Скульптура барокко читать ~11 мин.

Эпоха барокко не испытывала недостатка в скульпторах, хотя немногие из них были выдающимися. Пожалуй, велик был только Джан Лоренцо Бернини (1598–1680), который проявил себя в скульптуре даже ярче, чем в архитектуре. Лучшие мастера своего дела работали с небывалой интенсивностью. Несмотря на важность архитектуры барокко, именно скульптура была наиболее характерным и, безусловно, самым распространённым видом христианского искусства той эпохи. В отличие от архитектуры и живописи, ей удалось не только создать художественный язык, во многом общий для всей Европы, но и повлиять на облик почти всех художественных произведений того периода. Итак, первая узнаваемая черта скульптуры барокко — её вездесущность.

Созданные в этот период произведения пластического искусства можно разделить на две большие категории:
произведения, предназначенные для украшения и завершения архитектурных сооружений, и 
скульптура в традиционном понимании, как самостоятельный объект.

Архитектурная скульптура

Архитектура использовала декоративную скульптуру тремя основными способами. Первый способ — размещение статуй или других скульптурных форм в виде горизонтальной линии для завершения верхней части здания. Это не было изобретением барокко, но именно в эту эпоху приём стал традиционной стилистической особенностью. Он произошёл от вошедшего в моду в XVII веке обычая завершать здание «аттиком». По сути, это был низкий парапет, скрывающий скаты крыши, что придавало зданию при взгляде снизу вид завершённости по горизонтальной линии. Этот элемент почти всегда украшался рядом статуй, которые были расположены на равном расстоянии друг от друга и выделялись на фоне неба.

В качестве примера можно привести собор Святого Петра в Риме, овальная колоннада которого была работой самого Бернини, и Версальский дворец, где вместо статуй установлены огромные урны и декоративные композиции. С аттика или крыши здания эта практика распространилась и на другие горизонтальные поверхности — стены, ограждающие сады, парапеты мостов и так далее.

Одним из ведущих представителей садовой скульптуры был итальянец Карло Бартоломео Растрелли, отец Бартоломео Франческо Растрелли (1700–1771), который прибыл в Санкт-Петербург из Парижа в 1716 году в эпоху петровского искусства в России (1686–1725). Ему было поручено украсить территорию нескольких дворцов, принадлежавших Петру I.

Ещё одно архитектурное применение скульптуры — замена колонн в качестве опорных элементов кариатидами (фигурами женщин) или теламонами (фигурами мужчин). Это использование восходит к классической Греции и стало модным, особенно в австрийском и немецком барокко.

Третий и наиболее характерный способ использования скульптуры в сочетании с архитектурой — это фризы, группы с гербами, картуши, трофеи и подобные элементы. Сочетание скульптуры с архитектурой доходило до того, что скульптура казалась или фактически становилась архитектурой, как в балдахине Бернини в соборе Святого Петра, где роли этих двух искусств смешиваются до степени, полностью соответствующей вкусам барокко.

Таковы были пути, по которым скульптура связывалась с архитектурой.

Заметка об оценке скульптуры
Чтобы узнать, как оценить скульптуру барокко, см: Как оценивать скульптуру. О более поздних произведениях см: Как оценить современную скульптуру.

Традиционная скульптура

Работы, которые традиционно выполнялись скульптором в прежние века — гробницы, алтари, памятники и тому подобное, — продолжали создаваться и в эпоху барокко. Как правило, их замысел напоминал сценографию, а театральный подход был схож с созданием декораций — что, возможно, уместно в период, когда возникли опера и современный театр. Так, в одной из боковых капелл Бернини представляет экстаз святой как театральное действо, а члены семьи заказчика изображены в натуральную величину, сидящими в ложах, словно они наблюдают за представлением в театре. (Экстаз святой Терезы, 1647–1652, мрамор, Капелла Корнаро, Рим — см. ниже).

Традиционная скульптура барокко, как правило, обладала двумя выдающимися характеристиками. Во-первых, она была технически совершенной. Мастерство скульпторов эпохи барокко было подлинной виртуозностью, например, в передаче фактуры человеческой кожи, которая различалась в зависимости от пола и возраста изображаемого человека. Завитки, драпировки, различные ткани, такие как шерсть и шёлк, текстура доспехов — всё это имитировалось с большой точностью.

Скульпторы настолько владели своим материалом, что в статуях, высеченных из мрамора, невозможно угадать первоначальную форму блока. Микеланджело, воплощавший идеалы скульптуры итальянского Возрождения, говорил, что статуя должна создавать впечатление, будто она может скатиться с холма к его подножию, не повредившись. Ничего подобного нельзя сказать о скульптурах барокко. Они преследуют цель, которую можно назвать фотографической, — увековечить миг движения. Это предполагает использование свободных, непринуждённых композиций, а также гораздо более стройных пропорций человеческой фигуры, чем те, которые считали желательными скульпторы эпохи Возрождения.

Другой и самой важной особенностью скульптуры этого периода было ощущение движения. Фигуры никогда не изображались в неподвижности или покое, но всегда в действии, и чаще всего в момент наименьшего равновесия, который является его кульминацией. Это тот неуловимый, но драматический момент, когда, например, прыгун уже не поднимается, но ещё не начал падать и на мгновение замирает в воздухе. Когда Бернини хотел изобразить Аполлона, преследующего Дафну, он выбрал самый драматичный момент: тот, когда Дафна превращается в лавровое дерево, чтобы спастись от бога — кульминацию действия. (Аполлон и Дафна, 1622–1625, мрамор, Галерея Боргезе, Рим).

Именно из-за предпочтения движения композиционный приём, известный как figura serpentinata (змеевидная фигура), был так популярен в XVII веке. Как способ изображения человеческой фигуры он впервые появился во второй половине XVI века, в период, непосредственно предшествовавший барокко. Эта форма облегчала изображение тела в спиралевидном движении, быстром вращении, как у атлета, бросающего диск, или в сцене борьбы. См., например, «Похищение сабинянок» (1581–1583, мрамор, площадь Синьории, Флоренция) работы Джамболоньи.

Анализ греческой статуи, чей эмоциональный характер, а также её движение оказали огромное влияние на скульпторов барокко, см: Лаокоон и его сыновья (ок. 42-20 гг. до н.э., Музеи Ватикана).

Иногда композиция становилась преувеличенной и напоминала скорее волнение, чем движение. Порой художник был настолько увлечён создаваемыми эффектами и собственным техническим мастерством, что терял из виду гармонию всей композиции. Впрочем, такой результат всегда был вероятен, когда от работ мастеров мы переходим к работам их последователей.

Одна из заслуг барокко заключается в том, что оно создало условия, в которых второстепенная работа могла быть ассимилирована при выполнении сложных произведений, имеющих большую художественную ценность. К таким произведениям относятся большие фонтаны, населённые бородатыми фигурами, сатирами, нимфами, дельфинами и разными чудовищами, которые украшали площади и аллеи барочных городов и садов; декор парадных лестниц во дворцах того времени, вплоть до лепнины и других обильных украшений галерей, салонов и церквей. В этих произведениях общее впечатление иногда было почти оргиастическим, но в целом стиль барокко создавал эффект триумфа.

«Экстаз святой Терезы» Бернини (капелла Корнаро)

Капелла Корнаро — центральный элемент богато украшенной барочной церкви Санта-Мария-делла-Виттория в Риме. В ней находится одна из самых амбициозных работ Бернини «Экстаз святой Терезы». Она была спроектирована и создана как миниатюрный театр. Заказанная кардиналом Федерико Корнаро и занимающая пространство вдоль боковой стены церкви, капелла представляет собой невероятное сочетание живописи, скульптуры и дизайна интерьера.

Скульптурная группа театрально освещена через скрытое окно позади алтаря: потоки божественного света падают на взволнованную, теряющую сознание Терезу в кульминационный момент её духовного экстаза. Скульптура из белого мрамора окружена позолоченными бронзовыми «лучами», которые символически отражают божественный свет. Над фигурой святой возвышается мраморный ангел, готовый вонзить стрелу в её сердце.

Это образное решение соответствует рассказу святой Терезы Авильской о том, как ангел пронзил её сердце стрелой божественной любви, что символизировало её мистическое единение с Иисусом Христом. В неглубоком рельефе, наблюдая за зрелищем из первого ряда оперных лож, изображены скульптурные группы семьи Корнаро. В целом, это яркое сочетание барочного искусства и архитектуры, иллюстрирующее многие ключевые черты стиля: драматизм, религиозное вдохновение, движение, иллюзионизм и виртуозное исполнение.

Список знаменитых скульпторов барокко

Среди величайших скульпторов эпохи барокко:

ИТАЛИЯ

Стефано Мадерно (1576–1636)
Самый выдающийся скульптор маньеризма/барокко в Риме до Бернини.
Статуя Святой Цецилии (1600) Церковь Санта-Чечилия-ин-Трастевере.

Франческо Моки (1580–1654)
Первый скульптор барокко; ровесник Караваджо и Карраччи в скульптуре.
Ангел Благовещения (1605–1608) Музей собора, Орвието.

Франсуа Дюкенуа (1597–1643)
Фламандский художник, один из лучших скульпторов в Риме. (См. Фламандское барокко).
Статуя Святого Андрея (1629–1633), мрамор, базилика Святого Петра, Ватикан.

Алессандро Альгарди (1598–1654)
Главный представитель классицизма высокого барокко.
Гробница папы Льва XI (1634–1644) Собор Святого Петра, Рим.

Бернини (1598–1680)
Величайший архитектор и скульптор эпохи барокко.
Экстаз святой Терезы (1647–1652) Мрамор, Капелла Корнаро, Рим.

См. также: Художники итальянского барокко.

ФРАНЦИЯ

Пьер Пюже (1620–1694)
Величайший французский скульптор XVII века.
Милон Кротонский (1671–1682) Мрамор, Лувр, Париж.

Гаспар (1624–1681) и Бальтазар (1628–1674) Марси
Французские скульпторы, нанятые королём Людовиком XIV для работ в Версальском дворце.
Кони Солнца (1668–1670) Сады Версальского дворца, Версаль.

Франсуа Жирардон (1628–1715)
Наряду с Куазево, лучший скульптор эпохи правления Людовика XIV.
Похищение Прозерпины (1693–1699) Бронза, Версальский дворец.

Жан-Батист Тюби (1635–1700)
Придворный скульптор в Версале.
Фонтан Аполлона (1671) Камень, Версальский дворец.

Антуан Куазево (1640–1720)
Придворный скульптор короля Людовика XIV.
Портретный бюст Шарля Лебрена (1676) Собрание Уоллеса, Лондон.

Гийом Кусту (1677–1746)
Французский скульптор позднего барокко.
Конь, сдерживаемый конюхом («Конь Марли») (1745) Лувр, Париж.

См. также: Художники французского барокко.

ГЕРМАНИЯ/АВСТРИЯ

Йорг Цюрн (1583–1638)
Южногерманский резчик по дереву эпохи барокко.
Главный алтарь (1613–1616) Церковь в Юберлингене.

Бальтазар Пермозер (1651–1732)
Крупнейший скульптор позднего барокко, работал с деревом, слоновой костью, камнем, мрамором.
Аполлон (1715) Государственные художественные собрания, Дрезден.

Андреас Шлютер (ок. 1660–1714)
Один из величайших немецких скульпторов эпохи барокко.
Конная статуя курфюрста Фридриха Вильгельма (1703) Дворец Шарлоттенбург.

См. также: Художники немецкого барокко.

ИСПАНИЯ/ПОРТУГАЛИЯ

Хуан Мартинес Монтаньес (1568–1649)
Испанский резчик по дереву из Севильи, известный как «Бог дерева».
Христос Милосердный (1603) Севильский собор.

Алонсо Кано (1601–1667)
Скульптор, художник, архитектор, прозванный «испанским Микеланджело».
Непорочное зачатие (1655) Гранадский собор.

Педро Рольдан (1624–1699)
Испанский художник, мастер полихромной резьбы по дереву.
Снятие с креста (1673) Госпиталь де ла Каридад, Севилья.

Педро де Мена (1628–1688)
Испанский скульптор эпохи барокко, известный своим непревзойдённым техническим мастерством.
Кающаяся Мария Магдалина (1664) Национальный музей скульптуры, Вальядолид.

См. также: Художники испанского барокко и Искусство испанского барокко.

ЦЕНТРАЛЬНАЯ ЕВРОПА

Адриан де Врис (1560–1626)
Голландский скульптор, работавший в Праге (см.: Голландское барокко).
Меркурий и Психея (1593) Лувр, Париж.

Величайшие скульптуры барокко

Вот краткий список некоторых величайших скульптур (статуй, рельефов и других традиционных произведений), созданных в эпоху барокко, сгруппированных по авторам.

Экстаз святой Терезы (1647–1652, мрамор, Капелла Корнаро, Рим)
Плутон и Прозерпина (1621–1622, мрамор, Галерея Боргезе, Рим)
Аполлон и Дафна (1622–1625, мрамор, Галерея Боргезе, Рим)
Автор Джованни Бернини (1598–1680).

Гробница папы Льва XI (1634–1644, мрамор, собор Святого Петра, Рим)
Экстаз святого Филиппа Нери (1638, Санта-Мария-ин-Валличелла, Рим)
Папа Лев I, изгоняющий Аттилу (1646–1653, собор Святого Петра, Рим)
Автор Алессандро Альгарди (1598–1654).

Статуя Андрея Первозванного (1629–1633, мрамор, базилика Святого Петра, Ватикан)
Автор Франсуа Дюкенуа (1597–1643).

Милон Кротонский (1671–1682, мрамор, Лувр, Париж)
Автор Пьер Пюже (1620–1694).

Аполлон, обслуживаемый нимфами (1666–1672, мрамор, Версальский дворец)
Похищение Прозерпины (ок. 1677–1699, бронза, Версаль)
Автор Франсуа Жирардон (1628–1715).

Фонтан Аполлона (1671, камень, Версальский дворец)
Автор Жан-Батист Тюби (1635–1700).

Конь, сдерживаемый конюхом («Конь Марли») (1739–1745, Лувр, Париж)
Автор Гийом Кусту (1677–1746).

Меркурий, привязывающий сандалию (1753, свинец, Лувр, Париж)
Вольтер (1776, мрамор, Лувр, Париж)
Автор Жан-Батист Пигаль (1714–1785).

Памятник Петру I («Медный всадник») (1766–1778, Сенатская площадь, Санкт-Петербург)
Автор Этьен Морис Фальконе (1716–1791).

Резной кружевной галстук (ок. 1690, липа, Музей Виктории и Альберта)
Автор Гринлинг Гиббонс (1648–1721).

Аполлон (1715, мрамор, Государственные художественные собрания, Дрезден)
Бальтазар Пермозер (1651–1732).

Конная статуя курфюрста Фридриха Вильгельма (1696–1703, бронза, Дворец Шарлоттенбург, Берлин)
Андреас Шлютер (ок. 1660–1714).