Пабло Пикассо читать ~20 мин.

Величайшая фигура в современной испанской живописи, Пабло Пикассо, один из изобретателей (вместе с Браком) кубизма, входит в число лучших художников 20 века и, должно быть, является одним из самых влиятельных художников в истории искусства. Испытав влияние французского импрессионизма, а также ряда художников-экспрессионистов, он, тем не менее, отверг взгляды Матисса о первостепенной важности и роли цвета, и вместо этого сосредоточился на новых живописных способах представления формы и пространства. Это привело его, в сотрудничестве с Жоржем Браком, к развитию совершенно нового движения кубизма, которое быстро стало передним краем современного искусства.

Галерея: 3,5 тысячи картин и рисунков Пабло Пикассо

Работы Пикассо демонстрируют ряд различных стилей, особенно экспрессионизм, и охватывают несколько периодов, включая Голубой период, Период роз, его эпоху негров, кубизм и неоклассицизм. Он также был ведущей фигурой в Парижской Школе, сплочённой группе художников, работавших в Париже. Главные шедевры Пикассо включают «Авиньонские демуазели» (1907, МоМА, Нью-Йорк), «Герника» (Рейна София, Мадрид) и «Плачущая женщина» (1937, коллекция Тейт). Многие из самых известных картин Пикассо доступны в виде отпечатков в виде плакатов.

Несмотря на свою связь с кубизмом и современным абстрактным искусством двадцатого века, Пабло Пикассо оставался творением девятнадцатого века. Можно утверждать, что и его искусство, и его мышление по сути являются продуктом романтизма и экспрессионизма девятнадцатого века. Романтическое движение относится к культурному стилю, который зародился в конце восемнадцатого века – периода, в котором доминировало Просвещение, настроение и система ценностей, возникшие на основе научных достижений и веры в разум и рационализацию. Романтики выступили против этого рационального подхода, подчёркивая ценность эмоций, эстетики и воображения. В изобразительном искусстве, например, в живописи, это привело художника к отказу от копирования природы и к самовыражению, что в случае Пикассо привело к полному экспрессионизму его «Голубого» и «Розового» периодов, современному немецкому экспрессионизму 1900-х годов. Подробнее о связях Пикассо с экспрессионизмом и контексте его вклада см: История экспрессионистской живописи (ок. 1880-1930).

Последним этапом этого развития станет абстрактное искусство, в котором кубизм Пабло Пикассо сыграет ключевую роль.

Биография

Первые сорок лет творчества Пабло Пикассо можно разделить на относительно чёткие, но пересекающиеся периоды. Это его Голубой период (ок. 1901-1904), Период розы (ок. 1905-1907), Период под влиянием африканского искусства (epoque negre) (ок. 1907), прототипический кубизм (ок. 1908-1909), аналитический кубизм (ок. 1909-1912) и синтетический кубизм (ок. 1912-1919).

Голубой период (ок. 1901-4)

В голубой период, под влиянием самоубийства своего друга Карлоса Касагемаса, он изобразил мир парижской бедноты. Это строгие меланхоличные картины проституток и нищих, написанные в синих и сине-зелёных тонах, с белым цветом кожи в стиле Эль-Греко (такие как La Vie, The Old Guitarist, The Frugal Repast, The Blindman’s Meal, Celestina). Первые дни его жизни в Париже были отмечены бедностью, что, возможно, способствовало меланхолии и тематике его творчества.

Период роз (ок. 1905-7)

В период роз Пикассо начал использовать более светлую палитру с оранжевыми, нежными оливковыми и розовыми цветами, что сделало его полотна более жизнерадостными. Прекрасным примером является картина Мальчик с трубкой (Гарсон с трубкой) (1905, частная коллекция). Одной из причин такого более яркого подхода были его тёплые отношения с Фернандой Оливье, а также его возросшее знакомство с французской живописью и другими художниками. Действительно, парижская студия Пикассо привлекала нескольких крупных фигур авангардного искусства того времени, включая Матисса, Брака и Гертруду Стайн. См., например, егоПортрет Гертруды Стайн (1906, Музей Метрополитен).

Однако, несмотря на заметный подъем цвета в «Розовом периоде», когда розовые и светло-коричневые цвета заменяют некоторые синие, меланхоличный стиль Пикассо не испарился с окончанием «Синего периода». Например, «Акробат» и «Молодой Арлекин» по-прежнему демонстрируют грусть, хотя и без траура. На самом деле, многие современники Пикассо не делали различий между голубым и розовым периодом, а рассматривали их как одну эпоху. Но период розы знаменует конец его реалистической фигурной живописи. С этого момента его живопись приобретает более интеллектуальный стиль – больше озабоченный формой, чем реализмом – по мере продвижения к кубизму.

Африканский период (ок. 1907)

Период Пикассо с африканским влиянием (epoque negre), во время которого он был вдохновлён африканским племенным искусством, начинается с двух фигур справа на его картине «Авиньонские демуазели», которые были вдохновлены африканскими артефактами.

«Авиньонские демуазели» – знаковая картина в развитии современного искусства, которая ознаменовала радикальный отход от художественных идей предшествующих эпох и возвестила о приходе нового художественного направления (кубизма), а также о рождении современной абстракции. Влияние Поля Сезанна и африканской скульптуры заметно в его фрагментарных формах и беспрецедентных искажениях. Подробнее см: Примитивизм/Примитивное искусство.

Картина изображает пять проституток в борделе на улице Авиньон в Барселоне, изображая их с нескольких ракурсов, что стало одной из характерных черт кубизма. Картина ознаменовала фундаментальный разрыв с принципами традиционного натуралистического искусства – в частности, она отвергала использование перспективы – и представляла собой совершенно иной способ живописи. Предшественники Пикассо – писали ли они портреты или пейзажи – оставались сосредоточенными на изображении природы такой, какой они её видели, тогда как в «Авиньонских демуазелях» Пикассо стремился изобразить трёхмерные объекты на плоском двухмерном холсте.

Относительное отсутствие округлости в формах и фрагменты, похожие на лобзик, указывают на абстрактное направление, которое теперь принимала его живопись. Тем временем другой художник думал о том же: его звали Жорж Брак. Они встретились в Париже в 1908 году и тесно сотрудничали в течение нескольких лет.

Рождение кубизма (ок. 1908-9)

В 1908 году под влиянием геометрических пейзажных картин Поля Сезанна в стиле Монтань-Сент-Виктуар, а также его шедевра «Большие купальщицы» (Les Grandes Baigneuses) Пикассо и Брак выполнили серию пейзажных картин, которые были очень похожи на картины Сезанна, как по цветам (темно-зелёные, светло-коричневые), так и по упрощённым геометрическим формам. Они рисовали дома в форме трёхмерных кубов. Именно эти картины имел в виду французский художественный критик Луи Воксель в 1909 году, когда использовал выражение «bizarreries cubiques», что привело к принятию слова кубизм. Затем этот стиль был усовершенствован и превратился в аналитический кубизм.

Примерно в это время Даниэль-Генри Канвейлер (1884-1979) стал арт-дилером и агентом Пикассо. Позже его сменит Леонс Розенберг (1879-1947) и его младший, но более умный брат Поль Розенберг (1881-1959).

Портрет Амбруаза Воллара (1910) – один из первых полноценных примеров нового строгого аналитического кубизма. В этой картине Пикассо разобрал человеческую фигуру на ряд плоских прозрачных геометрических пластин, которые накладываются друг на друга и пересекаются под разными углами. Теперь внезапно исчезли все «кубы» предыдущего прототипа кубистской живописи.

Аналитический кубизм – наиболее сложная форма искусства – является наиболее строгой и интеллектуальной стадией движения кубизма. В этот период формы изображаемых предметов расчленяются на большое количество мелких замысловатых шарнирных непрозрачных и прозрачных плоскостей, которые сливаются друг с другом и с окружающим пространством. Картины аналитического кубизма обычно выполнены в монохроме, без ярких цветов.

Синтетический кубизм (ок. 1912-19)

На этапе синтетического кубизма формы Пикассо стали более крупными и репрезентативными, а плоские, яркие декоративные узоры заменили прежние, более строгие композиции. Новые техники, принятые Пикассо в его творчестве этого периода, включали в себя вклеивание в композиции вырезанных бумажных фрагментов (например, обоев или кусков газеты), что ознаменовало первое крупное использование коллажа и папье-колле в изобразительном искусстве. Примерами его кубистских работ этого времени являются: Натюрморт с креслом-кантовкой, и Гитара. К этому периоду новый стиль уловил ряд других талантливых художников-кубистов.

Неоклассический период

Начиная с 1906 года и до середины 1920-х годов, параллельно с абстрактным кубизмом, Пикассо написал серию неоклассических фигур, портретов и натюрмортов. (См: Неоклассические картины Пикассо для более подробной информации). Среди его известных неоклассицистических картин: Две обнажённые женщины (1906), Сидящая женщина (Пикассо) (1920), Большая купальщица (1921), Женщина в белом (1923) и миниатюрная мифологическая картина гуашью Две женщины, бегущие по пляжу (Гонка) (1922). Предысторию этого классицизма, а также объяснение того, как его можно согласовать с его абстрактным стилем аналитической и синтетической кубистской живописи, см: Классическое возрождение в современном искусстве (ок. 1900-30).

Герника

Гражданская война в Испании (1936-9) послужила толчком для создания его второй знаковой картины, Герника, на которой изображена бомбардировка нацистской Германией Герники, Испания, 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании.

«Герника» считается одной из величайших современных картин, это огромная черно-белая фреска размером 11 футов в высоту и 23 фута в ширину. Она изображает сцену смерти, насилия, жестокости, страдания и беспомощности, не обращая внимания на их непосредственные причины.

«Герника» была первоначально выставлена в июле 1937 года в павильоне Испании на Международной выставке в Париже. Затем, по просьбе Пикассо, она была передана в Музей современного искусства (МОМА) в Нью-Йорке, пока в 1981 году не была возвращена в Испанию. Копия картины Пикассо «Герника» (в коричневых, а также задних и белых тонах) выставлена в здании Организации Объединённых Наций в Нью-Йорке, у входа в зал Совета Безопасности.

В 1947 году Пикассо переехал на юг Франции, где постоянно работал над скульптурой, керамикой и графикой, создав тысячи превосходных рисунков, иллюстраций и сценических эскизов. Он создал большую фреску для здания ЮНЕСКО в Париже, а также Чикаго Пикассо – теперь одну из самых узнаваемых достопримечательностей в центре Чикаго – и создал блестящие вариации на тему работ других мастеров, включая Гойю, Пуссена, Мане, Курбе Делакруа и Веласкеса. Он умер в 1973 году.

Картины Пикассо висят в лучших художественных музеях и современных галереях по всему миру, а три его картины были проданы более чем за $50 миллионов – Мальчик с трубкой, ($104 миллиона, 2004); Дора Маар с кошкой ($95,2 миллиона, 2006); Женщина с браслетами, ($55 миллионов, 2000).

Помимо создания одних из самых влиятельных картин двадцатого века, изобретательские способности Пикассо привели его к работе во многих других областях, включая рисунок, скульптуру, литографию, линогравюру, балетный декор и керамику.

Пикассо – обзор его жизни и творчества

Пикассо широко считается одним из лучших художников всех времён и, безусловно, самым важным художником эпохи модернизма. Несмотря на это, большая часть его достижений остаётся спорной. Для многих авторов, писавших о нем, характерно стремление отбросить тот или иной аспект его огромного творчества, чтобы сосредоточиться на некоем центральном ядре, которому, однако, похоже, суждено остаться неопределённым. То же самое можно сказать и о биографии Пикассо, которая полна меняющихся перспектив.

Хотя в юности он был тесно связан с каталонской культурой, Пикассо родился не в Каталонии, а в Малаге, в 1881 году, и жил в этом городе до десяти лет. Фамилия Пикассо произошла от имени его матери, а не отца – дона Хосе Руиса Бласко – академического художника посредственного дарования и профессионального учителя рисования. После отъезда из Малаги семья провела четыре года в Коруне, пока дон Хосе не был назначен профессором Школы изящных искусств в Барселоне, культурно самом оживлённом городе Испании.

Художественные таланты Пикассо развивались с огромной скоростью – похоже, он никогда не был «ребёнком-художником» – и он быстро овладел утверждённым академическим стилем того времени. Поскольку его отец уже был профессиональным художником, он не встретил препятствий в продолжении художественной карьеры: одна история гласит, что отец был настолько впечатлён талантом сына, что торжественно передал ему палитру и кисти. Пикассо учился в Академии в Барселоне, а также, недолго, в Королевской академии Сан-Фернандо в Мадриде, но ни в одном из этих учебных заведений его не смогли многому научить.

В Барселоне, будучи молодым человеком, он вошёл в круг художников и интеллектуалов конца века, которые собирались в таверне под названием Els Quatre Gats («Четыре кота», на каталонском языке). На творчество Пикассо в это время повлияли французские художники, изображавшие городскую жизнь, такие как Стейнлен и Тулуз-Лотрек.

В 1900 году Пикассо совершил свой первый визит в Париж в компании Карлоса Касамегаса, другого молодого художника из той же группы в Барселоне. Самоубийство Касамегаса (из-за его импотенции и безответной любви) послужило источником вдохновения для картин «голубого периода» Пикассо, который стал его декларацией художественной независимости. В первые годы века он ездил туда-сюда между Парижем, Мадридом и Барселоной.

В 1901 году проницательный арт-дилер Амбруаз Воллар (1866-1939) устроил для него персональную выставку, которая принесла ему дружбу поэта Макса Жакоба (до этого его парижский круг почти полностью состоял из эмигрантов-испанцев). Жакоб познакомил его с другими писателями, в частности с Гийомом Аполлинером (1880-1918). Наконец, в 1904 году Пикассо поселился в Париже в полуразрушенном здании студии, известном как Бато-Лавуар из-за его причудливого сходства с лодками, которые тогда использовались для стирки белья на Сене, и вскоре стал центром круга авангардных художников и поэтов. Он нашёл любовницу, Фернанду Оливье, которая позже написала книгу воспоминаний об этой эпохе, и приобрёл дружбу американской писательницы и коллекционера Гертруды Стайн. Фернанда дала описание внешности Пикассо в это время:

Маленький, чёрный, плотного телосложения, беспокойный, тревожный, с глазами тёмными, глубокими, пронзительными, странными, почти звёздными. Неловкие жесты, руки женщины, плохо одета, плохо ухожена. Густая прядь волос, чёрных и блестящих, рассечена по его умному и упрямому лбу.

Голубой период перерос в менее тоскливый, но всё ещё меланхоличный Розовый период, и он уступил место серии Сальтимбанки – нежным картинам циркачей и странствующих артистов, с отголосками академического символизма Пюви де Шаванна. В 1906 году Пикассо отказался от них, чтобы написать несколько картин, отмеченных тяжёлым примитивизмом. В последующие месяцы они привели к необычайному творческому взрыву. В 1906-7 годах Пикассо создал, пожалуй, самую известную картину, «Авиньонские девицы». Эта свирепая группа обнажённых женщин была в шутку окрещена поэтом Андре Сальмоном за её претенциозное сходство с обитательницами особенно низкопробного борделя в Барселоне. Она шокировала тех немногих людей, которые видели её в студии Пикассо: Брак, например, сказал, что Пикассо хотел, чтобы люди променяли нормальную диету на питание полотенцем и льном (хотя вскоре после этого он сам написал похожую картину с изображением одной обнажённой).

Одним из ингредиентов «Демуазелей» были поздние работы Сезанна. Другим было искусство чёрной Африки. На мгновение именно Африка одержала победу, и Пикассо перешёл к тому, что было названо его негритянским периодом (epoque negre). За этим последовал другой, решающий сдвиг: развитие аналитического кубизма, который Пикассо создал в сотрудничестве с Браком. Кубизм отличался от предыдущих стилей Пикассо тем, что имел сложную формальную грамматику, способ кодирования видимости, который стал новым языком для целого поколения художников-абстракционистов. Долгое время именно эти последователи были публичными представителями кубизма, поскольку Пикассо и Брак неохотно выставляли свои работы в больших парижских салонах, где обычно дебютировали новые стилистические эксперименты.

Тем не менее, Пикассо создал мощную репутацию среди узкого круга людей, которые имели значение – дилеров, коллекционеров и художественных критиков – и к 1909 году его дела шли достаточно хорошо, чтобы переехать в новую, более удобную студию на бульваре Клиши. В 1911 году американский фотограф и дилер современного искусства Альфред Штиглиц (1864-1946) устроил для Пикассо персональную выставку в своей галерее «291» на Пятой авеню в Нью-Йорке. Это была первая персональная выставка испанца в Америке. В 1912 году он оставил Фернанду Оливье ради новой любовницы, Евы (Марсель Гумберт). Она единственная из спутниц Пикассо, которая не вдохновила его на создание серии портретов, хотя её имя или фраза «Ma Jolie», относящаяся к ней, можно найти на ряде картин кубистов.

В августе 1914 года связь Пикассо с Браком прервалась, когда началась война. Пикассо, как гражданин Испании, не был обязан служить, и он остался в сером и унылом Париже. Осенью 1915 года умерла Ева, а чуть позже Пикассо переехал в Монруж в пригороде. К счастью, жизнерадостный русский импресарио Сергей Дягилев вывел его из депрессии, пригласив по предложению Кокто в Рим для сотрудничества в работе над новым балетом «Парад» .

Приехав в Рим, Пикассо тесно сблизился с труппой Дягилева, которая образовала свой собственный маленький мир, и вскоре влюбился в одну из членов кордебалета , Ольгу Кохлову, дочь русского генерала. В 1917 году он сопровождал балет в Испанию, а в 1918 году он и Ольга вернулись в Париж, в то время как остальные участники Ballets Russes отправились в Южную Америку. В июле они поженились. У Ольги были обычные буржуазные вкусы, и они сняли шикарную квартиру на Рю де ла Боэти. Некоторое время Пикассо знакомился с модной жизнью в Париже и на Ривьере. В 1921 году родился его первый ребёнок, сын по имени Пауло.

Сейчас Пикассо находился в середине новой стилистической фазы, неоклассического периода, возвращения к античному миру, который очаровывал Пуссена и Энгра. Это шокировало некоторых его бывших друзей-авангардистов, которые приписывали это его связи с модным миром через Ольгу. Но он также проницательно следил за выходками художников дада, а затем и преемника дадаизма, сюрреализма. Тот образ жизни, который нравился Ольге, вскоре начал портиться, как и её навязчивая ревность.

В конце 1920-х годов работы Пикассо становились все более дикими и женоненавистническими, и настроение не менялось, пока он не оправдал худшие опасения Ольги и не нашёл новую любовницу, спокойную семнадцатилетнюю девушку по имени Мари-Тереза Вальтер, с которой он познакомился в 1932 году. Ее спокойная красота послужила вдохновением для ряда картин, а также для серии больших скульптурных голов. Последние были сделаны в новой студии в нормандском замке 17 века Буажелуп – Пикассо теперь был достаточно богат, чтобы начать процесс накопления имущества, который продолжался до конца его жизни.

В 1935 году он добился официального развода с Ольгой, которая, тем не менее, продолжала преследовать его, когда могла; а в 1936 году, вскоре после того, как Мари-Тереза родила ему дочь Майю, он нашёл другую спутницу жизни, югославского фотографа по имени Дора Маар. Более умная женщина и гораздо более сложная личность, чем Мари-Тереза, она постепенно вытеснила последнюю из симпатий Пикассо. Он по-прежнему владел своей квартирой на улице Боэти, но теперь она казалась ему захламлённой и неадекватной, и именно Дора нашла ему новую огромную студию в старинном здании на улице Больших Августинов.

В начале 1930-х годов Пикассо возобновил свои связи с Испанией. В 1933 году он посетил свою семью в Барселоне, а в 1934 году совершил более длительный визит. В 1936 году, в год начала гражданской войны, группа молодых поклонников организовала для него выставку в Барселоне – первую в Испании за четверть века. Во время войны его симпатии были на стороне республиканцев, и республиканское правительство хорошо понимало его значение для них. Они подчеркнули эту связь, предоставив ему пост почётного директора музея Прадо . В ответ Пикассо написал огромное полотно «Герника», которое было представлено в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже в 1937 году, а затем отправлено в турне. Композиция представляет собой горькое и эффективное осуждение бомбардировок баскской столицы немецкими союзниками Франко.

В конце 1930-х годов Пикассо продолжал посещать Средиземноморье каждое лето, а когда в 1939 году началась война, он жил в Антибе с Дорой Маар и своим преданным секретарём и придворным шутом Хайме Сабартесом. Он отправился в Париж и привёл свои дела в порядок, затем удалился в Ройан на побережье недалеко от Бордо и оставался там до октября 1940 года, после чего вернулся в Париж и оставался там до конца войны. Квартира на улице де ла Боэти была окончательно заброшена, и он поселился в пещерных пространствах улицы Гранд-Огюстен, которые превратил в свой личный мир. Он держался отдельно от немецких оккупантов, но, похоже, они его не очень беспокоили, как потому, что он не был французом, так и потому, что его искусство было не в их вкусе. Тематика созданных им картин, таких как серия натюрмортов с черепом и свечой, перекликается со всепоглощающим мраком тех лет.

После освобождения Пикассо вдруг обнаружил, что стал одной из достопримечательностей Парижа, символом новой эпохи свободы. В какой-то степени он принял роль общественного деятеля. В частности, он вступил в Коммунистическую партию и в течение следующих нескольких лет был постоянным участником различных конгрессов мира, проходивших в Париже, Риме, Варшаве и Шеффилде. Партия хорошо использовала этого выдающегося новобранца – его рисунок голубя стал одной из её эмблем. Он написал ряд амбициозных политических работ, которые можно считать преемниками «Герники», хотя они не получили такого же всеобщего признания. К ним относятся «Дом-чародей» 1944-5 годов, посвящённый концентрационным лагерям, и «Резня в Корее» (1951).

После войны Пикассо уехал жить на Ривьеру. Дора Маар была вытеснена Франсуазой Жило, с которой он познакомился сразу после освобождения. Она была отмечена в новой группе портретов, часто в образе «флёрдоранжа». Во время их совместной жизни Пикассо жил в Валлорисе – он заинтересовался местной керамической промышленностью и возродил её, сотрудничая с местными ремесленниками.

В 1955 году, после разрыва с Франсуазой, он снова переехал, на этот раз в Ла Калифорни, помпезную виллу конца века с видом на Канны. Его новая спутница, Жаклин Роке, стала его женой в 1961 году. La Californie стала предметом многочисленных описаний, в которых отмечается скопление предметов, которыми Пикассо заполнил её комнаты. Он оставался там до тех пор, пока застройка побережья Ривьеры не стала вторгаться в его владения и портить вид. Затем он переехал в огромный замок семнадцатого века Вовенарг недалеко от Экса, который он купил в 1958 году и полностью переехал в него в 1961 году. Обнаружив, что у него есть противоположный недостаток – слишком большая изолированность, он вернулся на побережье, купив старую провансальскую усадьбу Нотр-де-Дам-де-Ви с видом на Мужен.

Пикассо наслаждался необычайно энергичной и творческой старостью, но в 1965 году он был вынужден перенести операцию на предстательной железе, и после этого в непрекращающемся производстве его работ постоянно звучали нотки отчаяния. Все больше и больше они становились сардоническим комментарием к неизбежному процессу физического вырождения. Хотя его престиж оставался огромным, он начал терять связь с авангардным миром искусства и уважение правящей хунты теоретиков и критиков.

Его последняя крупная выставка при жизни состоялась в 1970 году в Папском дворце в Авиньоне. Она состояла из огромной массы новых работ, стремительных и брутальных по стилю, которые встревожили публику и оттолкнули рецензентов. Только недавно эти работы стали рассматриваться как предвестники неоэкспрессионизма, который доминировал в искусстве первой половины 1980-х годов. Серия из не менее 347 гравюр, выполненных за семь месяцев в 1968 году, была принята лучше, хотя их содержание часто было жёстким: они высмеивали иллюзии молодости и были столь же яростными в своём осуждении бессилия старости. Их неприкрытый эротизм восхищал одних и оскорблял других, но Пикассо уже давно перестало волновать, что о нём думают. Он умер в 1973 году, и его уход завершил целую эпоху.

Картины, рисунки, скульптуры и керамику Пикассо можно увидеть в лучших музеях современного искусства по всему миру.

О другом великом каталонском художнике см: Антонио Гауди (1852-1926) архитектор стиля модерн.

Пикассо создал несколько величайших картин 20-го века, некоторые из которых приобрели культовый статус. В 2015 году его абстрактная кубистская картина «Алжирские женщины» (версия О) (1955) была продана на аукционе Christie’s за рекордные 179 миллионов долларов.

Анализ работ испанских модернистов, таких как Пабло Пикассо,
см: Анализ современных картин (1800-2000).