Современная британская скульптура читать ~8 мин.

Разрыв с традиционным натурализмом стал частью нового художественного направления, которое впоследствии получило международное признание. Это движение зародилось в Париже в конце XIX века, когда в живописи начались значительные перемены. Художники стали экспериментировать с новыми техниками, которые шли вразрез с устоявшимися академическими традициями. Эти опыты в живописи, позже распространившиеся и на скульптуру, оказали глубокое влияние на всю концепцию искусства XX века и заложили основы для новой эстетики.

Первое знакомство британской публики с этими тенденциями произошло в 1910 году на выставке в Лондоне под названием «Мане и постимпрессионисты». Её организовал Роджер Фрай — один из ведущих критиков искусства Великобритании. К этому времени первоначальное движение — импрессионизм — уже трансформировалось в постимпрессионизм. Если первое было сосредоточено почти исключительно на живописи и реалистичности, то второе смелее экспериментировало с пластическими искусствами, отходя от традиционных методов.

В начале XX века британская публика с большим трудом принимала любые новшества в искусстве. Даже работы импрессионистов, уже признанные в других странах, в Англии воспринимались скептически. Не приняв лёгких для понимания импрессионистов с их реалистичными сценами, британцы оказались совершенно не готовы к постимпрессионистам, которые отвергали подражание природе и традиционный реализм. Поэтому первые крупные показы современного искусства, такие как знаменитая Армори-шоу в Нью-Йорке, вызвали у большинства зрителей негативную реакцию. Этот протест в некоторой степени продолжается и сегодня, поскольку искусство с тех пор стало ещё более сложным для восприятия неспециалистами.

Причина почти единодушного неприятия нового направления заключалась в фундаментальном различии между репрезентативным искусством, изображавшим узнаваемые природные объекты, и абстрактным искусством, лишённым такой узнаваемости. Большинство людей не могли понять или интерпретировать произведения, которые не стремились к реализму.

Самый простой способ оценки произведения искусства для неподготовленного зрителя — это его сходство с реальностью. Когда этот критерий исчезает, человек лишается единственного знакомого ему стандарта критики. Поэтому современное искусство вызвало столько споров в Англии, где почти все произведения были фигуративными, и каждый считал себя вправе иметь мнение об искусстве, даже не посещая галереи.

Наибольшее раздражение у публики вызывали не полностью абстрактные работы, а те, в которых художник использовал узнаваемые формы, но искажал их. Абстракция, не изображающая ничего конкретного, часто просто игнорировалась. А вот искажение, особенно человеческой фигуры, воспринималось как личное оскорбление и вызов здравому смыслу. Если у скульптуры руки были слишком большими или голова слишком маленькой, это очевидно делалось намеренно, но оставляло зрителя в недоумении, вызывая лишь насмешку.

Якоб Эпштейн (Jacob Epstein, 1880–1959)

Это объясняет, почему новое искусство встретило такое сопротивление в Британии и почему даже спустя двадцать лет после его появления вандалы испортили памятник натуралисту У. Г. Хадсону в Гайд-парке. Автором этого монумента был Якоб Эпштейн — одна из самых противоречивых фигур в британском искусстве, чьё влияние ощущалось почти до самой его смерти в 1959 году. Эпштейн также создал знаменитые фигуры «Ночь» и «День» для станции метро St. James’s Park. В галерее Тейт хранится его бронзовая работа «Посещение», а в монастыре Святого Младенца на Кавендиш-сквер в Лондоне — великолепная скульптура «Мадонна с Младенцем» (1952).

Его каменная скульптура с каждым новым произведением вызывала бурю общественного недовольства. В то же время его портретные бюсты и бронзовые работы, более реалистичные и менее искажённые, пользовались большой популярностью. Зрители высоко ценили его мастерство в моделировании портретов, напоминающее о творчестве французского скульптора Огюста Родена (1840–1917). Однако публика не могла понять, как утончённая техника в бронзе сочетается с грубой резьбой по камню. В 1930-х годах одна из его скульптур, «Генезис», даже выставлялась на ярмарке в Блэкпуле не за художественные достоинства, а ради шок-эффекта.

Одним из наиболее значимых произведений Эпштейна считается монументальная скульптура «Адам» (1938, Хэрвуд-хаус, Лидс). Среди других его известных работ на темы христианского искусства: «Лазарь» (1947–1948, Новый колледж, Оксфорд), «Христос во Славе» (1954–1955, собор Лландаффа) и «Святой Михаил и Дьявол» (1956–1958, собор Ковентри).

Эрик Гилл (Eric Gill, 1882–1940)

Современное искусство стало более приемлемым для ценителей благодаря работам Эрика Гилла, чьё использование упрощений и искажений было менее агрессивным, чем у Эпштейна. Как и Эпштейн, Гилл практиковал метод прямой резьбы. Он считал, что скульптор должен работать непосредственно с материалом, а не копировать в камне предварительно вылепленную из глины модель. Его работы тщательно спроектированы, но фигуры в них остаются узнаваемыми, а стиль — ближе к традиционной скульптуре. Творчество Гилла стало удачным компромиссом между классикой и новаторством, что сделало его приемлемым для широкой публики. Например, его публичные скульптуры «Просперо и Ариэль» по мотивам пьесы Шекспира «Буря» украшают здание Broadcasting House в Лондоне.

Генри Мур (Henry Moore, 1898–1986)

Ключевой фигурой, сделавшей современную скульптуру по-настоящему популярной в Британии, стал Генри Мур. Вдохновляясь искусством древних цивилизаций и природными формами, Мур создавал масштабные полуабстрактные работы из камня и бронзы. Его фирменным мотивом стали лежащие женские фигуры, в которых органические изгибы человеческого тела сливались с пейзажем. Мур, как и его предшественники, использовал метод прямой резьбы, подчёркивая естественную текстуру материала. Его способность сочетать модернистскую форму с гуманистическим содержанием принесла ему всемирное признание и помогла британской публике принять и полюбить абстрактное искусство.

Эдуардо Паолоцци (Eduardo Paolozzi, 1924–2005)

Один из наиболее ярких представителей послевоенного поколения, Эдуардо Паолоцци, родился в Эдинбурге в семье итальянцев. Он активно использовал в своих бронзовых работах текстурированные поверхности, добиваясь эффекта изношенности с помощью отпечатков переработанных металлических деталей и других предметов, вдавленных в поверхность перед отливкой. Паолоцци экспериментировал с «найденными» материалами, такими как промышленный мусор, старые механизмы и автомобильные детали, превращая их в произведения искусства и закладывая основы для поп-арта в Британии.

Энтони Каро (Anthony Caro, 1924–2013)

Ещё одной важной фигурой британской скульптуры стал Энтони Каро. В 1950-х он работал ассистентом у Генри Мура, но затем отошёл от его стиля и перешёл к созданию абстрактных скульптур из сварных металлических элементов. Решающее влияние на него оказало знакомство с американским скульптором Дэвидом Смитом (1906–1965) в 1959 году. Каро начал создавать яркие, раскрашенные конструкции из промышленных балок и листов стали, которые размещал прямо на полу, без постамента, приглашая зрителя к взаимодействию. Одним из ярких примеров его творчества является работа «Раннее утро» (1962, Галерея Тейт, Лондон).

Новые материалы и техники

Эксперименты с новыми материалами, такими как металл, пластик и переработанные предметы, позволили художникам расширить границы скульптуры. В 1950-х годах активно использовались сварные и кованые металлические конструкции. Некоторые художники, например Наум Габо (1890–1977) и Жан Тингуэли (1925–1991), создавали кинетические скульптуры. Одновременно текстурирование поверхности стало важным художественным приёмом. В работах из терракоты или камня скульпторы стремились подчеркнуть природные свойства материала.

Коллаж, ассамбляж и готовые объекты

Эксперименты с материалами привели к развитию коллажа и ассамбляжа. В 1914 году художники, следуя принципам кубизма и футуризма, начали создавать трёхмерные композиции из реальных предметов. Позднее этот метод активно использовался в сюрреализме. Художники прикрепляли к своим работам материалы с ярко выраженной текстурой: грубую мешковину, рыболовные сети и многое другое.

Ещё один новаторский подход — использование готовых предметов (ready-mades), впервые предложенный французским художником Марселем Дюшаном (1887–1968). В 1913 году он выставил обычное велосипедное колесо, превратив его в арт-объект. Этот жест привлёк внимание к эстетике промышленных изделий и стал важным этапом в развитии концептуального искусства. В 1915 году Дюшан представил лопату для снега под названием «В преддверии сломанной руки». Эти идеи оказали огромное влияние на последующие поколения художников.

Новаторство как суть современной скульптуры

Появление новых методов свидетельствует о том, что идеи пионеров модернизма нашли поддержку и развитие в Англии. Британская скульптура освободилась от ограничений классических техник, и сегодня скульптор может работать любым способом. Знаменитый испанский художник Пабло Пикассо (1881–1973) доказал, что художник может менять свой стиль на протяжении всей жизни. Современные скульпторы утверждают, что обучение ремеслу не должно занимать десятилетия, а их помощники — это скорее специалисты по компьютерным программам, чем подмастерья-каменщики.

Отказ от традиционных методов — это реакция на подходы прошлого. Чем дальше художник уходит от классики, тем более современным он считается. Современное постмодернистское искусство создаётся поколениями, родившимися уже после эпохи кубизма. Искусство не достигает некоего «совершенства» и не остаётся статичным; оно меняется вместе с эпохой. Нельзя считать произведение плохим лишь потому, что оно не похоже на скульптуру Ренессанса или Древней Греции. Хорошее авангардное искусство не хуже произведений прошлого, но оно должно быть иным, иначе оно рискует стать лишь копией, не выражающей идей и чувств своего времени.

Образцы современной британской скульптуры 1930–1970-х годов представлены во многих ведущих музеях и скульптурных парках мира.