Пабло Пикассо читать ~19 мин.

Пабло Пикассо — величайшая фигура в современной испанской живописи, один из основоположников (вместе с Жоржем Браком) кубизма. Он считается одним из величайших художников XX века и, без сомнения, одним из самых влиятельных в истории искусства. Испытав влияние французского импрессионизма и ряда художников-экспрессионистов, он, тем не менее, отверг взгляды Матисса на первостепенную роль цвета и сосредоточился на поиске новых живописных способов изображения формы и пространства. В сотрудничестве с Жоржем Браком это привело его к созданию кубизма — совершенно нового направления, которое быстро оказалось в авангарде современного искусства.

Галерея: 3,5 тысячи картин и рисунков Пабло Пикассо

Творчество Пикассо охватывает несколько периодов и демонстрирует разные стили, в первую очередь экспрессионизм. Среди его периодов выделяют «голубой», «розовый», африканский, кубизм и неоклассицизм. Он также был ведущей фигурой Парижской школы — свободного объединения художников, работавших в Париже. Главные шедевры Пикассо: «Авиньонские девицы» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Герника» (Центр искусств королевы Софии, Мадрид) и «Плачущая женщина» (1937, Галерея Тейт). Многие из самых известных картин Пикассо доступны в виде репродукций и плакатов.

Несмотря на свою связь с кубизмом и абстрактным искусством XX века, Пабло Пикассо оставался человеком XIX века. Можно утверждать, что его искусство и мышление во многом являются продуктом романтизма и экспрессионизма. Романтизм как культурное направление зародился в конце XVIII века — в эпоху, где доминировали идеи Просвещения, основанные на научных достижениях и вере в разум. Романтики выступили против этого рационального подхода, подчёркивая ценность эмоций, эстетики и воображения. В изобразительном искусстве это привело художников к отказу от простого копирования природы в пользу самовыражения, что у Пикассо проявилось в откровенном экспрессионизме его «голубого» и «розового» периодов, созвучном немецкому экспрессионизму 1900-х годов. Подробнее о связях Пикассо с экспрессионизмом читайте в статье: История экспрессионистской живописи (ок. 1880–1930).

Завершающим этапом этого развития стало абстрактное искусство, в становлении которого кубизм Пабло Пикассо сыграл ключевую роль.

Биография

Первые сорок лет творчества Пабло Пикассо можно разделить на несколько относительно чётких, но пересекающихся периодов. Это «голубой» период (ок. 1901–1904), «розовый» период (ок. 1905–1907), африканский период (époque nègre) (ок. 1907), протокубизм (ок. 1908–1909), аналитический кубизм (ок. 1909–1912) и синтетический кубизм (ок. 1912–1919).

«Голубой» период (ок. 1901–1904)

В «голубой» период, находясь под впечатлением от самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса, Пикассо изображал мир парижской бедноты. Это строгие, меланхоличные картины с проститутками и нищими, написанные в синих и сине-зелёных тонах, с выбеленными, в духе Эль Греко, лицами. Примеры работ: «Жизнь (La Vie)», «Старый гитарист (The Old Guitarist)», «Скудная трапеза (The Frugal Repast)», «Завтрак слепого (The Blindman’s Meal)», «Селестина (Celestina)». Первые годы жизни в Париже были отмечены бедностью, что, вероятно, и способствовало меланхоличности его творчества.

«Розовый» период (ок. 1905–1907)

В «розовый» период Пикассо перешёл к более светлой палитре с оранжевыми, нежно-оливковыми и розовыми цветами, что сделало его полотна более жизнерадостными. Прекрасным примером является картина «Мальчик с трубкой» (Garçon à la pipe) (1905, частная коллекция). Одной из причин такого подхода стали его роман с Фернандой Оливье, а также более глубокое знакомство с французской живописью. Парижская студия Пикассо привлекала многих крупных фигур авангардного искусства того времени, в том числе Анри Матисса, Жоржа Брака и Гертруду Стайн. Яркий пример — «Портрет Гертруды Стайн» (1906, Метрополитен-музей).

Однако, несмотря на заметное осветление палитры, когда розовые и светло-коричневые тона вытеснили синие, меланхоличное настроение не исчезло. Например, картина «Акробат и молодой Арлекин» по-прежнему передаёт грусть, хотя и лишённую трагизма. Многие современники Пикассо не разделяли «голубой» и «розовый» периоды, считая их единым этапом творчества. Тем не менее «розовый» период знаменует конец его реалистической фигуративной живописи. С этого момента его искусство становится более интеллектуальным, сосредоточенным на форме, а не на реализме, — так художник двигался к кубизму.

Африканский период (ок. 1907)

Африканский период Пикассо (époque nègre), когда он вдохновлялся африканским трайбл-артом, начинается с двух фигур в правой части картины «Авиньонские девицы», написанных под влиянием африканских артефактов.

«Авиньонские девицы» — знаковая картина в развитии современного искусства. Она ознаменовала радикальный отход от идей предшествующих эпох и возвестила о рождении нового художественного направления — кубизма, — а также стала отправной точкой для современной абстракции. Влияние Поля Сезанна и африканской скульптуры заметно в её фрагментированных формах и беспрецедентных искажениях. Подробнее см.: Примитивизм/Примитивное искусство.

Картина изображает пять проституток из борделя на улице Авиньон в Барселоне, причём художник показал их одновременно с нескольких точек зрения, что стало одной из характерных черт кубизма. Полотно ознаменовало фундаментальный разрыв с принципами традиционного натуралистического искусства — в частности, Пикассо отказался от перспективы. Его предшественники, писали ли они портреты или пейзажи, стремились изображать природу такой, какой её видели. В «Авиньонских девицах» же Пикассо поставил перед собой иную задачу: изобразить трёхмерные объекты на плоском двумерном холсте.

Относительная плоскостность форм и фрагменты, напоминающие детали пазла, указывают на абстрактное направление, которое выбрал художник. В то же время другой живописец, Жорж Брак, размышлял о том же. Они встретились в Париже в 1908 году и тесно сотрудничали в течение нескольких лет.

Рождение кубизма (ок. 1908–1909)

В 1908 году под влиянием пейзажей Поля Сезанна с видами горы Сент-Виктуар, а также его шедевра «Большие купальщицы» (Les Grandes Baigneuses), Пикассо и Брак создали серию пейзажных работ. Они были очень похожи на полотна Сезанна и по колориту (тёмно-зелёные, светло-коричневые тона), и по упрощённым геометрическим формам. Художники изображали дома в виде трёхмерных кубов. Именно эти картины имел в виду французский художественный критик Луи Воксель, когда в 1909 году использовал выражение «кубические причуды» («bizarreries cubiques»), от которого и произошло слово кубизм. Впоследствии этот стиль развился в аналитический кубизм.

Примерно в это же время арт-дилером и агентом Пикассо стал Даниэль-Анри Канвейлер (1884–1979). Позже его сменили Леонс Розенберг (1879–1947) и его младший, но более проницательный брат Поль Розенберг (1881–1959).

«Портрет Амбруаза Воллара» (1910) — один из первых зрелых примеров нового, строгого аналитического кубизма. На этой картине Пикассо «разобрал» человеческую фигуру на множество плоских полупрозрачных геометрических граней, которые накладываются друг на друга и пересекаются под разными углами. Все «кубы» протокубизма внезапно исчезли.

Аналитический кубизм — самая сложная для восприятия форма искусства, наиболее строгий и интеллектуальный этап движения. В этот период формы изображаемых предметов дробятся на большое количество мелких, пересекающихся под разными углами плоскостей, которые сливаются друг с другом и с окружающим пространством. Картины аналитического кубизма обычно монохромны и лишены ярких цветов.

Синтетический кубизм (ок. 1912–1919)

На этапе синтетического кубизма формы на полотнах Пикассо стали крупнее и более узнаваемыми, а на смену строгим композициям пришли плоские, яркие декоративные узоры. Пикассо начал применять новые техники, в частности, вклеивать в композиции фрагменты бумаги (например, обоев или газет). Так в изобразительном искусстве впервые были масштабно использованы коллаж и техника papiers collés. Примерами его работ этого периода являются «Натюрморт с плетёным стулом» и «Гитара». К этому времени новый стиль перенял ряд других талантливых художников-кубистов.

Неоклассический период

Начиная с 1906 года и до середины 1920-х, параллельно с кубизмом, Пикассо создавал серию неоклассических работ: фигур, портретов и натюрмортов. (См.: Неоклассические картины Пикассо для более подробной информации). Среди его известных неоклассических картин: «Две обнажённые» (1906), «Сидящая женщина» (1920), «Большая купальщица» (1921), «Женщина в белом» (1923) и миниатюрная, написанная гуашью картина на мифологический сюжет «Две женщины, бегущие по пляжу (Бег)» (1922). Об истоках этого классицизма и о том, как он сочетался с его абстрактным стилем, читайте в статье: Классическое возрождение в современном искусстве (ок. 1900–1930).

«Герника»

Гражданская война в Испании (1936–1939) послужила толчком к созданию его второй знаковой картины, «Герника», посвящённой бомбардировке испанского города Герника немецкой авиацией 26 апреля 1937 года.

«Герника» считается одной из величайших картин XX века. Это огромное чёрно-белое полотно-фреска размером 3,5 метра в высоту и 7,8 метра в ширину. Она изображает сцену смерти, насилия, жестокости, страдания и беспомощности, не показывая при этом саму бомбардировку.

«Герника» была впервые выставлена в июле 1937 года в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже. Затем по просьбе Пикассо её передали в Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, где она хранилась до 1981 года, после чего была возвращена в Испанию. Копия картины «Герника» выставлена в здании ООН в Нью-Йорке у входа в зал Совета Безопасности.

В 1947 году Пикассо переехал на юг Франции, где много работал над скульптурой, керамикой и графикой, создав тысячи превосходных рисунков, иллюстраций и эскизов декораций. Он создал большую фреску для здания ЮНЕСКО в Париже, а также скульптуру «Чикагский Пикассо» — ныне одну из самых узнаваемых достопримечательностей Чикаго. Кроме того, он создал блестящие вариации на темы работ других мастеров, включая Гойю, Пуссена, Мане, Курбе, Делакруа и Веласкеса. Он умер в 1973 году.

Картины Пикассо украшают лучшие художественные музеи мира. Три его работы были проданы более чем за 50 миллионов долларов США: «Мальчик с трубкой» (104 млн, 2004); «Дора Маар с кошкой» (95,2 млн, 2006); «Женщина со скрещёнными руками» (55 млн, 2000).

Кроме создания одних из самых влиятельных картин XX века, творческий гений Пикассо проявился и во многих других областях, включая рисунок, скульптуру, литографию, линогравюру, сценографию и керамику.

Пикассо: обзор жизни и творчества

Пикассо по праву считается одним из величайших художников всех времён и, безусловно, самой важной фигурой эпохи модернизма. Несмотря на это, многие аспекты его наследия остаются предметом споров. Авторы, пишущие о нём, часто отбрасывают те или иные грани его огромного творчества, чтобы сосредоточиться на неком «центральном ядре», которое, однако, так и остаётся неопределённым. То же самое можно сказать и о биографии Пикассо, полной меняющихся ракурсов.

Хотя в юности Пикассо был тесно связан с каталонской культурой, он родился не в Каталонии, а в Малаге в 1881 году и прожил там до десяти лет. Фамилия Пикассо — это фамилия его матери, а не отца, дона Хосе Руиса Бласко, академического художника и преподавателя рисования. После отъезда из Малаги семья четыре года провела в Ла-Корунье, пока дон Хосе не получил место профессора в Школе изящных искусств в Барселоне — культурно самом оживлённом городе Испании.

Художественный талант Пикассо развивался с поразительной скоростью — кажется, он никогда не был «ребёнком-художником» — и он быстро овладел признанным академическим стилем того времени. Поскольку его отец был профессиональным художником, он не встретил препятствий на своём пути. Одна из легенд гласит, что отец, впечатлённый талантом сына, торжественно передал ему свои палитру и кисти. Пикассо учился в Академии в Барселоне, а также недолго — в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, но ни одно из этих заведений не смогло дать ему многого.

В Барселоне юный Пикассо вошёл в круг художников и интеллектуалов fin de siècle, которые собирались в таверне «Els Quatre Gats» («Четыре кота» по-каталонски). В это время на его творчество повлияли французские художники, изображавшие городскую жизнь, такие как Стейнлен и Тулуз-Лотрек.

В 1900 году Пикассо впервые приехал в Париж в компании Карлоса Касагемаса, молодого художника из той же барселонской группы. Самоубийство Касагемаса, произошедшее на почве неразделённой любви, стало толчком к созданию картин «голубого» периода, которые стали декларацией его творческой независимости. В первые годы века он постоянно перемещался между Парижем, Мадридом и Барселоной.

В 1901 году проницательный арт-дилер Амбруаз Воллар (1866–1939) устроил его персональную выставку. Благодаря ей Пикассо подружился с поэтом Максом Жакобом (до этого его парижский круг состоял почти исключительно из испанских эмигрантов). Жакоб познакомил его с другими литераторами, в частности с Гийомом Аполлинером (1880–1918). Наконец, в 1904 году Пикассо поселился в Париже в полуразрушенном здании мастерских, известном как «Бато-Лавуар» (Bateau-Lavoir, «корабль-прачечная»), из-за его сходства с баржами-прачечными на Сене. Вскоре это место стало центром притяжения для авангардных художников и поэтов. Он встретил свою возлюбленную, Фернанду Оливье, которая позже написала мемуары об этой эпохе, и подружился с американской писательницей и коллекционером Гертрудой Стайн. Фернанда так описывала внешность Пикассо в то время:

«Маленький, смуглый, коренастый, беспокойный, тревожный, с тёмными, глубокими, пронзительными, странными, почти неподвижными глазами. Неуклюжие жесты, женственные руки, плохо одет, неухожен. Густая прядь чёрных блестящих волос рассекает его умный, упрямый лоб».

«Голубой период» перерос в менее тоскливый, но всё ещё меланхоличный «розовый период», который, в свою очередь, уступил место серии «Арлекины (Saltimbanques)» — нежным картинам с изображением циркачей и бродячих артистов, в которых чувствуются отголоски академического символизма Пюви де Шаванна. В 1906 году Пикассо отошёл от этой темы, чтобы написать несколько картин, отмеченных грубым примитивизмом. В последующие месяцы они привели к необычайному творческому взрыву. В 1906–1907 годах Пикассо создал, пожалуй, свою самую известную картину — «Авиньонские девицы». Эту свирепую группу обнажённых женщин в шутку окрестил так поэт Андре Сальмон. Картина шокировала тех немногих, кто видел её в студии Пикассо. Брак, например, заявил, что Пикассо, видимо, предлагает зрителю “выпить керосину и съесть пакли” (хотя вскоре и сам написал похожую картину с одной обнажённой).

Одним из источников вдохновения для «Девиц» были поздние работы Сезанна. Другим — искусство Чёрной Африки. На какое-то время африканское влияние возобладало, и Пикассо перешёл к так называемому африканскому периоду (époque nègre). За этим последовал другой, решающий сдвиг: развитие аналитического кубизма, который Пикассо создал в сотрудничестве с Браком. Кубизм отличался от предыдущих стилей Пикассо сложной формальной грамматикой, способом кодирования видимого мира, который стал новым языком для целого поколения художников-абстракционистов. Долгое время именно эти последователи были публичными представителями кубизма, поскольку Пикассо и Брак неохотно выставлялись в больших парижских Салонах, где обычно дебютировали новые стили.

Тем не менее Пикассо завоевал прочную репутацию в узком кругу тех, кто имел значение, — дилеров, коллекционеров и художественных критиков. К 1909 году его дела пошли настолько хорошо, что он переехал в новую, более удобную студию на бульваре Клиши. В 1911 году американский фотограф и дилер Альфред Стиглиц (1864–1946) организовал персональную выставку Пикассо в своей галерее «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Это была первая персональная выставка художника в Америке. В 1912 году он оставил Фернанду Оливье ради новой возлюбленной, Евы Гуэль (Марсель Умбер). Она единственная из спутниц Пикассо, которая не стала героиней серии его портретов, хотя её имя и слова «Ma Jolie» («Моя красавица»), посвящённые ей, появляются на многих кубистских полотнах.

В августе 1914 года, с началом войны, сотрудничество Пикассо с Браком прервалось. Пикассо, как гражданин Испании, не подлежал призыву и остался в сером, унылом Париже. Осенью 1915 года умерла Ева, а чуть позже Пикассо переехал в пригородный Монруж. К счастью, жизнерадостный русский импресарио Сергей Дягилев по предложению Жана Кокто пригласил его в Рим для работы над новым балетом «Парад» , что помогло художнику выйти из депрессии.

Приехав в Рим, Пикассо сблизился с труппой Дягилева и вскоре влюбился в танцовщицу из кордебалета Ольгу Хохлову, дочь русского генерала. В 1917 году он сопровождал труппу в Испанию, а в 1918 году он и Ольга вернулись в Париж, в то время как остальные участники Русских балетов отправились в Южную Америку. В июле они поженились. У Ольги были традиционные буржуазные вкусы, и они сняли шикарную квартиру на рю де Ла Боэси. Некоторое время Пикассо вращался в светском обществе Парижа и Ривьеры. В 1921 году у него родился первый ребёнок — сын Пауло.

В это время Пикассо находился в середине новой стилистической фазы, неоклассического периода, — возвращения к античности, которая очаровывала Пуссена и Энгра. Это шокировало некоторых его бывших друзей-авангардистов, которые связывали перемену с влиянием Ольги и её светского круга. Но сам художник также проницательно следил за экспериментами дадаистов, а затем и их преемников, сюрреалистов. Образ жизни, который нравился Ольге, и её навязчивая ревность вскоре начали тяготить художника.

В конце 1920-х годов работы Пикассо становились всё более дикими и женоненавистническими. Настроение не менялось, пока он не оправдал худшие опасения Ольги и не нашёл новую возлюбленную — семнадцатилетнюю Мари-Терез Вальтер, с которой познакомился в 1932 году. Её спокойная красота послужила вдохновением для множества картин и серии больших скульптурных голов. Последние были созданы в новой студии в нормандском замке XVII века Буажелу — к тому времени Пикассо был достаточно богат, чтобы начать скупать недвижимость. В 1935 году он добился официального развода с Ольгой, которая, тем не менее, продолжала преследовать его. А в 1936 году, вскоре после того, как Мари-Терез родила ему дочь Майю, он нашёл новую спутницу — югославского фотографа Дору Маар. Более интеллектуальная и сложная личность, чем Мари-Терез, она постепенно вытеснила предшественницу. Он по-прежнему владел квартирой на рю де Ла Боэси, но теперь она казалась ему тесной, и именно Дора нашла ему новую огромную студию в старинном здании на улице Великих Августинцев.

В начале 1930-х годов Пикассо возобновил связи с Испанией. В 1933 году он навестил семью в Барселоне, а в 1934-м предпринял более длительную поездку. В 1936 году, в год начала гражданской войны, группа молодых поклонников организовала ему выставку в Барселоне — первую в Испании за четверть века. Во время войны его симпатии были на стороне республиканцев, и те хорошо понимали его значение. Они подчеркнули эту связь, назначив его почётным директором музея Прадо. В ответ Пикассо написал огромное полотно «Герника», которое было представлено в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже в 1937 году, а затем отправлено в турне. Композиция стала горьким и мощным осуждением бомбардировки баскской столицы немецкими союзниками Франко.

В конце 1930-х годов Пикассо продолжал проводить лето на Средиземноморье. Когда в 1939 году началась война, он жил в Антибе с Дорой Маар и своим преданным секретарём Хайме Сабартесом. Он съездил в Париж, чтобы уладить дела, затем уединился в Руайане на побережье близ Бордо и оставался там до октября 1940 года. После этого он вернулся в оккупированный Париж, где и прожил до конца войны. Квартира на рю де Ла Боэси была окончательно заброшена; он поселился в просторных помещениях на улице Великих Августинцев. Он держался в стороне от немецких оккупантов, и те, похоже, не беспокоили его — и потому, что он не был французом, и потому, что его искусство было не в их вкусе. Тематика его картин того времени, например, серия натюрмортов с черепом и свечой, отражает всепоглощающий мрак тех лет.

После освобождения Парижа Пикассо внезапно стал одной из главных его достопримечательностей, символом новой эпохи свободы. Он принял на себя роль общественной фигуры, вступил в Коммунистическую партию и в последующие годы был постоянным участником различных конгрессов мира в Париже, Риме, Варшаве и Шеффилде. Партия умело использовала своего знаменитого новобранца: его рисунок голубя мира стал одной из её эмблем. Он написал ряд амбициозных политических работ, которые можно считать преемниками «Герники», хотя они не получили такого же всеобщего признания. К ним относятся «Склеп (Le Charnier)» 1945 года, посвящённый концлагерям, и «Резня в Корее» (1951).

После войны Пикассо уехал жить на Ривьеру. Дору Маар сменила Франсуаза Жило, с которой он познакомился сразу после освобождения. Ей посвящена новая серия портретов, часто в образе «женщины-цветка (femme-fleur)». Во время их совместной жизни Пикассо жил в Валлорисе, где заинтересовался местной керамической промышленностью и, сотрудничая с ремесленниками, способствовал её возрождению.

В 1955 году, после разрыва с Франсуазой, он снова переехал, на этот раз на виллу «Калифорния» с видом на Канны. Его новая спутница, Жаклин Рок, стала его женой в 1961 году. Вилла стала предметом многочисленных описаний, отмечавших скопление предметов, которыми Пикассо заполнил её комнаты. Он оставался там до тех пор, пока застройка побережья не стала вторгаться в его владения. Тогда он переехал в огромный замок XVII века Вовенарг недалеко от Экс-ан-Прованса, который купил в 1958 году. Обнаружив, что это место слишком изолировано, он вернулся на побережье, купив старинную усадьбу Нотр-Дам-де-Ви с видом на Мужен.

Пикассо наслаждался необычайно энергичной и творческой старостью, но в 1965 году перенёс операцию, после которой в его работах всё чаще звучали ноты отчаяния. Они всё больше становились сардоническим комментарием к неизбежному процессу физического увядания. Хотя его авторитет оставался огромным, он начал терять связь с авангардным миром искусства.

Его последняя крупная прижизненная выставка состоялась в 1970 году в Папском дворце в Авиньоне. Она состояла из огромного количества новых работ, стремительных и брутальных по стилю, которые встревожили публику и оттолкнули критиков. Лишь недавно эти произведения стали рассматривать как предвестие неоэкспрессионизма 1980-х годов. Серия из 347 гравюр, выполненных за семь месяцев в 1968 году, была принята лучше, хотя их содержание часто было жёстким: они высмеивали иллюзии молодости и с яростью осуждали бессилие старости. Их неприкрытый эротизм восхищал одних и оскорблял других, но Пикассо уже давно перестало волновать чужое мнение. Он умер в 1973 году, и его уход завершил целую эпоху.

Картины, рисунки, скульптуры и керамику Пикассо можно увидеть в лучших музеях современного искусства по всему миру.

О другом великом каталонском художнике см.: Антонио Гауди (1852–1926), архитектор в стиле модерн.

Пикассо создал несколько величайших картин XX века, некоторые из которых приобрели культовый статус. В 2015 году его картина «Алжирские женщины (Версия O)» (1955) была продана на аукционе Christie’s за рекордные 179 миллионов долларов.

Анализ работ испанских модернистов, таких как Пабло Пикассо,
см.: Анализ современных картин (1800–2000).