Определение искусства читать ~23 мин.

Не существует общепринятого определения искусства. Хотя этот термин обычно используют для описания чего-то красивого или умения, создающего эстетический результат, чёткой границы между, скажем, уникальной скульптурой ручной работы и визуально привлекательным изделием массового производства, по сути, нет. Можно сказать, что искусство требует мысли — некоего творческого импульса, — но это лишь порождает новые вопросы. Например, какой объём мысли необходим? Если кто-то выплёскивает краску на холст в надежде создать произведение искусства, становится ли результат искусством автоматически?

Даже понятие «красота» вызывает очевидные вопросы. Если я считаю неубранную кровать моей младшей сестры чем-то «красивым» или эстетически приятным, делает ли это её произведением искусства? Если нет, то изменится ли её статус, если со мной согласится миллион человек, но сама сестра будет считать, что это просто гора одежды?

Искусство: многообразие форм, видов и жанров

Прежде чем пытаться дать определение искусству, в первую очередь необходимо осознать его огромную сферу охвата.

Искусство — это глобальное явление, которое включает в себя множество дисциплин. Об этом свидетельствует целый ряд терминов, придуманных для описания его различных форм. Примеры таких понятий: «изобразительное искусство», «изящные искусства», «декоративное искусство», «прикладное искусство», «дизайн», «ремёсла», «исполнительское искусство» и так далее.

При более детальном рассмотрении многие категории классифицируются в соответствии с используемыми материалами: рисунок, живопись, скульптура (включая керамику), художественное стекло, иллюминированные рукописи, граффити, художественная фотография, анимация и т. д. В свою очередь, эти категории делятся на подкатегории: живопись маслом, акварелью, акрилом; скульптура из бронзы, камня, дерева, фарфора — и это лишь капля в море. Существуют и другие подразделения, основанные на жанрах, такие как: нарративное искусство, портрет, бытовой жанр, пейзаж, натюрморт.

Кроме того, в XX веке появились совершенно новые формы искусства, такие как: ассамбляж, концептуализм, коллаж, ленд-арт, инсталляция, граффити и видео-арт, а также широкое концептуальное движение, которое ставит под сомнение саму ценность объективного искусства. Для дополнительной информации см.: Виды искусства.

Определение искусства в контексте эпохи и культуры

Важно также понимать, что искусство отражает эпоху и культуру, которые его породили, и неотделимо от них.

Действительно, как можно сравнивать доисторические наскальные рисунки каменного века, искусство племён, самобытное искусство Океании или архаичное африканское искусство с фресками Микеланджело XVI века в Сикстинской капелле? Политические события — один из наиболее очевидных факторов эпохи, влияющих на искусство: например, такие направления, как экспрессионизм, дадаизм и сюрреализм, стали продуктами политической нестабильности и потрясений.

Культурные различия также выступают естественными границами. Западная живопись и китайская каллиграфия — это совершенно разные миры. Много ли общего у западных видов искусства с японским искусством складывания бумаги оригами? Религия — ключевой культурный фактор, определяющий художественную форму. Стиль барокко испытал сильное влияние католической контрреформации, в то время как исламское искусство (как и православное христианство) запрещает определённые виды иконографии.

Иными словами, к какому бы определению искусства мы ни пришли, оно должно учитывать контекст эпохи и культуры. При этом необходимо принимать во внимание и такие категории, как ар брют (искусство аутсайдеров). Смотрите также: Примитивизм.

Вывод

Как видно из вышесказанного, мир искусства представляет собой чрезвычайно сложное явление не только из-за многообразия его форм и видов, но и в силу его глубоких исторических и культурных корней. Поэтому выработать простое определение или даже достичь широкого согласия в том, что можно считать искусством, оказывается крайне сложно.

История определения искусства

Руководство по течениям и периодам см. также: История искусства.

Классическое понимание искусства

Изначальное классическое определение, происходящее от латинского слова «ars» («умение» или «ремесло»), — хорошая отправная точка. В рамках этого широкого подхода искусство определяется как «продукт совокупности знаний, чаще всего с использованием набора навыков». Означает ли это, что художники и скульпторы эпохи Возрождения рассматривались лишь как высококвалифицированные ремесленники? Неудивительно, что Леонардо да Винчи и Микеланджело прилагали огромные усилия, чтобы поднять статус художников (а следовательно, и само искусство) на более высокий, интеллектуальный уровень.

Значение искусства в эпоху после Ренессанса

Появление крупных европейских академий художеств отразило постепенное изменение статуса искусства. Этому изменению восприятия способствовали и новые направления в философии. К середине XVIII века для того, чтобы произведение считалось искусством, одной лишь демонстрации технических навыков было уже недостаточно — теперь требовался «эстетический» компонент, оно должно было восприниматься как нечто «прекрасное».

В то же время понятие «утилитаризм» (функциональность) использовалось, чтобы отличать более благородные «изящные искусства» («искусство ради искусства»), такие как живопись и скульптура, от менее значимых форм «прикладного искусства», включая ремёсла и коммерческий дизайн, а также от «декоративных искусств», таких как дизайн текстиля и интерьера.

Таким образом, к концу XIX века искусство разделилось как минимум на две большие категории: изящное искусство и всё остальное. Эта ситуация отражала культурный снобизм и моральные стандарты европейского общества. Более того, несмотря на то, что вера в эстетические идеалы эпохи Возрождения начала ослабевать, её идеология по-прежнему оказывала сильное влияние на мир изящных искусств: даже живопись и скульптура должны были соответствовать определённым эстетическим правилам, чтобы считаться «настоящим искусством».

Значение искусства в начале XX века

Затем появился кубизм (1907–1914), который до основания потряс систему изящных искусств. И дело не только в том, что Пикассо представил не натуралистическое направление в живописи и скульптуре, но и в том, что это разрушило единый, унаследованный от Ренессанса, подход к тому, как искусство соотносится с окружающим миром. Таким образом, главный вклад кубизма состоял в том, что он стал катализатором для множества новых течений, которые значительно расширили теорию и практику искусства: супрематизм, конструктивизм, дадаизм, неопластицизм, сюрреализм и концептуализм, а также различные реалистические стили, такие как социальный и социалистический реализм. На практике это распространение новых стилей и техник привело к очередному расширению значения и определения искусства. Освободившись от «ренессансной смирительной рубашки» и всех связанных с ней правил «объективности» (касающихся перспективы, материалов, содержания, композиции и т. д.), изящные искусства обрели значительный элемент «субъективности». Художники получили невиданную ранее свободу создавать картины и скульптуры в соответствии с собственным видением и ценностями. Фактически, можно сказать, что с этого момента «искусство» стало не поддающимся определению.

Декоративно-прикладное искусство претерпело схожую трансформацию благодаря появлению значительно более широкого ассортимента коммерческой продукции. Однако последовавшее за этим увеличение числа смежных дисциплин в дизайне и ремёслах не оказало существенного влияния на определение и значение искусства в целом.

Значение искусства после Второй мировой войны

Катаклизм Второй мировой войны привёл к тому, что Париж утратил статус мировой столицы искусства, и его место занял Нью-Йорк. Это новое, американское, направление способствовало дальнейшей коммерциализации искусства и ослаблению его связи с традициями эстетизма. Эту тенденцию подхлестнуло появление абстрактного экспрессионизма, поп-арта и деятельность нового поколения художников-знаменитостей, таких как Энди Уорхол. Внезапно даже самые обыденные предметы и идеи стали возводиться в ранг «искусства». Под влиянием этого популистского подхода концептуалисты представили новые формы, такие как ассамбляж, инсталляция, видео и перформанс. Со временем свой вклад внесло и граффити, а также многочисленные стили, переосмысляющие прошлое, такие как нео-дада, неоэкспрессионизм и нео-поп, и это лишь некоторые из них. Художественные школы и колледжи по всему миру покорно приняли эту новую множественность подходов, подливая масла в огонь, довершавший сожжение традиций искусства эпохи Возрождения.

Постмодернизм и значение искусства

Переосмысление искусства в последние три десятилетия XX века получило дополнительную интеллектуальную поддержку со стороны теоретиков постмодернизма. Согласно их взглядам, акцент сместился с художественного мастерства на «смысл» создаваемого произведения. Кроме того, то, «как» произведение «переживается» зрителями, стало важнейшим компонентом его эстетической ценности. Феноменальный успех современных художников, таких как Дэмиен Хёрст, а также Гилберт и Джордж, является ярким подтверждением этой точки зрения. Подробнее об экспериментальных художниках см.: авангардное искусство.

Рабочее определение искусства

В свете этого исторического развития понятия «искусство», можно попытаться дать следующее «рабочее» определение:

Искусство рождается, когда художник создаёт прекрасный объект или вызывает у зрителя переживания, которые, по мнению аудитории, обладают художественной ценностью.

Это всего лишь «рабочее» определение: достаточно широкое, чтобы охватить большинство форм современного искусства, но и достаточно узкое, чтобы исключить «события», чьё «художественное» содержание не дотягивает до определённого уровня. Обратите внимание, что слово «художник» включено для учёта контекста произведения; слово «прекрасный» отражает потребность в некоторой «эстетической» ценности; а фраза «по мнению аудитории, обладают художественной ценностью» подчёркивает необходимость отклика — базового признания усилий художника.

Теория и философия искусства: вопросы для обсуждения

— Если мы ценим положительное влияние искусства, нужно ли нам его определять?

Веками, если не тысячелетиями, люди восхищались, а порой и были потрясены произведениями искусства: от греческой скульптуры до византийской архитектуры, от гениальных творений старых мастеров эпохи Возрождения и барокко, таких как Донателло, Рафаэль и Рембрандт, до известных художников современности, таких как Ван Гог, Пикассо и Роден. Поэзия, балет и кино могут вдохновлять не меньше. Поэтому, хоть мы и не можем точно объяснить, что такое искусство, мы не можем отрицать его влияние на нашу жизнь — и это одна из причин, по которой публичное искусство стоит поддерживать.

— Чем нам может помочь определение искусства?

Сама сущность творчества подразумевает, что его нельзя определить и заключить в жёсткие рамки. Любая попытка сделать это быстро устареет и, следовательно, станет бессмысленной и даже контрпродуктивной. Что произойдёт, например, если художник создаст нечто, что все считают «искусством», но институциональный мир искусства таковым его не признаёт? Стоит помнить, что мы, возможно, не можем дать исчерпывающее определение понятиям «стол» или «слон», но это не создаёт для нас особых проблем!

— Является ли искусство лишь отражением наших личных ценностей?

Справедливо будет сказать, что человек, воспитанный на ценностях искусства Ренессанса и имеющий представление о традиционной живописи, с меньшей вероятностью сочтёт искусством постмодернистскую инсталляцию, чем тот, кто таким бэкграундом не обладает. Точно так же человек, который любит телевидение и считает музеи скучными местами, скорее будет впечатлён современным видео-артом, чем ценитель традиционных музейных экспозиций. Исходя из этого, можно утверждать, что отношение человека к искусству говорит больше о его личных ценностях, чем о самом искусстве.

— Кто вправе определять искусство?

Поскольку даже среди искусствоведов нет единого мнения о значении искусства, кому из «экспертов» следует доверить эту задачу? Художникам, социологам, историкам, юристам, философам, археологам, антропологам или психологам? В конце концов, мир полон так называемых «экспертов» — структуралистов, процессуалистов, функционалистов, а также политических теоретиков вроде марксистов, — и все они не могут договориться о том, что считать искусством. Так кому же мы поручим эту работу?

Как классифицируется искусство?

Традиционное и современное искусство охватывает такие разнообразные области, как архитектура, музыка, опера, театр, танец, живопись, скульптура, иллюстрация, графика, мультипликация, эстамп, керамика, витраж, фотография, инсталляция, видео, кино и кинематография и многие другие.

Все эти виды деятельности обычно объединяют под общим названием «искусства» и классифицируют по нескольким пересекающимся категориям, таким как: изобразительные, визуальные, пластические, декоративные, прикладные и исполнительские.

Относительно точного состава этих категорий ведутся споры, но ниже приводится общепринятая классификация.

1. Изобразительное искусство

В эту категорию входят произведения, созданные преимущественно из эстетических соображений («искусство ради искусства»), а не для коммерческого или утилитарного использования. Понятие «изобразительное искусство» (или «изящные искусства»), создаваемое ради его возвышающих, облагораживающих качеств, обычно ассоциируется с традиционными западноевропейскими «высокими искусствами», такими как:

Рисунок
С использованием угля, мела, цветных мелков, пастели, а также карандаша или пера и туши. Две основные области применения — иллюминированные рукописи (ок. 600–1200) и книжная иллюстрация.

Живопись
С использованием масла, акварели, гуаши, акрила, туши или более старинных техник — темперы или энкаустики. О красителях читайте в наших статьях: Цвет в живописи и Цвет, пигменты, типы.

Графика (эстамп)
С использованием как простых техник, таких как ксилография (гравюра на дереве) или трафарет, так и более сложных, как гравюра резцом, офорт и литография, или современных форм, таких как шелкография, тиснение фольгой или жикле. О важном виде эстампа см.: Искусство плаката.

Скульптура
Из бронзы, камня, мрамора, дерева или глины.

Другой вид изящного искусства, зародившийся в Китае, — каллиграфия, очень сложная форма стилизованного письма.

Эволюция изящных искусств

После примитивных форм наскальной живописи, статуэток и других видов древнего искусства наступила золотая эра греческого искусства и других школ классической античности. Падение Рима (ок. 400–450) ознаменовало начало периода Тёмных веков (ок. 450–1000), который украсили лишь кельтское искусство и орнаменты позднего латенского стиля. Затем в истории западного искусства последовало множество художественных «стилей» и «течений», таких как: готика (ок. 1100–1300), Ренессанс (ок. 1300–1600), барокко (XVII век), неоклассицизм (XVIII век), романтизм (XVIII – XIX века), реализм и импрессионизм (XIX век), кубизм, экспрессионизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм и поп-арт (XX век).

Краткий обзор модернизма (ок. 1860–1965) см. в разделе Движения в современном искусстве; гид по постмодернизму (ок. 1965 – настоящее время) см. в нашем списке основных движений в новейшем искусстве.

Традиция

Изобразительное искусство было традиционным видом академического искусства, которое преподавали в ведущих академиях, таких как Академия искусств во Флоренции, Академия Святого Луки в Риме, Академия изящных искусств в Париже и Королевская академия в Лондоне. Одним из ключевых наследий этих академий стала их теория линейной перспективы и иерархия жанров живописи, которая делила все произведения на 5 типов: исторический, портретный, бытовой, пейзаж и натюрморт.

Меценаты

С момента зарождения христианства крупнейшим и самым значительным заказчиком и меценатом изящных искусств была Церковь. Неудивительно, что большая часть произведений живописи и скульптуры представляла собой религиозное искусство, включая такие специфические формы, как иконы и алтарные образы.

2. Визуальные искусства

Визуальные искусства включают в себя все изящные искусства, а также новые медиа и современные формы самовыражения, такие как ассамбляж, коллаж, концептуальное искусство, инсталляции и перформанс, а также фотографию (см. также: «Является ли фотография искусством?») и кинематографические формы, такие как видео-арт и анимация, или любые их комбинации. Ещё один вид, зачастую монументального масштаба, — это сравнительно новый ленд-арт.

3. Пластические искусства

Термин «пластические искусства» обычно обозначает трёхмерные произведения, созданные из материалов, которым можно придавать форму или как-либо их изменять (пластифицировать): например, глина, гипс, камень, металл, дерево (скульптура), бумага (оригами) и т. д. О трёхмерных работах, сделанных из повседневных материалов и «найденных объектов», включая «реди-мейды» Марселя Дюшана (1913–1921), см.: Джанк-арт (Junk art).

4. Декоративные искусства

Эта категория традиционно обозначает виды искусства, создающие функциональные, но при этом художественно оформленные предметы, такие как изделия из стекла, глины, дерева, металла или ткани. Сюда входят все виды ювелирного и мозаичного искусства, а также керамика (например, изысканные образцы древней керамики, в частности китайской и греческой), мебель, предметы интерьера, витражи и гобелены. Известные стили декоративного искусства: рококо (1700–1800), прерафаэлиты (расцвет 1848–1855), японизм (1854–1900), модерн (1890–1914), ар-деко (ок. 1925–1940), эдвардианский стиль и ретро.

Возможно, величайший расцвет декоративного и прикладного искусства в Европе пришёлся на XVII – XVIII века при французском королевском дворе. Для дополнительной информации см.: Французское декоративное искусство (ок. 1640–1792); Французские дизайнеры (ок. 1640–1792); и Французская мебель (ок. 1640–1792).

5. Исполнительские искусства

К этому виду относятся публичные выступления. Традиционные формы включают театр, оперу, музыку и балет. Современное исполнительское искусство (перформанс) также включает любую деятельность, в которой средством выражения служит физическое присутствие художника. Сюда относятся мимика, боди-арт и тому подобное. Одна из новейших форм исполнительского искусства известна как хэппенинг.

6. Прикладное искусство

Эта категория охватывает все виды деятельности, связанные с применением эстетических принципов при создании повседневных функциональных объектов. В то время как изящные искусства направлены на интеллектуальное и эмоциональное воздействие, прикладное искусство создаёт утилитарные предметы (чашку, диван, часы, стул или стол), используя в их дизайне эстетические принципы. Народное искусство в основном связано с этим видом творческой деятельности. Прикладное искусство включает в себя архитектуру, компьютерное искусство, фотографию, промышленный дизайн, графический дизайн, дизайн одежды, дизайн интерьера, а также все виды декоративных искусств и ремёсел. Среди известных стилей — школа дизайна Баухаус, а также ар-нуво и ар-деко. Одной из важнейших форм прикладного искусства XX века является архитектура, особенно архитектура небоскрёбов, которая доминирует в городском ландшафте Нью-Йорка, Чикаго, Гонконга и многих других городов мира. Обзор этого вида публичного искусства см.: Американская архитектура (1600 – настоящее время).

Дискуссия «Искусство против ремесла»

Согласно традиционной теории, между «искусством» и «ремеслом» существует фундаментальное различие. Проще говоря, хотя оба вида деятельности требуют творческих навыков, первый предполагает более высокий уровень интеллектуального вклада. Исходя из этого, ткач, например, будет считаться ремесленником, а дизайнер сумок — художником. В этом довольно искусственном разграничении декоративно-прикладных искусств и ремёсел ключевым фактором является функциональность. Так, ювелир, создающий нефункциональные предметы, такие как кольца или ожерелья, будет считаться художником, а часовщик — ремесленником; стеклодув может считаться ремесленником, а создатель витражей — художником. Идея состоит в том, что художники стоят выше, потому что они «творят» ради красоты, в то время как ремесленники изготавливают шаблонные или чисто функциональные предметы. Возможно, в этой теории есть доля истины, но многие виды мастерства неотличимы от настоящего искусства. В качестве примера можно привести художника-аниматора, создающего тысячи похожих изображений персонажа мультфильма. Да, его «искусство» чисто функционально и коммерциализировано, но никто не станет отрицать, что он — художник. Примечание: см. также: Движение искусств и ремёсел (1862–1914).

Влияние Ренессанса на западную концепцию искусства

В целом, до начала эпохи Возрождения в XV веке все художники считались ремесленниками. Даже величайшие мастера, такие как Джотто, Боттичелли, Леонардо да Винчи и Рафаэль, воспринимались не более чем квалифицированными работниками, а гениальные скульпторы, как Донателло, — просто специалистами по обработке камня и литью из бронзы. Действительно, целью Леонардо и Микеланджело было повышение статуса художника до уровня свободной профессии — амбиция, которая была реализована в 1561 году с основанием первой Академии искусств во Флоренции, созданной для профессионального обучения художников (disegno).

Однако, хотя художникам эпохи Возрождения и удалось поднять своё ремесло до уровня профессии, они определили искусство как деятельность прежде всего интеллектуальную. Эта укоренившаяся идея искусства как интеллектуальной дисциплины передавалась из века в век и до сих пор влияет на современные представления о его значении. Несмотря на некоторые изменения, примером которых служат новые учебные программы художественных школ, изящные искусства по-прежнему сохраняют своё главенствующее положение по отношению к ремёслам, таким как прикладное и декоративное искусство.

Вопросы об искусстве

Возможно, мы и не в состоянии определить искусство, но мы можем углубить наше понимание, задавая вопросы о его природе и назначении. Вот некоторые из ключевых вопросов с краткими комментариями. (См. также: Глоссарий по искусству и цвету)

— В чём смысл искусства?

Скептики говорят, что искусство — пустая трата времени. Даже знаменитый поэт Уистен Хью Оден признавал, что ни одно стихотворение не спасло ни одного человека из нацистских газовых камер. И хотя это может показаться жестоким утверждением, оно подчёркивает мысль о том, что искусство имеет ограниченное применение в нашей повседневной жизни, за исключением привлекательных зданий, чайников, автомобилей или одежды.

На это есть два основных ответа. Во-первых, прикладное искусство — это важнейшая ветвь искусства, которую трудно отделить от изящного, потому что в основе любого дизайна (который является фундаментом прикладного искусства) лежит искусство изобразительное. Во-вторых, с тех пор как Homo Sapiens обрёл способность к рефлексии, он выражал свои мысли в изобразительной форме. В то же время человек всегда ценил красоту — будь то человеческие лица, закаты, узоры на шкурах животных, соборы или скульптуры. Короче говоря, создавать и ценить искусство — значит быть человеком. В этом и заключается его смысл.

— Как отличить хорошее искусство от плохого?

Неспособность дать определение искусству не означает, что все его произведения хороши. Проблема в том, кто решает, где заканчивается хорошее искусство и начинается плохое?

Этот популярный вопрос может возникать из-за естественного желания не быть обманутым мошенниками, выдающими себя за «художников», но, независимо от его происхождения, он не так уж и важен. На практике профессиональным художникам необходимо общественное признание. И хотя временная мода может иногда продвигать произведения сомнительной ценности, широкая публика (как и художественное сообщество) вряд ли останется в стороне и позволит плохому искусству войти в норму.

— Почему искусствоведы всё так усложняют?

Примером тому служат статьи в журналах об искусстве, переполненные профессиональным жаргоном, где, кажется, никто уже не пользуется простым языком. То же самое касается каталогов выставок и искусствоведческих книг.

Авторы этих текстов могут возразить, что такой жаргон — не более чем необходимый для краткости специальный язык, и что он предназначен в основном для других «экспертов». Но так ли это на самом деле? Например, почти невозможно найти книгу с простым объяснением кубизма. Как же тогда молодому студенту понять, почему революционное движение Пикассо и Брака так важно? То же самое можно сказать о десятках явлений в мире искусства. А описания некоторых произведений абстрактного искусства звучат так сложно, что для их «понимания» почти нужен научный диплом.

— Примеры бессмысленных искусствоведческих текстов: зачем этот жаргон?

Современные обозреватели, критики и художники часто прибегают к заумным формулировкам, пытаясь описать произведение искусства. Вот несколько анонимных примеров, чтобы избавить авторов от смущения. Все они взяты из пресс-релизов или с сайтов «авторитетных» организаций:

“…Название подводит итог цели выставки: поместить живопись в область возможного и рассмотреть необходимость её переосмысления и эксперимента, если живопись намерена продолжать развиваться в направлении безграничного потенциала”.

“…Это первая выставка, посвящённая таким разнообразным темам, как игра и тоска, интенсивность личного пространства, навязчивая органика, абстрактный цвет, внутренняя конструкция, архитектурное пространство, время и трансцендентность”.

“…Художник создал серию безупречных работ, исследующих основные составляющие живописных материалов, названную в честь трактата Альберти «О живописи». Каждое произведение тщательно, но с особой изобретательностью, развивало релевантную, но обособленную линию исследования”.

“…Постструктуралисты, начиная с Жака Деррида, который и ввёл этот термин, утверждали, что возможность деконструкции подразумевает отсутствие в тексте внутренней сущности, а лишь наличие контраста различий. Это аналогично идее о том, что разница в восприятии между чёрным и белым — это контекст”.

“…Работа художника — это размышление о возможностях; попытка манифестировать важность свободы. Изучая множество значений казалось бы обыденных предметов, он участвует в трансценденции их функций…”

— В чём смысл абстрактного искусства? Оно выглядит странно!

Вплоть до конца XIX века большинство произведений живописи и скульптуры придерживалось традиционных принципов. Как правило, это было репрезентативное (фигуративное) искусство. Затем импрессионизм всё изменил, введя неестественные цветовые схемы; этот процесс продолжили фовисты и экспрессионисты. Затем кубизм отверг понятие глубины и перспективы в живописи и открыл двери для более абстрактного искусства, включая такие течения, как футуризм, Де Стейл, дадаизм, конструктивизм, сюрреализм, неопластицизм, абстрактный экспрессионизм и оп-арт.

Поскольку в абстрактном искусстве мало натуралистических элементов, оно не так легко считывается, как, скажем, классический портрет или пейзаж. И если вы предпочитаете, чтобы произведение искусства изображало узнаваемых людей и места, то абстракция вряд ли придётся вам по душе. Но, если честно, разве это так уж сильно отличается от неприятия определённого цвета или стиля в одежде? Разным людям нравятся разные вещи, и это касается не только искусства, но и работы, автомобилей, домов, мебели, отдыха и всего остального.

Абстрактные или нефигуративные картины, как правило, содержат скрытое послание или следуют определённой художественной теории. Это может делать их менее доступными и менее «красивыми» для некоторых людей, но это не значит, что они не могут быть выдающимися произведениями искусства.

— Следует ли субсидировать искусство?

Большинству художников, для которых творчество является основной занятостью, чрезвычайно трудно зарабатывать на жизнь своей живописью или скульптурой. На это скептики возражают: «Ну, если никто не хочет покупать их работы, почему налогоплательщик должен за это платить?»

Не стоит легкомысленно отмахиваться от этого вопроса. В конце концов, скептики не говорят, что художники не должны заниматься искусством, — они лишь считают, что те должны искать частных спонсоров.

Ответ на этот вопрос может быть следующим. Во-первых, большинство художественных вузов обучают студентов различным коммерческим направлениям, особенно в области прикладного искусства и дизайна. Таким образом, для этих людей вопрос о субсидиях не стоит. Более того, те студенты, которые выбирают карьеру художника или скульптора на полную ставку, вступают на очень трудный и материально невыгодный жизненный путь. Не в последнюю очередь потому, что спонсорская поддержка (в виде общественных заказов, стипендий и грантов) на самом деле очень ограничена. Уровень государственных субсидий на искусство в западных странах остаётся довольно низким по сравнению с другими областями. Так что даже здесь сумма государственных денег, выделяемых на искусство, не так уж велика.

Тем не менее, государственные деньги на искусство тратятся, и вот почему. Красота — будь то в виде привлекательного автомобиля, хорошо спроектированного общественного здания или площади, красочного платья или вдохновляющей скульптуры — это одно из немногих явлений, которые поднимают нам настроение и напоминают, что жизнь — это нечто большее, чем цены на продукты. Но без искусства этот спектр эстетических переживаний будет постепенно сужаться, а ценность красоты как значимой цели — снижаться. Литература (да и история) полна примеров обществ, где функциональность — это всё, а граждане носят одинаковую невзрачную одежду, живут в одинаковых серых квартирах и ведут однообразную, унылую жизнь.

Интернет-коллекции живописи и скульптуры

В интернете можно найти огромное количество картин и скульптур. (Только на нашем сайте собраны сотни тысяч изображений.) Посмотрите коллекции лучших художественных музеев, таких как Галерея Уффици (Флоренция), Лувр (Париж), Музей Прадо (Мадрид), Национальная галерея (Лондон), Картинная галерея (Берлин), Эрмитаж (Санкт-Петербург), Метрополитен-музей и Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк), Национальная галерея искусств (Вашингтон) — и это лишь некоторые из музеев, представленных на Gallerix.ru.

Подробнее о классификации искусства см.: Энциклопедия визуальных искусств.