Христианское искусство

С момента своего зарождения в первом веке в Римской империи, христианство распространилось по всему миру, став главной религией, системой ценностей и социальной повесткой дня человечества: по крайней мере, до 20 века. Возглавляемое сначала Христом и Апостолами, оно постепенно породило свою собственную иерархическую организацию, христианскую церковь, которая со временем стала крупнейшим и наиболее влиятельным покровителем искусств.

С самого начала христианская церковь использовала множество различных видов искусства, чтобы создать самобытность, увеличить свою силу и, таким образом, привлечь поклонников. В процессе она разработала свою собственную христианскую иконографию, в значительной степени опираясь на архитектуру (соборы, церкви, монастыри), скульптуру (статуи Святого Семейства, а также пророков, апостолов, святых), живопись (запрестольные, церковные росписи), декоративное искусство (витражи, мозаики) и иллюминированные рукописи (Евангелия, псалтыри). Фактически, в начале 16 века Церковь заказала так много библейского искусства – используя деньги, собранные за счёт более высоких налогов и «продажи» благотворительности и индульгенций, – что это привело к массовым протестам: протестам, которые переросли в Реформацию, и разделение церкви на католическую и протестантскую. Тем не менее, можно сказать, что, по крайней мере на Западе, история искусства – это история христианского искусства.

Историческая справка

В 313 году, после почти трёх столетий ненадёжного существования (и традиции искусства, ограниченной кольцами, печатями и некоторыми картинами в катакомбах), христианству наконец разрешили существовать. В этом году римские императоры Константин и Лициний издали Миланский эдикт, узаконивший христианское богослужение. Затем, в 380 году, будущее христианства было обеспечено, когда император Феодосий I, последний римский император, правивший всей империей, объявил, что впредь это единственная официальная религия империи.

В V веке под натиском варваров Римская империя разделилась на две половины: восточную и западную. Восточная половина, сосредоточенная в Константинополе, приняла Восточную Православную Церковь, став всемирно известной своей иконописью и мозаикой, а западная половина осталась в Риме и продолжила следовать римской церкви. Которая расцвела при Карле Великом и Оттонах и полностью восстановилась благодаря масштабной кампании строительства романских и готических соборов (около 1000-1350 гг.). Позже, в 1517 году, голландский пастор Лютер начал религиозную революцию, известную как Реформация, кульминацией которой стало формирование более скромной, менее иерархической формы христианства, известной как протестантство (или Протестантизм), с тех пор Римская церковь стала называться римским католицизмом. Христианское искусство включает в себя как католицизм, так и протестантство, а также более раннее ответвление – Восточную православную церковь.

Раннехристианское искусство в Риме (c.150-450)

До легализации христианства в 313 году раннехристианское искусство было относительно немногочисленным. Оно состояло из фресок на стенах некоторых катакомб (захоронения за пределами городских стен) и мест собраний «дом-церковь»; ряда простых архитектурных проектов сооружений (мучеников), возведённых над могилами шехидов; и ряда саркофагов, на которых вырезаны различные эмблемы или рельефы Иисуса, Марии и других библейских фигур. В те ранние времена, когда христиан ещё преследовали, большинство христианского римского искусства оставались (буквально) частью подпольной культуры. Более того, христианство (вместе с образами, используемыми для его обозначения или иллюстрации) всё ещё находилось в процессе эволюции из тайного общества (образы которого были понятны только немногим посвящённым) в общественную организацию (образы которой были понятны всем). Таким образом, сначала христианская живопись и, в частности, раннехристианская скульптура использовали мотивы как римского, так и греческого искусства: например, изображение «Христа в величии» происходит как из римских имперских портретов, так и из изображений греческого бога Зевса. Потребовались века, чтобы христианская иконография была стандартизирована и согласована с библейскими текстами (канонизирована).

Когда христианство было разрешено законом, его потребность в религиозном искусстве быстро увеличивалась. Новые церкви были построены как центры поклонения, используя архитектурный дизайн основной римской базилики (используемой для гражданского управления и правосудия). Типичная базилика имела центральный неф с одним или несколькими нефами с обеих сторон и полукруглую или многоугольную апсиду на одном конце, покрытую полукуполом или секционным сводом. Апсида стала пресвитерией и содержала возвышенную платформу, на которой сидели епископ, его священники, а также жертвенник. Баптистерии также были спроектированы и построены для различных обрядов, особенно для крещения с последующим помазанием маслом, поскольку некрещёные люди не могли войти в христианскую базилику.

Большая часть внутреннего убранства этих новых религиозных зданий была выполнена с помощью мозаики, хотя появлялись и фрески. Скульптурное убранство саркофагов стало более замысловатым, часто иллюстрируя многочисленные сцены из Библии. Но полностью отдельные скульптуры почти не использовали, опасаясь создания языческих идолов. Поэтому рельефная скульптура была стандартной, в основном из камня, резьба по слоновой кости была ещё одним популярным средством. В целом, 4-й век стал свидетелем большого шага в развитии искусства, использования более богатых материалов и развития точных повествовательных последовательностей, как в мозаиках Санта-Мария-Маджоре в Риме и церквях 5-го века в Равенне. Кроме того, в V веке христианские образы стали придавать большее значение религиозному значению, чем реализму. Таким образом, значение реалистической перспективы, пропорций, цвета и света было понижено в пользу стандартизированных условностей и символов при изображении библейских фигур и событий.

Византийское искусство: иконы, мозаика, архитектура (c.450-1450)

Византийское искусство, то есть искусство Восточной православной церкви – форма христианства, возникшая в Константинополе (ранее называвшемся Византией, теперь – Стамбулом), штаб-квартире Римской империи на востоке, – было первой категорией христианского искусства, которая действительно расцвела. Выражение теократического государства, которое оно представляло, христианское византийское искусство специализировалось на архитектуре, мозаике, настенной росписи и иконописи. Византийские художники также преуспели в изготовлении ювелирных изделий, ювелирном деле и работе со слоновой костью и создали самую раннюю иллюминированную рукопись (кодекс).

По мере того, как власть Рима падала, власть Константинополя росла. В 535 году войска Юстиниана I (482-565), византийского императора с 527 по 565 годы, вторглись в Италию (в основном занятую варварами) и в 540 году захватили Равенну, которая стала резиденцией византийского правительства в Италии. С 540 по 600 год экзарх Равенны инициировал крупную программу строительства церквей в городе и его портовом пригороде Классе: они включали базилику Сан-Витале и базилику Сант-Аполлинаре-ин-Класс. Базилика Сан-Витале сочетает в себе римский купол, дверные проёмы и ступенчатые башни с византийской многоугольной апсидой, а также византийские капители и узкие блоки. Она всемирно известна своей византийской мозаикой и это лучше всего сохранившаяся мозаика за пределами Константинополя. Подробнее см.: Мозаики Равенны. (ок. 400-600).

Как бы то ни было, византийская архитектура достигла своих отличительных форм во время жизни Юстиниана, при котором были построены четыре основные церкви в Константинополе, в том числе: Базилика Святых Сергия и Вакха (начало 526 г.); Базилика Святой Ирины (начата в 532 г.); Базилика Апостолов (536-46), дизайн которой был воспроизведён в соборе Святого Марка в Венеции, и самая большая из них – Базилика Святой Софии (1532-37) (преобразованная в мечеть в 1453 году, ныне музей). Увенчанный массивным куполом, вес которого переносился на угловые опоры революционными вогнутыми треугольными секциями из камня, называемыми подвесками, и украшенный повсюду золотой мозаикой и разноцветным мрамором, собор Святой Софии был кульминацией римской архитектуры и главным источником вдохновения для более поздних построек на Ближнем Востоке, в том числе мечети Султана Ахмеда.

Мозаичное искусство было важнейшей особенностью византийского искусства на протяжении почти тысячи лет: оно сравнимо со скульптурой в Древней Греции, росписью панно Северного Возрождения или алтарём в Венеции 16 века. Мерцающие при свечах и иногда украшенные сусальным золотом, эти изысканные стеклянные элементы подчинялись строгим правилам в отношении цвета, размера и композиции. Мозаика преследовала две основные цели: украсить дом Господа (и вызвать восхищение у зрителя) и обучать неграмотных верующих Евангелию. Отдельные части мозаики (тессеры) часто намеренно размещались неравномерно, чтобы создать движение света и цвета.

Быстрый рост арабского могущества в 7 веке и связанные с этим экономические трудности, с которыми столкнулась Византийская империя, привели к переоценке арабской культуры и исламского искусства. В течение 8-го века (726-787) и 9-го века (814-842) это завершилось «иконоборством», когда был наложен запрет на все изобразительные произведения искусства. Это очень не понравилось византийским мастерам мозаики. Многие, кто был категорически против иконоборчества, эмигрировали в Рим. Другие, как это ни парадоксально, отправились в арабские города, где создавали одни из самых прекрасных абстрактных мозаик. См., например, храмы в Исламском Куполе Скалы (688–91, Иерусалим) и Великой мечети (715, Дамаск).

Сегодня Равенна остаётся лучшим и почти единственным источником сохранившихся мозаик. К ним относятся: мозаика Христос как добрый пастырь (450, мавзолей Галлы Плацидии); мозаика Крещение Христа (VI век, Арианский баптистерий); Королева Феодора (547, базилика Сан – Витале); Мозаика Христа перед Понтием Пилатом (550, Сант-Аполлинаре-Нуово, Класс). В Стамбуле посмотрите мозаику на полу (400-550) в Императорском дворце; мозаики Южной галереи (около 1260 г.) в соборе Святой Софии; мозаику Успение Богородицы (1310 г., церковь монастыря Хора). В другом месте Византийской империи, в Салониках, посмотрите мозаики в Хагиос Деметриос (650 г.); и выдающиеся мозаики апсиды начала XII века в соборе Торчелло в Венеции.

Роспись стен была значительно дешевле мозаики и поэтому предназначалась для более бедных церквей. Однако позже, по мере роста экономических трудностей, эта альтернатива стала более распространённой. Роспись характеризовалась крупномасштабными «архитектурными» композициями – византийские художники-монументалисты обычно использовали всю стену в качестве «холста» – как правило, наполненного повествовательными деталями без учёта принципов времени и места. Известные сохранившиеся византийские христианские фрески: росписи в погребальной камере (450-500) в Никее (Изник); Плач Христа (1164, Церковь Пантелеимона, Нерези, Скопье, Македония); Распятие (1209, церковь святого Иоакима и святой Анны, Студеница, Сербия).

Учитывая её теократическую природу, возможно, неудивительно, что византийская культура больше известна своими иконами, чем фресками. Эти небольшие религиозные панно-диптихи (иногда называемые «путешествующими иконами») с изображением Иисуса Христа, Девы Марии или Святых, впервые появившиеся в начале 4-го века, оказались чрезвычайно популярными. Ими были заполнены церковные ширмы (иконостасы) и частные дома. После победы иконописцев над иконоборцами в 842 году производство икон резко возросло, а техника иконописи распространилась в Греции и России, особенно в Киеве, Новгороде и Москве. К известным образцам византийских икон относятся: Богородица Одигитрия (середина V века, монастырь Ходегон, Константинополь, ныне утеряна); Святой Петр (ок. 550, монастырь Святой Екатерины, гора Синай); Святой Михаил (ок. 950-1000, Тесоро ди Сан-Марко, Венеция); Богоматерь Владимирская (около 1131, Третьяковская галерея, Москва); Икона «Донская Мадонна» (около 1380, Третьяковская галерея, Москва) Феофана Грека, основоположника Новгородской школы иконописи (ок. 1100-1500); и Богоматерь Одигитрия (1502-1503 гг.) Дионисия, одного из первых мастеров Московской школы живописи (около 1500-1700 гг.).

Византийская христианская книжная иллюстрация, похоже, начала появляться в конце 5-го века с Евангелий Гарима (недавно датированных 390-660 гг.). Среди других древнехристианских иллюстраций, Евангелие Раббулы (ок. 586, Лаврентьевская библиотека, Флоренция). Обе рукописи, вероятно, были созданы в сирийском или иерусалимском монастыре.

Средневековое христианское искусство: иллюминированные рукописи (450-1200)

С падением Рима и распадом Римской империи, Западная Европа вступила в Средневековье (400-800), период политической неопределённости и культурного застоя. Единственной возможной объединяющей силой было христианство, но после разграбления Рима и давления на Римскую церковь его влияние было ограничено. Христианство продолжало процветать только в Ирландии, стране, отрезанной от материковой части Европы. Фактически, ирландское монашеское искусство и культура сыграли решающую роль в поддержании идей классической древности, а также послания Библии. В раннем средневековом искусстве Ирландии доминировало создание иллюминированных рукописей, таких как Катах Св. Колумбы (ок. 610), Книга Дарроу (ок. 650-80), Евангелия Личфилда (ок. 730), Эхтернахские Евангелия (690-715), Евангелия Линдисфарна (698) и потрясающая Келлская книга (800 г.). Из-за продолжающейся в стране традиции кельтского искусства большинство ирландских иллюстраторов рукописей использовали абстрактные кельтские рисунки, а не фигуративные изображения, предпочитаемые континентальными художниками.

Используя навыки, полученные из более ранних традиций кельтского искусства обработки металла, ирландские монастыри также изготавливали высококачественные церковные сосуды, такие как Чаша Арда (VIII / IX век, Национальный музей Ирландии), украшенная в стиле латенского искусства.

Третьим типом христианского искусства, появившимся в Ирландии в средние века, была скульптура высокого креста (около 750–1150 гг. н.э.). Она состоит из памятников разного размера, основанных на стандартной конструкции Кельтского креста. Эти памятники, украшенные абстрактными узорами или повествовательными сценами из Библии (редко и тем и другим), представляют собой наиболее важный набор отдельно стоящих скульптур, созданных в период между падением Рима (около 450 г.) и началом итальянского Возрождения (около 1400 г.).

Средневековое христианское искусство на континенте пошло аналогичным путём, хотя и несколько позже. Каролингское искусство (около 750–900 гг.), например (культура франкского королевства Карла Великого I), было вдохновлено византийскими, а не ирландскими моделями. Монашеские скриптории в Ахене, Париже, Реймсе, Меце и Туре создали прекрасные образцы средневековой живописи, такие как «Евангелизация Годескалька» (около 783 г.), «Утрехтская Псалтырь» (около 830 г.) и «Великая Библия» (около 840 г.). Каролингское влияние сменилось оттоновским искусством при императорах Священной Римской империи Оттоне I, II и III (900-1050). Вдохновлённое каролингскими приёмами, а также византийскими элементами, такими как использование сусального золота, оттоновское искусство славилось богато украшенными рукописями, включая «Перикпенбух Генриха II» (около 1010 г.), «Бамбергский апокалипсис» (около 1020 г.), «Кодекс Хитда» (c.1025) и «Кодекс Aureus Epternacensis» («Светлая книга Евангелия», c.1053). См. Также: Немецкое средневековое искусство (ок. 800–1250).

Новая христианская архитектура также была замечена при Карле Великом – см., например, Сторожку монастыря Лорш (792-805) и Палатинскую капеллу (800, Ахен) – и под Оттосом – см. Церковь Святого Кириака в Гернроде (961 год), Бамбергский собор (начат в 1004 г.).

Кроме того, на континенте вновь появились ювелирное дело и изделия из драгоценных металлов, а также скульптура, хотя средневековая скульптура (по крайней мере, при Оттонах) имела тенденцию сосредотачиваться на церковной мебели – алтарях, гробницах, дверях, подсвечниках и гробницах, а не на украшении церковной архитектуры. Были также созданы некоторые фрески, такие как «Воскрешение дочери Иаира» и «Исцеление кровоточащей женщины» (ок. 980 г., церковь Святого Георгия, Райхенау).

Романская церковная архитектура (c.1000-1150)

Оттоновская архитектура и культура значительно пересекаются с романским искусством – термином, который на практике описывает новый общеевропейский стиль христианской архитектуры. Это была первая крупная кампания по строительству церквей, инициированная Римом и новыми христианскими орденами монахов, которая включали соборы, аббатства и приходские церкви. (В Великобритании романский стиль известен как нормандская архитектура.) Романская архитектура была в значительной степени вдохновлена классическим римским дизайном и характеризовалась новой монументальностью, отмечая растущую стабильность эпохи и возрождение европейской христианской культуры после четырёх столетий тьмы.

К наиболее известным романским церквям и религиозным сооружениям относятся: церковь Клюни II (981 г., Бургундия); Монастырская церковь Сан-Педро-де-Рода (1022, Каталония); Аббатская церковь Святого Михаила, Хильдесхайм (1033, Германия); Собор Эли (1080, Англия); Пизанский собор (после 1083 г., Италия); Аббатство Гранд Шартрез (1084, Гренобль); Даремский собор (после 1093 г., Англия); Шпейерский собор (1106, Германия); Церковь аббатства Сент-Фуа (1120, Франция); Баптистерий Святого Джованни, Флоренция (1128, Италия); Церковь Клюни III (1130, Франция); Майнцский собор (1137, Германия); Крак де Шевалье (после 1142 г., Хомс, Сирия); Церковь аббатства Фонтене (1147, Франция); Вормсский собор (1200, Германия); церковь Мадлен (1215, Везеле).

Романской архитектуре приходилось справляться с растущим числом паломников, посещающих места святых реликвий по всей Европе. Во Франции и Испании, например, были построены массивные арки, чтобы справиться с огромными набожными толпами на Эль-Камино-де-Сантьяго, маршруте паломничества к собору Сантьяго-де-Компостела (1075-1211 гг.) в Галисии, на северо-западе Испании, где находятся останки апостола Святого Иакова. Другие романские церкви на маршруте включали паломническую церковь Св. Этьена (1063, Невер) и паломническую церковь Сен-Сернен (1120, Тулуза).

Для украшения своих церквей романские архитекторы использовали витражи, фрески и скульптуру.

Производство витражей было сосредоточено в таких центрах, как Рейнская область (Германия), Иль-де-Франс и Пуатье. Впервые обрамлённые свинцом, дизайны основывались на сильных цветовых контрастах (синий, насыщенный красный, жёлтый). (См. Также: Витражи: материалы, методы.) Известные примеры стеклянных окон: Пророк Осия (1130 год, южная стена Аугсбургского собора) и Распятие Христа (1165, собор Пуатье). Фрески использовались, как и в византийских церквях, для обучения неграмотных прихожан. Стили, как правило, были динамичными и оживлёнными, в то время как испанские художники создавали фрески в романском стиле со смесью испанского и исламского искусства. Скульптура появлялась в основном на внешней стороне церквей, в довольно статичном или деревянном стиле. Самым известным романским художником был, вероятно, скульптор Гислеберт (1120–1135), известный своими рельефными работами на порталах собора Сен-Лазар в Отене.

Готическая архитектура, книжная живопись (c.1150-1375)

Готическое искусство тоже было связано с христианской архитектурой, с возрождением науки и математики, особенно евклидовой геометрии. В то время как романский стиль был известен своей массивностью, толстыми стенами, узкими окнами и тусклым интерьером, готическая архитектура поражала своими высокими сводами, огромными витражами и просторными, хорошо освещёнными помещениями. Использование заострённых арок для распределения веса потолка и революционных аркбутанов для поддержки стен позволило архитекторам создать церковь, полностью отражающую славу Божью. Готический стиль впервые появился в церкви аббатства Сен-Дени, недалеко от Парижа (начало 1140 г.), и менее чем за столетие произвёл революцию в дизайне соборов по всей Европе. Для высшего выражения религиозной готической архитектуры см.: Сент-Шапель (1241-48) в Париже.

Среди других известных готических зданий – собор в Лаоне (1160 г.), Нотр-Дам-де-Пари (1160 г.), Шартр (1194 г.), Бурже (1195 г.), Реймс (1211 г.), Амьен (1220 г.), Солсбери (1220 г.), Бургос (1220 г.), Вестминстерское аббатство, Линкольн (1230), (1245), Кёльн (1248), Фрайбург (1275), Йоркский собор (1280), Руан (1281), Сиена (около 1290), Барселона (1298), Орвието (1330), Милан (1386 г.), Севилья (1402 г.) и др.

Архитектурная скульптура была ещё одной важной особенностью. Статуи-колонны и рельефы фигур из Ветхого Завета, а также изображения Христа и других членов Святого Семейства были обычным явлением. Готическая скульптура развивалась в серии небольших творческих шагов. Сначала появился повышенный реализм, заметно отличающийся от довольно деревянного вида романской идиомы; затем мы видим более изящные фигуры с мягкой драпировкой; затем фигуры с твёрдым, прямолинейным видом, с более сдержанными жестами. Наконец появились фигуры в изящных позах и толстых драпировках, свисающие длинными V-образными складками. Среди величайших скульпторов – Никола Пизано (около 1206–1278) и Арнольфо ди Камбио (около 1240–1310).

Скульпторы поздней готики, жившие в Германии в 15 и начале 16 веков, создали серию великолепных триптиховых запрестольных образов, которые с тех пор не имеют себе равных в изящной христианской резьбе по дереву. Среди этих мастеров-резчиков были Майкл Пачер (1435-1498), Вайт Штосс (1447-1533), Тильман Рименшнайдер (1460-1531) и Грегор Эрхарт (1460-1540), известные эмоциями своих экспрессивных персонажей. См.: Немецкое готическое искусство (ок. 1200-1450).

Под сильным влиянием скульптуры, готические художники также были заняты созданием произведений религиозного искусства, но не в церквях, где огромные витражи теперь обеспечивали цвет и библейские иллюстрации, которые ранее были представлены фресками. Посмотрите, например, полупрозрачные витражи внутри Шартрского собора (c.1194-1250). Вместо этого готические художники сосредоточились на иллюминированных манускриптах, таких как французские нравоучительные Библии (1230-40), Le Somme le Roi (1290), Manesse Codex (1310), Heures de Jeanne d’Evreux (1328), Псалтырь Бонна Люксембург (1349 г.), английский Псалтырь Эймсбери (1240 г.), Псалтырь королевы Марии (1330 г.) и Псалтыри Арундела и Латтрелла (1340 г.). Это лишь некоторые из множества Часословов, Миссалов, Псалтирей, Апокалипсисов, Библий и других иллюстрированных евангельских текстов, исходящих из монастырских скрипторий того периода. См., В частности, работы Жана Пуселя (1290-1334). Подробнее см.: История иллюстрированных рукописей (600–1200).

К концу готической эпохи среди королевских дворов Европы возник богатый стиль искусства, который стал своего рода мостом между готической и ренессансной культурой. Известный как Интернациональная готика (около 1375-1450), этот стиль был проиллюстрирован рядом христианских иллюминаций, которые достигли своего пика в таких работах, как Великолепный часослов герцога Беррийского (1416) братьев Лимбург (все умерли от чумы, 1416); Часослов Маршала Бусико Жакема де Эсдена (около 1355–1414 гг.) и «Миссал Жана де Мартина» Энгеррана де Шарантона (Квартон) (около 1410–1466 гг.).

Итальянский ренессанс

В христианском искусстве XIV века, до эпохи Возрождения, доминировали Джотто – см. Фрески капеллы Скровеньи (Арена) (около 1303-10 гг.) – и Дуччо де Буонинсенья (1255-1318 гг.) – см. Знаменитый полиптих Сиены, собор, известный как Алтарь Маэста (1308-11). После этого во Флоренции наступило раннее Возрождение, примером которого стал городской собор – подробнее см.: Флорентийский собор, Брунеллески и эпоха Возрождения (1420-36 гг.) – Мазаччо (фрески капеллы Бранкаччи) и Донателло (статуя Давида). Если в христианском искусстве 15 века доминировала Флоренция, то центром христианского искусства 16 века был Рим, где величайшими покровителями были папа Сикст IV (1471-1484), папа Юлий II (1503-13), Папа Лев X (1513-1521) и Папа Павел III (1534-1549).

16-й век также стал свидетелем Золотого века искусства в Венеции: посмотрите венецианские алтари (1500-1600) и венецианскую живопись.

Бессмертные религиозные картины эпохи Возрождения: «Бичевание Христа» (1460 г.) Пьеро делла Франческа; «Тайная вечеря» (1495-98) и «Мадонна в скалах» (1484) Леонардо да Винчи; Оплакивание мёртвого Христа (ок. 1490) Андреа Мантенья; Сикстинская Мадонна (1513) и Преображение (1518-20) Рафаэль; Успение Богородицы (1516-8) Тициан; Успения Пресвятой Богородицы (Пармский собор, 1524-30) на потолке купола, Корреджо; Свадебный пир в Кане (1563 г.) и Праздник в доме Леви (1573) Паоло Веронезе; «Распятие» (1565) Тинторетто. Среди величайших христианских скульптур эпохи Возрождения: «Врата рая» (1425-52, Флорентийский баптистерий) работы Лоренцо Гиберти; Неверие Святого Фомы (1467) Андреа Верроккьо; многочисленные предметы религиозной терракотовой скульптуры флорентийской семьи Делла Роббиа; Пьета (1500), Давид (1504) и гробница Папы Юлия II (1505-1545) Микеланджело. Но, безусловно, самое культовое христианское искусство 16-го века это, должны быть, фрески Сикстинской капеллы, написанные Микеланджело. К ним относятся Генезис (1508-12), в частности, Сотворение Адама.

Для анализа многих из вышеперечисленных шедевров см.: Анализ известных картин.

По иронии судьбы, архитектура христианского Возрождения была основана на образцах языческой греческой архитектуры и широко использовала дорические, ионические и коринфские ордера. Выдающиеся примеры: купол Флорентийского собора (1420-36) и церковь Сан-Лоренцо (1420-1469), спроектированные Брунеллески; Церковь Санта-Мария-делле-Карсери (1485–1506) работы Джулиано да Сангалло; Базилика Святого Петра (1506-1626) работы Браманте, Рафаэля, Микеланджело, Джакомо делла Порта, Карло Мадерно и Бернини; Церковь Сан-Джорджо-Маджоре (1562 г.) работы Палладио.

Христианское искусство Северного Возрождения

В искусстве так называемого Северного Возрождения (около 1430-1580) преобладала школа фламандской живописи, часть более широкого движения нидерландского Возрождения. Проще говоря, Северное Возрождение началось взрывом, быстро утвердилось как передовая школа масляной живописи, а затем постепенно пришло в упадок. Запрестольное искусство таких художников, как Ян ван Эйк (см его Гентский Алтарь, 1432) и Рогир ван дер Вейден (Снятие с креста, 1440), а также невероятно сложных работ Хуго ван дер Гуса (Алтарь Портинари, 1475), – с ними мало что может сравниться, за исключением необычных фантастических картин Иеронима Босха – см. Сад земных наслаждений и Триптих сена – (жадно собранные строгим католическим монархом Испании Филиппом II) и сложные жанровые картины Питера Брейгеля Старшего (Вифлеемская перепись, 1566; Резня младенцев, 1564; Притча о слепых, 1568).

Примечание: религиозной живописью 15 века во Франции руководили провансальский художник Энгерран де Куартон (1410-1466), прославившийся своей Авиньонской Пьетой (около 1455, Лувр), и придворный художник Жан Фуке (1420-1481), известный своим творчеством, например Меленский диптих (ок. 1450-55).

Фламандский реализм и точность также очевидны в работах немецких художников, таких как Стефан Лохнер (Страшный суд, 1440-е гг.), Лукас Кранах Старший (Адам и Ева, 1528 г.), Ганс Бальдунг Грин (Алтарь Девы Марии, Фрайбургский алтарь, 1514) и Ганс Гольбейн Старший (Сцены из Страстей Христовых, Кашхаймский алтарь, 1502). Среди других немецких мастеров – экспрессионист Маттиас Грюневальд (Изенхаймский алтарь, 1510-15 гг.), разносторонний гравёр и художник Альбрехт Дюрер («Четыре всадника Апокалипсиса», 1498 г., гравюра на дереве) и Мартин Шонгауэр («Мадонна в розовом саду», 1473 г.).

Историческая справка: протестантская реформация
В 1517 году голландский священник Лютер – несомненно, находясь под влиянием более раннего восстания Савонаролы (1452-98 гг.) во Флоренции – начал религиозное восстание против коррупции Римской церкви, которое привело к расколу в христианском движении. Протестующих стали называть протестантами, а те, кто продолжал придерживаться традиционной церкви, называли себя католиками. Протестантство (которое, в свою очередь, разделено на четыре типа: лютеранское, кальвинистское, англиканское и анабаптистское) пустило корни в странах Северной Европы, таких как Голландия, Германия (кроме Баварии) и Великобритании, а страны Южной Европы, такие как Франция, Италия и Испания (наряду с испанской колонией Фландрия), остались католиками.

Реформационное искусство

Примерно с 1520 года, когда Северное Возрождение почувствовало влияние восстания Лютера против коррупционной практики Римской церкви, утвердился новый набор эстетики в форме протестантского искусства реформации, который отражал христианскую повестку дня протестантского движения, отвергал гуманистическое искусство и идеологию Высокого Возрождения и отмечал более строгий религиозный опыт с минимальным декором. В результате количество религиозного искусства, заказываемого властями протестантской церкви, было значительно сокращено, и художники в протестантских странах были вынуждены переключиться на светские формы, такие как жанровая живопись, портретное искусство, пейзажная живопись и натюрморты.

Протестантское искусство

Протестантизм учил сдержанной, личной форме поклонения, которая фокусировалась на прямых отношениях между Богом и человеком, без суеты из-за посредников, таких как папы, епископы и другие служащие церкви. Он также не придавал большого значения декоративным или церемониальным аспектам религии. Из-за всего этого протестантское искусство отдавало предпочтение сдержанным моралистическим изображениям повседневной жизни или простым повествовательным сценам из Библии, а не драматическим богословским сценам, связанным со Страстями, Распятием и Воскресением Христа. Другие приемлемые сцены включали изображения грешников, прощённых Христом, в соответствии с протестантской точкой зрения, согласно которой спасение возможно только по благодати Божьей. Протестантское искусство также было менее масштабным, чем католическое, что отражало более скромный, личный подход к религии. По той же причине, книжные иллюстрации и гравюры стали более популярными, в то время как католические картины и скульптуры стали объектом физических нападений со стороны иконоборцев, примером чего является Иконоборческое восстание, разразившееся в 1556 году. Но протестантские церковные власти в равной степени осознавали силу искусства в просвещении и влиянии на прихожан. В результате они максимально использовали различные формы печати, что позволило сделать изображения широко доступными для публики по очень низкой цене.

Протестантская эстетика достигла апогея в эпоху Голландского барокко (около 1600-80 гг.). Этот период, известный как Золотой век голландского искусства, стал свидетелем окончательного развития реализма, принятого ранее фламандскими художниками. Хотя портреты и пейзажи также были популярны, этот период наиболее известен как пик жанровой живописи голландского реализма и натюрморта. Ведущие жанровые художники протестантской Реформации происходили из самых разных школ. Адриан ван Остаде и католический художник Ян Стен представляли школу Харлема; Ян Вермеер и Питер де Хох представляли школу Делфта; Хендрик Тербругген и Геррит ван Хонтхорст принадлежали к Утрехтской школе; Геррит Доу представлял лейденскую школу; Самуэль ван Хогстратен и Николаес Маес были членами школы Дордрехта; Карел Фабрициус, Джерард Терборх и Габриэль Метсу принадлежали к амстердамской школе.

Многие из этих жанровых картин содержат тонкие моральные послания о том, как жить христианской жизнью, а также не столь тонкие сообщения об опасностях порока. Эта сдержанная протестантская иконография полностью контрастировала с яркими библейскими сценами, такими как Распятие и Оплакивание, которые предпочитает католическое искусство. Ещё один пример этого моралистического искусства – натюрморты. Жанр, известный как Ванитас, состоял из расстановки еды и других предметов, разложенных на столе, с символическими сообщениями, осуждающими обжорство и чувственные удовольствия. Существовали две разновидности картин ванитас: «кусочки для банкета» (pronkstilleven) или «кусочки для завтрака» (ontbijtjes). Представители пронкстиллевена: Хармен ван Стенвик (1612-1656), Ян Давидс де Хем (1606-1684) и Виллем Кальф (1622-1693). В то время как ведущими практиками онтбейтиса были: Виллем Клас Хеда (1594-1680) и Питер Клас (1597-1660).

Однако даже в протестантском Амстердаме сохранялся скромный спрос на религиозные картины. Одним из самых важных заказов, полученных молодым Рембрандтом, были пять картин для принца Фредерика Генри Оранского – ведущего солдата голландских войн против католической Испании – на тему Страстей Христовых. В дополнение к своим навыкам портретиста, Рембрандт стал величайшим религиозным художником голландского протестантства, известным своими работами, такими как: Ослепление Самсона (1636), Жертвоприношение Исаака (1636), Сусанна и старцы (1647), Вирсавия держит письмо царя Давида (1654 г.), Иаков благословляет детей Иосифа (1656 г.) и Возвращение блудного сына (1666-69).

Католическое искусство контрреформации

Римско-католическая церковь ответила на протестантскую реформацию контрреформацией. Католическое контрреформационное искусство было разработано, чтобы передать отличительные принципы католической литургии и веры, чтобы укрепить популярность католицизма. Оно было запущено в то же время, когда в Италии завоёвывал популярность маньеризм – очень выразительный стиль, в котором для эффекта использовалось искажение, как показано в картине Пармиджанино Мадонна с длинной шеей. (1535, Уффици). Обеспокоенные тем, что католическое искусство придаёт слишком большое значение декоративным качествам и недостаточно религиозным ценностям, что отрицает его воспитательное воздействие на прихожан, католические власти постановили, что библейское искусство должно быть прямым и убедительным в своём повествовательном изложении, что оно должно быть скорее точным, чем вымышленным, и, прежде всего, должно поощрять благочестие. Нагота и другие неприемлемые изображения были запрещены. Пример набожного художника-маньериста, который адаптировал свой стиль в соответствии с учением Церкви: Федерико Бароччи (1526–1612).

Короче говоря, единственной целью искусства Контрреформации было прославление Бога и католических традиций и пропаганда таинств и святых. Так, фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле подверглась резкой критике за её наготу, за изображение Иисуса без бороды и за включение языческого персонажа Харона. Картина Паоло Веронезе «Тайная вечеря» (небезосновательно) подверглась нападкам за то, что в ней были экстравагантные костюмы, пьяные немцы и гномы вместе с огромной толпой людей. На самом деле Веронезе просто обошёл стороной этот вопрос, переименовав картину «Пир в доме Леви».

Католическая церковь начала Контрреформацию, чтобы бороться за сердца и умы тех христиан, которые «перешли» в протестантство. С этой целью Общество Иисуса (Societas Jesu), основанное С. Игнатиусом Лойолой и широко известное как Иезуиты, было официально учреждено в 1540 году папой Павлом III как важный учебный орган и миссионерский орден. Искусство иезуитов было достаточно вдохновляющим. Сначала архитектору Джакомо Бароцци (Виньола) было поручено спроектировать церковь нового порядка – Церковь Святого Имени Иисуса (Иль Джезу) (1568-73), для которой художник в стиле барокко Джованни Баттиста Гаулли написал сказочные потолочные фрески тромп лёль (Trompe-l’œil). Другая иезуитская церковь, Сан-Игнацио, была местом, где, возможно, был создан величайший образец квадратурной живописи из когда-либо созданных – «Триумф и апофеоз св. Игнатия Лойолы» (1691-4) Андреа Поццо. Нет лучшего образца контрреформационной живописи и лучшего примера различий между протестантским и католическим искусством.

Рубенс (1577-1640)

Набожный католик, фламандский художник Питер Пауль Рубенс стал самым влиятельным представителем контрреформационной живописи в Северной Европе. Известный своими крупномасштабными религиозными и историческими картинами, полными чувственных красок и драматизма, он социализировался в ведущих кругах европейского общества как художник и дипломат. Несмотря на расстояние, отделяющее Рубенса от обычного прихожанина, некоторые из его католических картин, такие как знаменитый триптих «Снятие с креста» (1612), очень трогательны и его влияние на более поздних художников было огромным. См. также: Самсон и Далила (1610 г.).

Караваджо (1571-1610)

Итальянский художник раннего барокко Караваджо был одним из героев католической кампании искусства Контрреформации. Не из-за своего благочестия, а из-за того, что он нарисовал Христа, Деву Марию, апостолов и святых с таким невероятным натурализмом. Безупречный реализм Караваджо был идеальным стилем для послания Церкви. Он придавал ключевым библейским событиям непосредственность, которой не мог добиться ни один другой художник. Отказавшись от стилистических претензий позднего маньеризма – стиля, который понимало только образованное меньшинство, он мгновенно оказал вдохновляющее воздействие, которого требовал Трентский совет. Среди его величайших работ: «Призвание святого Матфея» (1600 г.), «Мученичество святого Матфея» (1600 г.), «Обращение в веру по дороге в Дамаск» (1601 г.), Ужин в Эммаусе (1602 г.), Погребение Христа (1601-1603 гг.), Распятие святого Петра (1601 г.) и Смерть Богородицы (1601-06 гг.). Его драматическое использование света и тени было продолжено после его смерти последователями, в так называемом стиле караваджизма.

Эль Греко (1541-1614) и испанская школа

Испания – единственное европейское государство, вышедшее из религиозной борьбы между христианством и исламом (мусульманское правление на большей части Пиренейского полуострова длилось 718-1492 гг.). Поэтому неудивительно, что школа испанской живописи создала форму христианского искусства, которая соответствовала бескомпромиссной преданности страны католическому делу. Его величайшим представителем был Доменикос Теотокопулос, известный как Эль Греко.. После обучения византийской иконописи он работал в Венеции, прежде чем поселился в Испании. Здесь он создал серию экстатических портретов Христа и Святых, интенсивность выражения которых напрямую обращалась к духовным чувствам зрителя. Эти мощные священные картины с их удлинёнными фигурами, искажённой перспективой и неестественными цветовыми схемами сделали Эль Греко отцом искусства Контрреформации в Испании. Его самые известные католические картины: Троица (1577-79); Разоблачение Христа (1579 г.); Захоронение графа Оргаза (1586 г.); Христос изгоняет торговцев из храма (1600 г.); Воскресение (1600), а также Открытие Пятой Печати Апокалипсиса (1608). Хотя в них не было ничего от натурализма Караваджо, эти картины были духовными шедеврами и, таким образом, полностью соответствовали доктринальным требованиям Ватикана.

После Эль Греко пришёл Франсиско де Сурбаран (1598-1664), художник, находящийся под сильным влиянием испанского квиетизма, который специализировался на крупномасштабных священных картинах религиозных орденов, таких как картезианцы, капуцины, доминиканцы и другие. Современник Сурбарана, Джузепе Рибера (1591–1652) был ключевой фигурой в неаполитанской школе живописи (1600–56) и одним из первых последователей Караваджо. Работы обоих художников известны своей визуальной правдивостью, смелой светотенью и тенебризмом, которые придавали им драматизм и насыщенность. См. также: Распятый Христос (1632 г.) Диего Веласкеса.

Духовная напряжённость, достигнутая испанскими художниками, также была замечена в работах испанских скульпторов, таких как Алонсо Берругете (около 1486-1561), величайший из всех скульпторов эпохи Возрождения в Испании, чьи шедевры включают алтарь монастыря Ла Мехорада Вальядолид (1526 г.) и хоровые киоски в соборе Толедо (1539-43 гг.); Хуан де Жуни (1507-1577), известный своей эмоциональной выразительностью, как в двух его группах «Погребение Христа» (1544 и 1571), Хуан Мартинес Монтанес («Бог дерева»), известный своими деревянными распятиями и религиозными фигурами, такими как «Милосердный Христос» (1603 г.) и алтарь Сантипонсе (1613 г.) и Алонсо Кано («Испанский Микеланджело»), шедевром которого является «Непорочное зачатие» (1655).

Бернини (1598-1680) и итальянская школа

Ни один другой итальянский художник не воплотил искусство католического барокко лучше, чем Джанлоренцо Бернини, чьи произведения религиозного искусства включали скульптурный шедевр Экстаз Святой Терезы (1645–1652 гг.) в специально спроектированной капелле Корнаро церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Идиома барокко породила мелодраматический стиль архитектуры, примером которого является проект Бернини для площади Святого Петра (1656-67) и подходы к базилике Святого Петра в Риме. Фаворит Урбана VIII и соперник Франсуа Дюкенуа (1594-1643) и Алессандро Альгарди (1598-1654), по положению Бернини в Риме (хотя и не по его творчеству), уроженц Франции Николя Пуссен (1594- 1665), основоположник французского классицизма, религиозные полотна которого включали Мученичество Святого Эразма (1628 г.), Чума в Ашдоде (1630 г.), Израильтянин собирает манну в пустыне (1639 г.), Мальчик Моисей попирает корону фараона (1645 г.) и Святое семейство на ступенях (1648 г.).

Примечание. Скульптура в стиле немецкого барокко также может вызывать трепет. Посмотрите, например, необычный Высокий алтарь Девы Марии (1613-16 гг.) в церкви Святого Николая в Уберлингене, созданный мастером-резчиком Йоргом Цурном (1583-1638 гг.).

Церковные росписи (квадратура)

Вероятно, самой зрелищной формой христианской церковной живописи были потолочные фрески (так называемая квадратура), часто выполненная с элементами обмана зрения. Это украшение сводчатых или купольных потолков церквей началось в эпоху Возрождения в Италии. Примеры эпохи Возрождения: фреска Sala delle Prospettive (около 1517 г., Вилла Фарнезина) работы Бальдассаре Перуцци и Успение Богородицы (1524-30) Корреджо, украсившее купольный потолок Пармского собора.

Фрески в стиле барокко включают знаменитую фреску «Аврора» (1621–1616, Вилла Людовизи, Рим) Гверчино и Агостино Тасси; Успения Пресвятой Богородицы (1625-27) на куполе церкви Сант-Андреа делла Валле, Джованни Ланфранко (1582-1647); фрески Палаццо Барберини кисти Пьетро да Кортона, в том числе Аллегория Божественного Провидения (1633-39) и Апофеоз св. Игнатия (1688-94, Сант-Игнацио, Рим) Андреа Поццо.

Примечательные фрески в стиле рококо – все работы Джамбаттисты Тьеполо. Это, например, фрески Палаццо Лабиа (около 1745 г.) в Венеции; в резиденции Вюрцбург (1750-3) в Германии и фреска «Апофеоз Испании» (1763–1776 гг.) в Королевском дворце Мадрида.

Архитектурные росписи церквей

Интересной особенностью христианской графики периода барокко были архитектурные чертёжи, гравюры и росписи церковных интерьеров. Тремя ведущими представителями этого жанра были: художник из Гарлема Питер Саенредам, известный своей архитектурной точностью и своими изображениями побелённых церковных интерьеров (Интерьер Бюркерк, Утрехт, 1645); Эмануэль де Витте, который меньше интересовался технической точностью и больше – атмосферой церкви (Интерьер португальской синагоги в Амстердаме, 1680); итальянский живописец (ведутиста) Джованни Паоло Панини (Интерьер базилики Святого Петра, Рим, 1731 г.).

Церковная архитектура барокко

Архитектура барокко отказалась от сбалансированной симметрии дизайнов эпохи Возрождения в пользу драматических изогнутых линий и поверхностей, которые объединяли искусство и архитектуру в одно динамическое целое, создавая иллюзорные эффекты света, цвета и текстуры. Для церквей в стиле барокко характерно сочетание куполов, украшенных часовен, фрески квадратной формы и других украшений, примером которых являются эти четыре структуры.

Базилика Святого Петра (Рим) (1506-1626)
Построена на месте захоронения Святого Петра, во времена императора Константина I, Базилика Святого Петра является одним из самых святейших католических объектов. Нынешнее здание было спроектировано Донато Браманте, Микеланджело, Карло Мадерно и Бернини и олицетворяет художественный переход от эпохи Возрождения к барокко. Венчает его купол высотой 132 метра, он наполнен бесценными произведениями искусства, в том числе мраморной скульптурой Микеланджело «Пьета» (1500 г.), вырезанной художником из цельного блока каррарского мрамора в возрасте 25 лет. Собор Святого Петра прочно ассоциируется с раннехристианской церковью, папством, контрреформацией и считается лучшим зданием своего времени.

Базилика Санта-Мария-делла-Салюте, Венеция (1631-1687)
Разработанная итальянским архитектором Бальдассарре Лонгена в знак благодарности Деве Марии за избавление города от чумы, эта двухглавая базилика, расположенная на полуострове между Каналом Гранде и Заттере в Венеции сочетает в себе черты греческого и исламского стилей и классического барокко. Это одна из самых известных достопримечательностей города.

Собор Святого Павла, Лондон (1674-1710)
Спроектированный сэром Кристофером Реном, собор Святого Павла стоит на месте первоначальной церкви, основанной в 604 году. Собор был построен в резиденции епископа Лондона в рамках крупной программы восстановления, которую курировал Рен, после Великого лондонского пожара. Его купол высотой 111 метров – одна из самых известных достопримечательностей Лондона.

Аббатство Мельк, Австрия (1702-36 гг.)
Спроектированное и построенное австрийским архитектором и каменщиком Якобом Прандтауэром, оно сочетает в себе элементы итальянского барокко с традиционным австрийским дизайном. Церковь аббатства, расположенная на высоких скалах с видом на реку Дунай, сочетает в себе высокий купол и две башни. Экстерьер аббатства представляет собой массу волнистых поверхностей и высоких башен, а его интерьеры и холлы были украшены многими ведущими художниками Австрии. В нём находится несколько известных достопримечательностей, включая Мраморный зал, Императорскую лестницу и библиотеку с обширной коллекцией редких средневековых текстов.

Христианское искусство в современную эпоху (1750-2000)

К середине 18-го века католические страны были переполнены соборами, церквями, аббатствами, монастырями и женскими монастырями – в случае некоторых городов, таких как Неаполь, это было почти абсурдно. В результате церковные комиссии стали иссякать. В то же время с наступлением эпохи Просвещения 18 века, промышленной революции и политических потрясений, таких как Французская революция 1789 года, европейская христианская церковь уступила место национализму, социализму и другим системам ценностей. Более того, Церковь теперь собирала меньше денег, которые можно было потратить на религиозные статуи или другие формы церковного искусства. К 19 веку церковь была менее значимой покровительницей искусств, чем короли и дворяне, в то время как спрос среднего класса на портреты, топографические пейзажи и другие светские произведения быстро рос. Художники могли сделать успешную карьеру, просто сосредоточившись на портретном искусстве или различных видах пейзажной живописи, никогда не используя религиозный сюжет – что-то до сих пор неизвестное в католических странах, хотя долгое время это считалось нормальным в протестантских.

Только в Новом Свете было возведено значительное количество новых церквей. Выбранный тип архитектуры был в основном ренессансным: см., например, Балтиморскую базилику в неоклассическом стиле (1806–21), первый римско-католический собор в Соединённых Штатах, спроектированный Бенджамином Генри Латробом; собор Святого Патрика, оформленный в готическом стиле, Нью-Йорк (1858-79) по проекту Джеймса Ренвика; Троицкая церковь Ричарда Апджона, Нью-Йорк (1841-1818 гг.), ещё один шедевр готического возрождения; Троицкая церковь в Бостоне (1872-77), спроектированная Генри Хобсоном Ричардсоном в романском стиле возрождения.

Только один крупный новаторский образец христианской церковной архитектуры был основан в Европе в 19 веке – Храм Святого Семейства в Барселоне (Саграда фамилия, 1883 г.), спроектированный Антонио Гауди в очень декоративном неоготическом стиле. Прославляя Святое Семейство и тайны католической веры, эта необычная церковь с древовидными сводчатыми конструкциями включает пять башен и двенадцать колокольней. Построенное из камня и бетона, здание частично украшено керамической плиткой, украшениями с помпонами и многочисленными скульптурами, но до сих пор не полностью закончено. Сам Гауди был вдохновлён движением искусств и ремёсел и был связан со школой каталонского модернизма.

Меньшее количество новых церквей означало меньше скульптуры и церковного убранства. Но некоторые новые работы все же появились, такие как Христос-Искупитель (1926–31), огромная статуя из мыльного камня с видом на Рио-де-Жанейро в Бразилии. Это самая большая статуя в стиле ар-деко в мире, спроектированная Эйтором да Силва Коста и скульптура Пола Ландовски. Среди других примечательных произведений современной христианской скульптуры: Тарцисий, христианский мученик (1868, музей Орсе, мрамор), вырезанный Жаном-Александром-Жозефом Фальгьером; Генезис (1929-31, Художественная галерея Уитворта, Манчестер) и Адам (1938, Хэрвуд Хаус), оба – Джейкоб Эпштейн.

Христианская живопись больше всего пострадала от упадка религиозной веры, хотя были созданы некоторые исключительные работы. Две современные группы религиозных художников это назареи и русская школа.

Принадлежавшие к романтическому крылу немецкого искусства 19 века, Назареи были группой художников-идеалистов, получивших образование в Вене, чьи духовные картины напоминали немецкое средневековое искусство и живопись раннего Возрождения. Среди ведущих участников были Фридрих Овербек, Франц Пфорр, Вильгельм фон Шадов и Юлиус Шнорр фон Карольсфельд. Их прозвали назареями из-за их библейской одежды, длинных волос и благочестивого образа жизни.

Русское искусство XIX века произвело выдающиеся произведения христианской живописи. Среди ведущих художников были: Антон Лосенко (1737–1773), профессор кафедры исторической живописи Петербургской Академии художеств (см. его работы, вдохновлённые эпохой Возрождения, «Чудесный улов» и «Жертвоприношение Авраама»); и влиятельный Александр Иванов (1806-1858), среди работ которого огромное полотно «Явление Христа народу» (1837-57), на создание которого ушло 20 лет. Позже в этом веке несколько членов группы Передвижники создали несколько замечательных христианских картин, отличающихся уникальной духовной силой. Среди них: «Тайная вечеря» (1863) Николая Гая; «Воскрешение дочери Иаира» (1871 г.) Илья Репин; «Христос в пустыне» (1872 г.) и «Смех» («Славься, царь евреев!») Ивана Крамского; Христос и женщина, уличённая в прелюбодеянии (1887) Василий Поленов.

Среди других выдающихся христианских картин современных художников: «Ангелус» (1859) барбизонского реалиста Жана-Франсуа Милле; «Христос перед Пилатом» (1881) венгерского реалиста Михая Мункачи; Триумфальное вхождение Христа в Брюссель в 1889 (1888), Джеймс Энсор, лидер движения символизма; «Христианская реликвия» (1893) испанского художника-соцреалиста Хоакина Сорольи; незаконченный «Адам и Ева» (1918) венского мастера Густава Климта; Ecce Homo (1925) немецкого экспрессиониста Ловиса Коринфа; Кричащий Папа (1953) Фрэнсиса Бэкона, вдохновлённый «Иннокентием X» Веласкеса (1650); Фрески Марка Ротко для часовни Католического университета Св. Томаса в Хьюстоне; Распятие 3.85 (1985) Антонио Саура, вдохновлённое «Распятием» Веласкеса (1631).

Кроме того, существует множество экспрессионистских работ французского католического художника Жоржа Руо, в частности его серия «Лик Святого», «Распятие на кресте» и «Насмешки над Христом», которые делают его одним из самых важных христианских художников 20-го века. Аналогичную награду можно было бы удостоить русского художника-фантазиста Марка Шагала, чьё творческое еврейское искусство и сцены из Ветхого Завета были позже дополнены его серией на религиозные темы – Послание Библии – сейчас экспонируется в музее Симье в Ницце. Шагал также выполнил ряд витражей для соборов Меца (1968 г.) и Реймса (1974 г.), а также синагоги Хадасса недалеко от Иерусалима. Кроме того, он был известен своими гобеленами, которые он разработал для Кнессета.

Другой современный христианский гобелен – это 75-футовый Христос во славе (1962), заказанный для собора Ковентри и разработанный Грэмом Сазерлендом (1903-1980). Он был соткан Пинтоном Фрересом в Феллетене во Франции.

Христианское искусство читать ~40 мин.