Для объяснения современных работ таких художников, как Пикассо, см. материалы по анализу живописи).

В начале своей карьеры (ок. 1901–1907), особенно в «голубой» и «розовый» периоды, Пикассо был сосредоточен на реалистической живописи. Затем последовал короткий «африканский период» (époque nègre), во время которого его образы стали более искажёнными (например, «Авиньонские девицы»), а за ним — революционный кубизм (ок. 1908–1919), чьи фрагментированные формы (например, «Девушка с мандолиной», 1910) являются одними из самых известных примеров нерепрезентативной живописи. Пикассо считал, что натуралистическое искусство достигло своего предела в эпоху импрессионистов (1870–1900) и фовистов (ок. 1905).

В результате он решил экспериментировать с более абстрактными формами искусства — подход, который он и Жорж Брак считали более «интеллектуальным», — что и привело их к созданию кубизма. (Путь Пикассо от реализма к «абстракции» лучше всего прослеживается при изучении его портретов, вплоть до знаменитой «Плачущей женщины» 1937 года).

Тем не менее, несмотря на подлинно революционный характер кубизма и его вклад в историю искусства, а также несмотря на огромный творческий потенциал Пикассо, проявившийся за 92 года его жизни в таких стилях, как экспрессионизм, кубизм и сюрреализм, — он никогда не был по-настоящему заинтересован в чистой абстракции. Большинство его шедевров (что небесспорно) были репрезентативными. Следует также отметить использование им классицистической идиомы — см. неоклассические фигуративные картины Пикассо (1906–1930) — и его вклад в Классическое возрождение в современном искусстве (ок. 1900–1930).

Почему важно репрезентативное искусство?

По мнению философа Карла Поппера, ценность научного утверждения определяется возможностью его опровергнуть. Если утверждение неопровержимо, оно не несёт значимой объективной информации. Например, высказывание “Я считаю это искусством” невозможно опровергнуть, и потому оно не имеет большой ценности, кроме как свидетельство личного мнения.

Стандарт художественных достоинств

Репрезентативное искусство важно прежде всего потому, что оно обеспечивает стандарт, по которому можно судить о художественных достоинствах. Например, портрет можно оценить по сходству с моделью; пейзаж — по сходству с конкретной сценой; уличную сцену — по сравнению с реальной жизнью. Картину, изображающую затемнённое пространство, можно оценить по тому, насколько хорошо переданы свет и тень. Но нерепрезентативное искусство не претендует на изображение чего-либо из реальной жизни и поэтому не может оцениваться по столь же объективным критериям. В результате репутация нерепрезентативных художников и скульпторов может полностью зависеть от капризов моды в мире искусства, а не от очевидного мастерства.

Основа для всего изобразительного искусства

Во-вторых, репрезентативное искусство — это фундамент для всего изобразительного искусства, поскольку оно требует от художника владения рисунком, перспективой, цветом, тоном, светотенью и композицией. Эти навыки лежат в основе большинства художественных практик. Более того, этим объективным навыкам можно обучать, что способствует сохранению, развитию и совершенствованию художественных техник.

Делает искусство доступным для публики

В-третьих, поскольку репрезентативные изображения легко узнаваемы и понятны, они помогают сделать искусство доступным для широкой публики. Напротив, абстрактные или нерепрезентативные произведения часто требуют от зрителя значительных знаний для «подлинного» понимания. Это требование, к сожалению, нередко выступает в качестве «барьера» между художниками и публикой.

Всё это не умаляет достоинств абстрактного искусства. Тем не менее, приведённые доводы показывают, что репрезентативная живопись и скульптура играют незаменимую роль в создании, оценке и восприятии изобразительного искусства, и их следует активно поддерживать ответственным лицам и организациям.